Paul am Schlagzeug, George am Bass: 10 großartige Instrumententausche der Beatles
Ein Rückblick auf die faszinierendsten Rollenwechsel der Fab Four. John, Paul, George und Ringo tauschen die Instrumente
Mit jeder einzelnen LP streiften die Beatles eine kreative Hautschicht ab. Auch Jahrzehnte später ist es noch schwer zu begreifen, dass sie in nur zwei Jahren von Revolver zu „Sgt. Pepper’s“ bis hin zum „White Album“ sprangen. Die Mitglieder erweiterten auch stetig ihre Rollen in der Band. Es überrascht, wie viele klassische Beatles-Songs Paul McCartney am Schlagzeug oder John Lennon an der Leadgitarre zeigen.
Diese kleinen Details sind entscheidend für die Entwicklung der Beatles. McCartneys Ein-Mann-Band-Darbietung beim White Album-Juwel „Martha My Dear“. Lennon experimentiert mit dem obskuren Keyboard Mellotron beim psychedelischen Tagtraum „Strawberry Fields Forever“. (Ohne seine Einführung dieses entscheidenden Instruments – wer weiß, ob King Crimson je den Prog-Rock mit „In the Court of the Crimson King“ verankert hätte?)
Um den unerschütterlichen Freigeist der Fab Four zu ehren, werfen wir einen Blick zurück auf zehn ihrer faszinierendsten instrumentalen Tauschaktionen.
„Back in the U.S.S.R.“
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Die „White Album“-Sessions waren insgesamt angespannt und chaotisch. Yoko Onos Anwesenheit im Studio wurde für alle außer John zur Ablenkung. Gleichzeitig kündigte der langjährige Tontechniker Geoff Emerick frustriert wegen der Streitereien der Band. Doch die Aufnahme von McCartneys Beach-Boys-Hommage „Back in the U.S.S.R.“ war besonders kompliziert, da Ringo Starr die Band vorübergehend verlassen hatte. Die übrigen drei mussten einspringen. Sowohl Harrison als auch Lennon überdubbelten zusätzliche Bassspuren, um ein zusammengesetztes Klangbild zu schaffen. Sie steuerten auch zusätzliche Drums bei, wobei McCartneys angespannte Schlagzeugarbeit am lautesten im Mix zu hören ist. Eingebettet in die „ooh-ohh“-Harmonien.
Man hört, wie die Band versucht, Ringos typische rollende Fills nachzuahmen. Aber der gleiche raffinierte Funke fehlt. Ringo wurde oft als das schwächste Glied der Beatles angesehen. Doch „Back in the U.S.S.R.“ bewies ironischerweise durch seine Abwesenheit, wie wichtig er war. Wochen später kehrte der Schlagzeuger ins Studio zurück. Sein Drumset war mit Blumen dekoriert.
„Maxwell’s Silver Hammer“
Wenige Songs der späten Beatles-Zeit wurden so verlacht wie Abbey Roads skurriles Mord-Mitmachlied „Maxwell’s Silver Hammer“, in dem der schwer fassbare Titelprotagonist seine Opfer mit einem Haushaltswerkzeug erschlägt. Lennon – wie so oft in dieser späten Phase – schrieb den Song als McCartneys „Oma-Musik“ ab. (Der Legende nach zeigte er seine Ablehnung sogar, indem er dem Sänger beim Singen der Zeile „so he waits behind“ das nackte Hinterteil entgegenschob.) Ein netter, aber leichter Lückenfüller auf einem ansonsten majestätischen Abschiedsalbum, war „Maxwell“ tatsächlich ein Vorbote zukünftiger klanglicher Möglichkeiten: McCartney spielt Klavier, Gitarren und einen stürmischen Moog-Synthesizer, Martin bedient die Orgel, und entweder Ringo oder Assistent Mal Evans – je nach Quelle – schlagen den todesverkündenden Amboss.
„She Said She Said“
McCartneys melodische Bassarbeit ist ein Markenzeichen des Beatles-Werks, doch Harrison machte auf der psychedelischen „Revolver“-Meditation „She Said She Said“ – einem der wenigen Tracks ohne Sir Paul – einen großartigen Job. „Ich glaube, wir hatten eine Auseinandersetzung oder so, und ich sagte: ‚Ach, leckt mich!‘, und sie sagten: ‚Na gut, dann machen wir es eben alleine’“, erzählte McCartney Barry Miles in der Biografie „Many Years From Now“ (1998).
Der Song wurde inspiriert von Lennons LSD-Trip 1965 mit Roger McGuinn und David Crosby von den Byrds, während dem Schauspieler Peter Fonda einem verängstigten Harrison sagte, er wisse „wie es ist, tot zu sein“. Das Ergebnis klingt wie eine Mischung aus Feier und Spott der Acid-Bewegung, getragen von Harrisons benebeltem Gitarrengewitter und geschickten, McCartney-artigen Bassläufen.
„Another Girl“
Es gibt keinen besseren Beweis für die instrumentellen Tauschereien der Beatles als „Help!,“ der Film der Band von 1965. In einer albernen Szene, untermalt vom Country-Rock-Klimpern von „Another Girl“, zupft McCartney den Mittelteil auf einer zufällig ausgewählten, bikini-bekleideten Frau; währenddessen kritzelt ein verwirrter Harrison auf dem Bass herum, Lennon grinst selig hinter Ringos Schlagzeug.
Auch der Song selbst ist aufschlussreich – wenn auch subtiler: Harrison versuchte sich an mindestens zehn Takes eines Tremolo-Gitarrenparts, doch verwendet wurde McCartneys kantiges Fill. Schon Mitte des Jahrzehnts kribbelte es dem Bassisten in den Fingern, seine Rolle zu erweitern – und, man könnte sagen, seine Autorität zu unterstreichen.
„Martha My Dear“
Dieses beschwingte „White Album“-Lied stammt vollständig von McCartney, also überrascht es nicht, dass er – bis auf die orchestralen Teile – alles selbst einspielte: Music-Hall-Klavierläufe, schwingender Bass, kühne E-Gitarrenlinien, dezente Drums und Händeklatschen. Dennoch ist „Martha“ – eine seltsame Mischung aus distanzierter Liebeserklärung und Widmung an den treuen Old English Sheepdog des Songwriters – eine echte Zusammenarbeit mit Produzent George Martin, der die eleganten Streicher- und Bläser-Arrangements schrieb.
„Ich erinnere mich, dass George Harrison einmal zu mir sagte: ‚Ich könnte nie solche Songs schreiben‘“, erzählte McCartney in „Many Years From Now“. „‚Du denkst dir die einfach aus. Die bedeuten dir nichts.‘ Ich glaube, auf einer tiefen Ebene bedeuten sie mir etwas, aber oberflächlich gesehen sind sie oft Fantasie, wie ‚Desmond and Molly‘ oder ‚Martha My Dear‘. Ich meine, ich spreche ja nicht wirklich mit Martha. Es ist eine Art Kommunikation von Zuneigung, aber in leicht abstrakter Form.“
„Tell Me What You See“
Von McCartney in „Many Years From Now“ als „Füllmaterial“ und „nicht besonders einprägsam“ beschrieben, fängt das folkige „Help!“-Überbleibsel „Tell Me What You See“ die Beatles auf dem Höhepunkt ihrer Langeweile ein. Aber auch ihre Neugier, neue Instrumentengebiete zu erkunden. Der Song, hauptsächlich von McCartney geschrieben, braucht eine Weile, um in Gang zu kommen. Der Gesang in der ersten Strophe ist unbeholfen vor dem Takt, steigert sich aber zu einem Refrain aus trotzigen Tiefstnoten. Die Overdubs – McCartneys bluesiges E-Piano, lateinamerikanische Percussion in Form von kratzendem Guiro und klackenden Claves – kündigen bereits die klangliche Vielfalt von Rubber Soul an.
„Here Comes the Sun“
Die große „Fab Four“-Illusion hatte sich gegen Ende der Sechzigerjahre aufgelöst: Die Lennon/McCartney-Credits waren eine bedeutungslose Formalität, und es war selten, dass das gesamte Quartett zusammen im Studio war. Da ihre kreativen Persönlichkeiten zunehmend aneinandergerieten, übernahmen die Mitglieder häufiger das komplette Arrangement ihrer eigenen Songs.
Ein gutes Beispiel ist Harrisons „Abbey Road“-Wiegenlied „Here Comes the Sun“. Ein optimistisches Mantra, das er im Garten von Eric Clapton schrieb. Harrison dominierte die Aufnahmen. Er spielte hochgekapodierte Akustikgitarre, E-Gitarre, Harmonium und Moog-Synthesizer. Ein verletzter Lennon, der sich von einem Autounfall erholte, war nicht beteiligt. Angesichts seines generellen Desinteresses an den Beatles zu dieser Zeit wohl ohnehin nicht von Bedeutung.
„The Ballad of John and Yoko“
Diese bluesige 1969er Laune, der letzte Nummer-eins-Hit der Band im Vereinigten Königreich, wurde von Lennon während seiner Hochzeitsreise mit Yoko Ono in Paris geschrieben und beschreibt die Medienspektakel rund um das Paar. Der Text ist reiner Lennon. Voll von Insiderwitzen und bissigen Beobachtungen. Aber das Arrangement ist klassisch McCartney. Aufgebaut auf dem Fundament seines federnden, unsinnigen „Ob-La-Di, Ob-La-Da“. Das Duo nahm „John and Yoko“ ohne die anderen Bandmitglieder auf. Ringo drehte gerade seine Rolle in der Komödie „The Magic Christian“ mit Peter Sellers. Lennon übernahm die call-and-response-Leadgitarre. McCartney spielte ein spritziges Schlagzeug. Es war eine seltene Rückkehr zur kreativen Intimität des größten Songwriting-Duos der Rockgeschichte.
„The End“
„The End“ ist ein passender Höhepunkt für die Beatles. Der Schwanengesang ihrer fragmentierten „Abbey Road“-Medley, aufgenommen während ihrer letzten vollständigen Session als Band. Von Hardrock-Riffs über kreischende Gitarrensoli bis hin zu orchestraler Ballade wechselt der Song und zählt neben Lennons halluzinatorischem „Happiness Is a Warm Gun“ zu den proggigsten Momenten der Band. In gerade einmal etwas mehr als zwei Minuten.
Es ist auch eine Demonstration der individuellen Talente der Band. Nicht nur Harrison – der de-facto-Leadgitarrist – sondern auch Lennon und McCartney tauschen sich in einem Gitarrenkreis ab. In der Mitte des Songs wechseln sich die drei mit Mini-Solos ab. Paul, dann George, dann John. Während Lennon mit seinen wahnsinnigen Fuzz-Tone-Läufen glänzt, triefen Pauls drahtige Passagen vor Soul. Und führen den Hörer direkt zurück zu den R&B-Wurzeln der Fab Four.
„Strawberry Fields Forever“
George Martin mochte das Mellotron nie, das geisterhafte Keyboard, das die Beatles erstmals 1967 bei „Strawberry Fields Forever“ einsetzten. Er beschrieb dessen Ursprung so: „Als hätte ein Neandertalerklavier ein primitives elektronisches Keyboard geschwängert.“ Doch genau dieser Klang prägt „Strawberry Fields“. Das schläfrige Flöten-Intro entführt uns in einen kindlichen Tagtraum. Und markiert die Verwandlung der Beatles zur vollwertigen Psychedelic-Band.
Die Beatles hatten schon zuvor Instrumente getauscht. Aber nie mit so hypnotischer Wirkung. McCartney fügt Mellotron und donnernde Pauken hinzu. Lennon ergänzt sein suchendes Akustikgitarren-Pattern mit Klavier und Bongos. Ringo liefert verzierende Drumfills. Harrison bringt fallende Linien mit der Swarmandal, einer indischen Harfe, ein. Ein Übergang von Realität zu Fantasie. Um Lennons Frustration zu begegnen, gingen Martin und Toningenieur Geoff Emerick an ihre kreativen Grenzen. Und verbanden zwei separate Takes in chirurgischer Klangmeisterleistung.
