Die 80 besten Alben der 80er-Jahre – das ultimative Ranking
Die 80 besten Alben der 80er-Jahre: Von Pop bis Punk – diese Klassiker prägten ein Jahrzehnt und klingen bis heute unvergessen
60. Pete Townshend, „Empty Glass“
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Pete Townshend versuchte sich 1972 mit seiner Sammlung von Reststücken „Who Came First“ und 1977 mit „Rough Mix“, das er zusammen mit Ronnie Lane von den Faces aufgenommen hatte, an Soloarbeiten. Aber „Empty Glass“ aus dem Jahr 1980 ist der eigentliche Beginn der Karriere des Gitarristen außerhalb der Who.
Popsongs wie „Rough Boys“, „Let My Love Open The Door” und „A Little Is Enough” hätten große Hits für The Who werden können. Aber die Tatsache, dass er sie für sein eigenes Album aufhob (und die Reststücke für das 1981 erschienene Album „Face Dances” von The Who übrig ließ), zeigt, wo zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere seine Prioritäten lagen. Es war keine Überraschung, als sich die Gruppe 1982 trennte. Empty Glass bewies, dass er bereit war, ohne sie weiterzumachen. —A.G.
59. The Psychedelic Furs, „Psychedelic Furs“
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Das Einzige, was an dem Debütalbum der Psychedelic Furs hübsch in Pink ist, ist das Albumcover. Bevor sie zu New-Wave-Idolen wurden, klangen die Furs eher wie experimentelle, laute Punks, und das Album klingt wie ein großartiges Kunstprojekt. Konnten sie grübeln und Saxophon spielen?
Irgendwie schafften sie beides auf „Sister Europe”, wo sie versuchten, Roxy Music zu übertrumpfen, und auf „We Love You” wirkten sie wie ein britischer Jonathan Richman, während Richard Butler seine Lieben aufzählt (die BBC, Frank Sinatra, schreiende Körper). Nie wieder klangen sie so gefährlich. —K.G.
58. The Fall, „Grotesque (After the Gramme)”
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The Fall haben die einzigartige Fähigkeit, unglaublich eingängige Songs zu schreiben, die gleichzeitig so klingen, als würden sie aus allen Nähten auseinanderfallen. Mark E. Smiths Dröhnen, Grunzen und Jaulen, gekonnt verwoben mit Dick Dales Gitarrenlinien und verrückten Grooves. „Grotesque“ zeigt die Band von ihrer besten Seite, während Smith seine Stimme in alle möglichen grotesken Klänge verzerrt und Kazoo, knallende Snares und stampfende Gitarren alles zu einer Art Sinn zusammenfügen.
„Sie sagen, ich würde Johnny Rotten kopieren“, erklärt Smith in dem fast achtminütigen Musikindustrie-Verriss „C ‚n‘ C-S Mithering“. Eine Aussage, die nicht nur angesichts des darauf folgenden Chuck-Berry-Songs „The Container Drivers“ aus dem Council Home, sondern auch angesichts der nächsten Jahrzehnte im Katalog von The Fall unmöglich erscheint. – B.E.
57. Roxy Music, „Flesh and Blood“
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Als Roxy Music in die Achtzigerjahre schwenkte, bezeichnete Bryan Ferry ihr neues Konzept kühn als „Friseurmusik“. „Flesh and Blood“ hat elegante Euro-Trash-Synth-Pop-Grooves wie „Over You“, während Ferry mit dem grüblerischen Casanova-Flair singt, das bereits New-Romantic-Erben wie Duran Duran und Soft Cell inspirierte.
„Oh Yeah” ist die ultimative Roxy-Ballade. Ferry weint über den Song im Radio, der ihn an seinen geheimen Herzschmerz erinnert, und er liebt jede Minute davon. Flesh and Blood setzte auch die lange Tradition der Roxy-Covergirls fort, diesmal mit Mädchen in weißen Togas, die Speere werfen. —R.S.
56. The Gap Band, „The Gap Band 3”
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The Gap Band 3 war der Durchbruch für die Wilson-Brüder. Es war ihr erstes Album, das Platz eins der R&B-Charts erreichte, und es enthielt ihre erste Nummer-eins-Single, das knallharte „Burn Rubber on Me (Why You Wanna Hurt Me)”.
Nach der blumigen Ensemble-Phase des Funk in den späten Siebzigern half The Gap Band dabei, dem Genre eine neue Richtung zu geben, indem sie Blasinstrumente und Orchesterarrangements wegließen und sich stattdessen auf eine knallige, treibende Rhythmusgruppe konzentrierten, die den West Coast G-Funk vorwegnahm. —E.L.
55. Squeeze, „Argybargy“
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Ein Jahr nach ihrem Cockney-Disco-Klassiker „Cool for Cats“ landeten Squeeze mit „Argybargy“ einen Riesenerfolg, bei dem das brillante Songwriter-Duo Glenn Tilbrook und Chris Difford im Mittelpunkt stand. Sie spezialisierten sich auf komische Vignetten über versoffene Londoner Außenseiter, von „Pulling Mussels (from the Shell)“ bis „Separate Beds“ („Ihr Vater schien mich zu mögen/Ich half ihm, sein Auto zu reparieren“).
Im Gegensatz zu vielen ihrer männlichen Kollegen hatten Squeeze ein Händchen dafür, einfühlsame, komplexe weibliche Heldinnen zu erschaffen. „Man muss die Figuren, über die man schreibt, wirklich kennen“, sagte Texter Difford gegenüber Rolling Stone. „Die Figuren in ‚Vicky Verky‘ kommen in ‚Up the Junction‘ vor. Sie sind eine Art Sammlung von Leuten, die in einer Kneipe gegenüber von meinem Wohnort trinken.“ —R.S.
54. Pat Benatar, „Crimes of Passion“
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„Ich bin das Klischee der hübschen Frau, die singen kann“, sagte Pat Benatar gegenüber Rolling Stone. Die ehemalige Pat Andrzejewski – der Stolz von Greenpoint, Brooklyn – war eine echte Powerfrau mit einer Sopranstimme, die drei Oktaven umfasste. Sie inspirierte auch die Jugend Amerikas dazu, das modische Potenzial von Spandex und Stirnbändern zu entdecken.
„Crimes of Passion“ ist das Album, mit dem sie sich einen Namen gemacht hat. „Hit Me With Your Best Shot“, „Hell Is for Children“ und ihre zutiefst seltsame Mall-Rat-Version von Kate Bushs „Wuthering Heights“. Romantische Anmerkung: Benatar und ihr Ehemann, der Gitarrist Neil Giraldo, sind nach 40 Jahren immer noch zusammen – was beweist, dass Liebe nicht immer ein Schlachtfeld sein muss. —R.S.
53. J. Geils Band, „Love Stinks“
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„I’ve been through diamonds/I’ve been through minks/I’ve been through it all/Love *stiiiinks*.” Die Geils-Gang stürmte mit einem überraschenden New-Wave-Makeover für Bostons beste Blues-Rock-Party-Monster die Tür zu den Achtzigern ein. „Love Stinks“ wurde von Adam Sandler in „The Wedding Singer“ unvergesslich interpretiert, während „Till the Walls Come Tumbling Down“ den Mundharmonika-Helden Magic Dick zur Geltung bringt.
Wie der redegewandte Frontmann Peter Wolf gegenüber Rolling Stone sagte: „ Ich hätte einen dreiteiligen Anzug anziehen und wir hätten Disco machen können, und vielleicht wären wir unglaublich erfolgreich gewesen. Aber das fühlte sich einfach nicht richtig an. Wir haben uns dazu verpflichtet, das zu tun, was wir tun – Sie wissen schon, drei Akkorde und *unh*! Wir sind keine Gefangenen des Rock ‚n‘ Roll. Wir sind Freiwillige.“ —R.S.
52. The Cure, „Seventeen Seconds“
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The Cure waren bei ihrem Debüt 1979, „Three Imaginary Boys“, eine skelettartige Post-Punk-Band im Stil von Wire. Mit ihrem zweiten Album begann Robert Smith seinen Aufstieg als Goth-Pop-Songwriter, inspiriert von Nick Drake und Siouxsie and the Banshees, um mit seiner klebrigen, tränenreichen Einsamkeit zu spielen, als wäre sie schwarze Silly Putty.
Songs wie „A Forest“ und „ Play for Today” sind elegante, einhüllende Studien in affektierter, köstlich jammernder Trübsal, die sich als fast unmöglich beständig erwiesen haben und einen langen, pastösen Schatten auf die Geschichte des Alternative Rock werfen. —J.D.
51. Joan Jett, „Bad Reputation“
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The Runaways hatten nie den Erfolg, den sie verdient hätten. Aber das hinderte Joan Jett nicht daran, dem Radio-Rock als Solokünstlerin den dringend benötigten Kick zu geben. Jett nahm ihr Debütalbum mit dem Produzenten Kenny Laguna und Mitgliedern von Blondie und den Sex Pistols auf. Als sie kein Label fand, das das Album veröffentlichen wollte, brachte sie es selbst heraus.
Mit so großem Erfolg, dass Boardwalk Records sich entschloss, es ein Jahr später unter dem neuen Titel „Bad Reputation“ erneut zu veröffentlichen. Jetts Debütalbum, eine Mischung aus glamourösen Originalen und punkigen Coverversionen von Klassikern wie „Shout” und „You Don’t Own Me”, war eine wilde, freche Neuauflage einer der beliebtesten Rock-Pionierinnen. —B.S.
