Die 80 besten Alben der 80er-Jahre – das ultimative Ranking

30. George Jones, „I Am What I Am“

Als der 49-jährige Country-Legende George Jones diesen Honky-Tonk-Klassiker veröffentlichte, hatten ihn fast alle schon abgeschrieben: „He Stopped Loving Her Today“ belebte die Karriere des Possums im Alleingang wieder und wurde sofort zu seinem Markenzeichen, aber auch 40 Jahre später hat der Rest des Albums nichts von seiner Wirkung verloren. Es gibt klassische Wortspiele zum Thema Untreue („ I’m the One She Missed Him With Today”), tragikomische Betrachtungen über das mittlere Alter (“I’ve Aged Twenty Years in Five”) und düstere Vorahnungen über die Schwierigkeiten, trocken zu werden (“Bone Dry”). —J.B.

29
Black Uhuru, „Sinsemilla”
Fünf Jahre bevor sie den ersten Grammy für das beste Reggae-Album gewannen, schlossen sich die jamaikanischen Reggae-Pioniere Black Uhuru für ihr drittes Album und ihr erstes bei dem einflussreichen Label Island Records mit den Rhythmus- und Produktionsgöttern Sly und Robbie zusammen. Ihr bestes Album, Red, sollte zwar erst ein Jahr später erscheinen, doch die Hingabe der Gruppe zum Rastafarianismus und die Synthese aus traditionellem Roots-Reggae und laserartigen Synthesizern kommt auf Sinsemilla. Es ist das einflussreichste jamaikanische Musikalbum des Jahres 1980 und das Album, das dazu beitrug, die Gruppe einem Publikum außerhalb ihrer jamaikanischen Wurzeln bekannt zu machen. Bonuspunkte gibt es dafür, dass die Gruppe mit der ehemaligen Sozialarbeiterin Puma Jones eine seltene amerikanische Sängerin in ihren Reihen hat. —J.N.

28
Ozzy Osbourne, „Blizzard of Ozz“
Nachdem Black Sabbath Ozzy Osbourne wegen exzessiven Alkohol- und Drogenkonsums (selbst für Sabbath-Verhältnisse) rausgeworfen hatte, war die spontane Reaktion des Sängers, sich mit Alkohol und Drogen in die Vergessenheit zu trinken. Durch einen glücklichen Zufall traf er den sechs-saitigen Wunderknaben Randy Rhoads, dessen rasante Riffs und gotischer Flair Osbourne beim Songschreiben neuen Schwung verliehen. „ Crazy Train” wurde sofort zum Klassiker, „Mr. Crowley” strahlte Dunkelheit aus, und die Ballade „Goodbye to Romance” war ein süßer Abschied von Sabbath. Osbourne klang wie neu geboren, und seitdem ist die Hälfte von „Blizzard” seit vier Jahrzehnten in seinen Setlisten geblieben. —K.G.

27
Paul McCartney, „McCartney II“
Als die Siebziger zu Ende gingen, beschloss Paul McCartney, sich von Wings zu lösen und ein Soloalbum aufzunehmen … im wahrsten Sinne des Wortes. Wie bei seinem ersten Album nach den Beatles, „McCartney“ aus dem Jahr 1970, schrieb er alle Songs selbst und spielte alle Instrumente selbst ein (mit ein wenig Unterstützung seiner Frau Linda beim Gesang) auf „McCartney II“. Wie alle anderen in den späten Siebzigern legte er sich ein paar coole Synthesizer zu und schrieb ausgefallene Dance-Nummern („Coming Up“), avantgardistische Expeditionen („Temporary Secretary“) und natürlich alberne Liebeslieder („Waterfalls“). —K.G.

26
Teddy Pendergrass, „TP“
Pendergrass, der dynamische Sänger mit der rauen Stimme, der im Mittelpunkt des Philadelphia-Ensembles Harold Melvin and the Blue Notes stand, etablierte sich in den späten Siebzigern und frühen Achtzigern als einer der herausragenden Balladensänger des Soul. In Titeln wie dem trostlosen „Love T.K.O.“ und dem sinnlichen „Feel the Fire“ gelang es ihm, akribische Präzision – katzenhafte Gitarren schleichen um Pendergrass herum, während er klagt – mit einer überwältigenden Kraft zu verbinden: Dieser Sänger konnte lauter einatmen als einige seiner Konkurrenten singen konnten. Aber Pendergrass war nicht nur tief und langsam; er stürzte sich mit derselben Energie in Uptempo-Nummern wie in Balladen. „Take Me in Your Arms Tonight“, ein fröhlicher Dialog mit Stephanie Mills, sprüht noch immer genug Funken, um eine Tanzfläche zum Kochen zu bringen. —E.L.

25
John Prine, „Storm Windows“
Auf seinem letzten Major-Label-Album vor der Gründung seines eigenen Labels Oh Boy Records begab sich Prine nach Muscle Shoals, Alabama, um diese dynamische Sammlung von Kindheitserinnerungen („One Red Rose“) und dystopischen Träumen („Living in the Future“) aufzunehmen. Songs wie „Shop Talk“ und „Baby Ruth“ weisen noch Spuren von „Pink Cadillac“ auf, der chaotischen Rockabilly-Sammlung des Sängers, die im Jahr zuvor veröffentlicht wurde, aber der Titelsong ist einer von Prines nachhaltigsten Originalsongs, komplett mit seinem Refrain, der wie ein Wiegenlied an einem regnerischen Tag klingt. —J.B.

Picasa
24
U2, „Boy“
Die vier Mitglieder von U2 waren kaum aus ihren Teenagerjahren heraus, als ihr Debütalbum „Boy“ erschien, aber sie hatten in den vier Jahren zuvor in ihrer Heimat Irland Konzerte gegeben und eine unglaubliche Sammlung von Songs zusammengetragen, die von verlorener Unschuld und Ängsten vor dem Eintritt in die Welt der Erwachsenen geprägt waren. Der erste Titel „I Will Follow“ war ihr erster Hit, aber es sind weniger bekannte Songs wie „Into the Heart“, „The Ocean“ und „Stories for Boys“, die die wahre Tiefe ihres Talents zeigen. —A.G.

23
The Feelies, „Crazy Rhythms“
Mit ihrem zurückhaltenden, biederen Look, zwei Schlagzeugern, ihrer introvertierten Bühnenpräsenz und ihrem straffen, hektischen, nervösen Sound waren The Feelies aus Hoboken, New Jersey, anders als alles andere in der Punkszene, und ihr Debüt strahlt noch immer eine gitarrenverrückte Entdeckungsfreude aus. Die ungewöhnliche Spannung baut sich durch „The Boy With the Perpetual Nervousness“ und „Loveless Love“ auf, bis sie in dem klappernden Rausch von „Raised Eyebrows“ und dem sechsminütigen, tranceartigen Titelsong explodiert. Gleichzeitig ist ihre wilde Version von „Everybody’s Got Something to Hide Except Me and My Monkey“ eine der großartigsten Beatles-Coverversionen, die je aufgenommen wurden. —J.D.

22
Stevie Wonder, „Hotter Than July“
Nach dem enttäuschenden kritischen und kommerziellen Erfolg von Wonders Album „Stevie Wonder’s Journey Through The Secret Life of Plants“ aus dem Jahr 1979 spekulierten einige, dass seine magische Hand vielleicht ein wenig nachgelassen habe. Aber Wonder war wieder voll da und zeigte sein vielseitiges Talent mit dem schönen Disco-Pop von „All I Do”, dem Bob-Marley-Tribut „Master Blaster” und dem countrylastigen „I Ain’t Gonna Stand for It”. Er beendet das Album mit der synthlastigen Euphorie von „Happy Birthday”, geschrieben zu Ehren von Martin Luther King Jr., dessen Geburtstag drei Jahre später als nationaler Feiertag anerkannt wurde. —J.D.

21
The B-52’s, „Wild Planet“
Cindy Wilson, Kate Pierson, Fred Schneider und Ricky Wilson – mit ihrer Mischung aus Bienenkorbfrisuren und Tollen, schrägen Vocals und visuellen Eigenheiten – agierten immer irgendwo außerhalb der Zeit. Daher war ihr zweites Album – nach dem Science-Fiction-Hi-Fi-Album „Planet Claire“ und dem ewigen Partyhit „Rock Lobster“ aus dem ersten Album, das wie eine Neutronenbombe einschlug – nicht so schockierend wie ihr Debüt, aber dennoch durchweg exzellent. Die Gruppe setzte weiterhin auf die Retro-Seltsamkeit der Sechzigerjahre, aber was diese Platte unvergesslich macht, ist „Private Idaho“, das den radiofreundlichen Erfolg der selbsternannten „kitschigen kleinen Tanzband“ aus Athens, Georgia, fortsetzte. —J.P.

20
John Lennon und Yoko Ono, „Double Fantasy“
Lennons letztes Album, das weniger als einen Monat vor seiner Ermordung veröffentlicht wurde, markierte seine Rückkehr zur Musik nach einer fünfjährigen Pause, in der er sich als Hausmann um seinen Sohn Sean kümmerte. Es beginnt mit dem fröhlichen und passend betitelten „(Just Like) Starting Over”, während „Watching the Wheels” seine Zeit abseits des Rampenlichts reflektiert. Zu Beginn der Achtzigerjahre ist die Produktion elegant und raffiniert. Als Zusammenarbeit mit Yoko Ono fungiert jeder Song als Dialog zwischen dem Paar, der sowohl die guten Zeiten („Woman“) als auch die schlechten („I’m Losing You“ und „I’m Moving On“) behandelt. „Ich habe das Gefühl, dass Double Fantasy für ihn der Beginn eines ganz neuen Plattenstils gewesen wäre“, sagte Sean Ono Lennon kürzlich gegenüber Rolling Stone. A.M.

19
Various Artists, „Wanna Buy a Bridge?“
Das Londoner Indie-Label Rough Trade stellte diesen Sampler zum perfekten Zeitpunkt zusammen – gerade rechtzeitig, um eine Explosion von kunstvollen Postpunk-Rebellen zu dokumentieren, die sich erhoben, um eine neue Art von Noise zu machen. „Wanna Buy a Bridge?“ fängt diese Bands auf dem Höhepunkt ihrer Karriere ein: Delta 5 (der manische feministische Funk-Gesang „Mind Your Own Business“), The Raincoats (der wilde Gitarren-Geigen-Groove „In Love“), The Slits, Stiff Little Fingers, Kleenex, Cabaret Voltaire, Essential Logic, Scritti Politti, The Pop Group und andere. Wanna Buy a Bridge? wurde in den USA, wo die Alben dieser Bands unmöglich zu finden waren, äußerst einflussreich. Comic Relief: „Part Time Punks“ von Television Personalities, ein Mitsing-Liedchen, das sich über alle lustig macht, die die Platte kaufen könnten. —R.S.

18
Judas Priest, „British Steel“
British Steel war das sechste Album von Judas Priest, aber sie hatten die Energie einer Band, die gerade erst angefangen hatte. Es gibt keine verschwendete Sekunde in ihrem Anti-Thatcherismus-Song (und MTV-Hit) „Breaking the Law“ oder ihrer Ode an das Leben nach Mitternacht, „Living After Midnight“, und „United“ war so poppig, wie Heavy Metal 1980 nur sein konnte. Was die Platte jedoch zu einem Klassiker machte, war, dass fast jeder Song eine Single hätte sein können, vom mitreißenden „Metal Gods“ bis zum schwerfälligen „The Rage“. British Steel verhalf dem Heavy Metal zu einem neuen Level. —K.G.

17
Steely Dan, „Gaucho“
Das raffinierteste Album von Steely Dan war das letzte, das sie veröffentlichten, bevor sie eine 20-jährige Pause einlegten. Der vakuumversiegelte Sound von „Guacho“ passte perfekt zu „Babylon Sisters“, „Hey Nineteen“ und „Glamour Profession“, den kitschig-glatten Werken von Donald Fagen und Walter Becker aus dem kokainvernebelten El Lay. Es war der Höhepunkt des obsessiven Perfektionismus der Dan im Studio. Becker und Fagen bauten sogar eine berühmte 200.000-Dollar-Drum-Machine, um ihren entspannten, trockenen Grooves genau das richtige antiseptische Feeling zu verleihen, und tatsächlich ist dies 200.000-Dollar-Drum-Machine-Rock vom Feinsten. —J.D.

16
The Jam, „Sound Affects“
Paul Weller war gerade einmal 22 Jahre alt, aber er war der Londoner Punkszene bereits entwachsen. Auf „Sound Affects“, dem fünften und besten Album von The Jam, schwelgt er in der klassischen englischen Songkunst der Kinks und Small Faces und singt über die Wut der Arbeiterklasse über die Mod-Prahlerei in „Boy About Town“ und „Pretty Green“. „Start!” ist eine clevere Anspielung auf „Taxman” von den Beatles – eine Hommage an Wellers fantastische Arroganz und seinen großartigen Schlagzeuger. „That’s Entertainment“ ist eine düstere Akustikballade über die Unzufriedenheit in der Stadt, aber Weller war wie immer frech und erinnerte sich: „Ich kam betrunken aus der Kneipe nach Hause und schrieb in 10 Minuten ‚That’s Entertainment‘, ‚Wellers bisher bester Song‘, hah!“ —R.S.

15
Chic, „Real People“
Die Masterminds von Chic, Nile Rodgers und Bernard Edwards, waren auf dem Höhepunkt ihrer Karriere und schrieben Dance-Hits für Diana Ross, Sister Sledge und andere. Aber ihre seltsamsten und ausgefallensten Songs behielten sie für sich. Nach dem Pop-Erfolg von Risqué mit dem Hit „Good Times“ fühlten sie sich frei, ihre intellektuelle Seite in Real People mit New Yorker Grooves wie „26“ und „Chip Off the Old Block“ zur Schau zu stellen. Mit Rodgers’ Worten: „Wir waren Barden, die unseren Texten eine trügerische Maskerade-Architektur auferlegt haben.“ Es ist eine Disco-Version eines späten Steely Dan-Albums, mit High-Life-Ennui und Verzweiflung unter der schicken Oberfläche. —R.S.

14
The English Beat, „I Just Can’t Stop It“
Zusammen mit den Specials und den Selecter waren The Beat aus Birmingham, England, Teil einer rassisch integrierten „2-Tone“-Bewegung, die jamaikanischen Ska und britischen Punk mischte. Ihr Debüt ist zugleich jubelnd und bissig und liefert scharfe Kommentare zu demselben unter Null liegenden Solipsismus, den Elvis Costello und The Clash in den spannungsgeladenen, gewundenen Grooves von „Mirror in the Bathroom“ und „Twist and Crawl“ besangen. Sie covern beschwingt Smokey Robinsons „Tears of a Clown“, liefern skankende antifaschistische Politik („Stand Down Margaret“) und krönen das Ganze mit dem prägnanten Gitarren-Pop-Sunburst von „Best Friend“. —J.D.

13
Elvis Costello and the Attractions, „Get Happy!!“
„Unser Soul-Album“, nannte Elvis Costello dieses Meisterwerk. „Wir gingen in den Pub, tranken etwas und sagten: ‚Machen wir es wie Booker T and the M.G.s.‘“ Das Ergebnis war „Get Happy!!“ – 20 zweiminütige Songs, zusammengepresst auf einer Vinyl-LP, mit Motown- und Stax-R&B-Licks, die mit Ramones-Geschwindigkeit heruntergerasselt wurden. Trotz aller cleveren Wortspiele („The chairman of this boredom is a compliment collector/I’d like to be his funeral director“) gehen die Songs tief unter die Haut, insbesondere Balladen wie „Opportunity“, „Riot Act“ und „Clowntime Is Over“. —R.S.

12
Motörhead, „Ace of Spades“
Es gibt nur wenige Heavy-Metal-Hymnen für Außenseiter, die so eloquent sind wie „Ace of Spades“: „Du weißt, ich bin zum Verlieren geboren, und Glücksspiel ist was für Dummköpfe/Aber so gefällt es mir, Baby, ich will nicht ewig leben.“ Lemmy Kilmister war der große philosophische Poet des Hardrock, und „Ace of Spades“ war teils „Paradise Lost“, teils „Don Juan“ und dabei viel witziger als beide. Kilmister spuckt durchweg anzügliche Zweideutigkeiten, Worte der Weisheit und sogar den seltenen Funken Hoffnung aus, wie in „Live to Win“: „They might try and fence you in/But you’ve only gotta live to win.“ —K.G.

11
Bob Marley and the Wailers, „Uprising“
Das letzte Album, das Bob Marley vor seinem Tod 1981 aufgenommen hat, beginnt mit der beschwingten Anmut von „Coming in From the Cold“ und enthält seinen wunderschönen Reggae-Disco-Fusion-Hit „ Could You Be Loved“. In „Real Situation“ und „Bad Card“ beschreibt er eine Welt am Rande des Weltuntergangs, wobei die Spiritualität der Rastafari als schwache Hoffnung gegen die bevorstehende Apokalypse dient. Aber er endet mit „Redemption Song“, seiner beliebtesten und kraftvollsten Aussage über globalen und persönlichen Widerstand. —J.D.

10
Joy Division, „Closer“
Das zweite und letzte Album von Joy Division wurde unter tragischen Umständen aufgenommen und veröffentlicht. Während die Band dieses Post-Punk-Meisterwerk zusammenstellte, verschlimmerte sich der Kampf des Sängers Ian Curtis mit seiner Epilepsie zunehmend und seine Anfälle wurden heftiger und beeinträchtigten sein Leben immer mehr. Im Mai 1980 erhängte sich der Sänger. Closer wurde zwei Monate später veröffentlicht, ein unerbittlich eisiges, düsteres, erstickendes Werk, das dennoch unglaublich tanzbar ist. Mit ihrem letzten Album gaben Joy Division den Ton für das nächste Jahrzehnt des Goth Rock und New Wave an, darunter auch die bald darauf gegründete Gruppe New Order, die sich aus Curtis’ ehemaligen Bandkollegen zusammensetzte. —B.S.

9
Diana Ross, „Diana”
Miss Ross wollte einen neuen Lebensabschnitt feiern – also wandte sie sich an das heißeste Duo der Clubszene, Nile Rodgers und Bernard Edwards von Chic. Sie schrieben ihrem Idol eine freche Hymne namens „Upside Down”. Sie hasste sie. Motown hasste sie. Der einzige, der ihre Großartigkeit zu erkennen schien, war – ausgerechnet – Gene Simmons von Kiss. Wie Rodgers in „Le Freak” schrieb: „Wir respektierten Gene, aber er war zu dieser Zeit mit Diana Ross zusammen, also was hätte er sonst sagen sollen?” Doch Gene hatte Recht. „Upside Down“ schoss direkt auf Platz eins und ihre Zusammenarbeit mit Chic, „Diana“, wurde zu ihrem prägenden Solo-Meisterwerk – insbesondere der prophetische Queer-Stolz von „I’m Coming Out“. –R.S.

8
Bruce Springsteen, „The River“
„Lasst uns ein Album machen, das wie die Show ist“, lautete das Ziel für Springsteens einzigartiges Doppelalbum. Seine fünfte LP ist auch ein Spiel mit Extremen: Die Songs sind entweder rockige Strandparty-Hymnen („Sherry Darling“, „I’m a Rocker“) oder mitternächtliche Bekenntnisballaden („Drive All Night“, „Stolen Car“). Eine der vielen Qualitäten von „The River“, das die verletzliche Kargheit von „Nebraska“ aus dem Jahr 1982 vorwegnahm, war die Art und Weise, wie die Partyhymnen tatsächlich eine tiefe Trostlosigkeit verbargen: Springsteen bezeichnete „Ramrod“, seine aufgepeppte psychosexuelle Ode an Muscle Cars, einmal als „einen der traurigsten Songs, die ich je geschrieben habe“. —J.B.

7
David Bowie, „Scary Monsters“
Kein Album spiegelt das kokainverstaubte Chrom der Achtzigerjahre so gut wider wie David Bowies „Scary Monsters“. Das Album beginnt mit der Schauspielerin Michi Hirota, die in „It’s No Game (Part I)“ auf Japanisch schreit, und schlittert durch eine zerklüftete, kristalline Landschaft, die von taumelnden Pantomimen („Ashes to Ashes“), roboterhaften Szenegängern („Fashion“) und natürlich den titelgebenden Monstern bevölkert ist. Mit einer Fülle von Top-Talenten – Pete Townshend, E Street Band-Pianist Roy Bittan und Gitarrist Robert Fripp – löschte „Scary Monsters“ verschiedene Iterationen von Bowie (sorry, Major Tom) an der Schwelle zu einem neuen Jahrzehnt aus. –B.E.

6
X, „Los Angeles“
X entstand aus der Hardcore-Punk-Szene von L.A., die in der Dokumentation The Decline of Western Civilization verewigt wurde. In den frühen Achtzigern hatten sie eine brillante Serie von vier Alben – Wild Gift aus dem Jahr 1981 ist praktisch das Rumours des Punk –, beginnend mit diesem rohen, rebellischen Debüt. John Doe und Exene Cervenka (ein Ehepaar) harmonisieren ihre Straßenpoesie mit dem Rockabilly-Slam-Dance von Gitarrist Billy Zoom und Schlagzeuger D.J. Bonebrake. Ihr L.A. ist eine Stadt voller psychopathischer Widerlinge, Rassisten, Drogenabhängiger und Verlierer – aber sie nennen es ihr Zuhause. Es endet mit ihrem Titelsong „The World’s a Mess, It’s in My Kiss”. –R.S.

5
The Pretenders, „Pretenders“
Chrissie Hynde hatte sowohl die amerikanische Hippie- als auch die englische Punk-Bewegung überstanden, als sie die Pretenders gründete, und ihr selbstbetiteltes Debütalbum spiegelt beide Einflüsse wider. Der erste Song, „Precious“, mit Hyndes „Fuck off“-Erklärung und James Honeyman-Scotts geschmackvollen, jamartigen Soli, war wie ein Mittelfinger gegenüber diesen beiden Szenen zugleich. „Brass in Pocket“ und „Mystery Achievement“ hingegen haben sowohl eine harte Schärfe als auch einen Sinn für Melodie, die zeigten, dass die Pretenders in den kommenden Jahren zu viel mehr fähig waren. —K.G.

4
AC/DC, „Back in Black“
AC/DCs LP „Highway to Hell“ aus dem Jahr 1979 war ein kommerzieller Durchbruch, der den australischen Hardrockern endlich bedeutende Airplay-Zeiten in den USA einbrachte. Doch der Tod von Leadsänger Bon Scott im Februar 1980 hätte beinahe dazu geführt, dass der lang ersehnte Mainstream-Erfolg der Band ein jähes Ende fand. Angesichts dieser Tragödie formierte sich AC/DC schnell neu und beschloss, mit einem neuen Sänger weiterzumachen. Back in Black wurde mit Brian Johnson in weniger als zwei Monaten geschrieben und aufgenommen und stieß auf noch größere Resonanz als sein Vorgänger. Das kraftvolle und rohe Album schlug eine Brücke zwischen der alten und der kommenden Ära des Metal und beeinflusste insbesondere Bands wie Van Halen und Metallica. —B.S.

3
Prince, „Dirty Mind“
Dirty Mind ist eines der prägnantesten und fröhlichsten Statements der modernen Musikgeschichte – eine rasante Tour durch jubelnden Pop („When You Were Mine“), knöchelbrechenden Synth-Funk („Head“), ausgelassenen Rock („Sister“) und nächtlichen Soul („Gotta Broken Heart Again“). Es war eine Ankündigung von Princes großen Ambitionen und seinem einmaligen Talent, und andere Künstler konnten nicht anders, als neidisch zu werden: „Ich kann nicht glauben, dass die Leute so leichtgläubig sind, dass sie Princes Jive-Platten kaufen“, sagte Rick James gegenüber Rolling Stone. Unterdessen gewann Prince mit jedem Auftritt mehr und mehr James‘ Fans für sich. „Wir kamen super an“, sagte Gitarrist Dez Dickerson, „weil das schwarze Publikum einfach nach etwas Neuem lechzte. “ —E.L.

2
Talking Heads, „Remain in Light“
Während AC/DC im selben Studio auf den Bahamas, nur einen Raum weiter, „Back in Black“ aufnahmen, schufen die Talking Heads ihr eigenes Meisterwerk. Inspiriert vom nigerianischen Musiker Fela Kuti verschmolz die Band – zusammen mit dem Mastermind-Produzenten Brian Eno – New Wave, World Beat, Funk und mehr, was zu der tanzbarsten Platte ihrer Karriere führte. Später holten sie den King-Crimson-Gitarristen Adrian Belew und die Sängerin Nona Hendryx hinzu, um ihre Klangpalette zu erweitern, vom schwindelerregenden Opener „Born Under Punches (The Heat Goes On)” bis zum Hit „Once in a Lifetime”. „Unser Prozess führte uns zu etwas, das eine gewisse Affinität zum Afro-Funk hatte, aber wir kamen auf Umwegen dorthin, und natürlich klang unsere Version etwas anders“, sagte Byrne 2017. „Wir haben es nicht ganz richtig hinbekommen, aber dadurch, dass wir daneben lagen, haben wir am Ende etwas Neues geschaffen.“ —A.M.

1
The Clash, „London Calling“
The Clash wollten mit „London Calling“ Geschichte schreiben – und genau das haben sie auch getan. „London Calling“ ist das kühne Doppelalbum der Punk-Newcomer, auf dem es um alles oder nichts geht. Mit ihrem klassischen Debütalbum von 1977 bewiesen The Clash, dass sie jede andere Band in Sachen Leidenschaft und Intensität in den Schatten stellen konnten. Aber hier zeigten sie, dass sie alles konnten, indem sie sich an Reggae, Rockabilly, New Orleans R&B und sogar Pop versuchten. Es ist die mächtigste Band ihrer Zeit, die neue Höhen erreicht, von der antifaschistischen Wut in „Clampdown“ bis zum fröhlichen Skank von „Rudie Can’t Fail“. Wenn Joe Strummer „Now get this!” ruft, hat er deine volle Aufmerksamkeit.
Das Album war ein Durchbruchserfolg, wie es The Clash verdient hatten. Strummer erzählte Rolling Stone, dass er einen deutschen Skinhead getroffen habe, der sagte: „Meine Großmutter mag ‚Wrong ‘Em Boyo’. Was habt ihr mit mir gemacht?” Sie setzen sich mit schwierigen Zeiten auseinander – Armut, Drogenabhängigkeit, rassistische Gewalt, das Wettrüsten mit Atomwaffen. Angesichts des Aufstiegs rechter Regime in Großbritannien und den USA hatten „Spanish Bombs“ und „Death or Glory“ eine gewisse Dringlichkeit – Songs darüber, den revolutionären Geist auch angesichts der Niederlage am Leben zu erhalten.
Wie Martin Scorseses „Raging Bull“ erschien „London Calling“ gerade als die Siebziger in die Achtziger übergingen und stellte eine Herausforderung für das neue Jahrzehnt dar. Ebenso wie „Raging Bull“ – ein Film, den Scorsese drehte, während er am Set ständig das erste Album von The Clash hörte – ist es ein schonungsloses Porträt von Rude Boys, die sich einer feindseligen Welt gegenübersehen. Es gibt sogar ein Liebeslied – den Überraschungshit „Train in Vain (Stand by Me)“. Aber The Clash haben ihm dieselbe Ehrlichkeit verliehen wie allem anderen auch. Deshalb ist „London Calling“ seit jeher ein Klassiker geblieben. –R.S.