Die 80 besten Alben der 80er-Jahre – das ultimative Ranking
Die 80 besten Alben der 80er-Jahre: Von Pop bis Punk – diese Klassiker prägten ein Jahrzehnt und klingen bis heute unvergessen
Es war das Ende – das Ende der Siebzigerjahre – und alle waren mehr als nur ein bisschen ungeduldig, endlich mit dem zu beginnen, was als Nächstes kommen würde. In musikalischer Hinsicht begann das neue Jahrzehnt, als hätte jemand eine Startpistole abgefeuert.
Es passt, dass „London Calling“ von The Clash, das auf unserer Liste der besten Alben von 1980 auf Platz eins steht, auch auf Platz eins unserer Liste der besten Alben des Jahres 1980 steht. Wenn man sich die Alben anhört, die auf der Liste danach kommen, spürt man deutlich, wie die Vergangenheit hinter sich gelassen wird, um die Zukunft zu erfinden. Jeder Musikstil fragmentierte sich und entwickelte sich auf eine Weise, die noch wenige Jahre zuvor kaum vorstellbar gewesen wäre. Insbesondere Punk und New Wave, die sich zu Synth-Pop, Post-Punk, Goth, der New-Romantic-Bewegung, dem Two-Tone-Ska-Revival, den Anfängen des Indie-Rock und vielem mehr entwickelten. Funk und Disco wurden gestrafft. Metal wurde härter, schneller und schärfer. Rap wurde geboren.
Unterdessen waren die klassischen Künstler, die Rock, Country und R&B geprägt hatten, weiterhin erfolgreich, indem sie entweder auf die Veränderungen um sie herum reagierten (Pete Townshend, Genesis), ihren Prinzipien treu blieben (Van Morrison, Neil Young) oder noch seltsamer wurden als in den Siebzigern (Bob Dylan).
Das Ergebnis war wohl das beste Jahr für großartige Alben aller Zeiten. Wenn man am 8. Oktober 1980 in einen Plattenladen ging und nur genug Geld für eine Platte hatte, stand man vor einer schwierigen Entscheidung, denn Prince‘ „Dirty Mind“ (Nummer drei) und Talking Heads‘ „Remain in Light“ (Nummer vier) kamen beide am selben Tag heraus. Diese Art von Konsumkrise kam 1980 ständig vor. Der 18. Juli war ein besonders harter Tag für mürrische Punkfans, die sich zwischen „Crocodiles“ von Echo and the Bunnymen (Platz 72) und „Closer“ von Joy Division (Platz 10) entscheiden mussten. Headbanger hatten es am 14. April schwer, dem Tag, an dem Iron Maidens selbstbetiteltes Debütalbum (Platz 41) sowie „British Steel“ von Judas Priest (Platz 18) erschienen.
Es war wirklich schwer, unsere Liste auf 80 Titel zu reduzieren (sorry, „Making Movies“ von Dire Straits und „Give Me the Night“ von George Benson). Aber es war eine Freude, so viele großartige, bahnbrechende Musikstücke wiederzuentdecken.
Hier geht’s los:
80. Hall and Oates, „Voices“
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H&O, die sich auf dem Markt bestens auskannten, ließen ihre Philly-Soul- und Folk-Phase hinter sich und wandten sich ganz dem New Wave zu. Der Imagewechsel zwang das Duo, sich zu straffen und ihre Hooks zu schärfen. (Wenn auch nicht ihre Texte: In „Africa“ verspürt Hall das Bedürfnis, dieses Land zu besuchen und seine Model-Freundin, die dort ein Fotoshooting hat, zu retten, „bevor die Löwen und Tiger versuchen, sich auf ihre Knochen zu stürzen“).
Sie kennen die straffen, kraftvollen Hits. „Kiss on My List“, „You Make My Dreams“. Aber „United State“ ist die beste Cars-Kopie, die Sie je hören werden. Und nur diese Jungs konnten die Mischung aus Straßenecken-Harmonien und Proto-MTV-Pop im Semi-Titelsong hinbekommen. —D.B.
79. The Cramps, „Songs the Lord Taught Us“
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„Ich schneide dir den Kopf ab und stecke ihn in meinen Fernseher/Ich benutze deine Augäpfel als Drehknöpfe“, schlug Lux Interior in „TV Set“ vor, dem Eröffnungssong des Debütalbums der Cramps. Die Cramps rockten die New Yorker Punkszene mit ihrem Leopardenfell-Vampir-Look. Und einem Psychobilly-Sound, der weit über die kitschigsten Momente der Ramones oder Blondie hinausging und in einen ganz neuen Bereich der Garage-Trash-Neuartigkeit vordrang.
Aufgenommen in Memphis unter der Produktion von Alex Chilton von Big Star, taumelt und stampft „Songs“ von „Garbageman“ über „Zombie Dance“ bis hin zu „I Was a Teenage Werewolf“ wie ein Sock Hop in der Hölle, den man nicht verlassen möchte. —J.D.
78. Rod Stewart, „Foolish Behaviour“
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Stewart war auf dem Höhepunkt seines Hollywood-Exzesses, als er das wunderbar trashige „Foolish Behaviour“ aufnahm. Wie er selbst gestand: „Zu viel Party. Zu viel Alkohol. Und ein paar zu viele Kokain-Drops. Das alles könnte etwas damit zu tun gehabt haben.“ Aber der Schmutz riecht süß in „She Won’t Dance With Me“ und „Oh God, I Wish I Was Home Tonight“ – sogar in dem vielgeschmähten Hit „Passion“, in dem er singt: „Even the president needs passion!“
Später schrieb er in seinen Memoiren „Rod“: „‚Passion‘ auf dem Album ‚Foolish Behaviour‘ hat die Auszeichnung, der Song zu sein, den meine Mutter von allen, die ich geschrieben habe, am wenigsten mag. Mit anderen Worten, es war ein Song, den nicht einmal eine Mutter lieben konnte.“ —R.S.
77. Jim Carroll, „Catholic Boy“
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Hat jemals ein Punkrocker so viele denkwürdige Charaktere in einem Song getötet wie Jim Carroll in „People Who Died“? Auf keinen Fall. Carroll war ein New Yorker Dichter und Gauner, Autor von „The Basketball Diaries“. Man kann ihn in der Menge auf dem Album „Live at Max’s Kansas City“ von Velvet Underground hören, wie er über Tuinals plaudert.
„Catholic Boy“ enthält sarkastische Satiren wie „It’s Too Late“. (Zweite Zeile: „Sich in Sharon Tate zu verlieben.”) Carroll starb 2009. Aber „People Who Died” lebt weiter, eine Litanei von Opfern durch Drogen, Krieg, Bandenkriminalität, Leukämie, Hepatitis, Biker und eine Überdosis Drano. Spoiler: Tony konnte nicht fliegen! Tony ist gestorben! —R.S.
76. Bob Dylan, „Saved“
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Wenn Dylan-Fans die Botschaft seines christlichen Erwachens auf dem 1979er Album „Slow Train Coming“ nicht verstanden hatten, machte er sie im nächsten Jahr auf „Saved“ wirklich deutlich. Texte wie „By His truth I can be upright/By His strength I do endure“ (Durch Seine Wahrheit kann ich aufrecht sein/Durch Seine Kraft halte ich durch) schienen direkt aus einem Gesangbuch zu stammen und verdeckten für viele nichtgläubige Fans die Brillanz der Musik.
Hier ist Dylan auf dem Höhepunkt seiner stimmlichen Fähigkeiten. Und selten hat er mit besseren Musikern gespielt. Die ultimativen Versionen dieser Songs findet man auf der 2017 erschienenen Bootleg-Series-Ausgabe „Trouble No More“, auf der Dylan diese Songs vor einem feindseligen Publikum spielt. —A.G.
75. Bob Seger and the Silver Bullet Band, „Against the Wind“
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Um 1974 schwor der Arbeiterrocker Bob Seger seinen Freunden und Feinden von den Eagles: „Ich werde euch Arschlöcher einholen!“ Mit „Against the Wind“ aus dem Jahr 1980 gelang ihm das schließlich auch, zumindest irgendwie, denn er erzielte mit seinem bis dahin elegantesten und entspanntesten Album seinen bis dahin größten kommerziellen Erfolg.
Der alberne Opener „The Horizontal Bop“ war eine Finte. Ein Großteil des Albums widmet sich ergreifenden Reflexionen über das Älterwerden, am wirkungsvollsten im Titelsong. Einem von Segers Meisterwerken, das es schafft, noch quälender nostalgisch und voller Verlust zu sein als „Night Moves“. – B.H.
74. Orchestral Manoeuvres in the Dark, „Organisation“
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Orchestral Manoeuvres in the Dark waren eine der innovativsten Gruppen, die aus der britischen Synthie-Pop-Welle hervorgingen, mit Hits wie „Electricity“, „Telegraph“ und dem Prom-Theme aus „Pretty In Pink“, „If You Leave“.
Andy McCluskey und Paul Humphreys waren keineswegs abgeneigt gegenüber hochfliegenden künstlerischen Konzepten. Ihre nächsten beiden Alben trugen die Titel „Architecture & Morality“ und „Dazzle Ships“. „Organisation“ enthält OMDs ersten und besten Hit, „Enola Gay“, ein elektrisierendes Dancefloor-Melodram, das sowohl vom Coming-out als auch von der nuklearen Zerstörung handelt. —R.S.
73. ELO & Olivia Newton-John, „Xanadu“
Olivia Newton-John in einem Hollywood-Musical? Mit Songs von Jeff Lynne? Das ist poetisches Kino! Der Soundtrack zu „Xanadu“ war ein Vergnügungspalast mit glitzernden Hits von Olivia („Magic“) und ELO („All Over the World“). Für einige Fans – darunter John Lennon – prägte er die Hitparade des Jahres 1980.
„Ich liebe kommerzielle Musik”, sagte er im Herbst, kurz vor seinem Tod. „Ich mag Olivia Newton-John, die ‚Magic’ singt, und Donna Summer, die singt, was auch immer sie singt. Ich mag ELO, die ‚All Over the World’ singen. Ich kann es analysieren und mit jedem Kritiker in der Branche kritisieren.” Jetzt sind wir hier, in Xanadu. —R.S.
72. Echo and the Bunnymen, „Crocodiles“
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Ian McCulloch von Echo and the Bunnymen war ein Post-Punk-Schwelger mit einer arroganten Ader, der die Bilder von Lou Reed und Jim Morrison zu einem einzigen verdammten, prahlerischen Geist verschmolz, der seinen Blues in schwarzem Leder in die kalte, hohle Nacht stöhnte.
Auf ihrem aufregenden Debütalbum „Crocodiles“ unterstützen ihn die anderen Bunnymen mit der aufdringlichen Düsternis von Will Sergeants eiskalter Gitarre und Les Pattinsons höhlenforschendem Bass, wodurch „Rescue“ und „Pictures on My Wall“ zu perfekten Einladungen werden, in Ians glühende Grube der Verzweiflung hinabzukriechen. —J.D.
71. Kurtis Blow, „Kurtis Blow“
Das erste Rap-Album, das bei einem Major-Label veröffentlicht wurde, Kurtis Blows Debütalbum, enthält seine klassische Single „The Breaks“ und, auf dem funkigen „Hard Times“, etwas sehr wenig sozialen Realismus („like the cream of the crop and the crop of the cream/beatin’ hard times that is my dream“ ).
Die CD-Neuauflage enthält außerdem seinen großen Hit „Christmas Rappin’” aus dem Jahr 1979, der nach „Rapper’s Delight” von der Sugar Hill Gang einer der ersten Hits des Hip-Hop war. Blows Gesangsversuche, darunter die interessante Coverversion von „Taking Care of Business“ von BTO, zeigen, wie embryonal Hip-Hop 1980 in Albumform noch war. —J.D.
70. Genesis, „Duke“
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Es ist fast so, als hätte Genesis am 1. Januar 1980 ein Telegramm mit folgendem Inhalt erhalten. „Es sind die Achtziger. Kauft euch eine Drum Machine, schneidet euch die Haare und schreibt Popsongs.” Auf „Duke” gibt es einige epische Prog-Songs, die direkt aus dem Genesis-Repertoire der Siebziger stammen, wie das 10-minütige „Duke’s Travels/Duke’s End”.
Aber radiotaugliche Melodien wie „Misunderstanding” und „Turn It On Again” sind das genaue Gegenteil der Musik, mit der sie im vorangegangenen Jahrzehnt bekannt geworden sind. Dies war ein raffiniertes Genesis-Album für die MTV-Ära. Viele alte Fans waren darüber empört, aber es ermöglichte ihnen bald den Sprung von Arenen in Fußballstadien. —A.G.
69. The Police, „Zenyatta Mondatta“
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„Es war eine sehr schwierige Zeit“, sagte Sting diplomatisch. „Es herrschte ein Gefühl der Dringlichkeit und es gab ziemlich viele Drogen. “ The Police produzierten ihr drittes Album unter enormem Termindruck und ständigen Streitigkeiten. Dennoch wurde es ein Riesenerfolg.
Wie Sting 1983 gegenüber ROLLING STONE sagte: „Etwa ein Drittel davon gefällt mir wirklich gut – ‚Don’t Stand So Close to Me‘, ‚When the World Is Running Down‘, ‚Driven to Tears‘. Aber den Rest würde ich gerne in den Mülleimer werfen.“ Er hasste Andy Summers‘ Gitarreninstrumental „Behind My Camel“ so sehr, dass er versuchte, das Band im Garten des Studios zu vergraben. (Andy grub es wieder aus, aber Sting weigerte sich weiterhin, den Bass dazu zu spielen.) —R.S.
68. Peter Gabriel, „III (Melt)“
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Peter Gabriel schuf unbeabsichtigt einen der charakteristischen Sounds der Achtzigerjahre auf seinem dritten selbstbetitelten LP, als der Gast-Schlagzeuger Phil Collins in „Intruder“ den „Gated Reverb“-Effekt einsetzte, der einen Sound erzeugte, der das gesamte Jahrzehnt über nachhallte. Und von allen, von Duran Duran bis Bruce Springsteen, verwendet wurde.
Über die Innovationen im Studio hinaus fand Peter Gabriel (allgemein bekannt als „Melt“ oder „Peter Gabriel III“) den Sänger, der den Schatten von Genesis hinter sich ließ und ein eindringliches Album schuf, das politische Attentate („Family Snapshot“), die Sinnlosigkeit des Krieges („Games Without Frontiers“) und den brutalen Mord an dem südafrikanischen Aktivisten Steve Biko („Biko“) thematisiert. Danach machte er zwar populärere Alben, aber nie bessere. —A.G.
67. Neil Young, „Hawks and Doves“
„Hawks and Doves“ erschien nur einen Tag vor den Präsidentschaftswahlen 1980. Eine seltsame Sammlung von Songs, die sich aufteilt in neu geschriebene Country-Rock-Songs mit politischem Hintergrund („Union Man“, „Hawks and Doves“) und Songs aus Youngs riesigem Archiv an Outtakes aus der Mitte der 70er Jahre („This Old Homestead“, „Captain Kennedy“).
Das Ergebnis ist ein seltsam kurzes Album, das ziemlich unausgereift wirkt, aber es war die erste Veröffentlichung nach der Geburt seines behinderten Sohnes Ben. Verständlicherweise lagen seine Prioritäten zu dieser Zeit woanders. Aber Höhepunkte wie das erhabene „Little Wing“ aus den Homegrown-Sessions von 1974 machen dieses Album zu einem Muss für Young-Fans. —A.G.
66. Wipers, „Is This Real?”
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Die aus Portland, Oregon, stammende Band Wipers, die lange bevor die Stadt zum Hipster-Mekka wurde, war das Vehikel für Greg Sage, einen Punk-Sänger und Gitarristen aus dem Nordwesten der USA, dessen Spiel mit dem bekannterer Indie-Punk-Gitarrenhelden wie Bob Mould von Hüsker Dü oder Greg Ginn von Black Flag konkurrieren konnte.
Ihre Debüt-LP strotzt nur so vor unerbittlich stampfenden Distortion-Exzessen wie „Return of the Rat“, „Tragedy“ und „Mystery“. Kurt Cobain zählte sie zu seinen Lieblingsalben. Sages Songs wurden unter anderem von Stephen Malkmus und Corin Tucker von Sleater-Kinney gecovert. —J.D.
65. Chaka Khan, „Naughty“
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Chakas zweites Soloalbum war zwar kein so großer Hit wie ihr Debütalbum von 1978 (mit „I’m Every Woman”) oder ihre Rufus-Alben. Aber es ist ein wichtiger Teil ihrer Mystik als Queen of Funk. In „Papillon (a.k.a. Hot Butterfly)” entfesselt sie ihr jazziges Vokalfeuerwerk, während ein junger Luther Vandross ihr etwas Gutes erzählt. „Clouds“ ist ein Ashford- und Simpson-Special mit Gesang von Cissy Houston und ihrer 16-jährigen Tochter, einem vielversprechenden Mädchen namens Whitney. In „Nothing’s Gonna Take You Away“ beschreibt Chaka ihr romantisches Ideal. „Du gehst barfuß, wenn es regnet/Du hörst gerne stundenlang Coltrane.“ —R.S.
64. Adam and the Ants, „Kings of the Wild Frontier“
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„Wir wollen dein Geld! Und wir werden dein Geld bekommen!“ Man muss Adam Ant für seine Ehrlichkeit Respekt zollen. Als größter New-Romantic-Poser seiner Zeit trat Adam als dandyhafter Wegelagerer in Piratenkleidung auf, brüllte zu den pseudo-tribalen Trommeln der Ants und verkündete den Slogan „Antmusic for Sexpeople“.
„Kings of the Wild Frontier“ ist ein Hit nach dem anderen:.„Dog Eat Dog“, „Jolly Roger“, „Press Darlings“. „Physical (You’re So)“ war so ausgefallen, dass Nine Inch Nails es coverten. „Das gehört alles zur Präsentation“, sagte Adam gegenüber Rolling Stone. „Ich hoffe nur, dass ‚Showbiz‘ nie zu einem Schimpfwort wird. Ich liebe es.“ —R.S.
63. The Soft Boys, „Underwater Moonlight“
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Robyn Hitchcock führte seine Crew aus Cambridge, England, durch diesen psychedelischen Trip, mit jingle-jangle Rickenbackers und surrealen Wortspielen im Stil von Syd Barrett. Die Soft Boys waren nicht im Trend. Wurden aber in den USA zu Kultfavoriten, wo Bands wie R.E.M. und The Replacements jeden Ton auswendig lernten.
Das Herzstück: „Insanely Jealous“, das sich von paranoiden Flüstern zu wahnsinnigen Gitarrenklängen steigert. Hitchcock bleibt einer der großen Freigeister des Rock, während Kimberley Rew Katrina and the Waves gründete. Bassist Matthew Seligman starb tragischerweise im April 2020 während der Covid-19-Pandemie. —R.S.
62. Dolly Parton, „9 to 5 and Odd Jobs“
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Dolly Parton schenkt sich eine große Tasse Ambition ein. Nashvilles geliebte Country-Königin macht ein Konzeptalbum über Klassenkampf und den Zusammenbruch des Kapitalismus. „Odd Jobs“ beginnt mit ihrem Hit-Filmsong „9 to 5“, aber damit gibt sie sich nicht zufrieden. Dolly covert Woody Guthrie mit „Deportee“ (über Wanderarbeiter), Merle Travis mit „Dark as a Dungeon“ (über Bergarbeiter) und Mel Tillis mit „Detroit City“ (über Fließbandarbeiter).
In einer atemberaubenden Version präsentiert sie ihre feministische Interpretation von „House of the Rising Sun“ und erinnert alle daran, dass es in diesem Song schon immer um arme Mädchen ging. Dieses Album ist praktisch Dollys „Sandinista!“. Doch sie serviert es mit einem Lächeln und guter Laune. Die Revolution? Kommt alle! —R.S.
61. Bauhaus, „In the Flat Field“
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Sobald die Nadel auf „Double Dare“ fällt – bitte auf Vinyl, vorzugsweise in völliger Dunkelheit, irgendwo in der Nähe einer Burgruine –, beginnt das Ritual. Wenn man das Debütalbum von Bauhaus hört, bedeutet das, dass die Fledermäuse den Glockenturm verlassen haben und die Geisterstunde naht.
„In the Flat Field“ ist eines der Gründungsalben des Goth, auf dem Peter Murphys vampirhafter Krächzgesang auf Daniel Ashs gespenstische Gitarre trifft, untermalt von einer dub-bewussten Rhythmusgruppe. „A God in An Alcove“ versagt nie dabei, die schwarz gekleideten Kinder der Nacht herbeizurufen. —R.S.
60. Pete Townshend, „Empty Glass“
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Pete Townshend versuchte sich 1972 mit seiner Sammlung von Reststücken „Who Came First“ und 1977 mit „Rough Mix“, das er zusammen mit Ronnie Lane von den Faces aufgenommen hatte, an Soloarbeiten. Aber „Empty Glass“ aus dem Jahr 1980 ist der eigentliche Beginn der Karriere des Gitarristen außerhalb der Who.
Popsongs wie „Rough Boys“, „Let My Love Open The Door” und „A Little Is Enough” hätten große Hits für The Who werden können. Aber die Tatsache, dass er sie für sein eigenes Album aufhob (und die Reststücke für das 1981 erschienene Album „Face Dances” von The Who übrig ließ), zeigt, wo zu diesem Zeitpunkt seiner Karriere seine Prioritäten lagen. Es war keine Überraschung, als sich die Gruppe 1982 trennte. Empty Glass bewies, dass er bereit war, ohne sie weiterzumachen. —A.G.
59. The Psychedelic Furs, „Psychedelic Furs“
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Das Einzige, was an dem Debütalbum der Psychedelic Furs hübsch in Pink ist, ist das Albumcover. Bevor sie zu New-Wave-Idolen wurden, klangen die Furs eher wie experimentelle, laute Punks, und das Album klingt wie ein großartiges Kunstprojekt. Konnten sie grübeln und Saxophon spielen?
Irgendwie schafften sie beides auf „Sister Europe”, wo sie versuchten, Roxy Music zu übertrumpfen, und auf „We Love You” wirkten sie wie ein britischer Jonathan Richman, während Richard Butler seine Lieben aufzählt (die BBC, Frank Sinatra, schreiende Körper). Nie wieder klangen sie so gefährlich. —K.G.
58. The Fall, „Grotesque (After the Gramme)”
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The Fall haben die einzigartige Fähigkeit, unglaublich eingängige Songs zu schreiben, die gleichzeitig so klingen, als würden sie aus allen Nähten auseinanderfallen. Mark E. Smiths Dröhnen, Grunzen und Jaulen, gekonnt verwoben mit Dick Dales Gitarrenlinien und verrückten Grooves. „Grotesque“ zeigt die Band von ihrer besten Seite, während Smith seine Stimme in alle möglichen grotesken Klänge verzerrt und Kazoo, knallende Snares und stampfende Gitarren alles zu einer Art Sinn zusammenfügen.
„Sie sagen, ich würde Johnny Rotten kopieren“, erklärt Smith in dem fast achtminütigen Musikindustrie-Verriss „C ‚n‘ C-S Mithering“. Eine Aussage, die nicht nur angesichts des darauf folgenden Chuck-Berry-Songs „The Container Drivers“ aus dem Council Home, sondern auch angesichts der nächsten Jahrzehnte im Katalog von The Fall unmöglich erscheint. – B.E.
57. Roxy Music, „Flesh and Blood“
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Als Roxy Music in die Achtzigerjahre schwenkte, bezeichnete Bryan Ferry ihr neues Konzept kühn als „Friseurmusik“. „Flesh and Blood“ hat elegante Euro-Trash-Synth-Pop-Grooves wie „Over You“, während Ferry mit dem grüblerischen Casanova-Flair singt, das bereits New-Romantic-Erben wie Duran Duran und Soft Cell inspirierte.
„Oh Yeah” ist die ultimative Roxy-Ballade. Ferry weint über den Song im Radio, der ihn an seinen geheimen Herzschmerz erinnert, und er liebt jede Minute davon. Flesh and Blood setzte auch die lange Tradition der Roxy-Covergirls fort, diesmal mit Mädchen in weißen Togas, die Speere werfen. —R.S.
56. The Gap Band, „The Gap Band 3”
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The Gap Band 3 war der Durchbruch für die Wilson-Brüder. Es war ihr erstes Album, das Platz eins der R&B-Charts erreichte, und es enthielt ihre erste Nummer-eins-Single, das knallharte „Burn Rubber on Me (Why You Wanna Hurt Me)”.
Nach der blumigen Ensemble-Phase des Funk in den späten Siebzigern half The Gap Band dabei, dem Genre eine neue Richtung zu geben, indem sie Blasinstrumente und Orchesterarrangements wegließen und sich stattdessen auf eine knallige, treibende Rhythmusgruppe konzentrierten, die den West Coast G-Funk vorwegnahm. —E.L.
55. Squeeze, „Argybargy“
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Ein Jahr nach ihrem Cockney-Disco-Klassiker „Cool for Cats“ landeten Squeeze mit „Argybargy“ einen Riesenerfolg, bei dem das brillante Songwriter-Duo Glenn Tilbrook und Chris Difford im Mittelpunkt stand. Sie spezialisierten sich auf komische Vignetten über versoffene Londoner Außenseiter, von „Pulling Mussels (from the Shell)“ bis „Separate Beds“ („Ihr Vater schien mich zu mögen/Ich half ihm, sein Auto zu reparieren“).
Im Gegensatz zu vielen ihrer männlichen Kollegen hatten Squeeze ein Händchen dafür, einfühlsame, komplexe weibliche Heldinnen zu erschaffen. „Man muss die Figuren, über die man schreibt, wirklich kennen“, sagte Texter Difford gegenüber Rolling Stone. „Die Figuren in ‚Vicky Verky‘ kommen in ‚Up the Junction‘ vor. Sie sind eine Art Sammlung von Leuten, die in einer Kneipe gegenüber von meinem Wohnort trinken.“ —R.S.
54. Pat Benatar, „Crimes of Passion“
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„Ich bin das Klischee der hübschen Frau, die singen kann“, sagte Pat Benatar gegenüber Rolling Stone. Die ehemalige Pat Andrzejewski – der Stolz von Greenpoint, Brooklyn – war eine echte Powerfrau mit einer Sopranstimme, die drei Oktaven umfasste. Sie inspirierte auch die Jugend Amerikas dazu, das modische Potenzial von Spandex und Stirnbändern zu entdecken.
„Crimes of Passion“ ist das Album, mit dem sie sich einen Namen gemacht hat. „Hit Me With Your Best Shot“, „Hell Is for Children“ und ihre zutiefst seltsame Mall-Rat-Version von Kate Bushs „Wuthering Heights“. Romantische Anmerkung: Benatar und ihr Ehemann, der Gitarrist Neil Giraldo, sind nach 40 Jahren immer noch zusammen – was beweist, dass Liebe nicht immer ein Schlachtfeld sein muss. —R.S.
53. J. Geils Band, „Love Stinks“
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„I’ve been through diamonds/I’ve been through minks/I’ve been through it all/Love *stiiiinks*.” Die Geils-Gang stürmte mit einem überraschenden New-Wave-Makeover für Bostons beste Blues-Rock-Party-Monster die Tür zu den Achtzigern ein. „Love Stinks“ wurde von Adam Sandler in „The Wedding Singer“ unvergesslich interpretiert, während „Till the Walls Come Tumbling Down“ den Mundharmonika-Helden Magic Dick zur Geltung bringt.
Wie der redegewandte Frontmann Peter Wolf gegenüber Rolling Stone sagte: „ Ich hätte einen dreiteiligen Anzug anziehen und wir hätten Disco machen können, und vielleicht wären wir unglaublich erfolgreich gewesen. Aber das fühlte sich einfach nicht richtig an. Wir haben uns dazu verpflichtet, das zu tun, was wir tun – Sie wissen schon, drei Akkorde und *unh*! Wir sind keine Gefangenen des Rock ‚n‘ Roll. Wir sind Freiwillige.“ —R.S.
52. The Cure, „Seventeen Seconds“
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The Cure waren bei ihrem Debüt 1979, „Three Imaginary Boys“, eine skelettartige Post-Punk-Band im Stil von Wire. Mit ihrem zweiten Album begann Robert Smith seinen Aufstieg als Goth-Pop-Songwriter, inspiriert von Nick Drake und Siouxsie and the Banshees, um mit seiner klebrigen, tränenreichen Einsamkeit zu spielen, als wäre sie schwarze Silly Putty.
Songs wie „A Forest“ und „ Play for Today” sind elegante, einhüllende Studien in affektierter, köstlich jammernder Trübsal, die sich als fast unmöglich beständig erwiesen haben und einen langen, pastösen Schatten auf die Geschichte des Alternative Rock werfen. —J.D.
51. Joan Jett, „Bad Reputation“
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The Runaways hatten nie den Erfolg, den sie verdient hätten. Aber das hinderte Joan Jett nicht daran, dem Radio-Rock als Solokünstlerin den dringend benötigten Kick zu geben. Jett nahm ihr Debütalbum mit dem Produzenten Kenny Laguna und Mitgliedern von Blondie und den Sex Pistols auf. Als sie kein Label fand, das das Album veröffentlichen wollte, brachte sie es selbst heraus.
Mit so großem Erfolg, dass Boardwalk Records sich entschloss, es ein Jahr später unter dem neuen Titel „Bad Reputation“ erneut zu veröffentlichen. Jetts Debütalbum, eine Mischung aus glamourösen Originalen und punkigen Coverversionen von Klassikern wie „Shout” und „You Don’t Own Me”, war eine wilde, freche Neuauflage einer der beliebtesten Rock-Pionierinnen. —B.S.
50. Swell Maps, „Jane From Occupied Europe“
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Das zweite, letzte und beste Album von Swell Maps beginnt mit einem Ausbruch von zufälligen Geräuschen, die wie eine außer Kontrolle geratene Fabrik klingen und den Ton für die verspielte, klapprige Hausmusik angeben, die darauf folgt. Als Bindeglied zwischen Krautrock, Post-Punk und Low-Fi-Indie-Rock schuf die Kellerband aus Birmingham, England, angeführt von den pseudonymen Brüdern Nikki Sudden und Epic Soundtracks, ihren eigenen einzigartigen Stil aus schwindelerregendem, unzusammenhängendem Chaos.
Der Beweis dafür ist „Let’s Buy a Bridge“. Ein Pavement-Song, der seiner Zeit mehr als ein Jahrzehnt voraus war. —J.D.
49. Van Halen, „Women and Children First“
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„And the Cradle Will Rock …“ war Van Halens erster keyboardlastiger Rockhit, der David Lee Roths Witz („Have you seen Junior’s grades?“) zur Geltung bringt, während „Everybody Wants Some!!“ mit Roths Refrain und Eddie Van Halens wildem Solo pure psychosexuelle Triebe zum Ausdruck bringt.
Aber der eigentliche Spaß beginnt hier nach den Hits. „Fools“ ist ein fröhlicher, rauer Roadhouse-Rocker. „Loss of Control“ ist eine frenetische Atom-Punk-Explosion, und der letzte Titel bietet einen seltenen Moment der Ernsthaftigkeit von Roth. „Ist das Leben nicht großartig, wenn man endlich den Durchbruch geschafft hat?“, fragt er. „Ich bin immer ein Fan von wirklich guten Zeiten.“ —K.G.
48. Kate Bush, „Never for Ever“
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Kate Bushs drittes Album war ein Wendepunkt. Sie vertiefte sich in ihre Synthesizer und nutzte den brandneuen Fairlight CMI-Sampler, um neue Perspektiven für ihr Songwriting zu eröffnen. „Never for Ever“ zeigte, wie sehr ihre Fantasie von diesem Maß an Kontrolle beflügelt wurde. Es führte zu ihren nächsten beiden Alben, „The Dreaming“ und „Hounds of Love“, die wohl ihre beiden besten sind.
„Breathing“ ist ihre düstere Fantasie eines ungeborenen Babys, das über die Gefahr eines Atomkrieges nachdenkt. Und sich fragt, ob es länger im Mutterleib bleiben sollte; „The Infant Kiss“ ist eine Geistergeschichte, in der Bush eine viktorianische Gouvernante in einem Spukhaus spielt. —R.S.
47. Black Sabbath, „Heaven and Hell“
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Der Ausstieg von Ozzy Osbourne im Jahr 1979 sollte eigentlich das Ende von Black Sabbath bedeuten. Aber die verbleibenden drei Mitglieder holten einfach den ehemaligen Rainbow-Sänger Ronnie James Dio in die Band und machten weiter, als wäre nichts geschehen. Dio brachte nicht nur eine unglaublich volle und dynamische Stimme in die Gruppe ein. Sondern auch Texte über Neonritter, Königen und Königinnen und Kindern des Meeres, die sich von allem unterschieden, was man bisher von Sabbath kannte.
Es war eine Fusion aus neuem Leben für eine Band, die sich in den letzten beiden Alben wiederholt hatte, und eines der großartigsten Metal-Alben der Achtzigerjahre. —A.G.
46. Donna Summer, „The Wanderer“
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Disco mag in den Achtzigern fast ausgestorben gewesen sein. Aber das bedeutete nicht, dass Donna Summers Herrschaft schon vorbei war. Nachdem sie ihr kontrollierendes, ausbeuterisches Label Casablanca Records verlassen hatte, begab sie sich auf eine Reise der Selbstfindung und erneuerte ihren Glauben an das Christentum.
Summer unterschrieb bei dem damals neuen Label Geffen Records als deren erste offizielle Künstlerin und verließ das Studio 54, um sich in die Welt des New Wave und Rock zu begeben. Ihre vertrauten Verbündeten Giorgio Moroder und Peter Bellotte begleiteten sie auf diesem Weg und verhalfen der Queen of Disco zu einer Grammy-Nominierung für die beste weibliche Rock-Gesangsdarbietung für den „Cold Love“.
Auch ihr Glaube steht im Mittelpunkt, denn Summer widmet sich in dem abschließenden Titel „I Believe in Jesus“ ein wenig dem Gospel. —B.S.
45. Van Morrison, „Common One”
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Alle sechs oder sieben Jahre begibt sich Van Morrison auf eine mystische Reise, wie auch bei diesem unterschätzten Juwel, und kehrt dabei zu den glückseligen Entdeckungsreisen von „Veedon Fleece” und „Astral Weeks” zurück.
Wenn Sie zu den Van-Fans gehören, die es mögen, wenn er sich ausbreitet, über Dichter murmelt („Haben Sie jemals von Wordsworth und Coleridge gehört?” ), während er seine Silben bis zur Abstraktion zerlegt, ist „Summertime in England“, eines von zwei über 15-minütigen Epen auf diesem Album, ein Höhepunkt seiner Karriere.
Der Rest der Trackliste besteht größtenteils aus üppigen Balladen, die von Bläsern, Streichern und Pee Wee Ellis‘ herzzerreißendem Saxophon begleitet werden. —H.S.
44. Pylon, „Gyrate“
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Pylon, die coolste Band in der College-Rock-Utopie von Athens, Georgia, verlieh dem britischen Dance-Punk einen neuen Look und milderte den präzisen Drive von „ Feast On My Heart” und „The Human Body” mit weitem, agrarischem Jangle abmilderte, der ihren Minimalismus offen und unterhaltsam wirken ließ.
Der Gitarrensound beeinflusste unter anderem R.E.M. Sängerin Vanessa Briscoe Hay erfand ein neues Slacker-Lexikon, als sie Zeilen wie „Working is no problem/Just as long as I keep my mind” sang und dabei über trendige Wut und Entfremdung hinwegblickte, um über das wirkliche Leben von Kunsthochschulflüchtlingen wie sich selbst zu sprechen. —J.D.
43. Shalamar, „Three for Love”
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Shalamar entstand aus Soul Train. Zwei Mitglieder der Gruppe, Jody Watley und Jeffrey Daniel, begannen als Tänzer in der beliebten wöchentlichen Musiksendung. Als sie mit dem beeindruckenden Songwriter, Produzenten und Multi-Instrumentalisten Leon Sylvers III ins Studio gingen, war das Ergebnis eine ganze Reihe von Hits.
„Three for Love“ enthält zwei ihrer besten Songs. „This Is for the Lover in You“, eine geschmeidige, funkige Ballade, die bis zum Glänzen poliert wurde, und „Make That Move“ mit einer Basslinie, die Bernard Edwards von Chic vor Stolz strahlen lassen würde. „Make That Move“ brachte der Gruppe eine Einladung ein, zu Soul Train zurückzukehren – als Darsteller. –E.L.
42. Captain Beefheart and the Magic Band, „Doc at the Radar Station“
Der Avantgarde-Rock-Star kehrte zu dem surrealistischen, primitiven Angriff seines Klassikers „Trout Mask Replica“ aus dem Jahr 1969 zurück, auf dem Album, das sein vorletztes vor seinem Rückzug aus der Musikszene werden sollte.
Der frenetische, freie Tumult von „Dirty Blue Gene”, „Hot Head” und „Ashtray Heart” zeigte den Captain in auffallender Übereinstimmung mit dem Post-Punk. Sue Egypt” ist fast schon eine geradlinige Gitarrenhymne, was die ruhige Schönheit des Instrumentalstücks „A Carrot Is as Close as a Rabbit Gets to a Diamond” umso auffälliger macht. —J.D.
41. Iron Maiden, „Iron Maiden“
Bassist und Hauptsongwriter Steve Harris hat die Punk-Einflüsse auf die frühe Musik von Iron Maiden immer heruntergespielt. Aber die raue Energie in Frontmann Paul Di’Annos rauer Stimme auf Faustschlag-Hymnen wie „Prowler“, „Running Free“ und „Iron Maiden“ erinnert eher an The Clash als an Deep Purple.
Es ist diese Verschmelzung von Di’Annos rauer Stimme und der Energie, mit der die Band Harris’ ungewöhnliche Melodien („Remember Tomorrow”) und galoppierende Riffs („Phantom of the Opera”) auf „Iron Maiden” umsetzte, die sie zu Vorreitern der sogenannten „New Wave of British Heavy Metal” machte. —K.G.
40. Siouxsie and the Banshees, „Kaleidoscope”
Siouxsie Sioux war schon seit ein paar Jahren im Geschäft. Aber ihren großen Durchbruch schaffte sie mit „Kaleidoscope” – dem Album, mit dem sie ihren Platz als Hohepriesterin der dunklen Künste des Rock einnahm.
Ein Grund dafür: Sie verstärkte ihre Banshees und holte den Schlagzeuger Budgie und einen der unbesungenen Gitarrenmeister der Achtziger, John McGeoch, von der Band Magazine dazu.
Sein stark flangerlastiger Psych-Swirl-Sound prägte die Trilogie aus „Kaleidoscope“, „Juju“ und „A Kiss in the Dreamhouse“. Sioux’s stimmliches Charisma erreicht in Hits wie „Happy House“ und „Christine“ seinen Höhepunkt. —R.S.
39. Rush, „ Permanent Waves“
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Nur zwei Jahre nach ihrem hochkonzeptionellen Progressive-Rock-Meisterwerk Hemispheres definierten Rush neu, was Prog für sie selbst und eine ganze Generation bedeutete, indem sie ihre unverhohlen geekigen Ideen durch die New-Wave-Ästhetik von Permanent Waves filterten.
Das Ergebnis waren zwei zukünftige FM-Klassiker, das fröhliche, reggae-angehauchte „The Spirit of Radio“ und „Freewill“; das wunderschön stromlinienförmige und offenherzige „Entre Nous“, die zurückhaltende Ballade „Different Strings“ und zwei längere Tracks, die dem Prog ein elegantes Facelifting im Stil der Achtziger verliehen. Permanent Waves erreichte Platz vier in den USA. Und ebnete den Weg für das karrierebestimmende Moving Pictures ein Jahr später. —H.S.
38. Grace Jones, „Warm Leatherette“
Wie seltsam, dass Grace Jones in den 1970er Jahren nur eine weitere Disco-Sängerin im Studio 54 war. Aber mit „Warm Leatherette“ verwandelte sie sich in die seltsamste New-Wave-Cyborg-Domina der Welt.
Jones ließ sich einen maskulinen Flat-Top-Haarschnitt verpassen und gründete mit Sly und Robbie eine neue karibische Band. Sie zeigte ihr strenges Knurren in Songs von Roxy Music, Smokey Robinson und Chrissie Hynde. „Ich habe die Songs so behandelt, als wären sie bereits Klassiker“, sagte Jones. „Wenn ich einen Song singe, muss ich mich in die Figur hineinversetzen, denn für mich ist das alles Theater.“
Und wer war diese neue Figur? „Ein Wesen, das auf mir basierte, das ganz ich war, aber mehr, größer.“ —R.S.
37. Billy Joel, „Glass Houses“
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Die Musikwelt veränderte sich schnell, dank des Aufstiegs von New Wave, Punk und Disco, als Billy Joel „Glass Houses“ aufnahm. Aber Joel ist ein Rock-Traditionalist und reagierte mit „It’s Still Rock and Roll to Me“ und einem Album mit Songs, die in jeder Musikära funktioniert hätten, darunter die Hits „You May Be Right“ und „Don’t Ask Me Why“ sowie die weniger bekannten Titel „Sleeping With the Television On“ und „Close to the Borderline“. Viele davon stehen bis heute auf seiner Setliste. —A.G.
36. Smokey Robinson, „Warm Thoughts“
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Robinsons lange Karriere als erfolgreicher Songwriter und Produzent mit unvergleichlichem Talent für Soul-Melodien neigte sich Ende der 70er Jahre dem Ende zu. Doch dann gelang ihm erneut ein Geniestreich und kommerzieller Erfolg, als er 1979, 1980 und 1981 fünf R&B-Hits landete.
„Let Me Be the Clock“, der erste Titel seines Albums „Warm Thoughts“, war das Herzstück dieser Erfolgsserie, ein zärtlicher, hauchiger Liebesgesang, der sich an dem Klassiker „Cruisin’“ aus dem Vorjahr orientierte. „Wine, Women and Song“ und „I Want to Be Your Love“ waren ähnlich unwiderstehlich. Und bewiesen, dass Robinsons unnachahmliches, zitterndes Falsett 1980 genauso verführerisch war wie 1960. —E.L.
