Die 100 besten Musikvideos aller Zeiten
Ranking der besten Musikvideos aller Zeiten – von Michael Jackson und Madonna bis Beyoncé, Radiohead und modernen Klassikern.
In den frühen Morgenstunden des 1. August 1981 stieß jemand, der durch die Fernsehkanäle zappte, möglicherweise auf das Bild einer Rakete, die ins All schoss. Der vertraute Anblick von Neil Armstrong, der seine Mondlandefähre verlässt und auf dem Mond spazieren geht, füllte den Fernsehbildschirm.
Und dann hörte man eine Stimme aus dem Off, die so geschmeidig klang wie die eines FM-Discjockeys: „Meine Damen und Herren, Rock ‚n‘ Roll.“ Es folgten Power-Akkorde und eine Flagge mit einem Netzwerklogo – etwas namens MTV –, das schnell seine Farben und Muster wechselte. Dies war kein Nachrichtensender. Sondern „Music Television“. Wenn sie weiter einschalteten, sahen sie Clips und hörten VJs, die darüber sprachen, Ihnen die neuesten Musikvideos zu präsentieren. An dieser Stelle hatten die Zuschauer vielleicht ein paar Fragen. Wie zum Beispiel: Ist das so etwas wie ein Radiosender im Fernsehen? Was ist ein „VJ“? Und was zum Teufel ist ein „Musikvideo“?
Ein Jahr später stellte niemand mehr diese letzte Frage. Praktisch jeder wusste, was ein Musikvideo war, und wollte sein MTV. Der Sender revolutionierte die Musikindustrie, inspirierte eine Vielzahl von Nachahmerprogrammen, machte viele Karrieren und zerstörte mehr als nur ein paar. Ganze Genres und Subgenres – von Hip-Hop über Grunge bis hin zu Boyband-Pop und Nu Metal – wurden Teil des Mainstreams.
Michael Jackson ist dabei … „Thriller“ aber nicht
Das Format erwies sich als so langlebig, dass die Künstler auch dann noch Musikvideos drehten, als MTV beschloss, sein Programm umzustellen und seine Sendezeit für Spielshows, Reality-TV und Scripted-Serien zu nutzen, wodurch die wichtigste Plattform für diese Werbespots wegfiel.
Das Internet sprang bald ein, um die Lücke zu füllen. Vier Jahrzehnte nach dem Start des Senders und lange nachdem er aufgehört hatte, sie zu spielen, ergänzen Musikvideos immer noch Songs, schaffen Mythologien und sorgen für Gesprächsstoff und Kontroversen. Wir wollen nicht mehr unser MTV. Wir wollen weiterhin unsere Musikvideos.
Nun ist MTV vorbei, und wir haben beschlossen, die 100 besten Musikvideos aller Zeiten zu ranken. Sie werden einige bedeutende Änderungen gegenüber dem letzten Mal feststellen. (Ja, Michael Jackson ist dabei. Nein, „Thriller” ist nicht dabei.) Einige sind älter als der Sender. Andere wurden nie auf MTV gespielt. Aber alle diese Auswahlen sind perfekte Beispiele dafür, wie die Verbindung von Ton und Bild ein ganzes künstlerisches Vokabular geschaffen, uns eine Handvoll Meisterwerke in Form von Minifilmen beschert und die Art und Weise verändert hat, wie wir Musik hören (und sehen).
Von Adeles „Hello” bis zu ZZ Tops „Gimme All Your Lovin’”. Dies sind die Videos, die uns weiterhin begeistern, erfreuen, verstören und uns daran erinnern, wie viel man in drei bis vier Minuten mit einem Song, einer Kamera, einem Konzept, einer Pose, etwas Stimmungsbeleuchtung und ein oder zwei ikonischen Handgesten erreichen kann.
100. The Buggles, „Video Killed the Radio Star”
Als Trevor Horn Ende der 70er Jahre „Video Killed the Radio Star“ für sein Synth-Duo The Buggles schrieb, wusste er noch nicht, dass MTV kommen würde. Aber er wusste, dass die Musikindustrie vor einem großen Wandel stand. „Ich hatte J.G. Ballard gelesen und hatte diese Vision von der Zukunft, in der Plattenfirmen Computer im Keller stehen haben und Künstler produzieren würden“, erzählte er 2018 der Zeitung The Guardian.
„Ich hatte Kraftwerks The Man-Machine gehört und wusste, dass das Video kommen würde. Man spürte, dass sich etwas veränderte.” Diese Veränderung kam am 1. August 1981, als MTV um 00:01 Uhr auf Sendung ging. Das allererste Video, das der Sender spielte, war „ Video Killed the Radio Star“, ein seltsam bewegender Science-Fiction-Fiebertraum von Highlander-Regisseur Russel Mulcahy, der diesen Wandel in der Popkultur dramatisierte. Mit dieser Wahl erklärte der Kabelsender dreist seine eigene Bedeutung, noch bevor die meisten überhaupt wussten, dass es ihn gab. Aber MTV hatte Recht.
Innerhalb weniger Jahre waren unspektakuläre Bands wie Toto und Kansas auf dem Rückzug, während modebewusste Acts wie Duran Duran und Culture Club auf dem Vormarsch waren. Horn selbst spielte eine wichtige Rolle in diesem Prozess, indem er Hits für Frankie Goes to Hollywood, ABC und Spandau Ballet produzierte. The Buggles lösten sich 1981 nach nur zwei Alben auf. Aber ihr Platz in der Popmusikgeschichte ist für immer gesichert. Sie waren Propheten. —A.G.
99. The New Pornographers, „Moves”
Denn wer liebt nicht eine mit Stars gespickte Entstehungsgeschichte, in der es um Ruhm, Drogen, Waffen, Messer, schlechtes Benehmen, den Aufstieg und den Ausverkauf geht? Tom Scharpling, Moderator der WFMU-Sendung „Best Show“, Tom Scharpling, führt Regie bei diesem „Trailer“ zur ultimativen Biografie über die kanadische Band The New Pornographers, mit seinem Kollegen und Superchunk-Schlagzeuger Jon Wurster als dem rothaarigen Sänger A.C. Newman, „dem Jungen, der einen Traum hatte … [und] zu dem Mann wurde, der das Schicksal herausforderte“. ”
Er gründet eine Band. Sie haben einen Hit. Der Erfolg verwandelt sie alle in kokainsüchtige, geldgierige Monster. Sie wissen schon. Von Donald Glover über John Oliver, Horatio Sanz, Ted Leo und Wyatt Cenac bis hin zur großartigen Julie Klausner kommen alle vorbei, um vom „Aufstieg und Aufstieg” einer Kult-Power-Pop-Band zu erzählen.
Es ist ein brillant-absurder Clip und eine nahezu perfekte Persiflage auf Rockfilm-Klischees. P.S. Wir hoffen wirklich, dass die Komödie „Expectant Dads“ mit Paul Rudd und Bill Hader bald in einem Kino in unserer Nähe zu sehen ist. —D.F.
98. Harry Styles, „Watermelon Sugar“
„Dieses Video ist der Berührung gewidmet“, heißt es in der Titelkarte zu Beginn von Harry Styles‘ ultimativem Musikvideo. Einer regelrechten Obstorgie, die kurz vor der Pandemie am Strand von Malibu gedreht wurde und in der einige Freunde und erotisch aufgeladene Melonen die Hauptrolle spielen. Als es in einer Welt im Lockdown veröffentlicht wurde, hatte es etwas Ergreifendes, zu sehen, wie sinnliche Partygänger unter der Sonne lustvoll Früchte (und einander) liebkosen und sich an den Schalen reiben.
Und was auch immer die Melonen mögen, er ist damit einverstanden. Musikvideos haben schon immer das Klischee des sexy Strandes zelebriert. Harry lässt es ganz neu erscheinen. Und krönt sich selbst zum König der Zustimmung in der fruchtosexuellen Zukunft. —R.S.
97. The Blow Monkeys, „Digging Your Scene”
Die Blow Monkeys, die sich selbst als „obskure Glam-Jazz-Band” bezeichneten, waren Londoner Kunstliebhaber, die mit dieser völlig schamlosen Meisterklasse in der Brillanz der New-Wave-Poser der 1980er Jahre zu Stars wurden. Der Gentleman-Crooner Dr. Robert stolziert und tänzelt auf der Bühne einer schäbigen Cocktail-Lounge herum. Und lebt all seine Fantasien von verdorbener Eitelkeit aus.
Mit seinen falschen Bowie- und Sinatra-Moves, seinem spöttischen Grinsen und seinen Wangenknochen verführt er das Publikum, obwohl er nur hier ist, um sich sein Geld zu holen und dann zu verschwinden. Er dreht sogar einen Sonnenschirm, um sich vor Zwischenrufern zu schützen, die mit Gegenständen werfen.
Aber unter der glatten Oberfläche verbirgt sich eine intellektuelle Klage gegen die Homophobie der Achtzigerjahre. Wie Dr. Robert der BBC erzählte: „Mit ‚Digging Your Scene‘ habe ich meinen Hut vor der Clubszene gezogen. Insbesondere vor der Schwulenszene innerhalb der Clubszene.“ —R.S.
96. A Tribe Called Quest feat. Leaders of the New School, „Scenario“
Es gibt Musikvideos, die ihrer Zeit verpflichtet sind. Und dann gibt es den Clip zu diesem Song von Tribe Called Quest, der sowohl den rauen Abschluss ihres zweiten Albums The Low End Theory bildet als auch ein starker Anwärter auf einen der besten Posse Cuts aller Zeiten ist.
Unter der Regie von Jim Swaffield zeigt das Video Q-Tip, Phife Dawg und eine ganze Reihe von Freunden (von De La Soul bis Spike Lee), die sich in einem Rahmen drängen, der einen Retro-PC-Mixer nachahmt, der alles steuert, von Phifes wilden Frisuren bis zu Busta Rhymes‘ langärmeligem Oberteil.
Es ist wie ein digitales Spaßhaus mit Spezialeffekten, die nicht mehr nach Windows ’95 aussehen. Was nur zu dem albernen Retro-Charme beiträgt. Und egal, ob sie für die Kamera finster blicken oder albern sind, die Rapper des Dream-Teams sehen alle so aus, als hätten sie den Spaß ihres Lebens. —M.C.
95. The Chicks, „Goodbye Earl“
Jane Krakowski aus „30 Rock“ spielt Wanda, eine misshandelte Hausfrau, die sich mit ihrer besten Freundin Mary Ann (Lauren Holly aus „Dumb and Dumber“) zusammentut, um ihren Ehemann Earl (Dennis Franz) zu töten. Sie vergiften seine schwarzen Augenbohnen. Wickeln seinen Körper in eine Plane. Und werfen ihn in den See. Und feiern anschließend eine Party, an der auch der zombiehafte Earl teilnimmt.
Währenddessen singt Sängerin Natalie Maines den Song in einem roten Bandana-Top, das zweifellos den typischen Look der 2000er Jahre verkörpert, während sie und ihre Bandkolleginnen diesen Frauen zur Seite stehen. Der von Dennis Linde geschriebene Song wurde bei seiner Veröffentlichung als kontrovers angesehen. Aufgrund seiner Themen häusliche Gewalt und Mord fügten Radiosender eine Hotline-Nummer hinzu oder weigerten sich, ihn überhaupt zu spielen.
Das Video mag das Konzept ein wenig karikieren, schafft es aber dennoch, die Schärfe des Liedchens beizubehalten. „Die Chicks befürworten keinen vorsätzlichen Mord“, schrieb die Band in den Liner Notes des Albums. „Aber wir lieben es, uns zu rächen.“—A.M.
94. Sinéad O’Connor, „Nothing Compares 2 U“
Sinéad O’Connor hielt das Video zu ihrem 1985er Hit, der von Prince geschrieben wurde und von einer Liebesaffäre handelt, die die Erzählerin völlig am Boden zerstört zurücklässt, bewusst schlicht. Der Clip zeigt nicht viel mehr als die irische Sängerin, die an Statuen vorbeigeht und grübelt. Sowie eine Nahaufnahme ihres Gesichts, während sie vor einem schwarzen Hintergrund singt.
Aber man darf die Kraft dieses letzten Teils nicht unterschätzen. Tränen laufen ihr über die Wangen, während sie nur wenige Zentimeter von uns entfernt ihren Verlust zu beklagen scheint. Sie greift dabei auf den damals noch frischen Verlust ihrer Mutter zurück. Es ist, als würde die für ihre Konfrontationslust und ihre Unverblümtheit bekannte O’Connor sich weigern, das Publikum von ihrem Schmerz, ihrer Trauer und Wut abwenden zu lassen.
Und dann krönt sie das Ganze, indem sie direkt in die Kamera starrt, bevor sie einen Blick nach unten wirft, unfähig, weiterzumachen. Es ist, als würde man in Echtzeit zusehen, wie ein Herz bricht. —B.E.
93. Cardi B feat. Megan Thee Stallion, „WAP“
Die fröhlichste Ode an die vaginale Lubrikation, die jemals in einem Video zu sehen war, zeigte das Konzept der Hölle eines politischen Konservativen. Zwei starke, reiche, selbstbewusste und äußerst einflussreiche schwarze Frauen, die offen zu ihrer Sexualität stehen. Der Clip von Regisseur Colin Tilley für diesen gemeinsamen Song von Cardi B und Megan Thee Stallion stellt diese freche Liebe zur „Königskobra“ (oder „Big Mack Truck”, je nach Geschmack) mit einer skurrilen, pastellfarbenen Unschuld und exotischen Katzen, was den Zorn aller auf sich zog, von Kongressabgeordneten über Fox-News-Kommentatoren bis hin zu … Carole Baskin?
Ein Punkt für Cardi und Megan. Nur wenige Videos haben die Kultur im Jahr 2020 so dominiert und alle Maßstäbe gesetzt. Ein Cameo-Auftritt von Jenner oder Kardashian, unzählige Kommentare zur Bedeutung des Videos und die pseudo-empörte Reaktion der selbsternannten moralischen Mehrheit. —J.N.
92. Adam Ant, „Stand and Deliver“
„Ich hoffe nur, dass Showbiz niemals zu einem Schimpfwort wird“, sagte Adam Ant 1980 gegenüber Rolling Stone. „Ich liebe es.“ Er war der größte New-Romantic-Abenteurer seiner Zeit. Ein dandyhafter Wegelagerer, der sich als Pirat verkleidete. Seine Videos zu „Prince Charming“, „Antmusic“, „Goody Two Shoes“ und dem tatsächlich existierenden „Ant Rap“ erklärten allem, was an den Achtzigern sicher und langweilig war, den Krieg.
Aber „Stand and Deliver“ ist sein ultimatives Glam-Manifest, in dem Adam Postkutschen überfällt, um zu verkünden: „Ich gebe mein Geld dafür aus, schick auszusehen und deine Aufmerksamkeit zu erregen!“ Die aristokratische Dame hier: die zukünftige britische Filmstar Amanda Donohoe, Adams Muse im wirklichen Leben. Wie Adam wusste auch sie, dass man sich vor Spott nicht fürchten muss. —R.S.
91. Blur, „Coffee & TV“
1999 führten das Alkoholproblem und die kreativen Unstimmigkeiten von Gitarrist Graham Coxon dazu, dass er sich zunehmend von den anderen Mitgliedern von Blur distanzierte. „Graham war unglücklich und erschien nicht immer zum Proben“, erinnert sich Alex James, Bassist der Britpop-Band, in seinen Memoiren „Bit of a Blur“. „Das war frustrierend, denn wenn er da war, war alles, was er tat, brillant.“
Dieses Drama innerhalb der Band fand einen unerwartet skurrilen Ausdruck in dem Video, das das Produzentenduo Hammer & Tongs für „Coffee & TV“ drehte, eine Single, die von Coxon geschrieben und hauptsächlich gesungen wurde. Und ein Paradebeispiel für die Brillanz ist, von der James sprach. Coxon spielt den vermissten Sohn einer traurigen englischen Vorstadtfamilie, der zuerst auf der Seite eines Milchkartons zu sehen ist. Einem Milchkarton, der prompt zum Leben erwacht und zum fröhlichen kleinen Protagonisten des Videos wird.
Milky tanzt fröhlich vor sich hin. Trampt in die Großstadt. Verliebt sich in einen Karton Erdbeermilch. Erlebt herzzerreißende Trauer. Und findet schließlich Coxon genau dort, wo er hingehört. In einem Raum, wo er mit den anderen Jungs von Blur zu „Coffee & TV“ jammt. (Spoiler-Alarm: Coxon trinkt Milky aus, der später wiederaufersteht und sich mit seiner wahren Liebe im Getränkebehälter-Himmel wiedervereinigt. ) —S.V.L.
90. Madonna, „Justify My Love”
In einer Welt nach „WAP” und „Montero” fällt es vielleicht schwer, sich daran zu erinnern, wie geschickt Madonna einst darin war, mit einem neuen Musikvideo Kontroversen zu schüren. Mit der erotischen Fantasie von „Justify My Love” aus dem Jahr 1990 gelang es ihr, sich selbst zu übertreffen.
Der Clip war so gewagt, dass MTV ihn tatsächlich verbot. Und damit seine Unsterblichkeit garantierte. Der in noir-artigem Schwarz-Weiß gedrehte Clip (Regie: Jean-Baptiste Mondino) zeigt die Popstar, wie sie durch eine Reihe von Begegnungen, darunter ein Dreier mit einem leidenschaftlichen gleichgeschlechtlichen Kuss, ein sexuelles Erwachen erlebt. Es gibt auch kurze Einblicke in das schwule Leben und die Perversionen in Aufnahmen von drei schwulen Männern, die auf einer Couch kuscheln, und einer barbusigen Domina, die BDSM an ihrem männlichen Partner praktiziert.
Mehr als 30 Jahre später sind das deutlich weniger tabuisierte Themen. Und dieser Clip – und die Frau, die im Mittelpunkt steht – verdient zumindest ein wenig Anerkennung dafür, dass er diese Entwicklung vorangetrieben hat.—J.F.
89. Psy, „Gangnam Style”
Was sagst du, Billy? Wie war das Jahr 2012? Nun, setz dich auf den Schoß deines Großvaters und hör zu. Es gab einen südkoreanischen Sänger und Rapper, der ein manisches, turbulentes Video mit Explosionen, albernen, aber mitreißenden Choreografien und Pferden veröffentlichte. Ja, Pferden.
Die ganze Welt liebte diesen Clip, der über ein „Video” hinaus zu einem „globalen Phänomen” wurde, und scheinbar jede Fernsehsendung und Werbung ahmte seine Pferde-Choreografie nach oder parodierte sie.
Wir sagten auch oft „sexy laaaady”. Für einen Moment, Billy, wurde die sterbende Monokultur wiederbelebt, um den schmuddeligen Typen im kitschigen Anzug zu feiern. So sehr, dass das Video das erste Video war, das 1 Milliarde Aufrufe auf YouTube erreichte. Hier, ich zeige dir den Pferdetanz. —J.N.
88. The Notorious B.I.G., „Hypnotize”
Das Video zu „Hypnotize” wurde wenige Wochen vor Biggies Tod im März 1997 gedreht und entführte den Rapper aus den Straßen von Brooklyn in viel wärmere Gefilde. Genauer gesagt nach „Florida Keys, 17:47 Uhr”, wie der Titelbildschirm verkündet. (Tatsächlich wurde es in Santa Monica gedreht.)
Das Video ist eine Michael-Bay-Version der High-Life-Ästhetik, für die Puff Daddys Bad Boy Records bekannt wurde. Überall verstreutes Bargeld, Champagner, teure Anzüge, während Puff und Biggie sowohl mit einem Boot (verfolgt von einer Gruppe Hubschrauber) als auch mit einem offenen Luxus-Sedan (verfolgt von einer Gruppe Motorräder) um die Wette rasen.
Der beste Teil ist jedoch viel einfacher. Biggie grinst wie ein Kind und zeigt seinen jungenhaften Charme, der seine nicht ganz so geheime Waffe war. Der Rapper hat den finalen Schnitt nie zu sehen bekommen. „Ich habe ihm in der Anfangsphase etwa eineinhalb Minuten gezeigt, und er war wirklich begeistert“, erzählte Regisseur Paul Hunter 2017 gegenüber Spin. „Er lächelte wie ein Kind. Dieses große, warme Lächeln.“ —C.H.
87. Soundgarden, „Blow Up the Outside World“
Ja, das Video zu „Black Hole Sun“ ist surreal und verstörend. Und hat dazu beigetragen, Soundgarden einem ganz neuen Publikum außerhalb der Grunge-Fangemeinde bekannt zu machen. Aber dieser Clip unter der Regie von Jerry Casale von Devo übertrifft wohl den „Things-Fall-Apart“-Faktor seines Vorgängers. Und fängt gleichzeitig die Stimmung dieses herausragenden Tracks aus Down on the Upside perfekt ein.
Es ist kein Zufall, dass Chris Cornell hier eine starke Ähnlichkeit mit Alex the Droog aus „A Clockwork Orange“ hat, da er gezwungen ist, Szenen der Gelassenheit zu sehen, die mit Ausschnitten von Sex und Gewalt durchsetzt sind. Und Zuschauer, die mit dem Klassiker des „Cinéma du Conspiracy Theory“ aus den Siebzigern, „The Parallax View“, vertraut sind, werden die Ähnlichkeit zwischen der Gehirnwäsche-Sequenz dieses Films und dem, was hier vor sich geht, erkennen.
Dann beginnt die Band, den Ort in die Luft zu jagen. Zuerst im übertragenen Sinne, dann im wörtlichen Sinne. Und was als doppelte Hommage beginnt, verwandelt sich in eine Katharsis von nuklearer Stärke. —D.F.
86. Neil Young, „This Note’s for You”
In den späten Achtzigerjahren lizenzierten David Bowie, Madonna, Eric Clapton, Tina Turner, Michael Jackson und viele andere Top-Künstler nicht nur ihre Musik für Werbespots. Sondern traten auch selbst in den Werbespots auf. Neil Young war von diesem Phänomen so angewidert, dass er es in dem Titelsong seines 1988 erschienenen Albums „This Note’s for You“ parodierte. „Ich singe nicht für Pepsi“, knurrte er. „Ich singe nicht für Coke/Ich singe für niemanden/Das lässt mich wie einen Witz aussehen.“
Er ging noch einen Schritt weiter, als er ein Video zu dem Song drehte, in dem er Claptons Michelob-Werbung, Calvin Kleins Obsession-Werbung, Bud Lights Spuds MacKenzie-Spots und die berüchtigte Jackson-Pepsi-Werbung, in der sein Haar in Flammen aufging, gnadenlos verspottete. Zunächst weigerte sich MTV, das Video auszusetzen. Mit der fadenscheinigen Begründung, dass es sie einer „Urheberrechtsverletzung“ aussetzen würde.
„Ihr rückgratlosen Trottel“, schrieb Young in einem offenen Brief. „Ihr weigert euch, ‚This Note’s for You‘ zu spielen, weil ihr Angst habt, eure Sponsoren zu verärgern. Wofür steht das ‚M‘ in MTV: Musik oder Money?“ MTV gab schließlich nach. Und strahlte das Video nicht nur aus. Sondern verlieh Young bei den VMAs 1989 auch den Preis für das Video des Jahres. —A.G.
85. „Weird Al“ Yankovic, „Eat It“
Bevor „Eat It“ bei MTV ausgestrahlt wurde, schien „Weird Al“ Yankovic als Randfigur in die Geschichte einzugehen, die der Welt clevere Parodielieder wie „My Bologna“ und „I Love Rocky Road“ bescherte, bevor sie in der Versenkung verschwand. Aber das brillante Video zu „Eat It“ zeigte, dass er auf einem Niveau von Genialität und Besessenheit arbeitete, das noch niemand zuvor gesehen hatte.
Es ist eine Szene für Szene nachgedrehte Parodie auf Michael Jacksons Video zu „Beat It“, in der die Gangmitglieder statt mit Messern mit Gabeln kämpfen. Und ein ziemlich großer von ihnen in einem Gullydeckel stecken bleibt. Er hat sogar einige der Tänzer aus dem Original aufgespürt und ihnen gesagt, sie sollten ihre alten Moves parodieren.
Erstaunlicherweise hatte Jackson nichts gegen die Parodie einzuwenden. Und dank der Unterstützung von MTV erreichte der Song Platz 12 der Hot 100. Das war der Beginn einer langen Reihe echter Hits für Yankovic. „‚Eat It‘ hat mich im Grunde genommen von einem Unbekannten zu einem Typen gemacht, der bei Burger King erkannt wurde“, erzählte Yankovic später dem Rolling Stone. —A.G.
84. Azealia Banks, „212“
Azealia Banks‘ „212“ schlug 2011 wie eine Bombe in der Musikszene ein. Ihr schlichtes Schwarz-Weiß-Musikvideo untermauerte nur noch Banks‘ Status als echter Star. Sobald sie „I’ma ruin you, cunt“ in die Kamera spuckte, wusste man, dass man sie nicht vergessen würde.
Es ist schwer, über die provokante Prahlerei hinwegzusehen. Aber es sind wirklich all die kleinen Details, die den Clip zu einem so unvergesslichen Artefakt machen. Der Mickey-Mouse-Pullover, die schnellen Schnitte durch eine Bodega in Harlem, Yung Rapunzels konfrontativer Rap ins Ohr des bebrillten (und amüsierten) Jacques Greene.
In den Jahren seitdem hat Banks nicht immer gehalten, was dieser Clip versprochen hat. Aber der Traum davon, „was hätte sein können“ – und was vielleicht noch möglich ist – lebt jedes Mal weiter, wenn man diese extreme Nahaufnahme von ihr sieht, wie sie ihre Hasser einen nach dem anderen vernichtet. —C.S.
83. Blind Melon, „No Rain“
O Biene, wo ist dein Stachel? Das mürrische, bebrillte Mädchen in einem schwarz-gelben Kostüm, das auf der Suche nach jemandem herumwandert, der sie wirklich versteht, ist vielleicht das typischste Bild der Neunzigerjahre.
Aber im Gegensatz zu Blind Melons Debütalbum-Cover – auf dem die 10-jährige Schwester des Schlagzeugers Glenn Graham als Biene verkleidet zu sehen ist – und im Gegensatz zu den weitaus düstereren Videos dieser Zeit passt Regisseur Samuel Bayer den Hippie-Rhythmus der Musik der Band an, indem er ein bewegend fröhliches, uns allen vertrautes Ende liefert. In dem die junge Außenseiterin ihre Leute findet und mit ihnen auf einer paradiesischen, Shire-ähnlichen grünen Wiese herumtollt. Sänger Shannon Hoon beklagte später, dass dieses Bild so sehr mit der Band in Verbindung gebracht wurde, doch es passt perfekt zum Ton des Songs. U
nd Heather DeLoach, die in dem Clip das summende Kind spielte? Sie bezeichnet sich immer noch als „das Bienenkind“. —B.H.
82. Nicki Minaj, „Anaconda“
„Anaconda“ war ein großer Moment für Nicki Minaj. Und das von Colin Tilley gedrehte Video machte den anzüglichen Text des Songs nur noch expliziter. Wenn nichts anderes, beweist es zumindest, dass das Sample von Sir Mix-A-Lots „Baby Got Back“ kein Zufall war. Die Rapperin verkörpert alle möglichen Persönlichkeiten. Von Josephine Baker bis Jane Fonda. Und wechselt vom Twerking in einem Resort zum Unterrichten eines Asserobics-Kurses.
Nach einem chaotischen Kochkurs überrascht sie ihre Fans mit einem Gastauftritt von Drake, der als ihr Young-Money-Verbündeter freudig einen Lapdance von Minaj erhält. Das Video zu „Anaconda“ ist in vielerlei Hinsicht ein Power-Move. Und hat eine Milliarde Aufrufe erzielt, womit Minaj die erste Rapperin ist, der dies gelungen ist. —B.S.
81. Talking Heads, „Once in a Lifetime“
„Once in a Lifetime“ ist einer der einzigartigsten und unglaublichsten Songs in der Geschichte der Popmusik. Daher passt es nur zu gut, dass das Video eine eigenwillige Reise ins Unterbewusstsein ist. Co-Regisseur Toni Basil (der im nächsten Jahr mit „Mickey“ einen Riesenerfolg landete) drehte es auf Videoband. Fast ohne Budget.
Sie und David Byrne besuchten das Film- und Videoarchiv der UCLA, wo es, wie Basil 2007 gegenüber Uncut erzählte, „eine riesige Sammlung von Predigern, Evangelisten, Menschen in Trance, afrikanischen Stämmen und japanischen religiösen Sekten gab”. Einige der Aufnahmen fanden ihren Weg in das Video, während Byrne – in Anzug, Fliege und schweißgebadet – die Ängste eines Mannes in der Mitte seines Lebens verkörperte.
Das Video trug dazu bei, Byrne als einen der markantesten Stars der Achtzigerjahre zu etablieren. Gesegnet mit seinem ganz eigenen Charisma. Seine ruckartigen Bewegungen haben eine seltsame Logik. Sogar ein bisschen Funk. Als würde er tief in seinem Inneren erkennen, dass das Geheimnis des Lebens immer knapp unterhalb unserer Wahrnehmung fließt. —C.H.
