Die 100 besten Songs der Beatles
Von „Helter Skelter” bis „Sgt. Pepper's” – eine Rangliste der besten Songs der Beatles. Vorwort von Elvis Costello
20. „Please Please Me“
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 11. September und 26. November 1962
- Veröffentlicht: 25. Februar 1963
- 13 Wochen; Nr. 3
„Es war eine Kombination aus Bing Crosby und Roy Orbison.“ So beschrieb Lennon die Inspiration für „Please Please Me“, die erste Single der Beatles, die Platz 1 der britischen Charts erreichte.
Lennon schrieb den Song im Haus seiner Tante Mimi. „Ich erinnere mich an den Tag und die rosa Bettdecke auf dem Bett“, sagte er Jahre später. „Und ich hörte Roy Orbison ‚Only the Lonely‘ oder so etwas singen. Daher kam die Idee. Und ich war schon immer fasziniert von den Worten ‚Please, lend your little ears to my pleas‘ [aus Crosbys Song ‚Please‘ von 1932].. Ich [liebte] die doppelte Verwendung des Wortes ‚please‘.“
„Wenn man sich den Song viel langsamer vorstellt, so wie John ihn geschrieben hat, hat er einfach alles“, sagte McCartney. „Die hohen Töne, alle Merkmale eines Roy-Orbison-Songs.“
„Please Please Me“ war einer der Songs, die die Beatles George Martin bei ihrer zweiten Aufnahmesession am 11. September 1962 in den EMI Studios vorspielten. Starr erinnerte sich: „Während wir den Song aufnahmen, spielte ich die Bassdrum mit einer Maraca in der einen Hand und einem Tamburin in der anderen“ – was laut Starr der Grund dafür war, dass Martin sich entschied, für „Love Me Do“, das sie ebenfalls an diesem Tag aufnahmen, einen Session-Drummer zu engagieren.
„Zunächst einmal war ihr Songwriting Mist“
Martin war von dem langsamen „Please Please Me“ nicht beeindruckt, das er als „eine Trauermelodie“ bezeichnete. Er schlug vor, den Song schneller zu spielen und das Arrangement aufzupeppen. Nicht, dass er zu diesem Zeitpunkt von ihren ursprünglichen Bemühungen im Allgemeinen beeindruckt gewesen wäre. „Zunächst einmal war ihr Songwriting Mist“, sagte Martin einmal. „Als ich die ersten Songs von ihnen hörte, dachte ich: ‚Oh Gott, wo soll ich nur einen guten Song für sie herbekommen?‘ Die erste Platte, die wir herausbrachten, war ‚Love Me Do‘ und ‚P.S. I Love You‘, die nicht gerade Cole Porter sind, oder?“
„Love Me Do“ wurde jedoch ein Hit, und die Beatles wurden zurück ins Studio bestellt, um an einem Nachfolger zu arbeiten. Als sie am 26. November nach Abbey Road zurückkehrten, wollte Martin, dass sie einen Song von Mitch Murray namens „How Do You Do It“ veröffentlichten. Die Beatles versuchten ihn davon zu überzeugen, dass sie stattdessen einen eigenen Song aufnehmen sollten, aber der Produzent fand, dass keiner ihrer Songs so gut war wie der von Murray. (Martin wurde in gewisser Weise bestätigt, als Gerry and the Pacemakers im folgenden Jahr mit „How Do You Do It“ einen Nummer-1-Hit landeten.) Sie schlugen „Please Please Me“ vor und fügten hinzu, dass sie Martins Rat befolgt, das Tempo beschleunigt und eine Mundharmonika-Stimme hinzugefügt hatten, die Harrisons Gitarrenriff zu Beginn imitierte.
Die neue Version von „Please Please Me“ hatte eine unwiderstehliche Energie und eine aggressive Sexualität
Die Beatles wussten, dass sie Neuland betreten hatten. „Wir haben das Tempo erhöht, und plötzlich war da dieser schnelle Beatles-Spirit“, sagte McCartney. Lennon sagte später: „Als die Session kam, waren wir so glücklich, dass wir es gar nicht schnell genug aufnehmen konnten.“ Starrs gleichmäßiger, treibender Backbeat veranlasste Martin zuzugeben, dass er sich in Bezug auf die Fähigkeiten des Schlagzeugers geirrt hatte.
Die neue Version von „Please Please Me“ hatte eine unwiderstehliche Energie und eine aggressive Sexualität. (Vielleicht zu aggressiv – Capitol Records wollte die Single nicht in Amerika veröffentlichen, weil einige, die den Song gehört hatten, den Text als Ode an Oralsex interpretierten, und so veröffentlichte schließlich das Label Vee-Jay aus Chicago „Please Please Me“). Als die Band den Track fertig aufgenommen hatte, verkündete Martin über die Studio-Sprechanlage: „Meine Herren, ich glaube, ihr habt eure erste Nummer eins.““
Er hatte Recht: „Please Please Me“ war der erste von vier aufeinanderfolgenden Nummer-Eins-Hits der Band und löste in Großbritannien die Beatlemania aus. Die Single verkaufte sich so gut, dass Brian Epstein die Beatles von ihrer Tournee abholte, um ihr Debütalbum aufzunehmen – was sie in drei dreistündigen Sessions am 11. Februar 1963 taten und am nächsten Tag zu ihrer Tournee zurückkehrten – mit dem Titel „Please Please Me“, nach ihrem aktuellen Smash-Hit.
„Das sollte gut laufen“
Die größte Anerkennung für den Song kam jedoch möglicherweise von Lennons Tante Mimi, die nach „Love Me Do“ noch nicht davon überzeugt war, dass die Band ihres Neffen eine große Zukunft haben würde. Dann hörte sie „Please Please Me“. „Das ist schon besser“, sagte sie zu Lennon. „Das sollte gut laufen.“
Erschienen auf: „Please Please Me“.
19. „Lucy in the Sky With Diamonds“
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 28. Februar bis 2. März 1967
- Veröffentlicht: 2. Juni 1967
- Nicht als Single veröffentlicht
Lennon bestand immer darauf, dass „Lucy in the Sky With Diamonds“ kein Drogensong sei. Wie er 1970 gegenüber ROLLING STONE erklärte: „Ich schwöre bei Gott oder bei Mao oder bei wem auch immer Sie wollen, ich hatte keine Ahnung, dass das für LSD steht.“ Die Inspiration war ein Bild, das sein vierjähriger Sohn Julian von Lucy O’Donnell gemalt hatte, dem Mädchen, das in der Schule neben ihm saß. „Er hatte ein paar Sterne am Himmel gemalt und das Bild ‚Lucy in the Sky With Diamonds‘ genannt“, erzählte Lennon. „Ganz einfach.“
Lennon zeigte McCartney das Bild eines Morgens beim Tee, und sie beschlossen, dass der Titel zu gut war, um ihn nicht zu verwenden. Der Song ist geprägt von Lennons Vorliebe für kindliche Fantasie, wie in „Through the Looking-Glass.“ Lennon kam auf die Idee mit den „Kaleidoskop-Augen“, McCartney auf die „Cellophan-Blumen“ und „Zeitungs-Taxis“, und schon bald hatten sie einen psychedelischen Kinderreim mit Wortspielen, die Lewis Carroll würdig waren. „Die Bilder stammen aus Alice im Wunderland“, sagte Lennon 1980. „Es war Alice im Boot. Sie kauft ein Ei, und es verwandelt sich in Humpty Dumpty. Die Frau, die im Laden bedient, verwandelt sich in ein Schaf, und im nächsten Moment rudern sie irgendwo in einem Ruderboot, und ich habe mir das vorgestellt.”
„Es gab auch das Bild der Frau, die mich eines Tages retten würde“
In der Villa in Weybridge, wo er den Song schrieb, verbrachte Lennon die meiste Zeit allein, fühlte sich in seiner zerbrechenden Ehe taub, sah fern und nahm Drogen. „Lucy in the Sky With Diamonds“ war ein Bild der Hoffnung. Wie er 1980 erklärte: „Es gab auch das Bild der Frau, die mich eines Tages retten würde – ein ‚Mädchen mit kaleidoskopartigen Augen‘, das aus dem Himmel kommen würde. Es stellte sich heraus, dass es Yoko war, obwohl ich Yoko noch nicht kennengelernt hatte. Vielleicht sollte es also ‚Yoko in the Sky With Diamonds‘ heißen.“
Leider starb Lucy selbst im September 2009 im Alter von 46 Jahren an Lupus. Julian Lennon würdigte seine ehemalige Klassenkameradin wenige Wochen später mit der Veröffentlichung einer Benefiz-Single mit dem Titel „Lucy“. (Julians Originalzeichnung von „Lucy“ befindet sich derzeit im Besitz von Pink-Floyd-Gitarrist David Gilmour.) Als sie als Teenager zum ersten Mal „Lucy in the Sky With Diamonds“ hörte, erzählte sie ihren Freunden, dass sie die Lucy sei, die den Song inspiriert habe. Aber sie glaubten ihr nicht und sagten ihr, dass der Song von LSD handele. Lucy widersprach ihnen nicht, weil es ihr, wie sie zugab, „zu peinlich war, ihnen zu sagen, dass ich nicht wusste, was LSD ist“.
Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“.
18. „Tomorrow Never Knows”
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 6., 7. und 22. April 1966
- Veröffentlicht: 8. August 1966
- Nicht als Single veröffentlicht
Der letzte und experimentellste Track auf „Revolver“ war der erste, der aufgenommen wurde: Lennons schnelle, begeisterte Reaktion auf die großartige Flucht des LSD. Im Acid fand Lennon seine erste echte Erlösung von der realen Welt und dem Ruhm der Band – einen alternativen Raum der Verzückung und Selbstreflexion, den er mit der energiegeladenen Zusammenarbeit der anderen Beatles in „Tomorrow Never Knows“ neu schuf. Plötzlich waren der poetische Fortschritt und der rustikale Modernismus von „Rubber Soul“ – das nur fünf Monate vor diesen Sessions, im Dezember 1965, veröffentlicht worden war – längst Geschichte.
Im Vergleich zu den rollenden Drone-, Tape-Loop-Effekten und außerkörperlichen Vocals, die Lennons Trip hier dominieren, klingt sogar der Rest von Revolver wie eine Mutation im Entstehen: Die Beatles folgten ihren befreiten Impulsen als Musiker und Songwriter, mittels Acid, in Form von Popsongs. Es gab keinen anderen Platz für diesen Track auf dem Album als das Ende. „Eleanor Rigby”, „I’m Only Sleeping”, „Love You To” und „She Said She Said” waren allesamt mutige Schritte ins Unbekannte – „Tomorrow Never Knows” war der Sprung von der Klippe.
Arbeitstitel: „The Void“
Die Kunst des Samplings in der Popmusik könnte tatsächlich hier ihren Anfang genommen haben. Im Januar 1966, während eines Trips, konsultierte Lennon vorsichtshalber „The Psychedelic Experience“, ein Handbuch, das vom LSD-Prediger Timothy Leary (zusammen mit Richard Alpert und Ralph Metzner) geschrieben wurde. Das Buch selbst war eine ausführliche Paraphrase buddhistischer Konzepte, darunter Reinkarnation und Egotod, aus „The Tibetan Book of the Dead“. Lennon ließ ein Tonband laufen und las Passagen aus „The Psychedelic Experience,“ während er auf seinem Trip war. Bald darauf schrieb er einen Song, in dem er einige der tatsächlichen Zeilen von Leary verwendete, darunter dessen Beschreibung des Zustands der Gnade jenseits der Realität. Lennon verwendete dies sogar als Arbeitstitel: „The Void“.
Die Beatles brachten ihn mit außergewöhnlicher Geschwindigkeit dorthin. Sie brauchten nur drei Anläufe, um eine Master-Aufnahme des Rhythmus-Tracks zu erstellen, angetrieben von Starrs unerbittlichem Schlagzeugspiel. McCartney schlug das von Starr verwendete Tumbling-Muster vor. Die meisten der jenseitigen Overdubs wurden in der Nacht vom 6. April und am Nachmittag des 7. April erstellt und aufgenommen – insgesamt etwa 10 Stunden.
Es gibt nichts in „Tomorrow Never Knows“ – das rückwärts abgespielte Gitarrensolo, Harrisons schwebendes Sitar-Summen, Lennons Stimme, die auf der anderen Seite des Bewusstseins zu schweben scheint –, das nicht bis zur Unkenntlichkeit dosiert wurde. Der spacige, tablaähnliche Klang von Starrs Schlagzeug entstand einfach dadurch, dass er auf zwei locker gestimmten Tomtoms spielte, die komprimiert und mit Echo überlagert wurden. Die Loops wurden mit einem Mellotron erzeugt, das Flöten- und Streichertöne imitierte; die kichernden Möwengeräusche waren entweder eine veränderte Aufnahme von McCartneys Lachen oder ein bearbeiteter Gitarrenausschnitt.
Eine Kombination aus Himmel und Erde: ein üppiges und wellenförmiges Gebet
Lennon wollte auf keinen Fall wie er selbst klingen. „Ich möchte, dass meine Stimme wie die des Dalai Lama klingt, der von einem Berggipfel aus singt, meilenweit entfernt“, verkündete er im Studio. Der Toningenieur Geoff Emerick erzielte diesen Effekt, indem er Lennons Stimme durch den rotierenden Lautsprecher eines Leslie-Gehäuses laufen ließ, das an die Hammond-Orgel in Abbey Road angeschlossen war. Das Ergebnis war eine Kombination aus Himmel und Erde: ein üppiges und wellenförmiges Gebet, vorgetragen in Lennons nasaler Liverpooler Hard-Boy-Stimme. „Das ist verdammt großartig!“, rief Lennon wiederholt aus, nachdem er den Effekt gehört hatte. McCartneys Reaktion war ebenso freudig: „Das ist der Dalai Lennon!“
Ironischerweise war der Song bis zum letzten Overdub am 22. April in den Abbey Road-Aufnahmeunterlagen unter einem anderen Arbeitstitel aufgeführt: „Mark 1“. Starr hatte sich etwas viel Besseres ausgedacht. Wie „A Hard Day’s Night“ war auch „Tomorrow Never Knows“ einer der Wortfehler des Schlagzeugers. Der Satz kommt in Lennons Text nicht vor. Starr meinte natürlich „tomorrow never comes“ (morgen kommt nie). Er irrte sich: Es kam, mit Hall und Technicolor, mit ekstatischer Verheißung, am Ende von Revolver.
Erschienen auf: „Revolver“.
17. „Ticket to Ride“
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- Autoren: Lennon-McCartney
- Aufgenommen: 15. Februar 1965
- Veröffentlicht: 19. April 1965
- 11 Wochen; Nr. 1
Lennon behauptete einmal, dass „Ticket to Ride“ – der erste Titel, den die Beatles am 15. Februar 1965 für den Soundtrack zu ihrem zweiten Spielfilm „Help“! aufgenommen hatten – „eine der frühesten Heavy-Metal-Platten“ sei. „Es war damals ein etwas neuer Sound, weil es für die damalige Zeit verdammt heavy war“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE. „Wenn man sich die Charts ansieht, um zu sehen, was andere Musiker damals gemacht haben, und man hört es sich heute an, klingt es gar nicht so schlecht. Es ist alles da, es ist ein heavy Song. Und die Drums sind auch heavy. Deshalb mag ich ihn.“
Nachdem Lennon auf „A Hard Day’s Night“ und „Beatles for Sale“ hauptsächlich Akustikgitarre gespielt hatte, griff er für „Ticket to Ride“ zur E-Gitarre. Ein klingendes 12-saitiges Riff leitet den Song mit einer psychedelischen Melodie ein, und die Gitarren stolzieren und knirschen durch die Strophen über Starrs knirschendem Groove. Der Sound wurde wahrscheinlich von Bands wie den Rolling Stones, den Who und den Kinks inspiriert, die zu dieser Zeit alle aus Großbritannien hervorgingen. Aber die Beatles waren der Konkurrenz immer noch voraus.
Zwischen Ambivalenz und Verzweiflung
„Ticket to Ride“ war die erste Beatles-Aufnahme, die die Drei-Minuten-Marke durchbrach, und Lennon füllte den Track mit wilden Stimmungsschwankungen. Sein Gesang und seine Texte schwanken in den Strophen zwischen Ambivalenz und Verzweiflung. Die Bridge ist ein kraftvoller Ausbruch von Empörung im Doppeltakt („She oughta think right/She oughta do right/By me“). Eine weitere Überraschung kam im Fade-Out, einer völlig anderen Melodie und einem anderen Rhythmus mit der wiederholten Zeile „My baby don’t care“, gesungen von Lennon in der höchsten, betonten Lage seines Stimmumfangs. „Wir haben fast die Idee eines neuen Teils eines Songs im Fade-out erfunden“, sagte McCartney, der auch den spiralförmigen Leadgitarrenpart in der Coda spielte. „Das war damals ziemlich radikal.“
Die Beatles sahen das Aufnehmen von Platten nun als Ziel an sich – und nicht nur als Dokumentation eines Songs – und änderten ihre Herangehensweise an das Aufnehmen, als sie sich mit den Möglichkeiten des Studios immer besser vertraut machten. Anstatt Songs so aufzunehmen, wie sie sie live spielen würden, den besten Take auszuwählen und dann Harmonien oder Soli zu überlagern, begann die Band nun in der Regel mit einer Rhythmus-Spur und baute langsam ein Arrangement darum herum auf.
In Anbetracht dessen „Ticket to Ride“ fast keine Zeit für die Aufnahme benötigte: Der gesamte Track, einschließlich der Overdubs, war in etwas mehr als drei Stunden fertig. „Es war im Grunde genommen eine Arbeitsaufgabe, die ziemlich gut ausgegangen ist“, sagte McCartney. „Ticket to Ride“ wurde praktisch zu ihrem neuen Titelsong: Der Titel ihrer letzten BBC-Radiosendung wurde in „The Beatles (Invite You to Take a Ticket to Ride)“ geändert.
„Pauls Beitrag war die Art, wie Ringo Schlagzeug spielte“
Lennon behauptete stets, dass McCartneys Beitrag zum Song minimal gewesen sei – „Pauls Beitrag war die Art, wie Ringo Schlagzeug spielte“ –, während McCartney behauptete, dass „wir uns hingesetzt und ihn gemeinsam geschrieben haben“ in einer dreistündigen Session in Lennons Haus in Weybridge. Das könnte die unterschiedlichen Geschichten über die Herkunft des Titels erklären: Eine naheliegende Erklärung ist, dass er sich auf eine Zugfahrkarte bezieht. (Als die Beatles im November 1965 verspätet einen Werbeclip für den Song drehten, sangen sie den Song vor einer Kulisse aus riesigen Fahrkarten zum Lippensynchronisieren). Don Short, ein britischer Zeitungsjournalist, der mit den Beatles reiste, behauptete jedoch, dass der Titel auf die Zeit der Band im Rotlichtviertel von Hamburg zurückgeht.
„Die Mädchen, die in Hamburg auf der Straße arbeiteten, mussten einen sauberen Gesundheitszustand nachweisen, und so gaben ihnen die Gesundheitsbehörden eine Karte, auf der stand, dass sie keine Krankheiten hatten“, sagte er. „John erzählte mir, dass er den Ausdruck ‚a ticket to ride‘ geprägt habe, um diese Karten zu beschreiben.“ McCartney hatte eine unschuldigere Erklärung: Er sagte, es sei ein Wortspiel mit dem Namen der Stadt Ryde auf der Isle of Wight. Eine weitere Möglichkeit: An dem Tag, an dem die Beatles „Ticket to Ride“ aufnahmen, bestand Lennon seine Führerscheinprüfung.
Erschienen auf: „Help!“.
16. „I Saw Her Standing There“
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- Hauptsongwriter: McCartney
- Aufgenommen: 11. Februar 1963
- Veröffentlicht: 26. Dezember 1963
- 11 Wochen; Nr. 14 (B-Seite)
Als McCartney 1962 eines Abends auf der Fahrt zu seinem Haus in Liverpool begann, den Song zu schreiben, der später „I Saw Her Standing There” wurde, lautete die erste Strophe, die ihm einfiel: „She was just 17/She’d never been a beauty queen” (Sie war gerade 17/Sie war nie eine Schönheitskönigin). Als er den Song jedoch am nächsten Tag Lennon vorspielte, „blieben wir stehen und zuckten beide zusammen und sagten: ‚Nein, nein, nein, „Schönheitskönigin“ kommt nicht in Frage‘“, erinnerte sich McCartney. „Wir gingen das Alphabet durch: between, clean, lean, mean. . . .“ Schließlich einigten sie sich auf „you know what I mean“, was gut war, sagte er, „weil du nicht weißt, was ich meine“.
Obwohl Lennons genauer Beitrag unklar ist („Ich habe bei ein paar Texten geholfen“, sagte er), ist „I Saw Her Standing There“ einer der Songs, die die Songwriting-Partnerschaft zwischen Lennon und McCartney weiter festigten. Ein Foto von McCartneys Bruder Mike aus dem September 1962 zeigt die beiden im Wohnzimmer von Pauls Haus, wie sie mit Akustikgitarren vor sich sitzen und arbeiten, Lennon mit der Brille, die er hasste, und Texte in ein Notizbuch des Liverpool Institute kritzelnd. McCartney schrieb den Song auf seiner Zenith-Akustikgitarre, der ersten Gitarre, die er jemals besaß.
Unter dem Titel „Seventeen“ wurde der Song 1962 Teil des Live-Programms der Beatles
Die ursprüngliche Inspiration für den Song war McCartneys damalige Freundin, die Tänzerin Iris Caldwell, die tatsächlich 17 Jahre alt war, als er sie im Dezember 1961 zum ersten Mal beim Twist tanzen sah – in Netzstrümpfen – im Tower Ballroom in New Brighton. „Paul und ich waren ein paar Jahre lang zusammen“, sagte Caldwell. „Es war nie wirklich ernst. Wir haben nie vorgegeben, einander treu zu sein. Ich bin mit vielen Leuten ausgegangen. Ich habe damals in verschiedenen Theatern gearbeitet, aber wenn ich zu Hause war, sind wir ausgegangen. Es gab nie irgendwelche Versprechen oder Liebesbekundungen.“
Caldwells Bruder war der Liverpooler Rocker Rory Storm, Frontmann der Hurricanes, deren Schlagzeuger Ringo Starr die Band im August 1962 verließ, um sich den Beatles anzuschließen. Caldwell sagte, dass McCartney „I Saw Her Standing There“ eigentlich Storm geben wollte, aber Brian Epstein redete ihm das aus.
Unter dem Titel „Seventeen“ wurde der Song 1962 Teil des Live-Programms der Beatles. Auf der Bühne dauerte das Stück manchmal 10 Minuten und enthielt mehrere Gitarrensoli. McCartney übernahm die kraftvolle Basslinie aus Chuck Berrys Single „I’m Talking About You“ von 1961, einem festen Bestandteil der Konzerte der Band. „Ich spielte genau die gleichen Noten wie er, und es passte perfekt zu unserem Song“, sagte McCartney.
Als es für die Beatles an der Zeit war, ihr erstes Album „Please Please Me“ aufzunehmen, erwog George Martin, sie live aufzunehmen, möglicherweise vor dem heimischen Publikum der Gruppe im Cavern Club.
Harrisons erstes Gitarrensolo
Obwohl er sich stattdessen entschied, sie in den EMI-Studios in der Abbey Road aufzunehmen, wählten sie eine Songliste, die repräsentativ für die Live-Shows der Band war. Um die Stimmung einzustimmen, beginnt das Album mit McCartneys feurigem „Eins-zwei-drei-faw!“ Countdown in „I Saw Her Standing There“. Die Beatles untermalten den Song, eine wahre Hymne an die Jugend, mit Handklatschen und den beschwingten ooohs, die später auch auf Singles wie „She Loves You“ zu hören waren.
Der Song, der auch Harrisons erstes Gitarrensolo auf einer Beatles-Platte enthält, wurde als B-Seite für die Single „I Want to Hold Your Hand“ ausgewählt, die in Amerika die Charts anführte. Er war auch einer der fünf Songs, die die Beatles am 9. Februar 1964 in der Ed Sullivan Show vor 73 Millionen Fernsehzuschauern aufführten.
Es sollte der letzte Song sein, den John Lennon jemals in einem Konzert spielte
Lennon beschrieb „I Saw Her Standing There“ als „Pauls gewohnt gute Arbeit, die George Martin als ‚Potboiler‘ bezeichnen würde“, aber der Song sollte in seinem späteren Leben eine größere Bedeutung erlangen. 1974 schlossen Lennon und Elton John eine Wette ab: Wenn Lennons „Whatever Gets You Thru the Night“, bei dem John den Hintergrundgesang und das Klavier übernahm, auf Platz eins landete, würde Lennon mit ihm auf der Bühne stehen. Als der Song Lennons erster Solo-Hit wurde, hielt er sein Versprechen und trat am 28. November mit John in der Madison Square Garden in New York auf.
Vor dem letzten Song sagte Lennon: „Wir dachten, wir spielen einen Song von einem alten, entfremdeten Verlobten von mir namens Paul“, und sie beendeten den Abend mit einer ausgelassenen Version von „I Saw Her Standing There“. „Ich wollte einfach nur Spaß haben und Rock ‚n‘ Roll spielen“, sagte Lennon danach. Es sollte der letzte Song sein, den John Lennon jemals in einem Konzert spielte.
Erschienen auf: „Please Please Me“.
