Die 100 besten Songs der Beatles

Ich hörte zum ersten Mal von den Beatles, als ich neun Jahre alt war. Damals verbrachte ich die meisten meiner Ferien in Merseyside, und ein Mädchen aus der Gegend schenkte mir ein schlechtes Werbefoto von ihnen, auf dessen Rückseite ihre Namen gekritzelt waren.

Die Beatles: Nur vergleichbar mit Charlie Chaplin, Brigitte Bardot und Elvis Presley

Das war 1962 oder 1963, bevor sie nach Amerika kamen. Das Foto war schlecht beleuchtet, und sie hatten ihren Look noch nicht ganz gefunden; Ringo hatte sein Haar leicht nach hinten gekämmt. Als wäre er noch nicht ganz von der Beatles-Frisur überzeugt.

Das war mir egal. Für mich waren sie die Band. Das Lustige daran ist, dass auch meine Eltern und alle ihre Freunde aus Liverpool neugierig und stolz auf diese lokale Band waren. Zuvor waren alle Leute aus dem Showbusiness im Norden Englands Comedians gewesen. Die Beatles nahmen sogar für Parlophone auf, einem Comedy-Label. Als hätten sie geglaubt, sie könnten nur eine vorübergehende Modeerscheinung sein.

Ich war genau im richtigen Alter, um mich voll und ganz von ihnen begeistern zu lassen. Meine Erfahrungen – jedes Bild zu sammeln, Geld für Singles und EPs zu sparen, sie in einer lokalen Nachrichtensendung zu sehen – wiederholten sich immer wieder auf der ganzen Welt. Es war nicht das erste Mal, dass so etwas passierte. Aber die Beatles erreichten einen Grad an Ruhm und Anerkennung, den zuvor nur Charlie Chaplin, Brigitte Bardot und Elvis Presley kannten. Zusammen mit ein wenig der luftlosen Exklusivität von Astronauten, ehemaligen Präsidenten und anderen Schwergewichts-Champions.

Jede Platte war ein Schock. Im Vergleich zu fanatischen R&B-Evangelisten wie den Rolling Stones klangen die Beatles wie nichts anderes. Sie hatten bereits Buddy Holly, die Everly Brothers und Chuck Berry verinnerlicht. Aber sie schrieben auch ihre eigenen Songs. Sie machten das Schreiben eigener Songs zu etwas Selbstverständlichem und nicht zu etwas Außergewöhnlichem.

Erstaunlich hohe Standards

Und John Lennon und Paul McCartney waren außergewöhnliche Songwriter. McCartney war und ist ein wahrhaft virtuoser Musiker. George Harrison war nicht der Typ Gitarrist, der wilde, unvorhersehbare Soli spielte. Aber man kann die Melodien fast aller seiner Breaks mitsingen. Am wichtigsten war, dass sie immer perfekt in das Arrangement passten. Ringo Starr spielte Schlagzeug mit einem unglaublich einzigartigen Gefühl, das niemand wirklich kopieren kann. Obwohl viele gute Schlagzeuger es versucht und versagt haben. Vor allem aber waren John und Paul fantastische Sänger.

Lennon, McCartney und Harrison hatten als Songwriter erstaunlich hohe Standards. Stellen Sie sich vor, einen Song wie „Ask Me Why” oder „Things We Said Today” als B-Seite zu veröffentlichen. Sie nahmen so fantastische Platten wie „Paperback Writer” b/w „Rain” oder „Penny Lane” b/w „Strawberry Fields Forever” auf. Und veröffentlichten sie nur als Singles. Diese Platten waren Ereignisse und nicht nur Vorankündigungen eines Albums. Dann begannen sie wirklich erwachsen zu werden. Von einfachen Liebesliedtexten zu Geschichten für Erwachsene wie „Norwegian Wood”, das von der bitteren Seite der Liebe handelte, bis hin zu größeren Ideen, als man in eingängigen Pop-Texten erwarten würde.

Die Beatles machten Aufnahmeexperimente

Sie waren die erste Gruppe, die mit der akustischen Perspektive ihrer Aufnahmen spielte und dies zu mehr als nur einer Spielerei machte. Ingenieure wie Geoff Emerick erfanden Techniken, die wir heute als selbstverständlich ansehen, als Reaktion auf die Fantasie der Gruppe. Vor den Beatles gab es Leute in Laborkitteln, die Aufnahmemexperimente durchführten. Aber es gab keine Rocker, die absichtlich Dinge aus dem Gleichgewicht brachten. Wie zum Beispiel einen leisen Gesang vor einem lauten Track in „Strawberry Fields Forever“. Man kann gar nicht genug betonen, welche Freiheiten dies allen von Motown bis Jimi Hendrix verschafft hat.

Meine absoluten Lieblingsalben sind „Rubber Soul“ und „Revolver“. Auf beiden Platten hört man Anspielungen auf andere Musik. R&B, Dylan, Psychedelia. Aber das geschieht nicht auf offensichtliche Weise. Oder so, dass die Platten dadurch veraltet wirken. Wenn man „Revolver“ in die Hand nahm, wusste man, dass es etwas anderes war. Verdammt, auf dem Bild auf der Rückseite des Covers tragen sie drinnen Sonnenbrillen und schauen nicht einmal in die Kamera. Und die Musik war so seltsam und doch so lebendig. Wenn ich einen Lieblingssong aus diesen Alben auswählen müsste, wäre es „And Your Bird Can Sing“ … nein, „Girl“ … nein, „For No One“ … und so weiter und so fort …

„Wirkt aber völlig spontan“

Ihr Abschiedsalbum „Let It Be“ enthält sowohl wunderschöne als auch zerklüftete Songs. Ich nehme an, dass Ehrgeiz und menschliche Schwächen in jeder Gruppe vorkommen. Aber sie haben einige unglaubliche Leistungen abgeliefert. Ich erinnere mich, dass ich 1970 zum Leicester Square gegangen bin und mir den Film „Let It Be“ angesehen habe. Ich ging mit einem melancholischen Gefühl.

Jemand hat mir kürzlich eine Sammlung von Nachrichtenfilmmaterial gegeben, das zeigt, wie schnell die Band ihren strahlenden und fröhlichen Witz verloren hat, den sie in der Öffentlichkeit präsentierten. In einer frühen Sequenz erzählt McCartney den Reportern, dass sie bald in der „Ed Sullivan Show“ auftreten werden, und zeigt dann in die Kamera: „Da ist er, hallo, Ed, und Mrs. Ed“ – „und Mr. Ed“, wirft Ringo ein. Das mag einstudiert gewesen sein. Wirkt aber völlig spontan.

„Wir haben nur versucht, Songs über Prostituierte und Lesben zu schreiben”

Nur ein Jahr später sieht man sie bei einer Pressekonferenz in Los Angeles zu ihrer letzten Tournee. Anzüge und Krawatten gehören der Vergangenheit an. Angesichts einer Reihe von düsteren Provokationsversuchen seitens der Presse wirken sie erschöpft und desillusioniert.

Als sie von einem Großmaul aufgefordert werden, auf eine Kritik des „Time-Magazins“ zu reagieren, wonach „Day Tripper“ von einer Prostituierten und „Norwegian Wood“ von einer Lesbe handele, antwortet McCartney: „Wir haben nur versucht, Songs über Prostituierte und Lesben zu schreiben.” In dem darauf folgenden Gelächter murmelt er: „Cut.” Sie vermittelten den Eindruck, dass das Spiel vorbei sei. Aber in Wahrheit hatten sie gerade erst angefangen.

Das Wort „Beatlesque” ist schon seit geraumer Zeit im Wörterbuch zu finden. Man hört es in Harry Nilssons Melodien, in Prince‘ „Around the World in a Day“. In den Hits von ELO und Crowded House und in Ron Sexsmiths Balladen. Man hört, dass Kurt Cobain die Beatles gehört und ihre Ideen mit Punk und Metal vermischt hat. Man hört sie in allen möglichen einmaligen Wunderwerken, von „Lies“ von den Knickerbockers bis zu „Shake Some Action“ von den Flamin‘ Groovies.  Der Umfang und die Freiheit des „White Albums“ haben es jedem, von OutKast über Radiohead bis hin zu Green Day und Joanna Newsom, ermöglicht, ihr Bild auf einer breiteren, mutigeren Leinwand zu entfalten.

Nun, ich gebe zu, dass ich meinen Anteil an Beatles-Licks gestohlen habe. Aber um die Wende der Neunzigerjahre durfte ich 12 Songs mit Paul McCartney mitschreiben und wagte sogar, ihm vorzuschlagen, dass auch er sich auf einige der harmonischen Signaturen der Beatles beziehen sollte. Denn erstaunlicherweise hatte er für Wings und während seiner Solokarriere ein anderes musikalisches Vokabular entwickelt.

Es war sehr aufregend, aber auch beunruhigend

1999, kurz nach dem Tod von Linda McCartney, trat Paul beim von Chrissie Hynde organisierten „Concert for Linda” auf. Während der Probe sang ich mit ihm die Harmonie zu einem Song von Ricky Nelson, und Paul rief den nächsten Titel: „All My Loving”.

Ich fragte: „Soll ich beim zweiten Mal die Harmonie singen?” Und er sagte: „Ja, versuch es mal.” Ich hatte nur 35 Jahre Zeit gehabt, um den Part zu lernen. Dieser Song, der lange bevor er Linda kennengelernt hatte geschrieben worden war, war unweigerlich mit einem wehmütigen Gefühl verbunden: „Schließ deine Augen und ich werde dich küssen / Morgen werde ich dich vermissen / Denk daran, dass ich dir immer treu bleiben werde.“

Bei der Show war es ganz anders. Sobald Paul die ersten Zeilen sang, war die Reaktion des Publikums so intensiv, dass sie den Song fast übertönte. Es war sehr aufregend, aber auch beunruhigend.

Vielleicht verstand ich in diesem Moment einen der Gründe, warum die Beatles aufhören mussten aufzutreten. Die Songs gehörten ihnen nicht mehr. Sie gehörten allen.

100. „Hello, Goodbye”

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 2., 19. und 25. Oktober sowie 2. November 1967
• Veröffentlicht: 27. November 1967
• 11 Wochen; Nr. 1

McCartney hat nie behauptet, dass der unwiderstehlich beschwingte Song „Hello, Goodbye” sein tiefgründigster Songwriting-Moment war. „Es ist einfach ein Song über Dualität, in dem ich mich für das Positivere ausspreche”, sagte er. Brian Epsteins Assistent Alistair Taylor erinnerte sich, dass McCartney die Idee hatte, als er demonstrierte, wie man einen Song schreibt. „Er hatte ein wunderbares altes, handgeschnitztes Harmonium. [Er sagte mir, ich solle] eine beliebige Taste auf der Klaviatur anschlagen. Und er würde dasselbe tun. Immer wenn ich ein Wort rufe, rufst du das Gegenteil, und ich werde eine Melodie dazu erfinden. ‚Schwarz‘, begann er. ‚Weiß‘, antwortete ich. ‚Ja.‘ ‚Nein.‘ ‚Hallo.‘ ‚Auf Wiedersehen.‘“ Obwohl der Song drei Wochen lang in den USA und sieben Wochen lang in Großbritannien auf Platz eins stand, war Lennon nicht beeindruckt. „‚I Am the Walrus‘ war die B-Seite von ‚Hello, Goodbye‘“, sagte er ungläubig. „Kannst du das glauben?“

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“

99. „Yes It Is“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 16. Februar 1965
• Veröffentlicht: 19. April 1965
• 4 Wochen; Nr. 46 (B-Seite)

Wie bei vielen seiner frühen Werke lehnte Lennon „Yes It Is“ ab. Er sagte, es sei „mein Versuch gewesen, ‚This Boy‘ neu zu schreiben. Aber es hat nicht funktioniert“. Aber „Yes It Is“ enthält einige der komplexesten Gesangspassagen aller Beatles-Songs. Wie „This Boy“ war es ein Versuch, die dreistimmigen Harmonien von Smokey Robinson and the Miracles nachzuahmen. Lennon, McCartney und Harrison brauchten mehrere Takes, um die feinfühlige Stimmmischung des Songs hinzubekommen.

In den Texten zeigte Lennon die Ehrlichkeit, die sein Songwriting nach 1965 prägen sollte: Sein „Stolz“ ist der Grund, warum er eine verlorene Liebe loslassen kann. McCartney mochte „Yes It Is“. „Es ist ein sehr schöner Song von John. Eine Ballade, was für ihn ungewöhnlich ist“, sagte er. „Ich war dabei, als John ihn schrieb. Aber es war seine Inspiration.“ Harrison verwendete ein frühes Effektpedal, um sanfte, pedal-steel-ähnliche Gitarrenklänge hinzuzufügen, die dem Song einen subtilen Nashville-Touch verliehen.

Erschienen auf: „Past Masters“

98. „Long, Long, Long“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 7. bis 9. Oktober 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

„Long, Long, Long“ scheint ein Liebeslied zu sein. „Wie sehr ich dich will/Wie sehr ich dich liebe/Du weißt, dass ich dich brauche“. Aber das Objekt von Harrisons Zuneigung war Gott. „Ich glaube an das Sprichwort ‚Wenn es einen Gott gibt, müssen wir ihn sehen‘“, sagte Harrison 1969. Er basierte den Song auf Bob Dylans „Sad-Eyed Lady of the Lowlands“ – „diese drei Akkorde und die Art, wie sie sich bewegten“.

Obwohl Lennon schon früh offen von Dylan begeistert war, war Harrison der wahre Dylan-Fan. („George zitierte Bob wie andere Leute die Bibel zitieren“, erzählte Tom Petty dem ROLLING STONE.) Kurz nach der Veröffentlichung des „White Albums“ war Harrison in Woodstock, New York, und verbrachte Thanksgiving mit Dylan und der Band. Er und Dylan schrieben „I’d Have You Anytime“, das der erste Titel auf „All Things Must Pass“ wurde. Und der erste Schritt zu einer dauerhaften Freundschaft war.

Erschienen auf: „The Beatles“

97. „All I’ve Got to Do“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 11. September 1963
• Veröffentlicht: 20. Januar 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

„Smokey Robinson war in unseren Augen wie Gott“, sagte McCartney einmal. Und nirgendwo war Robinsons göttliche Präsenz stärker zu spüren als auf „With the Beatles“. Das Album enthält die Coverversion der Band von „You Really Got a Hold on Me“ sowie Lennons „Not a Second Time“ und „All I’ve Got to Do“, das Lennon als „meinen Versuch, Smokey Robinson nachzuahmen“ beschrieb.

„All I’ve Got to Do“ ist einer der gefühlvollsten Songs der frühen Beatles-Originale. Mit seinem klagenden Gesang erinnert er an „(You Can) Depend on Me“ von den Miracles. Besonders wenn Lennons Stimme durch die Bridge schwebt. Robinson warf noch lange nach der Trennung der Beatles einen langen Schatten auf sie. In den Siebzigern schrieb Harrison einen Tribut namens „Pure Smokey“. Und Lennon gab zu, dass er während der „Double Fantasy“-Sessions immer noch versuchte, wie Robinson zu singen.

Erscheinen auf: „With the Beatles“

96. „Within You Without You“

• Hauptkomponist: Harrison
• Aufgenommen: 15. und 22. März, 3. und 4. April 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

Harrison war seitdem er 1965 am Set von „Help!“ eine Sitar gesehen hatte, von diesem Instrument fasziniert. Aber erst als er 1966 nach Indien reiste, um bei dem Sitar-Meister Ravi Shankar zu lernen, wurde er wirklich gut darin. Harrison übte in Indien oft acht Stunden am Tag. „Georges Leidenschaft für die Musik hat mich beeindruckt“, sagte Shankar.

„Within You Without You“ war das erste Ergebnis von Harrisons Studien. Ergänzt durch eine 11-köpfige Streichergruppe und indische Instrumente war es eine magnetische Predigt über Spiritualität. „Es ist einer meiner Lieblingssongs von ihm“, sagte Lennon. „Sein Geist und seine Musik sind klar. Er hat diesen Sound zusammengebracht.“

Harrisons Hingabe an den Klang und den Geist Indiens hielt an und blühte in seinem Solo-Meisterwerk „All Things Must Pass“ auf. „Bis zu meinem Tod“, sagte Harrison 1968 gegenüber ROLLING STONE, „glaube ich, dass [indische Musik] die großartigste Musik ist, die es auf unserer Existenzebene je gab.“

Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“

95. „Any Time at All“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 2. Juni 1964
• Veröffentlicht: 20. Juli 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

„Any Time at All“ zeigt, wie viel die Beatles von ihrem Helden Buddy Holly gelernt haben. Der Song hat alle Markenzeichen von Holly. Die klirrenden Gitarren, die offenherzige Großzügigkeit der Texte, die dringliche Emotion in den Stimmen. Es ist ein Versprechen der 24-Stunden-Hingabe an ein Mädchen. Wobei Lennon seine Meinung auf dreiste Weise äußert („Call me tonight, und ich komme zu dir”), was Holly stolz gemacht hätte. Auch wenn Lennon selbst von dem Ergebnis nicht begeistert war. (Er tat den Song als „meinen Versuch, ‚It Won’t Be Long’ neu zu schreiben” ab.

Wenn die Beatles den Song so spielen, als hätten sie es eilig, dann deshalb, weil sie es tatsächlich eilig hatten. Er wurde am letzten Tag der Aufnahmen zu „A Hard Day’s Night“ aufgenommen, bevor sie zu einer einmonatigen Tournee aufbrachen. (Leider brach Ringo am Morgen nach der Aufnahme von „Any Time at All“ mit einer Mandelentzündung und Pharyngitis zusammen, sodass sie mit einem Ersatzschlagzeuger nach Dänemark reisten.) „Any Time at All“ greift einen Trick von George Martin aus „A Hard Day’s Night“ auf, indem es ein Klavier-Solo verwendet, das von Harrison Note für Note leicht auf der Gitarre wiederholt wird. Obwohl es nie ein Hit wurde, wurde „Any Time“ zu einem Lieblingstitel der Fans.

Erschienen auf: A Hard Day’s Night

94. „You Won’t See Me“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 11. November 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

In der Nacht des 11. November 1965 steckten die Beatles in einer Zwickmühle. Die Deadline für die Fertigstellung von „Rubber Soul“ stand bevor, und sie mussten an diesem Abend noch drei Songs aufnehmen, um das Album abzuschließen. Hinzu kam, dass McCartney Probleme mit seiner Freundin Jane Asher hatte. Er war verärgert, dass die Schauspielerin nach Bristol gezogen war, um sich der Old Vic Theatergruppe anzuschließen.

Aus McCartneys Wut entstand „You Won’t See Me“, in dem er, wenn auch auf seine nette Art, einige seiner bittersten Texte ausspuckt. „Immer wieder weigerst du dich, mir überhaupt zuzuhören/Es würde mir nichts ausmachen, wenn ich wüsste, was ich verpasse“, schimpft er. So launisch der Text auch ist, die Musik dahinter ist ausgesprochen beschwingt. Getragen von Starrs einfallsreichem Schlagzeugspiel und einer Melodie und Basslinie, die eine offensichtliche Hommage an Four-Tops-Singles wie „I Can’t Help Myself“ sind. „Für mich hatte es einen starken Motown-Einschlag“, sagte McCartney später. „Es hat etwas von James Jamerson.“ Die Beatles hatten es so eilig, den Song hinter sich zu bringen, dass sie ihn in nur zwei Takes aufnahmen.

Erschienen auf: Rubber Soul

93. „Sexy Sadie“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 19. und 24. Juli, 13. und 21. August 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon verließ Indien abrupt, nachdem er Geschichten über das sexuelle Fehlverhalten von Maharishi Mahesh Yogi gegenüber weiblichen Schülern gehört hatte. Während er und Harrison auf eine Mitfahrgelegenheit aus Rishikesh warteten, komponierte Lennon diese bissige Anklage gegen seinen Guru. Später erzählte er dem ROLLING STONE, dass er, als Maharishi fragte, warum die beiden gingen, antwortete: „Nun, wenn Sie so kosmisch sind, wissen Sie warum.“

Die ursprüngliche Version von „Maharishi“, wie der Song ursprünglich hieß, war noch gemeiner. „Du kleine F****/Was glaubst du eigentlich, wer du bist?“). Auf Harrisons Vorschlag hin änderte Lennon den Titel in „Sexy Sadie“. Die anderen Beatles waren bei weitem nicht so vehement in ihrer Ablehnung des Maharishi. „Es ist wirklich lustig, wie John auf diese sexuelle Sache reagiert hat“, sagte McCartney. „Ich fand das ein bisschen prüde.“ Harrison, der schwor, dass die Gerüchte über das sexuelle Fehlverhalten des Maharishi nicht wahr seien, war noch optimistischer. „Es gab viele Spinner [in Rishikesh]. Einige davon waren wir.“

Erschienen auf: „The Beatles“

92. „Dig a Pony“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 22., 24., 28. und 30. Januar sowie 5. Februar 1969
• Veröffentlicht: 18. Mai 1970
• Nicht als Single veröffentlicht

Dieses witzige Wortgewirr wurde bei dem Dachkonzert der Beatles aufgenommen. Wobei ein Assistent Lennon die Texte als Stichworthalter hochhielt. „I roll a stoney/Well, you can imitate everyone you know” (Ich rolle einen Joint/Nun, du kannst jeden nachahmen, den du kennst), singt Lennon. Es könnte sich einfach um einen sympathischen Unsinn handeln. 1980 tat Lennon „Dig a Pony” als „ein weiteres Stück Müll” ab. Oder es könnte ein Seitenhieb auf die Hauptkonkurrenten der Beatles im englischen Rock ’n’ Roll sein, die Rolling Stones.

Lennon und McCartney schrieben die zweite Single der Stones, „I Wanna Be Your Man“ aus dem Jahr 1964. Lennon bemerkte später ironisch: „Wir wollten ihnen nichts Großartiges geben“. Und Keith Richards hatte Ende 1968 mit Lennon beim „Rock and Roll Circus“ der Stones gespielt. In einem Interview mit ROLLING STONE im Jahr 1970 brachte Lennon jedoch seinen Groll zum Ausdruck. „Ich würde gerne auf jedem verdammten Album auflisten, was wir gemacht haben. Und was die Stones zwei Monate später gemacht haben. Alles, was wir gemacht haben, macht Mick genau so. Sie sind nicht in derselben Liga. Weder musikalisch noch was ihre Power angeht. Das waren sie nie.“

Erschienen auf: „Let It Be“

91. „Every Little Thing“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 29. und 30. September 1964
• Veröffentlicht: 14. Juni 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

Der liebevolle, aber egozentrische Text von „Every Little Thing“ feiert die Zuneigung von McCartneys Freundin Jane Asher und wechselt zwischen Liebesbekundungen und Prahlereien über „die Dinge, die sie tut“.” McCartney schrieb den Song während seines Aufenthalts bei Asher und ihrer Familie in London. Er und Lennon gaben ihm auf ihrer Tournee in Atlantic City den letzten Schliff. McCartney sagte später, dass er „Every Little Thing” für „sehr eingängig” hielt. Aber nicht für das, was er sich erhofft hatte. „Wie die meisten meiner Werke war es mein Versuch, die nächste Single zu schreiben”, sagte McCartney. „Aber es wurde ein Albumfüller.”

Die Aufnahme umfasste neun Takes über zwei Tage. Darunter ein Outtake, das in Gelächter ausartete. Der fertige Track – ein herzlicher Midtempo-Song mit einem wunderschönen melodischen Sprung im Refrain – bricht mit einigen der üblichen frühen Routinen der Beatles. Der Hauptsongwriter ist nicht der Leadsänger. Lennons Stimme dominiert. Und Starr griff über sein Schlagzeug hinaus, um die dröhnenden Pauken zu spielen, die mitten im Refrain hervorstechen.

Erschienen auf: Beatles for Sale

90. „The Long and Winding Road“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 26. und 31. Januar 1969; 1. April 1970
• Veröffentlicht: 11. Mai 1970
• 10 Wochen; Nr. 1

McCartney schrieb „The Long and Winding Road”, als er sah, wie die Beatles langsam außer Kontrolle gerieten. Anfang 1969 zerbrach die Band aufgrund kreativer und finanzieller Probleme. Lennon hatte den anderen bereits mitgeteilt, dass er aussteigen würde, Starr hatte eine Auszeit genommen. Harrison und McCartney waren wochenlang verschwunden. „Es ist ein trauriger Song, weil er sich um das Unerreichbare dreht”, sagte McCartney. „Ich war damals ein bisschen durchgedreht und aus der Bahn geworfen.”

Monate nach der Aufnahme der ergreifenden Klavierballade erlebte McCartney eine böse Überraschung. Der Produzent Phil Spector, dem Lennon die Bänder gegeben hatte, hatte seinen Take überarbeitet und eine Streichersektion und einen Chor hinzugefügt. „Das war eine Beleidigung für Paul“, erinnert sich Toningenieur Geoff Emerick. „Es war seine Platte. Und jemand fängt an, ohne seine Erlaubnis Dinge zu überlagern.“ Bald darauf wurde die Feindseligkeit zu groß. Im April 1970 veröffentlichte McCartney sein erstes Soloalbum. Und gab eine Erklärung heraus, in der er das Ende der Beatles bekannt gab.

Erschienen auf: Let It Be

89. „Good Day Sunshine“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 8. und 9. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

„Good Day Sunshine“ war McCartneys Versuch, an einem heißen Sommernachmittag einen Song im Stil des idyllischen, altmodischen „Daydream“ von The Lovin’ Spoonful zu schreiben. „Das war unsere Lieblingsplatte von ihnen”, sagte McCartney.

Der Song profitiert von einem der genialen Studiotechniken von George Martin: Bestimmte Parts mit unterschiedlichen Bandgeschwindigkeiten aufzunehmen. Obwohl McCartney die Klavierakkorde in „Good Day Sunshine” spielt, ist Martin – ein versierter Keyboarder, der an einer Reihe von Beatles-Aufnahmen mitgewirkt hat – für das verlangsamte Honky-Tonk-Piano-Solo verantwortlich, das auf den verkürzten zweiten Vers folgt.

Das Ergebnis ist eine peppige Pause, die organisch klingt, obwohl sie das Ergebnis einer Manipulation des Bandes ist. Martins nuancierter Ansatz in Bezug auf die Aufnahmetechnik – sie im Dienste der Musik einzusetzen und nicht als Spielerei – ist wohl sein größter Beitrag zu „Revolver“ und allem, was danach kam. „George Martin [war] für einen Erwachsenen ziemlich experimentell“, sagte McCartney.

Erschienen auf: Revolver

88. „Rain“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 14. und 16. April 1966
• Veröffentlicht: 30. Mai 1966
• 7 Wochen; Nr. 23 (B-Seite)

„Rain“ ist ein Song von Lennon, in dem es um nicht viel geht. „Die Leute jammern, weil … sie das Wetter nicht mögen“, sagte er. Aber der Song, der Monate vor „Revolver“ als B-Seite von „Paperback Writer“ veröffentlicht wurde, war der erste öffentliche Versuch der Beatles, die LSD-Erfahrung auf Platte festzuhalten. Sie taten dies, indem sie den Track mit verlockenden Klängen anreichern. Schmelzende Gesangsharmonien. Der schroffe, bleierne Flair von McCartneys Bass, Starrs verwirrende Drum-Fills. Und dem Versprechen einer Welt jenseits der üblichen Sinne.

„Ich kann es dir zeigen“, singt Lennon, „hörst du mich?“. Als hätte er bereits einen Vorsprung. Der surrealste Effekt war ein Zufall. Während er high war, legte Lennon einen Rohmix falsch auf sein Heimkassettenrekorder. Er war begeistert von den rückwärts abgespielten Vocals, die er hörte. So begeistert, dass er verlangte, den Sound für das Fade-out des Songs zu verwenden. „Von diesem Zeitpunkt an“, schrieb Toningenieur Geoff Emerick, „musste fast jeder Overdub, den wir auf Revolver machten, sowohl rückwärts als auch vorwärts ausprobiert werden.“

Erschienen auf: Past Masters

87. „Love Me Do“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 11. September 1962
• Veröffentlicht: 27. April 1964
• 14 Wochen; Nr. 1

Die erste Single der Beatles, „Love Me Do“, war auch einer der ersten Songs, die Lennon und McCartney gemeinsam geschrieben haben. Sie waren 1958 noch Teenager. Schrieben Songs in ein Schulheft. Träumten vom Ruhm. Und schrieben immer „Another Lennon-McCartney Original“ oben auf die Seite. „Love Me Do“ wurde im Oktober 1962 ihre Debütsingle in Großbritannien, mit „P.S. I Love You“ als B-Seite. Sie stieg in die Charts ein und erreichte Platz 17. Nicht schlecht für eine Band von ungepflegten Jungs aus Liverpool. Als sie jedoch in den USA veröffentlicht wurde, wo die Beatlemania in vollem Gange war, erreichte sie Platz 1.

Die Beatles nahmen den Song zum ersten Mal während ihres Vorspielens für George Martin mit dem Schlagzeuger Pete Best auf. Martin ließ sie ihn mit dem Ersatzmann Ringo Starr und erneut mit einem engagierten Session-Schlagzeuger wiederholen, als Martin Starr zum Tamburinisten degradierte. „Er hat mir das nie verziehen”, sagte Martin lachend. „Ich entschuldige mich öffentlich bei ihm.” Aber es war Martins Idee, Lennon ein Mundharmonika-Solo hinzufügen zu lassen. Wie McCartney sich erinnerte: „John rechnete damit, eines Tages im Gefängnis zu landen. Und dann würde er der Typ sein, der Mundharmonika spielt.“

Erschienen auf: Past Masters und Please Please Me

86. „Lady Madonna“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 3. und 6. Februar 1968
• Veröffentlicht: 18. März 1968
• 11 Wochen; Nr. 4

Wie viele der besten Songs von McCartney ist „Lady Madonna“ eine Hommage an die Frauen der Arbeiterklasse. Ausgedrückt durch irisch-katholische Bildsprache. „„Lady Madonna” begann als Jungfrau Maria, dann wurde es eine Frau aus der Arbeiterklasse, von denen es in Liverpool natürlich Millionen gibt”, sagte er später. „In Liverpool gibt es wegen der irischen Verbindung viele Katholiken.” Die Madonna des Songs ist eine langmütige, aber unzerstörbare Matriarchin. So tough wie die Titelfigur aus „Eleanor Rigby”. aber so tröstlich wie Mutter Maria aus „Let It Be”.

Musikalisch hat „Lady Madonna“ eine eher bodenständige Inspiration: den New Orleans Piano Boogie von Fats Domino. McCartney nannte es „eine Fats Domino-Impression“. Komponiert, während er versuchte, etwas Bluesiges auf dem Klavier zu spielen. Die aufgenommene Version ist eine vollwertige Hommage an den New Orleans R&B-Sound mit trillernden Saxophonen. Domino muss das als Kompliment aufgefasst haben. Einige Monate nach der Veröffentlichung des Songs brachte er seine eigene Coverversion heraus, die der letzte Top-100-Hit seiner Karriere wurde.

Erschienen auf: Past Masters

85. „Back in the USSR“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 22. und 23. August 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Der witzige Eröffnungstitel des „White Albums“ erhielt Unterstützung von einem der amerikanischen Rockstars, den er parodierte. Im Februar 1968 spielte McCartney dem Beach-Boys-Sänger Mike Love seine Variation von Chuck Berrys „Back in the U.S.A.” vor, als die beiden Indien besuchten. Love schlug McCartney vor, einen Abschnitt im Stil von „California Girls“ über die Frauen der Sowjetunion hinzuzufügen. McCartney nahm dann im Mai eine lockere, fröhliche Demo-Version des Songs auf.

Als sie jedoch am 22. August mit der Arbeit an der Albumversion begannen, lagen sich die Beatles in den Haaren. Als McCartney Starrs Schlagzeugspiel in „USSR“ kritisierte, kündigte Starr, dass er die Band verlassen würde, ging und machte sich auf den Weg in den Mittelmeerurlaub. Die anderen drei Beatles machten sich wieder an die Arbeit. Und nahmen den Basstrack mit McCartney am Schlagzeug und Lennon am Sechs-Saiten-Bass auf. Am nächsten Tag fügten sie noch Jet-Flugzeuggeräusche aus einer Soundeffekt-Sammlung hinzu. Als Starr zwei Wochen später zurückkehrte, bedeckten sie sein Schlagzeug mit Blumen, um ihn willkommen zu heißen.

Erschienen auf: The Beatles

84. „Across the Universe”

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 4. und 8. Februar 1968
• Veröffentlicht: 12. Dezember 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Der Text zu „Across the Universe“ war „rein inspirativ und wurde mir gegeben“, sagte Lennon. „Er gehört mir nicht. Er kam einfach so.“ Der Song ist eine Hymne an das kosmische Bewusstsein, mit ruhigen Überlegungen wie „Pools of sorrow, waves of joy are drifting through my open mind“ (Teiche der Trauer, Wellen der Freude treiben durch meinen offenen Geist) und einem Refrain, der Guru Dev nennt, den Guru, bei dem Maharishi selbst studierte. „Es ist einer der besten Texte, die ich geschrieben habe“, sagte Lennon gegenüber ROLLING STONE. „Tatsächlich könnte es der beste sein. Es ist gute Poesie. Oder wie auch immer man es nennen mag, ohne es zu übertreiben.“

Lennon war mit der aufgenommenen Version der Beatles unzufrieden, die ursprünglich für das „White Album“ aufgenommen worden war. (David Bowie coverte den Song später, mit Lennon an der Gitarre.) Der Toningenieur Geoff Emerick erinnerte sich, dass er die Leadstimme „immer und immer wieder aufgenommen hat, weil John mit seiner Arbeit unzufrieden war. Es war nicht so geworden, wie er es sich vorgestellt hatte.“ Für „Let It Be“ verlangsamte Produzent Phil Spector die Originalaufnahme. Und fügte einen Chor und ein Orchester hinzu. Lennon sagte: „Spector hat das Band genommen und verdammt gute Arbeit damit geleistet.“

Erschienen auf: „Past Masters“ und „Let It Be“

83. „I’m So Tired“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 8. Oktober 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon schrieb „I’m So Tired“ während des Aufenthalts der Beatles bei Maharishi. Da im Ashram weder Alkohol noch Drogen oder Tabak erlaubt waren, meditierte Lennon den ganzen Tag. Und litt nachts unter Schlaflosigkeit. Er war besessen von Yoko Ono, die er trotz der Anwesenheit seiner Frau Cynthia mitnehmen wollte. „I’m So Tired“ ist einer von Dutzenden Songs, die die Beatles in Indien geschrieben haben, und beschreibt Lennons labilen Geisteszustand. Es war auch ein offener Brief an Ono, deren Postkarten an Lennon in Indien eine Lebensader waren. „Ich war so begeistert von ihren Briefen“, sagte er. „Ich begann, sie als Frau zu sehen. Und nicht nur als intellektuelle Frau.“

Lennon bezeichnete den Titel aus dem „White Album“ als eine seiner Lieblingsaufnahmen der Beatles. Auch McCartney mochte ihn. Bei einer der „Let It Be“-Sessions 1969 nahmen die Beatles eine informelle, scherzhafte Version auf, bei der McCartney den Gesangspart übernahm. „‚So Tired‘ ist ganz klar Johns Kommentar zur Welt“, sagte McCartney später. „‚And curse Sir Walter Raleigh, he was such a stupid get.‘ Das ist eine klassische Zeile. Und sie ist so typisch für John, dass es keinen Zweifel daran gibt, dass er sie geschrieben hat.“

Erschienen auf: The Beatles

82. „She’s Leaving Home“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 17. und 20. März 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

„She’s Leaving Home“ wurde von einer Zeitungsmeldung über eine wohlhabende 17-Jährige namens Melanie Coe inspiriert, die aus dem Haus ihrer Eltern in London verschwunden war. Während McCartney die Perspektive der jugendlichen Ausreißerin einnahm, sang Lennon den Kontrapunkt (den „griechischen Chor“, wie McCartney es nannte) in der Stimme der untröstlichen Eltern.

McCartney war so ungeduldig, den Song aufzunehmen, dass er den Arrangeur Mike Leander engagierte, um die Streicher zu orchestrieren, anstatt auf George Martin zu warten, der mit einem anderen Künstler beschäftigt war. „Ich war überrascht und verletzt“, gab Martin zu. „Das war einfach typisch Paul.“

Die echte Melanie Coe kehrte nach drei Wochen zu ihren Eltern zurück. Sie war schwanger und hatte eine Abtreibung. Aber das Mädchen in dem Song stand stellvertretend für alle Teenager, die in den Sechzigerjahren aus ihrem konventionellen Leben flohen. Im April 1967 besuchte McCartney Brian Wilson in L.A., um ihm eine Vorschau auf „Sgt. Pepper“ zu geben. Und spielte ihm und seiner Frau „She’s Leaving Home“ auf dem Klavier vor. „Wir haben beide einfach geweint“, sagte Wilson. „Es war wunderschön.“

Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“

81. „Hey Bulldog“

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 11. Februar 1968
• Veröffentlicht: 13. Januar 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Was eine Neuheit hätte werden können, wurde zu einem der härtesten Stücke der Beatles. Da sie gerade in der Abbey Road für ein Werbevideo für ihre Single „Lady Madonna“ gefilmt wurden, beschloss die Band, dass sie genauso gut den zusätzlichen Song aufnehmen könnten, der für den Soundtrack zu „Yellow Submarine“ benötigt wurde. „Paul sagte, wir sollten einen richtigen Song im Studio aufnehmen“, erzählte Lennon. „Ob ich einen zusammenbasteln könnte? Ich hatte zu Hause ein paar Zeilen, also brachte ich sie mit.“

Ein paar Tage zuvor hatte McCartney Schlagzeug auf einem Rockstück von Paul Jones namens „The Dog Presides“ gespielt, das mit bellenden Soundeffekten unterlegt war. Während der Beatles-Session fingen McCartney und Lennon an zu bellen und zu heulen. Und so wurde der Titel zu „Hey Bulldog“. Trotz seiner Verspieltheit war „Hey Bulldog“ ein bissiges, aggressives Musikstück. Harrison schloss seine Gitarre an einen Fuzz-Effekt an und drehte dann seinen Verstärker besonders laut auf. Was zu einem besonders wilden Solo führte. „Ich habe [Lennon] geholfen, es im Studio fertigzustellen“, sagte McCartney über den Song. „Aber es ist hauptsächlich sein Vibe.“ Lennon selbst bezeichnete ihn als „eine gut klingende Platte, die nichts bedeutet“.

Erschienen auf: Yellow Submarine

80. „Mother Nature’s Son“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 9. und 20. August 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Nachdem sie einen Vortrag von Maharishi Mahesh Yogi besucht hatten, schrieben Lennon und McCartney jeweils einen Song über diese Erfahrung. Lennons Song war „Child of Nature”, den er für das „White Album“ als Demo aufnahm, aber nicht veröffentlichte. Später wurde er zu „Jealous Guy” umgeschrieben.

McCartneys Song war dieses akustische Stück, das Nat „King” Coles „Nature Boy” und seiner Beziehung zu Linda Eastman zu verdanken war. „Als Linda und ich zusammenkamen”, sagte er, „entdeckten wir, dass wir beide eine tiefe Liebe zur Natur hatten.”

Als McCartney den Song aufnahm, waren die Sessions für das „White Album“ fast zu simultanen Solo-Projekten geworden. „Mother Nature’s Son” ist einer von vier Songs auf dem Album, die McCartney alleine aufgenommen hat. Er nahm den Basistrack am 9. August auf, nachdem der Rest der Band nach Hause gegangen war, und kehrte 11 Tage später zurück, um Schlagzeug zu spielen (das in einem Flur aufgestellt war, um den Klang zu verändern) und ein Bläserensemble zu leiten. Als Lennon – der es hasste, wenn McCartney ohne den Rest der Band aufnahm – mit Starr hereinkam, „hätte man die Atmosphäre mit einem Messer schneiden können“, erinnert sich Toningenieur Ken Scott.

Erschienen auf: The Beatles

79. „I’ll Follow the Sun“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 14. Oktober 1964
• Veröffentlicht: 15. Dezember 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

Dieser Titel aus dem Album „Beatles for Sale“ war zum Zeitpunkt der Aufnahme bereits ein Oldie. McCartney schrieb den Song als Teenager und spielte ihn mit Lennon und Harrison, als sie noch bei den Quarry Men waren. Es gibt eine Aufnahme aus dem Jahr 1960. Aber die Beatles kamen erst dazu, ihn aufzunehmen, als sie dringend neues Material brauchten.

Ein Grund, warum sie den Song zuvor nicht verwendet hatten, war, dass er nicht hart genug für ihr frühes Image mit Lederjacken war. Als sie ihn schließlich aufnahmen, hatte sich der Rhythmus von einem Rockabilly-Shuffle zu einem sanften Cha-Cha-Cha verändert. Und Starr hielt den Takt, indem er mit den Handflächen auf seine Knie schlug.

„Die nächste [Single] musste immer anders sein“, sagte McCartney. „Wir wollten nicht in die Falle der Supremes tappen, die alle ähnlich klangen. Deshalb legten wir immer Wert auf abwechslungsreiche Instrumentierung. Ringo konnte nicht ständig sein Schlagzeug wechseln. Aber er konnte seine Snare austauschen, auf einen Karton klopfen oder auf seine Knie schlagen.“

Erschienen auf: „Beatles for Sale“

78. „And Your Bird Can Sing“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 20. und 26. April 1966
• Veröffentlicht: 20. Juni 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Als die Beatles „And Your Bird Can Sing“ zum ersten Mal aufnahmen, entstand ein Song, den jede andere Band als Hit bezeichnet hätte. Eine energiegeladene Variation des Folk-Rock-Sounds von „Eight Miles High“ von The Byrds. Aufgebaut um Harrisons 12-saitige Gitarre und enge Harmonien. Aber sie wussten, dass sie es besser konnten. Sechs Tage später verwarfen die Beatles die Originalversion (deren Arbeitstitel „You Don’t Get Me“ lautete). Und verbrachten 12 Stunden damit, eine neue Version zu erstellen, die Harrisons und McCartneys waghalsige Dual-Gitarren-Leads straffte und sie zum Mittelpunkt eines helleren, treibenderen neuen Arrangements machte.

Lennon beschrieb „And Your Bird Can Sing“ später als „Wegwerfprodukt“. Obwohl der Text nicht viel Sinn ergibt, könnte sich die Zeile „You say you’ve seen seven wonders“ auf die Nacht beziehen, in der die Beatles 1964 in New York mit Bob Dylan Gras rauchten. Diese Erfahrung veranlasste den bekifften McCartney dazu, begeistert zu verkünden, was er gerade als Schlüssel zum Leben erkannt hatte: „Es gibt sieben Ebenen.“

Erschienen auf: „Revolver“

77. „Because”

• Hauptkomponist: Lennon
• Aufgenommen: 1., 4. und 5. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon schrieb die süße, verträumte Melodie, nachdem er Yoko Ono Beethovens „Mondscheinsonate“ auf dem Klavier des Paares spielen hörte. Er fragte sie, ob sie die Akkorde rückwärts spielen könne, und basierte den Song auf diesen Veränderungen. McCartney nahm an, dass Ono auch an der Ausarbeitung des Songtextes beteiligt war. „Es ist eher ihre Art zu schreiben”, sagte McCartney. „Wind, Himmel und Erde kommen immer wieder vor.  John war zu dieser Zeit stark von ihr beeinflusst.”

George Martin arrangierte eine neunstimmige Harmonie für den Song, aber es gab nur fünf Spuren, auf denen die Gesangsstimmen aufgenommen werden konnten. Also sangen Lennon, McCartney und Harrison die dreistimmige Harmonie live und nahmen sie dann zweimal als Overdub auf. Dieser Ansatz erforderte umfangreiche Proben und mehr als fünf Stunden äußerst konzentrierter Aufnahmen, um das gewünschte Ergebnis zu erzielen. Aber das Ergebnis war atemberaubend: ein wunderschöner, vielschichtiger Tagtraum, den McCartney und Harrison beide als ihren Lieblingssong auf Abbey Road bezeichneten. „Sie wussten, dass sie etwas Besonderes schufen“, sagte Toningenieur Geoff Emerick, „und sie waren entschlossen, es richtig zu machen.“

Erschienen auf: „Abbey Road“

76. „Yer Blues“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 13., 14. und 20. August 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Lennon litt in Indien unter einer schweren Form von Blues. Er habe dort Selbstmordgedanken gehabt, sagte er später, und die Suche nach kosmischem Bewusstsein im Lager des Maharishi habe ihm das Gefühl gegeben, der ahnungslose Mr. Jones aus Bob Dylans „Ballad of a Thin Man“ zu sein. Lennon kanalisierte sein Elend in eine seiner mitreißendsten Darbietungen. Obwohl er gegenüber ROLLING STONE sagte, er habe „ein gewisses Selbstbewusstsein beim Singen von Blues. Wir hörten alle Sleepy John Estes und all das in der Kunstschule, wie alle anderen auch. Aber es zu singen war etwas anderes.”

Um die Atmosphäre der frühen Jahre wiederherzustellen, ließ Lennon die Band den Grundtrack von „Yer Blues“ Schulter an Schulter in einem Schrank neben dem Hauptstudio von Abbey Road aufnehmen. Einige Wochen nach der Veröffentlichung des „White Albums“ spielte Lennon „Yer Blues“ mit der einmaligen Supergroup Dirty Mac (mit Eric Clapton, Keith Richards und Mitch Mitchell) für den „Rolling Stones‘ Rock and Roll Circus“. Es war auch der einzige Beatles-Song, den er ein Jahr später beim Plastic Ono Band-Konzert spielte, das als „Live Peace in Toronto 1969“ veröffentlicht wurde.

Erschienen auf: „The Beatles“

75. „Think for Yourself“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 8. November 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

Im Herbst 1965 beeilten sich die Beatles, ihr neues Album „Rubber Soul“ bis Weihnachten fertigzustellen. Da ihnen das Material fehlte, versuchten sie sich an einem neuen Song von Harrison, der den Arbeitstitel „Won’t Be There With You“ trug. „Think for Yourself“ wurde in einem Take aufgenommen und dauert nur 2:19 Minuten. Es war offensichtlich kein Song, für den die Band viel Zeit aufgewendet hatte. Lennon vermasselte einen Gesangsversuch nach dem anderen, und seine Kicheranfälle – wahrscheinlich das Ergebnis von Joints, die herumgereicht wurden – waren dabei sicher nicht hilfreich.

Aber das macht den Song nur besser. Von McCartneys verzerrtem Bass bis zu Starrs flirrenden Drums hat „Think for Yourself“ einen ungezügelten Garagenband-Charakter. Und auf wen war Harrison überhaupt so wütend? Selbst er war sich nicht ganz sicher. „Nach all dieser Zeit“, schrieb Harrison 1980, „weiß ich nicht mehr genau, wer mich dazu inspiriert hat! Wahrscheinlich die Regierung.”

Erschienen auf: „Rubber Soul“

74. „Yellow Submarine“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 26. Mai und 1. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• 9 Wochen; Nr. 2

Der beliebteste Kinderlied der Beatles wurde für – wen sonst? – Ringo geschrieben. McCartney erklärte: „Ich dachte, da Ringo so gut mit Kindern umgehen kann – er ist so eine Art lustiger Onkel –, wäre es vielleicht keine schlechte Idee, wenn er ein Kinderlied hätte.“ Auch Jahre später ist „Yellow Submarine“ mit seinem fröhlichen Refrain, den man mitsingen kann, noch immer das Einstiegslied, das kleine Kinder zu Beatles-Fans macht.

Es inspirierte den Animationsfilm der Beatles aus dem Jahr 1968 sowie Starrs inoffizielle Fortsetzung auf Abbey Road, „Octopus’ Garden“.
George Martin nutzte seine Erfahrung als Produzent von Comedy-Platten für „Beyond the Fringe“ und „The Goon Show“. Und sorgte mit einer Reihe von verrückten Soundeffekten für die maritime Atmosphäre. Lennon blies Seifenblasen, während er und McCartney durch einen Filter Befehle an die Besatzung des falschen U-Boots riefen („Volle Kraft voraus!“). Einige Freunde kamen sogar ins Studio, um bei den Soundeffekten zu helfen, darunter Marianne Faithfull und Brian Jones von den Rolling Stones.

Erschienen auf: „Revolver“

73. „Everybody’s Got Something to Hide Except for Me and My Monkey“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 27. Juni, 1. und 23. Juli 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

1980 sagte Lennon, dass dieser Song aus dem „White Album“ mit seinen knallenden Gitarren und bellenden Vocals von seiner Beziehung zu Yoko Ono handelte. „Alle schienen paranoid zu sein, außer wir beiden, die wir im Glanz der Liebe standen. … Alle um uns herum waren irgendwie angespannt. Sie fragten sich: ‚Was macht sie hier bei der Session?‘“

McCartney glaubte jedoch, dass es in dem Song eigentlich um Heroin ging, das Lennon und Ono angefangen hatten zu nehmen, ohne es den anderen zu sagen. „John fing an, über Fixes und Monkeys zu reden“, sagte er. „Das war eine härtere Ausdrucksweise, mit der wir anderen nichts am Hut hatten.“ Rückblickend sagte Lennon: „Wir haben ein bisschen geschnupft, wenn wir echte Schmerzen hatten. Wir haben ‚H‘ genommen, wegen dem, was die Beatles und ihre Kumpels uns angetan haben.“

Erschienen auf: „The Beatles“

 

72. „From Me to You“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 5. März 1963
• Veröffentlicht: 25. Mai 1963 (Wiederveröffentlichung: 30. Januar 1964)
• 6 Wochen; Nr. 41 (B-Seite)

„Ich bat sie um einen weiteren Song, der so gut war wie ‚Please Please Me‘“, sagte George Martin, „und sie brachten mir einen – ‚From Me to You‘. … Es schien eine unerschöpfliche Quelle an Songs zu geben.“

Martin war nicht der Einzige, der den Song liebte. Er wurde tatsächlich der erste Lennon-McCartney-Song, der in die amerikanischen Hot 100 kam, als Del Shannon eine Version davon aufnahm, nachdem er ihn im April 1963 bei einem gemeinsamen Auftritt mit den Beatles gehört hatte. (Lennon war dagegen. Er dachte, das Cover würde die Chancen der Beatles verringern, den Song in den USA zu platzieren.)

In „From Me to You“ spielte Lennon Mundharmonika in einem von Jimmy Reed inspirierten Blues-Stil, den er von Delbert McClinton gelernt hatte. Einem weiteren Amerikaner, der Anfang der 60er Jahre mit den Beatles auftrat. „Es steht nun fest, dass ich Lennon das Mundharmonikaspielen beigebracht habe”, sagte McClinton. „John sagte: ‚Zeig mir etwas.’ Ich war in einer ziemlich einzigartigen Position. Weil es einfach nicht viele Leute gab, die in der Popmusik Mundharmonika spielten.”

Erschienen auf: „Past Masters“

71. „I’m a Loser”

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 14. August 1964
• Veröffentlicht: 15. Dezember 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

In einem Interview aus dem Jahr 1980 sagte Lennon rückblickend über „I’m a Loser“: „Ein Teil von mir glaubt, dass ich ein Verlierer bin, und der andere Teil von mir glaubt, dass ich Gott der Allmächtige bin.“ Country-Musik und Bob Dylan waren die Katalysatoren für den Song. Der Country-Einfluss zeigt sich im Fingerpicking, im Twang der Gitarre und in den melancholischen Texten.

1964 hörten die Beatles Songs von Buck Owens und George Jones, die laut McCartney „nur von Traurigkeit handelten“. Der Dylan-Einfluss zeigt sich in Lennons Leadgesang und in der hootenden, rackmontierten Mundharmonika. Lennon sagte, er habe beschlossen, dass, wenn Dylan das Wort „Clown“ verwenden könne, das Lennon zuvor als „kunstbeflissen“ empfunden hatte, er das auch könne. Aber der Stempel der Beatles ist überall zu finden. In der überschwänglichen Gesangsharmonie des Intros, in einer Melodie, die plötzlich tief abfällt, in Harrisons pointierten Carl-Perkins-Fills und in Lennons psychologischer Scharfsinnigkeit. „Weine ich um sie oder um mich selbst?“

Jahre später, als er darüber nachdachte, hörte McCartney etwas anderes in dem Song. Er meinte, dass „I’m a Loser“ und „Nowhere Man“ „Johns Hilferufe“ seien.

Erschienen auf: „Beatles for Sale“

70. „You Can’t Do That“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 25. Februar 1964
• Veröffentlicht: 16. März 1964
• 4 Wochen; Nr. 48 (B-Seite)

Vier Tage nach ihrer triumphalen ersten Amerika-Tournee kehrten die Beatles ins Studio zurück, um der Nachfrage nach neuen Aufnahmen nachzukommen. (Es war auch Harrisons 21. Geburtstag, aber er hatte nicht gerade Zeit, die 30.000 Geburtstagskarten zu beantworten, die er erhalten hatte.) Auf dem Programm stand an diesem Tag ein neuer Song von Lennon, der seine Liebe zum harten amerikanischen R&B widerspiegelte – „eine Kuhglocke, die viermal pro Takt schlägt, und der Akkord, der chatoong! geht“, wie er es ausdrückte.

„You Can’t Do That“ – die B-Seite von „Can’t Buy Me Love“ – enthält ein Instrument, das Harrison einige Wochen zuvor in New York erworben hatte, als die Band dort war, um ihren ersten Auftritt in der Ed Sullivan Show aufzunehmen. Eine 12-saitige Rickenbacker 360/12-Gitarre. Die zweite, die jemals gebaut wurde und die den Sound der Beatles für die nächsten zwei Jahre prägen sollte. Aber der Leadgitarrenpart mit einem abgehackten, tonbeugenden Solo wird von Lennon gespielt. „Ich habe einen ganz bestimmten Spielstil. Das war schon immer so“, sagte Lennon gegenüber ROLLING STONE. „Aber ich stand im Schatten. George wird als der unsichtbare Sänger bezeichnet. Ich bin der unsichtbare Gitarrist.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“

69. „Julia“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 13. Oktober 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Julia Lennon hatte das Interesse ihres Sohnes an Musik gefördert und ihm seine erste Gitarre gekauft. Nach der Trennung von Johns Vater gründete sie jedoch mit einem anderen Mann eine neue Familie und überließ John der Obhut ihrer Schwester. Obwohl sie nur wenige Kilometer von John entfernt wohnte, verbrachte Julia nicht viel Zeit mit ihm. 1958, als John 17 Jahre alt war und sich besser mit ihr verstand, wurde Julia von einem Auto angefahren. Und getötet. „Ich habe sie zweimal verloren“, sagte Lennon. „Einmal als Fünfjähriger, als ich zu meiner Tante zog. Und noch einmal, als sie tatsächlich starb.“

„Julia“, die einzige Soloaufnahme Lennons im Repertoire der Beatles, war der letzte Titel, der zum „White Album“ hinzugefügt wurde, nur drei Tage bevor das Album fertiggestellt wurde. Seine ursprüngliche Demoaufnahme vom Mai enthielt Harmonien von McCartney. Aber diese Version bestand nur aus Lennons Stimme und Gitarre. „Julia war meine Mutter“, sagte Lennon. „Aber es war eine Art Kombination aus Yoko und meiner Mutter, die zu einer Person verschmolzen waren“. Das „Kind des Ozeans“ in den Texten bezieht sich auf Onos Namen, der auf Japanisch „Kind des Ozeans“ bedeutet. Bis zum Ende seines Lebens nannte er Yoko oft „Mutter“.

Erschienen auf: „The Beatles“

68. „Baby, You’re a Rich Man“

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 11. Mai 1967
• Veröffentlicht: 17. Juli 1967
• 5 Wochen; Nr. 34 (B-Seite)

Der Titel stammt von McCartney. Aber der Geist war rein Lennon. Der Held der Arbeiterklasse liebte nichts mehr, als die wohlhabende Klasse zu necken. „Der Punkt war, hör auf zu jammern – du bist ein reicher Mann, und wir sind alle reiche Männer, heh heh, Baby!“, sagte er. Als Lennon sang: „Wie fühlt es sich an, einer der schönen Menschen zu sein?“, sprach er zu sich selbst.

Die Beatles bauten den Track um eine stampfende Mischung aus Klavier, Bass und Handklatschen herum. Der brüllende Sound stammt von Lennon, der ein Clavioline-Keyboard spielte, das den Klang eines nahöstlichen Holzblasinstruments imitierte. Mick Jagger war zu Gast bei der Session und hat möglicherweise den Hintergrundgesang beigesteuert. Auf einer der Bandkassetten steht mysteriöserweise „+ Mick Jagger?“.

Lennons tief bekifftes Vortragen und seine abstrakten Fragen über „die schönen Menschen“ fingen die spielerisch-abgehobene Stimmung des Sommers 1967 ein.  Ein Geist, den die Beatles besser als jeder andere verkörperten. „Im Hinterkopf“, sagte McCartney in diesem Jahr, „gibt es etwas, das mir sagt, dass alles schön ist.“

Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“

67. „Oh! Darling“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 20. und 26. April, 17., 18. und 22. Juli, 11. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

Harrison beschrieb diesen Rocker im Doo-Wop-Stil gegenüber ROLLING STONE als „einen typischen Song aus dem Jahr 1955. Wir singen ein paar ooh-oohs im Hintergrund. Sehr leise. Aber hauptsächlich schreit Paul.“ Dieses Schreien, das McCartney zurück zu Little Richards Kehlkopfzerreißendem Gesang seiner frühen Tage brachte, fiel ihm nicht leicht. „Ich habe es schließlich jeden Morgen versucht, wenn ich zur Aufnahmesession kam“, sagte er. „Ich habe es mit einem Handmikrofon versucht. Ich habe es mit einem Standmikrofon versucht, ich habe es auf jede erdenkliche Weise versucht. Und schließlich den Gesang hinbekommen, mit dem ich einigermaßen zufrieden war. Wenn es ein bisschen lauwarm klingt, dann hat man den ganzen Sinn verfehlt.“

Der Toningenieur Geoff Emerick erinnerte sich, dass McCartney sang, während die Begleitmusik über Lautsprecher statt über Kopfhörer abgespielt wurde. Weil er das Gefühl haben wollte, vor einem Live-Publikum zu singen.

Lennon mochte den Song. Er fand aber, dass er besser geeignet war, den Gesangspart zu übernehmen. „Er passte mehr zu meinem Stil als zu seinem“, argumentierte Lennon. „Wenn er vernünftig gewesen wäre, hätte er mich singen lassen.“

Erschienen auf: „Abbey Road“

66. „Nowhere Man“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 21. und 22. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 21. Februar 1966
• 9 Wochen; Nr. 3

Einer der wichtigsten Songs aus Lennons frühen Beatles-Jahren entstand, als er es am wenigsten erwartete. „Das Ganze kam in einem Zug heraus“, erzählte er 1970 dem ROLLING STONE. „Ich erinnere mich, dass ich gerade eine Phase der Paranoia durchlebte und versuchte, etwas zu schreiben. Aber mir fiel einfach nichts ein. Also legte ich mich hin. Und versuchte, nicht zu schreiben. Und dann kam das heraus.“ Was dabei herauskam, war ein Ausdruck der Langeweile und Frustration, die Lennon in seinem kokonartigen Dasein als Beatle empfand. Die Anspielungen auf einen Mann, der „all seine nirgendwohin führenden Pläne für niemanden schmiedet“ und „nicht weiß, wohin er geht“, waren, wie Lennon zugab, „wahrscheinlich auf mich selbst bezogen“.

Im Studio hielten die Müdigkeit in Lennons Stimme und die traurige Melodie die Band nicht davon ab, nach neuen Klängen zu suchen. Lennon, McCartney und Harrison schufen eine Wand aus üppigen Harmonien. Und das wunderschön reduzierte Solo – gespielt von Lennon und Harrison gemeinsam auf ihren Sonic Blue Fender Stratocasters – durchbrach die Langeweile wie eine Machete.

„‚Nowhere Man‘ ist ein so wunderschöner Popsong mit einem bahnbrechenden, existentiellen Text“, sagt Billy Corgan, der ihn mit den Smashing Pumpkins gecovert hat. „Er lässt dich diesen Moment der Entdeckung sehen.“

Erschienen auf: „Rubber Soul“

65. „And I Love Her“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 25. und 27. Februar 1964
• Veröffentlicht: 26. Juni 1964
• 9 Wochen; Nr. 12

McCartney bezeichnete „And I Love Her“ als „die erste Ballade, die mich selbst beeindruckt hat“. Lennon nannte es McCartneys „erstes ‚Yesterday‘“. Er behauptete auch, dass er bei der Bridge mitgeholfen habe. „Das ‚And‘ im Titel war wichtig. ‚And I Love Her‘ kam völlig unerwartet. Man war sofort dabei, sobald man es hörte“, sagte McCartney. „Der Titel kommt im zweiten Vers vor. Und wird nicht wiederholt. Man würde sich oft über den Titel auslassen. Aber hier war es fast eine Nebenbemerkung: ‚Oh … and I love you‘.“

Die Beatles brauchten einige Anläufe, um herauszufinden, wie sie den Song spielen sollten. Bei ihren ersten Versuchen behandelten sie ihn wie einen zurückhaltenden elektrischen Rocksong. Aber als Starr von seinem Schlagzeug zu einem Satz Bongos wechselte, nahm er seine klassische Form an. Der geheime Motor des Songs, sagte Tom Petty gegenüber ROLLING STONE, war Lennons Gitarrenpart, „Wenn Sie jemals großartiges Rhythmusgitarrenspiel sehen wollen, schauen Sie sich ‚A Hard Day’s Night‘ an, wenn sie ‚And I Love Her‘ spielen. Er konnte eine Band wirklich zum Aufleben und Springen bringen.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“

64. „I’ve Got a Feeling“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 22. bis 24., 27. und 28. Januar, 5. Februar 1969
• Veröffentlicht: 18. Mai 1970
• Nicht als Single veröffentlicht

„I’ve Got a Feeling“ war Lennon und McCartneys letzter großer Moment als Songwriter-Team und der letzte große Beatles-Song, der wie eine echte Zusammenarbeit klang. Beide steuerten Fragmente bei, die perfekt zusammenpassten. Der Hauptteil des Songs („I’ve got a feeling/A feeling deep inside”) wird von McCartney gesungen. Aber Lennon übernimmt den Teil „Everybody had a hard year”, der aus einem Song stammt, den er einige Monate zuvor geschrieben hatte.

Es war ein hartes Jahr für die Beatles gewesen. Sie waren als Band und als Unternehmen auseinandergebrochen. Aber während ihrer Dachperformance von „I’ve Got a Feeling“ – gefilmt für den Film „Let It Be“, nur wenige Tage nachdem sie den Song aufgenommen hatten – kann man ihre Aufregung hören, als sie sich in die Zukunft bewegen. Lennon und McCartney singen über ihre neu gefundenen Beziehungen, als sie mit Yoko Ono und Linda Eastman in die nächste Phase ihres Lebens eintraten. Doch man hört auch eine Spur von Reue. Als hätten sie bereits verstanden, dass diese langjährigen Freunde und Bandkollegen von nun an getrennte Wege gehen würden.

Erschienen auf: „Let It Be“.

63. „Dear Prudence“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 28. bis 30. August 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Als die Beatles in Indien ankamen, um bei Maharishi Mahesh Yogi zu studieren, waren die Schauspielerin Mia Farrow und ihre 20-jährige Schwester Prudence bereits dort. Prudence vertiefte sich so sehr in die Meditation, dass sie sich weigerte, ihre Hütte zu verlassen. „Wir haben sie in den zwei Wochen, die ich dort war, zweimal gesehen“, erinnerte sich Starr. „Alle klopften an die Tür und riefen: ‚Lebst du noch?‘“ Wie Lennon es ausdrückte, versuchte Prudence „schneller als alle anderen zu Gott zu gelangen. Das war der Wettbewerb in Maharishis Lager. Wer würde als Erster das Kosmische erreichen?“

Lennon verwandelte diesen Vorfall in „Dear Prudence“, das er in Indien auf der Akustikgitarre schrieb, als sanfte Einladung, „herauszukommen und zu spielen“. Mit seinem Fingerpicking-Folk-Gitarrenstil – den Lennon von Donovan gelernt hatte, der Zeit mit den Beatles in Rishikesh verbrachte – und den wehmütigen Kinderreimtexten wurde der Song zu einer der ergreifendsten Erinnerungen der Band an ihre Kindheit. Er wurde aufgenommen, nachdem Starr aus dem Studio gestürmt war und kurzzeitig aus der Band ausgestiegen war, sodass McCartney sowohl Schlagzeug als auch Bass, Klavier und Flügelhorn spielt.

Erschienen auf: „The Beatles“.

62. „Girl“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 11. November 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

Wie so viele der Liebeslieder, die die Beatles auf „Rubber Soul“ geschrieben haben, klingt diese täuschend einfache Ballade wie das Geständnis eines Mannes, der in der Gegenwart einer Frau, die tougher und unabhängiger ist als er, verletzlich und verwirrt ist. „Die Art von Mädchen, die man so sehr will, dass es einem leid tut“. Doch selbst wenn sie ihn immer wieder zum Narren hält, ist seine Stimme voller Bewunderung und Zuneigung für sie, wenn er singt: „Sie verspricht mir die Welt/Und ich glaube ihr/Nach all dieser Zeit weiß ich nicht warum.“

„Als ich das als Teenager hörte, traf es genau den Nagel auf den Kopf“, sagte Jackson Browne gegenüber ROLLING STONE. „Es verkörperte die Gefühle, mit denen ich jeden Tag lebte. Völlig brennend vor sexuellem Verlangen. Mit fast einem Bedauern darüber, so überwältigt zu sein.“ Die offensichtliche Inspiration ist Bob Dylan. Aber Lennon übertrifft ihn hier. „Girl“ lässt „Just Like a Woman“ wie Kinderkram klingen. Jahre später sagte Lennon, dass das Fantasie-Mädchen in den Songtexten ein Archetyp war, nach dem er sein ganzes Leben lang gesucht hatte. „Es gibt kein solches Mädchen. Sie war ein Traum“. Und den er schließlich in Yoko Ono gefunden hatte.

Erschienen auf: „Rubber Soul“.

61. „With a Little Help From My Friends“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 29. und 30. März 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

Die Beatles nahmen diesen Song in einer nächtlichen Session nach dem Fotoshooting für das Cover von „Sgt. Pepper“ auf. Im Morgengrauen schleppte sich Starr die Treppe hinauf, um nach Hause zu gehen. Aber die anderen Beatles überredeten ihn, seinen Gesangspart sofort aufzunehmen. Und standen um das Mikrofon herum, um ihn moralisch zu unterstützen. Obwohl er nervös und erschöpft war, lieferte Starr einen großartigen, gefühlvollen Gesang. Bis hin zum letzten hohen Ton.

Der Text über Einsamkeit und Verletzlichkeit war in gewisser Weise aufschlussreicher als das, was Lennon und McCartney für sich selbst geschrieben hätten. Aber es gibt auch einen typischen Beatles-Witz. Wie McCartney zugab: „Ich erinnere mich, dass ich mit John gekichert habe, als wir die Zeilen geschrieben haben ‚Was siehst du, wenn du das Licht ausschaltest? Ich kann es dir nicht sagen. Aber ich weiß, dass es meins ist.‘ Es könnte sein, dass er unter der Bettdecke mit seinem Willy gespielt hat, oder es könnte auch eine tiefere Bedeutung haben.“

Erschienen auf: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

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60. „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 1. und 2. Februar, 3. und 6. März 1967
• Veröffentlicht: 2. Juni 1967
• Nicht als Single veröffentlicht

Ende 1966 suchten die Beatles nach einer Möglichkeit, ihr altes Image als „Fab Four“ endgültig hinter sich zu lassen. McCartney hatte eine Idee. „Ich dachte: ‚Lasst uns nicht wir selbst sein‘“, sagte er. Und schlug vor, eine fiktive Band zu erfinden. „Alles an diesem Album“, so McCartney, „wird aus der Perspektive dieser Leute erdacht. Es muss also nicht die Art von Song sein, die du schreiben möchtest. Sondern es könnte der Song sein, den sie schreiben möchten.“

McCartney schlug die fiktive viktorianische Band „Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ vor. Der Name entstand aus einem Witz mit Roadie Mal Evans über Salz- und Pfefferstreuer. Er schrieb einen Titelsong, um die Prämisse zu Beginn des Albums vorzustellen. Ein feuriges Stück psychedelischer Hardrock. Die Beatles waren alle Fans von Jimi Hendrix. McCartney sah Hendrix zwei Nächte vor den Aufnahmen zu „Pepper“ live spielen. Hendrix erwiderte diese Aufmerksamkeit. Zwei Tage nach der Veröffentlichung des Albums in den USA spielte er „Pepper“ als Eröffnungssong seines Live-Konzerts in London.

Erschienen auf: „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“.

59. „I Want You (She’s So Heavy)“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 22. Februar, 18. und 20. April, 8. und 11. August 1969
• Veröffentlicht: 1. Oktober 1969
• Nicht als Single veröffentlicht

„I Want You (She’s So Heavy)“ war der erste Track, der für „Abbey Road“ aufgenommen wurde, und einer der letzten, die fertiggestellt wurden. Es handelt sich um eine Ansammlung von überlagerten Gitarren. Mit einer sich langsam aufbauenden Wand aus weißem Rauschen. Erzeugt von Harrisons brandneuem Moog-Synthesizer. „Ich musste meinen speziell anfertigen lassen”, sagte er. „Weil Mr. Moog ihn gerade erst erfunden hatte”. Ergänzt durch Starr, der eine Windmaschine dreht, die er im Instrumentenschrank des Studios gefunden hatte.

Lennons Text war ein Experiment in Minimalismus. Während eines Großteils des Songs wiederholt er einfach immer wieder die Zeilen „I want you/I want you so bad“ (Ich will dich/Ich will dich so sehr). „‚She’s So Heavy‘ handelte von Yoko“, erzählte er dem ROLLING STONE. „Wenn man ertrinkt, sagt man nicht: ‚Ich wäre unglaublich froh, wenn jemand die Weitsicht hätte, zu bemerken, dass ich ertrinke. Und mir zu Hilfe käme. Man schreit einfach nur.“ Bei der Abmischung wies Lennon den verblüfften Toningenieur Geoff Emerick an, das Band mitten in einem Takt abrupt abzuschneiden, wodurch das überraschende Ende der ersten Seite von „Abbey Road“ entstand.

Erschienen auf: „Abbey Road“.

58. „I’ve Just Seen a Face“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 14. Juni 1965
• Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

McCartney beschrieb „I’ve Just Seen a Face“ einmal als „ein seltsames Uptempo-Stück“. Es gibt kein vergleichbares Stück im Repertoire der Beatles. Mit einer Länge von etwas mehr als zwei Minuten ist es sowohl ein hübsches Liebeslied als auch ein atemloser Sprint bis zum Ziel. Mit einem rein akustischen Arrangement (McCartney, Lennon und Harrison an den Gitarren, Starr am Schlagzeug) und Harmonien im Appalachian-Stil, die ihm einen fast bluegrassartigen Charakter verleihen.

Der Text klingt mühelos und gesprächig. Er enthält aber auch eine komplexe Abfolge von kaskadenartigen Reimen („I have never known/The like of this/I’ve been alone/And I have missed“), die für die unwiderstehliche Dynamik des Songs verantwortlich sind. Wie McCartney bemerkte: „Der Text funktioniert. Er zieht dich immer weiter voran. Er zieht dich zur nächsten Zeile, er hat etwas Eindringliches, das mir gefällt.“

McCartney schrieb „I’ve Just Seen a Face“ für den Soundtrack zu „Help!“. Aber in den USA erschien es als Titelsong auf „Rubber Soul“ – Teil des Versuchs von Capitol Records, das Album für amerikanische Folk-Rock-Fans attraktiver zu machen.

Erschienen auf: „Help!“.

57. „I’m Only Sleeping“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 27. und 29. April, 5. und 6. Mai 1966
• Veröffentlicht: 20. Juni 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Obwohl manche „I’m Only Sleeping“ als eine weitere Ode an Drogen verstehen, drückte Lennon damit vielleicht einfach nur seine Verärgerung darüber aus, dass McCartney ihn für eine Songwriting-Session geweckt hatte. Lennon war bekannt dafür, dass er ein eher sesshafter Mensch war. Im März 1966 gestand er, dass „Sex das Einzige ist, womit ich mich körperlich noch beschäftigen kann“.

Harrisons acht Takte langes Gitarrensolo in „I’m Only Sleeping“ entstand durch einen Zufall. Nachdem ein Toningenieur das Mehrspurband falsch eingefädelt hatte, hörten die Musiker diesen mittlerweile bekannten verschwommenen, schlürfenden Klang. McCartney erinnerte sich später, dass alle völlig aus dem Häuschen waren. „Mein Gott, das ist fantastisch! Können wir das wirklich machen?“

Harrison spielte eine von indischer Musik inspirierte Melodie. Und bat George Martin, sie rückwärts zu transkribieren. Martin musste Harrison Takt für Takt dirigieren. Was laut Toningenieur Geoff Emerick zu einem „unendlichen Tag“ führte, der neun Stunden dauerte. „Ich sehe noch immer vor mir, wie George stundenlang über seine Gitarre gebeugt saß“, schrieb Emerick 2006. „Die Kopfhörer aufgesetzt, die Stirn in Konzentration gerunzelt.“

Erschienen auf: „Revolver“.

56. „I’m Down“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 14. Juni 1965
• Veröffentlicht: 19. Juli 1965
• Nicht in den Charts (B-Seite)

„I’m Down“ ist einer der energiegeladensten Titel der Beatles. Ein einfacher Rocksong, den sie an dem Tag, an dem sie „I’ve Just Seen a Face“ aufnahmen und mit den Aufnahmen zu „Yesterday“ begannen, in nur drei Stunden einspielten. Eine Session, die McCartneys außergewöhnliche Bandbreite demonstriert. „I’m Down“, die B-Seite von „Help!“, spiegelt McCartneys Vorliebe für Raves im Stil von Little Richard wider. „Ich habe früher seine Songs gesungen“, sagte McCartney. „Aber irgendwann wollte ich einen eigenen, also habe ich ‚I’m Down‘ geschrieben.“

Der Song wurde zu einem Live-Favoriten und diente während der gesamten Amerika-Tournee der Gruppe im Jahr 1965 als Abschlussnummer. Die Aufführung von „I’m Down“ im Shea Stadium ist eine Collage aus unvergesslichen Bildern. McCartney ist so aufgeregt, dass er anfängt, sich zu drehen. Lennon und Harrison lachen so sehr, dass sie ihre Hintergrundgesänge verpatzten. Starr trommelt drauf los. Auch wenn man sein Schlagzeug inmitten der Schreie kaum hören kann – und Lennon spielt mit seinem Ellbogen E-Piano.

Es sind die Beatles ohne Beatlemania – vier Jungs in einer Band, die sich die Seele aus dem Leib rocken und es lieben.

Erschienen auf: „Past Masters“.

55. „Taxman“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 20. bis 22. April 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

McCartney spielte das kreischende Raga-Gitarrensolo. Lennon trug zum Text bei. Aber in seinem prägnanten Zynismus war „Taxman“ ganz und gar Harrisons Werk, ein ansteckender Ausbruch wütenden Gitarrenrocks. Sein Seitenhieb auf die Regierung Ihrer Majestät sicherte ihm den begehrten Platz auf „Revolver“. Seite eins, Titel eins.

„Mit ‚Taxman‘ wurde mir zum ersten Mal klar, dass wir, obwohl wir angefangen hatten, Geld zu verdienen, den größten Teil davon in Form von Steuern wieder abgeben mussten“, schrieb Harrison später. „Die Regierung nimmt uns über 90 Prozent unseres gesamten Geldes weg“, beklagte sich Starr einmal. „Uns bleibt nur ein Neuntel eines Pfunds.“

„Taxman“ stellt eine wichtige Verbindung zwischen dem gitarrenlastigen Klang der Beatles von 1963 bis 1965 und der aufkommenden Pracht der psychedelischen Experimente der Gruppe dar. Der Song ist Skeleton Funk. Harrisons abgehackte, verzerrte Gitarrenakkorde bewegen sich zu einem R&B-Dance-Beat. Aber die zusätzlichen Stunden, die er und Toningenieur Geoff Emerick für den Gitarrensound auf „Revolver“ aufwendeten, waren ein Vorbote für Harrisons intensives Eintauchen in die indische Musik und die Sitar in späteren Songs wie „Within You Without You“ und „The Inner Light“.

Erscheint auf: „Revolver“.

54. „Two of Us”

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 31. Januar 1969
• Veröffentlicht: 18. Mai 1970
• Nicht als Single veröffentlicht

Dieser süße, überwiegend akustische Song scheint McCartneys Hommage an seine langjährige Freundschaft mit Lennon zu sein. Besonders wenn man sich den Probenclip des Songs im Film „Let It Be“ ansieht, in dem Lennon und McCartney ihre alte Gewohnheit wieder aufnehmen, in dasselbe Mikrofon zu singen. Tatsächlich handelt der Song von McCartney und Linda Eastman, die sechs Wochen nach der Aufnahme des Songs heirateten.

„Wir haben uns immer viele Postkarten geschickt“, sagte sie. Die beiden unternahmen gerne lange Autofahrten, mit McCartneys Schäferhund Martha auf dem Rücksitz, ohne ein bestimmtes Ziel vor Augen.

Die Session, aus der die Albumversion von „Two of Us“ (sowie die Basistracks für „Let It Be“ und „The Long and Winding Road“) hervorging, fand am Tag nach dem Dachkonzert der Beatles statt und beendete das „Get Back“-Experiment. Einen chaotischen Monat voller Dreharbeiten und Aufnahmen. Der „Bass“-Part von „Two of Us“ wird tatsächlich von Harrison auf den tiefen Saiten einer E-Gitarre gespielt. Das Pfeifen am Ende stammt von Lennon.

Erschienen auf: „Let It Be“.

53. „It Won’t Be Long”

• Autoren: Lennon-McCartney
• Aufgenommen: 30. Juli 1963
• Veröffentlicht: 20. Januar 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

„It Won’t Be Long” ist die Art von Song, die Bob Dylan im Sinn hatte, als er schrieb, dass die Akkorde der Beatles „unverschämt, einfach unverschämt” seien. Etwa zur Zeit der Veröffentlichung des Songs begannen auch hochkarätige Kritiker zu erkennen, wie einzigartig die Beatles waren. „Der Typ von der ‚London Times‘ schrieb über die ‚äolischen Kadenzen unserer Akkorde‘“, sagte Lennon, „was den intellektuellen Diskurs über die Beatles auslöste.“

Neben den ungewöhnlichen Akkordwechseln hatte der Song auch eine kraftvolle Aggressivität, die sich mit „Yeah!“-Rufen im Call-and-Response-Stil entlud. McCartney war jedoch am stolzesten auf den Text. „Ich habe in der Schule Literatur studiert. Daher interessierte ich mich für Wortspiele und Onomatopoesie“, sagte er. „‚It won’t be long till I belong to you‘ war der Höhepunkt dieses Songs.“

Lennons Einschätzung des Songs war wie üblich hart. „Es war mein Versuch, eine weitere Single zu schreiben“, sagte Lennon. Und fügte hinzu, dass „es nie ganz geklappt hat“. Möglicherweise, weil die „yeah-yeah“-Passagen zu sehr an „She Loves You“ erinnerten.

Erscheint auf: „With the Beatles“.

52. „Helter Skelter“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 18. Juli, 9. und 10. September 1968
• Veröffentlicht: 25. November 1968
• Nicht als Single veröffentlicht

Mit dem rauen „Helter Skelter“ wollten die Beatles eine Heavy-Band auf ihrem eigenen Gebiet schlagen. McCartney hatte sich an einer Rezension der Single „I Can See for Miles“ von The Who aus dem Jahr 1967 gestört, in der der Song als „ein Marathon-Epos aus fluchenden Becken und schimpfenden Gitarren“ bezeichnet wurde. „Er war nicht rau [oder voller] Schreie“, sagte er über den Song. „Also dachte ich mir: ‚Dann machen wir eben einen ähnlichen Song.‘“

Die Beatles nahmen „Helter Skelter“ in einer Nacht auf, in der sie, wie sich Toningenieur Brian Gibson erinnert, „völlig außer sich waren“. Lennon spielte verstimmte Bass- und Saxophonparts. Starr meinte es ernst, als er schrie: „Ich habe Blasen an den Fingern!“

Trotz seiner Verbindung zu Charles Manson – „Helter Skelter“ wurde mit Blut an einem der Tatorte der Manson-Familie geschrieben – hat der Titel eine harmlose Bedeutung. Ein „Helter Skelter“ ist eine Rutsche auf einem Spielplatz. „Ich habe das Symbol als eine Fahrt von oben nach unten verwendet – den Aufstieg und Fall des Römischen Reiches“, sagte McCartney. „Das war der Untergang, der Niedergang.“

Erschienen auf: „The Beatles“

51. „If I Needed Someone“

• Autor: Harrison
• Aufgenommen: 16. und 18. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 20. Juni 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Dieses twangige Juwel war das Ergebnis eines bemerkenswerten Austauschs von Einflüssen zwischen den Beatles und einer ihrer neuen Lieblingsbands, den psychedelischen Folkies The Byrds aus L.A. Als Gitarrist Roger McGuinn Harrison in „A Hard Day’s Night“ mit einer kirschroten Rickenbacker 360/12 spielen sah, erinnerte er sich. „Ich brachte meine Akustikgitarre [12-saitig] und mein fünfsaitiges Banjo zum Musikgeschäft und tauschte sie gegen eine elektrische 12-saitige Gitarre ein.“

Lennon und McCartney besuchten Anfang 1965 eines der ersten Konzerte der Byrds in Großbritannien, und im August desselben Jahres nahmen McCartney und Harrison an einem freien Tag ihrer US-Tournee an einer Aufnahmesession der Byrds in L.A. teil.

Zwei Monate später machte Harrison McGuinn mit „If I Needed Someone“ das ultimative Kompliment, einer auffälligen Mischung aus cooler Ablehnung und kristallklaren Riffs, die McGuinns Lead-Lick in „The Bells of Rhymney“ aus dem Debütalbum der Byrds, „Mr. Tambourine Man“, adaptierten. „George war sehr offen damit“, sagt McGuinn, der damals noch unter seinem Geburtsnamen Jim bekannt war. „Er schickte uns [die Platte] im Voraus und sagte: ‚Das ist für Jim‘ – wegen dieses Licks.“

Erschienen auf: „Rubber Soul“.

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50. „Got to Get You Into My Life”

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 7., 8. und 11. April, 18. Mai, 17. Juni 1966
• Veröffentlicht: 8. August 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

„Got to Get You Into My Life” ist ein als Liebeslied getarnter Drogensong, der nach McCartneys ersten Experimenten mit Marihuana geschrieben wurde. „Es ist eigentlich eine Ode an das Gras”, erklärte er, „so wie jemand anderes eine Ode an Schokolade oder einen guten Rotwein schreiben würde.”

Lennon beschrieb den Song als den „Tamla/Motown-Anteil” der Beatles. Aber ursprünglich war „Got to Get You Into My Life” ein Akustikstück. In einer frühen Aufnahme (zu finden auf „Anthology 2“) singt McCartney im Falsett, während die Bläser schließlich im Refrain einsetzen.

Die Bläser waren ein Überbleibsel der Idee der Band, „Revolver“ in Memphis aufzunehmen. Sie hatten lange Zeit den Bass- und Drum-Sound amerikanischer Soul-Platten nachgeahmt. Also engagierten sie den Gitarristen Steve Cropper von Booker T. and the MG’s als Produzenten. Und schickten Brian Epstein los, um potenzielle Aufnahmestudios zu suchen. Alle Studios verlangten jedoch exorbitante Preise, um die Beatles aufzunehmen, sodass sie schließlich wieder bei „Abbey Road“ landeten.

Erschienen auf: „Revolver“.

49. „The Night Before“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 17. Februar 1965
• Veröffentlicht: 13. August 1965
• Nicht als Single veröffentlicht

Für jede andere Band wäre ein Pop-Juwel wie „The Night Before“ zu einer karriereprägenden Hit-Single geworden. Wenn nicht sogar zur Grundlage einer Legende. Aber für die Beatles war es nur ein weiterer großartiger Album-Track, der unterging, als sie von „A Hard Day’s Night“ über „Help!“ auf dem Weg zu „Rubber Soul“ waren. Die Band schrieb und nahm Meisterwerke schneller auf, als die Fans sie überhaupt aufnehmen konnten.

Die Liebe der Band zu Motown war nie offensichtlicher als hier, was zu einem treibenden Twist-Song führte, der auch von Marvin Gaye in seiner besten Zeit stammen könnte. In seinem doppelt aufgenommenen Leadgesang jammert McCartney über den Verrat eines Geliebten, während Lennon einen ausgelassenen Riff auf dem E-Piano spielt. „Dieser Sound war einer der besten, die wir je aufgenommen hatten“, sagte McCartney.

Im Film „Help!“ spielen die Beatles den Song in der englischen Salisbury Plain, im Schatten von Stonehenge. Harrison mimt das knappe, stechende Gitarrensolo. Aber es war McCartney, der es auf der Platte spielte.

Erschienen auf: „Help!“.

48. „The Ballad of John and Yoko“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 14. April 1969
• Veröffentlicht: 4. Juni 1969
• 9 Wochen; Nr. 8

Am 16. März 1969 flogen Lennon und Yoko Ono nach Paris, um zu heiraten. Dies war die erste Station einer zweiwöchigen Odyssee, die Besuche in Gibraltar (wo die Trauung stattfand), Amsterdam (wo sie das erste „Bed-In” für den Frieden veranstalteten) und Wien (wo sie als Friedensprotest eine Pressekonferenz aus einem weißen Sack heraus gaben). Feindselige Reporter warfen dem Paar vor, die Friedensbewegung als Werbegag zu missbrauchen.

„Die Presse kam in der Erwartung, uns beim Sex im Bett zu sehen”, erzählte Lennon dem ROLLING STONE. „Wir saßen nur in unseren Pyjamas da. Und sagten: ‚Frieden, Bruder.‘” Die Reise wurde zum Kernstück von „The Ballad of John and Yoko”. „Wir hatten eine sehr schwere Zeit“, sagte Ono. „Aber er machte [den Song] eher zu einer Komödie als zu einer Tragödie.“

Lennon hatte es eilig, ihn zu veröffentlichen. Also nahmen er und McCartney am 14. April alle Instrumente neu auf. (Starr und Harrison waren nicht da.) „Paul wusste, dass die Leute gemein zu John waren, und er wollte es einfach gut für ihn machen“, sagte Ono. „Paul hat eine sehr brüderliche Seite an sich.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

47. „Things We Said Today“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 2. Juni 1964
• Veröffentlicht: 20. Juli 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

Im Mai 1964 unternahmen McCartney und Jane Asher zusammen mit Starr und seiner Freundin Maureen Cox einen Segeltörn auf den Jungferninseln. Eines Tages entfernte sich McCartney von der Gruppe und schrieb „Things We Said Today” über seine Beziehung zu der 18-jährigen Asher, mit der er seit einem Jahr zusammen war.

„Es war schon etwas Nostalgisches, eine Zukunftsnostalgie”, sagte er über den Song, einen Uptempo-Track, dessen melancholische Melodie in Moll ihn von anderen McCartney-Liebesliedern dieser Zeit unterscheidet. „Wir werden uns irgendwann in der Zukunft an die Dinge erinnern, die wir heute gesagt haben. Also projiziert sich der Song in die Zukunft. Und ist dann nostalgisch gegenüber dem Moment, in dem wir jetzt leben. Was ein ziemlich guter Trick ist.“

Obwohl McCartney seiner Geliebten verspricht, dass „wir werden immer zusammenbleiben“, sollte es doch nicht so kommen. McCartney und Asher verlobten sich 1967, trennten sich aber im nächsten Jahr. „Wir sehen uns und wir lieben uns. Aber es hat nicht funktioniert“, sagte sie im Oktober 1968 gegenüber der Zeitung „London Evening Standard“. „Vielleicht bleiben wir Kindheitsfreunde und treffen uns wieder und heiraten, wenn wir etwa 70 sind.“

Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.

46. „Don’t Let Me Down“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 22., 28. und 30. Januar 1969
• Veröffentlicht: 5. Mai 1969
• 4 Wochen; Nr. 35 (B-Seite)

Als die Single „Get Back”/„Don’t Let Me Down” im Mai 1969 erschien, wurde sie beworben als „Die Beatles, wie sie von Natur aus sind. Die erste Beatles-Platte, die in diesem elektronischen Zeitalter so live wie möglich ist. Es gibt keine elektronischen Dingsbums.” Beide Seiten der Single wurden live in den Apple Studios aufgenommen. Wobei die Beatles nur von dem Keyboarder Billy Preston begleitet wurden, der gerade eine Pause von Ray Charles’ Band einlegte.

1980 fasste Lennon die Inspiration für den Song knapp zusammen. „Das bin ich, wie ich über Yoko singe.” McCartney ging später näher darauf ein. „Es war eine sehr angespannte Zeit. John war mit Yoko zusammen und hatte sich dem Heroinkonsum und den damit einhergehenden Paranoien hingegeben, wodurch er sich selbst in eine prekäre Lage brachte. Ich glaube, dass ihn das zwar begeisterte und amüsierte. Ihm aber gleichzeitig insgeheim Angst machte. Daher war „Don’t Let Me Down“ eine echte Bitte.“

Auch für Lennon war es schwierig, die emotionale Intensität aufzubringen, um den Song zu singen. Er bat Starr, kurz vor seinem Gesang einen Beckenschlag einzuspielen, um „mir den Mut zu geben, laut hereinzukommen“.

Erschienen auf: „Past Masters“.

45. „No Reply“

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 30. September 1964
• Veröffentlicht: 15. Dezember 1964
• Nicht als Single veröffentlicht

Das zweite Beatles-Album von 1964, „Beatles for Sale“, war eine Eilarbeit, die in sieben Tagen zwischen August und Oktober 1964 aufgenommen wurde, als die Beatles auch mit Tourneen in Nordamerika und Großbritannien beschäftigt waren. Inmitten des Wirbelsturms der Beatlemania fand Lennon irgendwie Zeit, sein Songwriting voranzutreiben. „No Reply“ wurde ursprünglich für Tommy Quickly geschrieben, der ebenfalls von Brian Epstein gemanagt wurde. Eine Demoaufnahme entstand im Juni 1964. Glücklicherweise behielten die Beatles den Song für sich und nahmen ihn am selben Tag auf, an dem sie „Every Little Thing“ fertigstellten.

Der Ursprung von „No Reply“ war ein Doo-Wop-Song aus dem Jahr 1957, „Silhouettes“ von den Rays, in dem der Sänger ein Paar im Schatten eines Fensters sieht und fälschlicherweise glaubt, seine Freundin würde ihn betrügen. In „No Reply“ betrügt die Freundin tatsächlich. „Ich hatte dieses Bild vor Augen, wie ich die Straße entlangging, ihre Silhouette im Fenster sah und sie nicht ans Telefon ging“, sagte Lennon. „Obwohl ich in meinem Leben noch nie ein Mädchen angerufen habe – Telefone gehörten nicht zum Leben eines englischen Kindes.“

Erschienen auf: „Beatles for Sale“.

44. „All My Loving“

• Hauptsongwriter: McCartney
• Aufgenommen: 30. Juli 1963
• Veröffentlicht: 20. Januar 1964
• nicht als Single veröffentlicht

„Es war der erste Song, bei dem ich zuerst den Text geschrieben habe“, sagte McCartney über „All My Loving“, einen der unwiderstehlichsten frühen Rocksongs der Beatles. Er skizzierte den Text eines Tages im Bus, während die Band mit Roy Orbison auf Tournee war. Als sie den Veranstaltungsort erreichten, hatte er seine Gitarre nicht dabei, also suchte er sich hinter der Bühne ein Klavier und vertonte den Text. „Ich hatte eine kleine Country- und Western-Melodie im Kopf“, sagte McCartney später.

Die süße Geschichte der Sehnsucht hat tatsächlich ein wenig Nashville-Flair, was besonders in Harrisons twangigem, von Carl Perkins inspiriertem Gitarrensolo deutlich wird. Harrison war ein solcher Fan des Mannes, der „Blue Suede Shoes“ geschrieben hatte, dass er bei einer frühen Tournee der Beatles den Künstlernamen „Carl Harrison“ annahm. Die Band coverte mehr Songs von Perkins als von jedem anderen Songwriter.

„All My Loving“ wurde zu einem festen Bestandteil der Live-Sets der Beatles und war der erste Song, den sie in der Ed Sullivan Show spielten. „Es ist ein verdammt gutes Stück Arbeit“, sagte Lennon einmal voller Bewunderung für McCartneys Songwriting, „aber ich spiele im Hintergrund ziemlich gut Gitarre.“

Erschienen auf: „With the Beatles“.

43. „Drive My Car“

• Autoren: McCartney-Lennon
• Aufgenommen: 13. Oktober 1965
• Veröffentlicht: 15. Juni 1966
• Nicht als Single veröffentlicht

Auf dem Weg zu einer Songwriting-Session mit Lennon im Jahr 1965 kam McCartney eine Melodie in den Sinn, die ihm gefiel – aber der Text war lediglich eine Wiederverwertung der Idee aus „Can’t Buy Me Love“, einem Mädchen einen Diamantring zu kaufen. Lennon schlug eine sexuelle Metapher vor – „drive my car“ – und die beiden entwickelten einen Text über eine nach Ruhm strebende Möchtegern-Berühmtheit. „Für mich waren es die Mädchen aus L.A. – ‚Du kannst mein Chauffeur sein‘“, sagte McCartney, der für die überraschende Wendung am Ende sorgte, als das Mädchen zugibt, dass sie kein Auto hat.

„Drive My Car“ ist einer der Songs im Repertoire der Beatles, der am deutlichsten R&B-Einflüsse aufweist, was vor allem Harrison zu verdanken ist, der die straffen Gitarrenlinien und den funkigen Basspart an Otis Reddings „Respect“ angelehnt hat.

„Drive My Car“ wurde aus der US-Version von „Rubber Soul “entfernt: Da der Folk-Rock-Boom gerade seinen Höhepunkt erreichte, passte Capitol Records das amerikanische Album so an, dass es sich mehr auf akustische Songs konzentrierte. „Drive My Car“ erschien sechs Monate später auf der Compilation-LP „Yesterday and Today“, aber für eine ganze Generation von Amerikanern fehlte „Rubber Soul“ sein soulvollster Titel.

Erschienen auf: „Rubber Soul“.

42. „I Feel Fine”

• Hauptsongwriter: Lennon
• Aufgenommen: 18. Oktober 1964
• Veröffentlicht: 23. November 1964
• 11 Wochen; Nr. 1

„I Feel Fine“ beginnt mit einem kurzen, kehligen Knurren aus Lennons Verstärker. Die abgeschnittene Verzerrung klingt höflich im Vergleich zu den Geräuschen, die Pete Townshend und Jimi Hendrix bald darauf auf Platte bringen würden, aber die Beatles waren die Ersten. „Ich wage es jedem zu widersprechen, der behauptet, dass es eine Platte gibt – außer vielleicht eine alte Bluesplatte aus dem Jahr 1922 –, die Feedback auf diese Weise einsetzt“, sagte Lennon. „Ich beanspruche das für die Beatles.“

Laut George Martin war Feedback bei den Aufnahmen der Beatles ein alltägliches Ärgernis. „John drehte den [Lautstärke]-Regler immer voll auf“, sagte der Produzent. „Es wurde zu einer Art Running Gag. Aber er erkannte, dass er dies zu seinem Vorteil nutzen konnte.“ Das Feedback auf „I Feel Fine“ war ganz bewusst eingesetzt und war bereits auf den Masterbändern der ersten Aufnahme zu hören.

„’I Feel Fine‘ zeigte auch die sich weiterentwickelnde Musikalität der Beatles, wobei Starr einen Calypso-artigen Dialog zwischen Becken und Tom-Tom einbrachte. „Ringo entwickelte sich von einem geradlinigen Rock-Schlagzeuger zu einem ziemlich musikalischen Denker“, sagte Martin. „Er probierte immer verschiedene Ideen aus.“

Erschienen auf: „Past Masters“.

41. „Get Back“

• Hauptkomponist: McCartney
• Aufgenommen: 23., 27., 28. und 30. Januar sowie 5. Februar 1969
• Veröffentlicht: 5. Mai 1969
• 12 Wochen; Nr. 1

Der Plan für die Sessions der Beatles im Januar 1969 war, dass sie zu ihren Wurzeln als Live-Rock-‚n‘-Roll-Band zurückkehren würden. Als McCartney dann mit einem Song namens „Get Back“ aufwartete, passte das perfekt. Es war auch der letzte Song, den die Beatles bei ihrem letzten Auftritt mit 10 Songs und einer Dauer von 42 Minuten auf dem Dach des Apple Records-Gebäudes am 30. Januar spielten.

Der ursprüngliche Text von „Get Back“ persiflierte die damalige Stimmung gegen Einwanderer in England: „Don’t dig no Pakistanis taking all the people’s jobs” („Ich mag keine Pakistanis, die allen die Jobs wegnehmen“) lautete eine Zeile. McCartney ließ die parodistische Anspielung auf Rassismus weg und behielt die Geschichten über den wandernden Jo Jo und die geschlechtswechselnde Loretta Martin bei.

Lennon bezeichnete „Get Back”, in dem seine bluesige Leadgitarre sowie ein funkiges Keyboard-Solo von Billy Preston zu hören sind, als „eine bessere Version von ‚Lady Madonna’ … eine neu geschriebene Potboiler-Version”. Er vermutete jedoch auch, dass der Song insgeheim an Yoko Ono gerichtet war: „Weißt du, ‚Get back to where you once belonged‘. Jedes Mal, wenn [Paul] diese Zeile im Studio sang, sah er Yoko an.“

Erschienen auf: „Let It Be“ und „Past Masters“.

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