Die 100 besten Songs des Bob Dylan
Die 100 besten Bob-Dylan-Songs: Von „Like a Rolling Stone“ bis „Tangled Up in Blue“ – Meisterwerke einer einzigartigen Ikone
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
20. „Blowin’ in the Wind” (1963)
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Der Song, der Dylan erstmals als Propheten brandmarkte, stellt neun Fragen und beantwortet keine davon. Dylan behauptete, er habe nur 10 Minuten gebraucht, um diese Meditation über die Unmenschlichkeit der Menschheit zu schreiben, eine Neufassung des Anti-Sklaverei-Spirituals „No More Auction Block”.
Die Version, die die meisten Menschen 1963 hörten, war nicht die von Dylan. Sondern die Coverversion von Peter, Paul and Mary, die Platz zwei der Popcharts erreichte. Aber in jeder Version sind die Worte so einfach, dass sie klingen, als wären sie vom Himmel auf Steintafeln überliefert worden. „Es ist ein absolut wunderbarer Text”, sagt Merle Haggard. „Er war damals aktuell und ist es auch heute noch.”
19. „Blind Willie McTell” (1991)
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Mark Knopfler, Produzent und Gitarrist von „Infidels”, war Berichten zufolge schockiert, als Dylan diesen Höhepunkt aus dem Album herausnahm. Auch Jahrzehnte später bleibt Dylans Entscheidung unergründlich. „Blind Willie McTell” ist eines seiner wenigen Meisterwerke aus den frühen Achtzigern.
Über einer gesegnet sparsamen Instrumentierung taucht er tief in den Süden ein. In den Süden der Sträflingskolonnen. Der Totenglocken und der „Charcoal Gypsy Maidens“. Es ist eine erschreckende Hommage an den echten McTell, der wie Dylan für seine unendlichen Tourneen bekannt war. „Ich bin als Wanderer geboren“, sagte der verstorbene Sänger einmal. „Ich werde wandern, bis ich sterbe.“
18. „Ballad of a Thin Man“ (1965)
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Dylan hat viele boshafte Songs geschrieben. Aber nur wenige sind lustiger oder bissiger als dieser stampfende Song über einen Typen, der überhaupt nichts versteht. Nicht einmal, was es zu verstehen gibt. Dylan serviert verwirrende Zeilen („Du solltest gezwungen werden, Kopfhörer zu tragen“) und verspottet dann seine verwirrten Zuhörer dafür, dass sie den Witz nicht verstehen.
Der Song ist außerdem voller homoerotischer Anspielungen. Vom nackten Mann im ersten Vers bis hin zum Schwertschlucker und dem einäugigen Zwerg, die später auftauchen. Vielleicht weil nichts konservative Leute wie Mr. Jones mehr aus der Fassung bringt. Dylan hat sich im Laufe der Jahre viele Male mit der Frage nach der Identität des echten Mr. Jones beschäftigt. Aber seine überzeugendste Antwort kam 1985: „Es gab damals viele Mr. Joneses … Es war so: ‚Oh Mann, hier ist der tausendste Mr. Jones.‘“
17. „This Wheel’s on Fire“ (1975)
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„This Wheel’s on Fire“ ist eine kaleidoskopische Beschwörung des Chaos, die alles Mögliche suggerieren kann. Vom Vietnamkrieg bis zu Dylans Motorradunfall 1966. Tatsächlich handelt es sich um ein Lied von tödlicher, disziplinierter Wut. Es ist Dylans spöttisches Versprechen – in seinem Originalgesang von 1967 in den Basement Tapes – dass der Verrat, der in den ersten beiden Strophen angedeutet und in der dritten deutlich gemacht wird („Du bist derjenige, der mich gebeten hat, sie anzurufen, um dir deine Gefälligkeiten zu verschaffen“), in Zukunft vollständig gerächt werden wird.
Diese Wut in eine straffe, spöttische Kadenz zu komprimieren, muss ihn erschöpft haben. Dylan bat Rick Danko von der Band, eine Melodie zu komponieren. Eine langsame und melancholische Melodie, die auch die Verzweiflung der Verlassenheit einfing. „Ich brachte mir selbst das Klavierspielen bei“, erinnerte sich Danko. „Einige Musikstücke, die ich geschrieben hatte, schienen einfach zu Dylans Texten zu passen.
„This Wheel’s on Fire“ bekam einen Adrenalinstoß und einen funkigen Keyboard-Part (gespielt auf einer umfunktionierten Telegrafentaste), als die Band es 1968 für ihr Debütalbum „Music From Big Pink“ aufnahm. Aber die Byrds nahmen die definitive Coverversion für ihr 1969er Album „Dr. Byrds & Mr. Hyde“ auf. Clarence Whites sengende Fuzz-Gitarre klingt, als wäre die Apokalypse gekommen.
16. „Positively 4th Street” (1967)
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Lucinda Williams: Ich liebe das Thema dieses Songs. Eifersucht auf künstlerischen Erfolg. Ich habe das schon erlebt. „Du siehst mich auf der Straße und tust immer überrascht. Du sagst: ‚Wie geht es dir? Viel Glück!‘ Aber du meinst es nicht so.’“ Das habe ich festgestellt, als ich versuchte, nach Austin zurückzukehren. Ich habe dort 1974 angefangen, auf der Straße zu singen. Und dann habe ich später, nachdem ich in Los Angeles gewesen war, versucht, dorthin zurückzukehren. Es hat einfach nicht funktioniert.
Einmal spielten wir irgendwo, und ich traf eine Freundin aus früheren Tagen. Eine andere Musikerin. Ich wollte gerade in den Bus steigen, und sie wollte noch etwas mit mir unternehmen. Sie sagte: „Lucinda, manchmal wünschte ich mir, du wärst nicht berühmt.“ Was zum Teufel soll das denn heißen? Herrgott. Aber genau darum geht es in „Positively 4th Street“. Ich liebe den Schluss des Songs. „Ich wünschte, du könntest nur einmal in meine Haut schlüpfen, dann würdest du wissen, wie nervig es ist, dich zu sehen.“
Diese Zeilen zu singen fühlt sich so gut an. Ich habe gehört, dass Dylan den Song geschrieben hat, als er gerade berühmt wurde und noch im Village in New York lebte. Niemand will zugeben, dass so etwas passiert. Und natürlich weiß niemand, wie es wirklich ist, Bob Dylan zu sein. Es gibt nur einen wie ihn. Und darin ist er verdammt gut.
15. „Simple Twist of Fate” (1975)
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In „Simple Twist of Fate” betrachtet Dylan eine idyllische Beziehung, die aus Gründen auseinanderbrach, die keiner der beiden Partner kontrollieren konnte. Die Leute nahmen logischerweise an, dass er über die Trennung von seiner Frau Sara sang. Aber sein Textheft zu „Blood on the Tracks“ enthüllt eine andere Geschichte.
Ursprünglich hatte der Song den Untertitel „4th Street Affair”. Benannt nach der Wohnung in der 161 W. 4th St., in der er kurz nach seiner Ankunft in New York mit seiner Freundin Suze Rotolo lebte. Der Erzähler des Songs hat sich zu bedeutungslosen One-Night-Stands weiterentwickelt (wie Dylan sicherlich Anfang 1975). Aber sein Herz war mehr als 10 Jahre in der Vergangenheit.
14. „Highway 61 Revisited“ (1965)
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„Ich hatte immer das Gefühl, dass ich damit angefangen hatte, immer dabei gewesen war und von dort aus überall hingehen konnte”, sagte Dylan über die Highway 61, die von seiner Heimat Minnesota bis nach New Orleans führt. Hier bewies er, wie weit er damit kommen konnte. Aufgenommen in einer Marathonsession, aus der auch „Just Like Tom Thumb’s Blues”, „Ballad of a Thin Man“ und „Queen Jane Approximately“ entstanden, ist der galoppierende Titelsong aus dem bahnbrechenden Elektroalbum „Highway 61 Revisited“ von 1965 ein Ausdruck von Dylans verzweifeltem Klagelied.
Er führt eine Reihe von vom Schicksal gebeutelten Figuren (die bekanntesten sind Gott und Abraham) auf Amerikas „Blues Highway“. Und spuckt dabei Gift und Galle über eine Reihe amerikanischer Heucheleien (falscher Patriotismus, krasser Kommerz). Der Session-Musiker Al Kooper behauptete, er habe Dylan die Polizeipfeife geliehen, die den Song so schrill einleitet und beendet. Und ihm geraten, sie anstelle seiner Mundharmonika zu verwenden. „Ein bisschen Abwechslung für dein Album“, sagte er damals zu Dylan. „Passt besser zum Text.“
13. „Subterranean Homesick Blues“ (1965)
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Der amerikanische Traum laut Dylan. „Zwanzig Jahre Schulbildung und dann stecken sie dich in die Tagesschicht.“ Und das auch nur, wenn du Glück hast, Junge. „Subterranean Homesick Blues“ war sein erster elektrischer Knaller, der im März 1965 als Single veröffentlicht wurde und in die Top 40 einstieg. Dylan liefert eine proto-rapartige Flut von Einzeilern, die Amerikas verwirrte Verwirrung auf die Schippe nehmen. „Pass auf, Junge, du wirst getroffen werden“, rät Dylan. Auf der Flucht vor Polizisten, Lehrern, der Armee und sogar Meteorologen. (Obwohl die radikale Gruppe „The Weathermen“ ihren Namen ohnehin aus dem Song übernommen hat.
„Das ist kein Folk-Rock. Das sind nur Instrumente“, erklärte Dylan 1965 gegenüber der „Chicago Daily News“. „Ich habe zu viele andere Straßen gesehen, um einfach nur das zu machen.“ Und mit „Subterranean Homesick Blues“ ließ er die Straßen Amerikas beängstigender – und aufregender – klingen als je zuvor.
12. „Desolation Row“ (1965)
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Mick Jagger: „Desolation Row“ ist musikalisch so einfach. Nur drei Akkorde für 11 Minuten, mit minimaler Begleitung. Und doch so wirkungsvoll. Da sind Dylan, ein Bassist und ein Session-Gitarrist, Charlie McCoy aus Nashville, der der Melodie einen schönen kleinen Kontrapunkt hinzufügt. Auch nach vielen Malen Hören klingt sein Spiel immer noch schön. Ich mag den leichten spanischen Einschlag darin. Aber es steht nicht im Weg zu dem, was offensichtlich das Wichtigste ist. Der Gesang und der Text.
Dylans Vortrag ist rezitativ. Fast ausdruckslos. Aber er fesselt einen. Das Wunderbare daran sind all diese Figuren, die er in unserer Vorstellung beschimpft. Berühmte Menschen tauchen surrealistisch auf. Einige von ihnen mythisch, andere real. „Das Phantom der Oper“. Ezra Pound und T.S. Eliot. Aschenputtel. Bette Davis. Kain und Abel.
Ich liebe die Stelle über „Einstein, verkleidet als Robin Hood”. „Man würde es ihm nicht ansehen. Aber er war vor langer Zeit berühmt/Weil er auf der Desolation Row elektrische Violine spielte.” Das ist ein großartiges Bild von Einstein. Sein Haar steht ihm zu Berge und er hat die Violine, auf der er früher spielte. Jemand sagte, „Desolation Row” sei Dylans Version von „The Waste Land”. Ich bin mir nicht sicher, ob das stimmt. Aber es ist eine wunderbare Sammlung von Bildern – eine Fantasie-Bowery –, die wirklich die Fantasie anregt.
11. „It’s All Over Now, Baby Blue“ (1965)
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In dem Film „Don’t Look Back“ sitzt Dylan in seinem Zimmer im noblen Savoy Hotel in London. Umgeben von Mitläufern. Aus Langeweile nimmt er eine Akustikgitarre zur Hand. Und spielt einen neuen Song, den er gerade geschrieben hat: „It’s All Over Now, Baby Blue“. Er hat ein böses Grinsen im Gesicht. Nach den ersten beiden Strophen ist es das einzige Lächeln im Raum. Alle anderen sehen erschüttert aus. Die Party ist definitiv vorbei.
Der Song ist sein vernichtender Abschied von der Unschuld, mit dem er Baby Blue auf die Straße setzt. Sei es nun das Ende einer Freundschaft oder sein Abschied von der Folkszene. Nachdem er beim Newport Folk Festival für seinen Umstieg auf die E-Gitarre ausgebuht worden war und mit einer Akustikgitarre zurückgekehrt war, wählte er diesen Song als seine harte Antwort.
Er wurde sofort zu einem seiner meistgecoverten Songs. Aber niemand hat jemals „Strike another match, go start anew“ mit der Bedrohlichkeit von Dylan selbst gesungen.
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
10. „Every Grain of Sand“ (1981)
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Es ist wie einer der großen Psalmen Davids”, sagt Bono über „Every Grain of Sand”. Die bezaubernde Ballade aus „Shot of Love“, die Dylans offen christliche Songwriting-Phase abschließt. Zu gleichen Teilen von Blake’scher Mystik und biblischen Anklängen geprägt, verzichtet der Song auf die Selbstgerechtigkeit, die Dylans religiöse Werke plagte. Und bietet stattdessen ein verzweifeltes Gebet um Erlösung.
Dylan wird gesanglich von der Gospel-Größe (und Dylan-Flamme) Clydie King begleitet. „Ich bekomme Gänsehaut, wenn ich sie nur atmen höre“, sagte Dylan. „Every Grain of Sand“ zeugt von einer bewegenden Demut („Manchmal drehe ich mich um, und da ist jemand, manchmal bin ich ganz allein“, singt er). Wie Bono es ausdrückt: „Dylan hört auf, gegen die Welt zu klagen, wendet sich sich selbst zu. Und sinkt auf die Knie.“
Dylan beschrieb „Every Grain of Sand“ später als „ein inspiriertes Lied, das mir einfach so eingefallen ist … Ich hatte das Gefühl, dass ich nur Worte niederschrieb, die von woanders kamen.“
9. „Visions of Johanna“ (1966)
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„Visions of Johanna“ ist eine Meisterleistung. Ein Durchbruch nicht nur für den Songwriter. Sondern für die Möglichkeiten des Songwritings an sich. Es ist eine ausführliche, impressionistische Schilderung einer benommenen Nacht in New York City. Reich an bildhaften Details und erotischer Sehnsucht. Die fünf langen Strophen wechseln zwischen Dylans scharfsinniger Analyse einer Frau, der greifbaren und verfügbaren Louise, und seiner Sehnsucht nach einem abwesenden Ideal. Johanna ist vielleicht gar nicht real. Aber sie ist eine Sucht. „Es ist außergewöhnlich“, sagte Bono einmal. „Er schreibt diesen ganzen Song scheinbar über dieses eine Mädchen. Mit diesen bemerkenswerten Beschreibungen von ihr. Aber das ist nicht das Mädchen, an das er denkt! Es ist jemand anderes!“
Dylans Meisterwerk der Besessenheit – ironischerweise kurz nach seiner Heirat 1965 geschrieben – war eine Leidenschaft für sich. Er stellte den Song im Dezember 1965 bei einem Konzert vor. Vor einem Publikum, zu dem auch seine ehemalige Geliebte Joan Baez und der Dichter Allen Ginsberg gehörten. Und spielte ihn dann jeden Abend auf seiner Welttournee 1966. Insbesondere in den Solo-Akustik-Sets. Ein Versuch im November 1965, mit den Hawks eine elektrische Version von „Johanna“ aufzunehmen (unter dem explizit bitteren Titel „Seems Like a Freeze Out“), war nach 14 Takes gescheitert. Die Hawks waren noch zu sehr eine Bar-Band. Die komplexe Beichte des Songs erforderte sowohl Gelassenheit als auch Kraft.
Im Gegensatz dazu gelang Dylan „Johanna” in Nashville beim ersten Take. Die lokalen Session-Profis, ergänzt durch Robbie Robertsons klagende Gitarre, brachten die richtige, gemächliche Empathie für Dylans Stimmungswechsel – vom Flüstern bis zum Heulen zum Mond im selben Vers – und unvergessliche lyrische Bilder.
„Ich singe diesen Song immer noch ab und zu”, sagte Dylan 1985. „Er ist heute noch genauso aktuell wie damals. Vielleicht sogar noch mehr. Auf eine seltsame Art und Weise.”
8. „Mr. Tambourine Man” (1965)
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David Crosby: Soweit ich weiß, war die Aufnahme von „Mr. Tambourine Man” durch die Byrds das erste Mal, dass jemand wirklich gute Poesie im Radio spielte. Die Beatles hatten „Eleanor Rigby” oder „A Day in the Life” noch nicht geschrieben. Sie schrieben immer noch „Ooh, Baby”. Aber Bobs Texte waren exquisit. „To dance beneath the diamond sky with one hand waving free“. Das war die Zeile, die mich gepackt hat. Ich glaube, er hat sich selbst als Dichter gefunden.
„Moment mal, das ist mein Song“
Ich hatte Bob Jahre zuvor im Gerde’s Folk City in New York gesehen. Alle redeten über ihn. Ich dachte: „Scheiße, ich kann besser singen als der. Warum machen die alle so einen Wirbel um ihn?“ Dann fing ich an, wirklich zuzuhören. Und ich hätte fast sofort aufgehört. Ich glaube, die Byrds waren Bobs beste Übersetzer. Bob hatte sich diesen Song nicht so vorgestellt, wie wir ihn gemacht haben.
Als er in das Studio kam, in dem wir probten, und uns „Mr. Tambourine Man“ spielen hörte, war er begeistert. Ich glaube, dass unsere Version mit dazu beigetragen hat, dass Dylan zum Rocker wurde. Er dachte: „Moment mal, das ist mein Song“. Und er hörte, wie anders er sein könnte.
7. „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ (1965)
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„Ich weiß nicht, wie ich diese Songs geschrieben habe“, sagte Dylan 2004 über „It’s Alright, Ma“. „Versuchen Sie mal, sich hinzusetzen und so etwas zu schreiben. Ich habe es einmal geschafft, und jetzt kann ich andere Dinge tun. Aber das kann ich nicht.“
„It’s Alright, Ma“ wurde im Sommer 1964 in Woodstock geschrieben, während seine Folk-Kollegen Joan Baez und Mimi und Richard Fariña zu Gast bei Dylan waren. Der Song markiert einen Übergang von den politisch geprägten Texten, die kurzzeitig Dylans Markenzeichen waren, zu einer umfassenderen Vision von „Leben und nur Leben“. Anstatt mit dem Finger auf einen bestimmten Makel der Kultur zu zeigen, reißt der Song das gesamte verfallene Konstrukt nieder und erklärt, dass alles Eitelkeit, Heuchelei und falsche Propaganda ist. Rein technisch gesehen ist „It’s Alright, Ma (I’m Only Bleeding)“ umwerfend. Mit einem unglaublich komplizierten Reimschema und einer Melodie, die sich auf zwei Noten entlangschlängelt, bis sie am Ende jeder Strophe in einem Schwung ausklingt.
Der Text enthält Anspielungen auf Arthur Koestler (Autor von „Sonnenfinsternis“), das Buch Kohelet und sogar Dylans geliebten Elvis Presley (der Titel ist nur eine Haaresbreite von Presleys Zeile „That’s all right, now, Mama“ entfernt) ). Es war schon immer ein schwieriger Song zum Singen. Eine Momentaufnahme seiner Entwicklung. Ein Juwel, das er glücklicherweise besitzt, aber nicht versteht, wie es funktioniert. Als er 1980 über „It’s Alright, Ma“ sprach, beschrieb er die Schwierigkeit, „mit der Person in Kontakt zu kommen, die man war, als man die Songs geschrieben hat … Aber ich kann ihn immer noch singen. Und ich bin froh, dass ich ihn geschrieben habe.“
6. „I Shall Be Released“ (1971)
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Mit seiner einfachen, bewegenden Geschichte über einen Gefangenen, der sich nach Freiheit sehnt, war diese Rockhymne Teil von Dylans bewusster Bemühung, sich von den weitläufigen Bildern seiner Meisterwerke aus der Mitte der 1960er Jahre zu lösen. „1968 erzählte mir Dylan, dass er kürzere Zeilen schrieb, wobei jede Zeile eine Bedeutung hatte“, sagte Allen Ginsberg einmal. „Aus dieser Zeit stammen einige der Stücke wie ‚I Shall Be Released‘. … Es sollte keine verschwendeten Worte geben.“
Das Ergebnis war einer von Dylans beliebtesten Songs, der erstmals 1967 während der „Basement Tapes“-Sessions mit der Band aufgenommen wurde. Die raue Kirche der Orgel und der Gitarre umrahmen Dylans eindringliches nasales Gebet, bis Richard Manuels klagende Harmonie den Refrain erhellt. Wie Sonnenlicht, das durch ein Buntglasfenster scheint.
Mitte der Achtzigerjahre sang David Crosby diesen Refrain für sich selbst – „Any day now, any day now/I shall be released“ – in seiner Gefängniszelle in Texas, wo er wegen Drogen- und Waffenbesitzes eine neunmonatige Haftstrafe verbüßte. „Ich schrieb es an die Wand“, erinnert er sich. „Ich brauchte Stunden dafür. Aber ich habe es geschafft. Und ich erinnere mich, dass es mir Mut gemacht hat.“
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
5. „All Along the Watchtower“ (1967)
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Man könnte sagen, dass Witze und Diebstahl die beiden Pole von Dylans Kunst sind. Dieses 12-zeilige Meisterwerk über einen Witzbold (der glaubt, ausgeraubt zu werden) und einen Dieb (der alles für einen Witz hält) dringt zum Kern seines Werks vor. „Watchtower“ gehört zu Dylans eindringlichsten Melodien. Aufgebaut um ein strenges Arrangement und Dylans gespenstisches Crooning, beginnt es wie eine Ballade, die noch lange weitergehen wird. Aber sobald der Witzbold und der Dieb ihre Eröffnungsstatements abgegeben haben, endet das Lied mit einem unheilvollen Bild – zwei Reiter nähern sich – und überlässt es den Zuhörern, die Lücken zu füllen.
Jimi Hendrix‘ Interpretation von „Watchtower“ ist eine der wenigen Dylan-Coverversionen, die Dylan selbst nachhaltig in seiner Art, den Song zu spielen, beeinflusst haben. Hendrix begann innerhalb weniger Wochen nach der Veröffentlichung von „John Wesley Harding“ mit den Aufnahmen zu seiner Coverversion und verwandelte den Song in etwas atemberaubend Intensives. „Er spielte [meine Songs] so, wie ich sie gespielt hätte, wenn ich er gewesen wäre“, sagte Dylan später über Hendrix.
4. „Just Like a Woman” (1966)
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Dylans schönste Ballade ist kein Liebeslied. „Just Like a Woman“ ist ein komplexes Porträt von Verehrung und Enttäuschung. Geschrieben als Rache, aber gesungen als Bedauern. Dylan hat nie eine bestimmte Inspiration für die angeklagte Frau preisgegeben. (Dylanologen zitieren oft Andy Warhols vom Schicksal gebeutelte Protegé Edie Sedgwick.) Aber in dem Song geht es mehr um seine eigenen turbulenten Lektionen in Sachen Romantik – das Geben, Nehmen und Verlassen.
Es ist auch Dylans erste große Country-Rock-Performance. Dylan sorgte mit den Hawks für Furore und Schlagzeilen auf der Bühne. Aber er nahm diesen Song mit Session-Musikern aus Nashville auf, die sein Gewirr aus Ekstase und Verzweiflung hörten und verstärkten. „In diesen Details steckt ein ganzes Leben voller Zuhören“, sagte Songwriter Jimmy Webb. „Ich staune immer noch darüber, was für ein absolut atemberaubendes Stück Musik das ist.“
3. „Tangled Up in Blue“ (1975)
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„[Dieser Song] hat mich 10 Jahre meines Lebens gekostet. Und zwei Jahre, um ihn zu schreiben“, sagte Dylan oft, bevor er „Tangled Up in Blue“ bei Konzerten spielte. Seine Ehe zerbrach 1974, als er den Song schrieb, der zum Opener von „Blood on the Tracks“ und zu seiner persönlichsten Auseinandersetzung mit Schmerz und Nostalgie werden sollte. Dylans lyrischer Perspektivwechsel zwischen Bekenntnis und Kritik und seine pointierten Verweise auf die Erfahrungen der Sechzigerjahre beschworen ein Jahrzehnt utopischer Träume und gebrochener Versprechen herauf.
Seine klagende Stimme und das frische Picking der Session-Musiker aus Minneapolis erinnerten an ein früheres Pathos. Die offene Herzensqual und spirituelle Erneuerung in den Balladen der Appalachen. Dylan hat diesen Song live auf viele verschiedene Arten gespielt, weicht aber selten von der perfekten Schnittstelle dieser Aufnahme ab, wo emotionale Wahrheiten auf den ewigen Trost der amerikanischen Volkslieder treffen.
2. „A Hard Rain’s A-Gonna Fall” (1963)
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Der größte Protestsong des größten Protestsongwriters seiner Zeit. Ein siebenminütiges Epos, das vor einer bevorstehenden Apokalypse warnt und dabei schreckliche Visionen – bewaffnete Kinder, ein Baum, aus dem Blut tropft – mit der kindlichen Inbrunst des Johannes des Offenbarers katalogisiert. „ Jede Zeile darin ist eigentlich der Anfang eines ganzen Songs”, sagte Dylan damals. „Aber als ich ihn schrieb, dachte ich, ich hätte nicht genug Zeit, um all diese Songs zu schreiben. Also habe ich alles, was ich konnte, in diesen einen gesteckt.”
Die Gefahr eines Atomkrieges lag damals in der Luft, wie andere Songs aus den „Freewheelin’“-Sessions – darunter „Talkin‘ World War III Blues“ und die Anti-Atombunker-Tirade „Let Me Die in My Footsteps“ – deutlich machen. Aber dieser Regen war eher abstrakt als wörtlich zu verstehen. „Es ist nicht der radioaktive Regen“, sagte Dylan. „Ich meine nur eine Art Ende, das einfach kommen muss.“
„A Hard Rain’s A-Gonna Fall“ – dieses „a-gonna“ war wieder einmal ein Ausdruck der Faszination des jungen Dylan für Woody Guthrie – begann als Gedicht, das Dylan wahrscheinlich auf der Schreibmaschine seines Kumpels (und Mitbewohners in Greenwich Village) Wavy Gravy niederschlug.
„Ich glaube, der Himmel öffnete sich“
Dylan stellte den Song im September 1962 in der Carnegie Hall vor, als er Teil eines folklastigen Programms war, bei dem jeder Act 10 Minuten Zeit hatte: „Bob hob die Hand und sagte: ‚Was soll ich denn machen? Einer meiner Songs ist 10 Minuten lang‘“, erzählte Pete Seeger, der Organisator des Konzerts.
„A Hard Rain“ ist das erste öffentliche Beispiel dafür, dass Dylan sich mit dem Ende der Tage auseinandersetzt. Einem Thema, das sein Werk später dominieren sollte. Aber die stürmischen Verse von „A Hard Rain“ gipfeln nicht in einer Katastrophe. Sondern darin, dass Dylan seine Aufgabe als Künstler beschreibt: gegen die Dunkelheit zu singen, wo immer er sie sieht – „es zu erzählen und zu denken und zu sprechen und zu atmen“, bis seine Lungen platzen. „Das ist mehr als genial“, sagt Bob Weir von den Grateful Dead. „Ich glaube, der Himmel öffnete sich und etwas floss durch ihn hindurch.“
Platz 1:
Die 100 besten Songs des Bob Dylan
1. „Like a Rolling Stone“ (1965)
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Bono: Dieser spöttische Blick. Das ist etwas, das man gesehen haben muss. Elvis hatte natürlich auch einen spöttischen Blick. Und die Rolling Stones hatten einen spöttischen Blick, der Bob, wenn man sich den Titel des Songs ansieht, nicht unbekannt war. Aber Bob Dylans spöttischer Blick in „Like a Rolling Stone“ verwandelt den Wein in Essig.
Es ist das blaue Auge eines Popsongs. Der verbale Faustkampf bricht das Songwriting einer ganzen Generation auf. Und lässt den Zuhörer auf der Matte liegen. „Rolling Stone“ ist die Geburt eines Bilderstürmers, der der Rockära ihre größte Stimme und ihren größten Vandalismus bescheren wird. Das ist Dylan als der Jeremia des Herzens. Nachdem er gegen die Heuchelei der Politik gewettert hat, beginnt er, sich Feinde vorzunehmen, die ihm etwas vertrauter sind. Die Szene, die High Society. „Schöne Menschen“, die glauben, sie hätten es „geschafft“.
Er hat es noch nicht zu seiner eigenen Heuchelei geschafft. Das sollte später kommen. Aber das „Wir“ und „Sie“ sind nicht so klar definiert wie in früheren Alben. Hier fletscht er die Zähne gegenüber den Hipstern. Der Vorstellung, dass man ein besseres Wertesystem habe, wenn man die richtigen Stiefel trage.
Vielleicht ist es ein Blick in die Zukunft. Vielleicht ist es Fiktion
Für manche waren die Sechziger eine Revolution. Aber es gab auch andere, die in Greenwich Village eine Guillotine aufstellten. Nicht für ihre politischen Feinde. Sondern für die Spießer. Bob wandte sich bereits von dieser Idee ab, obwohl er sie mit seinen von Jimi Hendrix imitierten Korkenzieherhaaren am besten verkörperte. Die Flut von Worten, Bildern, Zorn und Spleen in „Rolling Stone” verwandelt sich leicht in Musikformen, die 10 oder 20 Jahre später aufkommen. Wie Punk, Grunge oder Hip-Hop. Wenn man sich die Figur in den Texten ansieht, fragt man sich: „Wie schnell konnte sie aus der High Society abstürzen und sich um ihre nächste Mahlzeit kümmern müssen?“ Vielleicht ist es ein Blick in die Zukunft. Vielleicht ist es Fiktion. Ein Drehbuch, das in einem Song zusammengefasst ist.
Es muss damals schwer gewesen sein, Dylan zu sein oder in seiner Nähe zu sein. Dieses unerbittliche Auge richtete sich auf alle und alles. Aber das wirklich Schädliche daran ist der bissige Humor. „Wenn du nichts hast, hast du nichts zu verlieren“ steht auf dem T-Shirt. Aber die Zeile, die mir am besten gefällt, ist: „Du hast dich nie umgedreht, um die finsteren Blicke der Jongleure und Clowns zu sehen, als sie alle ihre Kunststücke für dich vorführten. Du hast nie verstanden, dass das nicht gut ist. Du solltest nicht zulassen, dass andere Leute dir deine Kicks verschaffen.“
„Ich liebe es, einen Song zu hören, der alles verändert“
Das Spiel in diesem Track – von Leuten wie dem Gitarristen Mike Bloomfield und dem Keyboarder Al Kooper – ist so lebendig, dass man fast sieht, wie die Farbe auf die Leinwand spritzt. Wie so oft bei Bob im Studio kennen die Musiker den Song nicht vollständig. Es ist wie beim ersten Kontakt. Sie lernen ihn kennen. Man spürt ihre Freude an der Entdeckung, während sie ihn erleben. Wenn der Wunsch nach Kommunikation auf den gleich starken und entgegengesetzten Drang trifft, keine Kompromisse einzugehen, um zu kommunizieren, dann passiert alles mit Rock ’n‘ Roll. Und genau das hat Dylan in „Rolling Stone“ erreicht.
Es ist mir egal, um wen es in diesem Song geht. Obwohl ich ein paar Leute getroffen habe, die behauptet haben, es ginge um sie. Einige waren 1965 noch nicht einmal geboren. Für mich war es aufregend, dass „es einmal“ ein so radikaler Song im Radio ein Hit war. Die Welt wurde von jemandem verändert, dem eine unerwiderte Liebe so wichtig war, dass er einen so vernichtenden Song schrieb. Ich liebe es, einen Song zu hören, der alles verändert.
Der König des Feuerspritzens
Das ist der Grund, warum ich in einer Band bin. David Bowies „Heroes“, Arcade Fires „Rebellion (Lies)“, Joy Divisions „Love Will Tear Us Apart“, Marvin Gayes „Sexual Healing“, Nirvanas „Smells Like Teen Spirit“, Public Enemys „Fight the Power“.
Aber an der Spitze dieses dysfunktionalen Stammbaums steht der König des Feuerspritzens selbst. Der Jongleur von Schönheit und Wahrheit. Unser Willy Shakespeare in einem gepunkteten Hemd. Deshalb trägt jeder Songwriter nach ihm sein Gepäck mit sich. Und deshalb würde dieser bescheidene irische Barde sein Gepäck mit Stolz tragen. Jeden Tag.
