Die 20 besten Filme des Robert Redford
Von Präsidentschaftskandidaten bis hin zu elektrischen Cowboys – dies waren die Rollen, in denen der verstorbene, großartige Schauspieler sein ganzes Können unter Beweis stellte.
Ein aufstrebender junger Schauspieler in den 1960er Jahren, ein Sexsymbol in den 1970er Jahren, ein Filmstar (und Oscar-prämierter Regisseur) in den 1980er Jahren. Ein Elder Statesman in den 1990er Jahren. Und eine éminence grise im 21. Jahrhundert. Robert Redfords Filmkarriere erstreckte sich über sechs Jahrzehnte. Und bescherte uns unzählige unvergessliche Darstellungen. Das hat uns natürlich nicht davon abgehalten, 20 Rollen auszuwählen, die unserer Meinung nach das immense Talent des verstorbenen, großartigen Schauspielers besonders hervorheben. Von Präsidentschaftskandidaten bis zu professionellen Dieben. Von legendären Journalisten bis zu Rechtsgelehrten, von elektrischen Cowboys bis zu Pferdeflüsterern. Hier sind unsere Favoriten aus Redfords Schaffen.
„The Chase“ (1966)
Redford hatte bereits einige Filme gedreht. Ganz zu schweigen von zahlreichen Nebenrollen in Fernsehserien. Einer Handvoll Theaterauftritten und einem Golden Globe für eine kleine Rolle als alkoholkranker, bisexueller Schauspieler in „Inside Daisy Clover“ aus dem Jahr 1965. Dann schloss er sich Arthur Penns Melodram aus dem Süden an. Doch dies war wohl das erste Mal, dass das Publikum einen richtigen Eindruck davon bekam, wozu der zukünftige Star fähig war. An der Seite von Marlon Brando, Jane Fonda und seinem zukünftigen Kollegen und Leinwand-Ikone Robert Duvall spielt Redford Bubber Reeves (!), einen entflohenen Sträfling, der sich heimlich zu seiner Frau schleicht.
Seine erwartete Rückkehr versetzt die Stadtbewohner in einen mobartigen Rausch. Und nein, für den guten alten Bubber nimmt das Ganze kein gutes Ende. Redford verbringt einen Großteil des Films buchstäblich auf der Flucht. Aber seine Art, die Aufmerksamkeit des Zuschauers auch in den ruhigeren Momenten zu fesseln, ist offensichtlich, ebenso wie seine Chemie mit Fonda.
Und obwohl Redford seine frühen Arbeiten oft beklagte, kann er sich in den wenigen gemeinsamen Szenen mit Brando behaupten. Zusammen mit seiner Leistung in dem ebenso leidenschaftlichen Film „This Property Is Condemned“ einige Monate später war dies der Beginn seines Aufstiegs zum Star. —David Fear
„Barefoot in the Park“ (1968)
Redford hatte bereits 1965 in der Original-Broadway-Produktion von Neil Simons Hit die Rolle des frisch verheirateten Paul Bratter an der Seite von Elizabeth Ashley gespielt. Das Stück verschaffte ihm seinen ersten richtigen Erfolg. Es war also keine Frage, dass er in der Verfilmung gecastet werden würde, mit seiner Chase-Co-Darstellerin Jane Fonda als seine freigeistige Ehefrau.
Die beiden erleben als junges Paar Höhen und Tiefen. Wobei der verklemmte Paul schließlich lernt, lockerer zu werden und dem Beispiel seiner Frau zu folgen, die jeden Moment genießt (siehe Titel). Und das Kinopublikum konnte genau sehen, warum Redford als Highlight der Theateraufführung herausgestellt wurde. Die Harmonie – und, offen gesagt, die Leidenschaft – zwischen den beiden unterstreicht die Dynamik zwischen konservativ und exzentrisch. Redford zeigt ein ungezwungenes Gespür für komisches Timing, das er später noch gut gebrauchen konnte. Seine Ära als Sexsymbol hatte nun begonnen. —D.F.
„Butch Cassidy und Sundance Kid“ (1969)
Der Legende nach wurde William Goldmans Drehbuch von 20th Century Fox unter der Voraussetzung gekauft, dass Butch Cassidy von Paul Newman gespielt werden würde. Der Star aus Hud, The Hustler und Cool Hand Luke war bereits ein Name, der volle Kinos garantierte. Doch niemand wusste, wen man für die Rolle des Sundance casten sollte. Jack Lemmon lehnte ab. Steve McQueen ebenfalls. Es war Newmans Frau Joanne Woodward, die Redford vorschlug, den sie am Broadway gesehen hatte.
Und so entstand eine der größten Bromanzen der Filmgeschichte. Wenn man Newman und Redford als zwei Mitglieder der Hole in the Wall Gang zusammen herumalbern und gemeinsam auf der Flucht sehen, scheint es unvorstellbar, dass jemand anderes diese Rollen hätte spielen können. Bei allem Respekt für Katherine Ross, aber der Film ist eine Liebesgeschichte zwischen diesen beiden Gesetzlosen. Und das liegt daran, dass Redford Newmans harte Rebellion mit seiner eigenen Nonkonformismus-Ader ergänzt. Sie waren ein Traumpaar. Dazu bestimmt, gemeinsam von dieser Klippe zu springen und sich der gesamten bolivianischen Armee zu stellen.
Die beiden blieben ihr Leben lang Freunde. Und obwohl Redford im Laufe seiner Karriere mit Schauspielern mehrerer Generationen zusammenarbeitete, hatte er nie einen besseren Co-Star. —D.F.
„Downhill Racer“ (1969)
Nachdem er als Sundance Kid zum Superstar-Cowboy geworden war, übernahm Redford ungewöhnliche Sportrollen als besessener Skifahrer in Downhill Racer und als Motocrossfahrer in Little Fauss and Big Halsy. In Downhill Racer stürzt er sich die Pisten hinunter. Und kämpft gegen den Trainer der US-Olympiamannschaft im Skisport, Gene Hackman.
Für Redford, einen lebenslangen Fan, der bereits sein eigenes Sundance-Resort gebaut hatte, war dies ein Herzensprojekt. „Für mich persönlich bedeutet Skifahren alles“, sagte Redford damals. Der Film, der auch sein Debüt als Produzent markierte, wurde in der Schweiz gedreht. „Wie in jedem Geschäft gibt es auch in diesem Sport Politik“, sagte er. „Die Menschen gehen grausam miteinander um. Und der Sport ist auch grausam. Obwohl man normalerweise nur an seine Schönheit denkt.“ –Rob Sheffield
„The Candidate“ (1972)
The Candidate ist das ultimative Schaufenster für Redford als JFK-Figur der 1970er Jahre. Jung, idealistisch, gutaussehend. Voller edler Träume. In Michael Ritchies politischer Satire spielt Redford Bill McKay, einen unschuldigen liberalen Preppie, der zu seiner ersten politischen Kampagne eingezogen wird und gegen einen mächtigen republikanischen Senator aus Kalifornien antritt.
Redford lernt das Spiel mit Peter Boyle als zynischem Strippenzieher hinter seinem Rücken. Nur um dann vom politischen Prozess korrumpiert zu werden. Der während der Präsidentschaftswahlen 1972 veröffentlichte Film „Der Kandidat“ wurde zufällig zu einem perfekten Porträt der Nation in der Ära von Watergate. Er lebt von Redfords einzigartiger Kombination aus natürlichem Charisma eines Golden Boys, ernsthafter moralischer Entschlossenheit. Und schlauen komödiantischen Fähigkeiten. –R.S.
„The Hot Rock“ (1972)
In The Brady Bunch sagte Alice einmal, sie wolle eingeäschert werden und ihre Asche auf Robert Redford verstreuen lassen. The Hot Rock ist der Grund dafür. Hier ist er als gerissener Juwelendieb in Höchstform. Das Bild eines unbekümmerten Charmeurs in seiner blondesten Form. The Hot Rock ist eine komische New Yorker Heist-Komödie, Peter Yates’ Verfilmung eines Kriminalromans von Donald Westlake, gedreht vor Ort in den frühen 1970er Jahren, kurz vor der „Ford to City: Drop Dead”-Ära.
Redford macht sich daran, einen unbezahlbaren Edelstein aus dem Brooklyn Museum zu stehlen. Zusammen mit George Segal, Zero Mostel, Moses Gunn und anderen Legenden der Siebzigerjahre. Sleater-Kinney widmete diesen Film der Riot-Grrrl-Generation mit dem Cover ihres Punk-Klassikers „The Hot Rock“ aus dem Jahr 1999. —R.S.
„Jeremiah Johnson“ (1972)
Dieses Bergmannsepos war ursprünglich als Clint-Eastwood-Vehikel konzipiert. Als dieser absagte, wandte sich Warner an Redford, der Sydney Pollack, den Regisseur von This Property Is Condemned, für die Regie engagierte. Es ist Redford in Höchstform. Ein Western für Denker, der sowohl den Naturliebhaber als auch den rauen Matinee-Idol-Charme des Stars anspricht. (Dies ist der Ursprung des bärtigen Sexsymbols im Stil der Siebzigerjahre, und jeder von Jason Momoa bis Bon Iver sollte dazu verpflichtet werden, auf ewig Lizenzgebühren zu zahlen.)
Jeremiah, ein Veteran, der von den kriegerischen Wegen der Gesellschaft desillusioniert ist, zieht in die Rocky Mountains, um dort als Trapper zu leben. Auf seinem Weg begegnet er Freunden und Feinden und lernt gleichzeitig, von der Natur zu leben. Wäre sein Vermächtnis lediglich die Darstellung von Redfords Fähigkeiten als Outdoor-Fan gewesen, der zu einer großartigen Leistung fähig ist – man betrachte dies als eine Art Trockenübung für sein fast dialogloses Seefahrerabenteuer All Is Lost –, wäre Jeremiah Johnson dennoch ein Paradebeispiel dafür, warum er in seiner sozialbewussten Ära ein so großer Star war.
Die Tatsache, dass es auch das größte Meme der Welt hervorgebracht hat, lässt uns den Film nur noch mehr lieben. —D.F.
„Der Clou“ (1973)
Gaunerkomödien sind eine Art Betrug. Ein Versuch, die Zuschauer mit jeder Wendung und jedem Twist für den Preis einer Kinokarte bei Laune zu halten. Und es gab keinen besseren Betrüger seiner Zeit als Robert Redfords Johnny Hooker. Redford tat sich erneut mit seinem Co-Star (Paul Newman) und Regisseur (George Roy Hill) aus „Butch Cassidy und Sundance Kid“ zusammen. Und brachte das Selbstvertrauen für einen Film mit, der sein Vermächtnis ebenso prägen sollte wie alle anderen Werke in seiner Karriere.
Zu diesem Zeitpunkt war Redfords magnetische Leinwandpräsenz bereits bekannt, sodass er seine Starpower wie eine Waffe einsetzen konnte. Es ist das zerzauste blonde Haar, das unter seiner Ascot-Mütze hervorschaut. Dieses blendende Lächeln. Sein verwegenes gutes Aussehen und sein ansteckendes Lachen. Wie könnte man da nein sagen? Anstatt seine Schönheit zu verbergen, weist Hill Redford an, sich auf das zu konzentrieren, was die Menschen bereits an ihm liebten. Einen blendenden Charme, der durch seine Chemie mit Newman nur noch verstärkt wird.
Als Stück purer, unverhohlener Unterhaltung gewann „Der Clou“ nicht nur den Oscar für den besten Film. Sondern bescherte Redford auch seine einzige Oscar-Nominierung als Schauspieler. Was für ein Schwindel. —Brian Tallerico
„The Way We Were“ (1973)
Erinnerungen erhellen die Ecken unseres Geistes. „The Way We Were“ zeigt das ikonische Paar der Siebzigerjahre, Robert Redford und Barbra Streisand, in einem äußerst beliebten Drama über zwei unglückliche Liebende. Sie lernen sich in den 1930er Jahren im College kennen. Sie ist eine marxistische jüdische Intellektuelle und Aktivistin. Er ein blonder WASP-Romanautor.
Ihre stürmische Romanze erstreckt sich über den Zweiten Weltkrieg, den McCarthyismus und die Hollywood-Schwarze Liste. Die Chemie zwischen StreisFord, die sich wie Tag und Nacht unterscheiden, ist unglaublich. Die Nervensäge aus Brooklyn gegen den Tennisprofi aus Santa Monica. Und etabliert beide als die wichtigsten romantischen Hauptdarsteller ihrer Zeit.
Jede Mutter in Amerika hat den Film vier Mal gesehen. (Wie Pauline Kael schrieb: „Es ist schön, Redford nach all dem Flirten mit Paul Newman wieder mit einer Frau zu sehen.“) Der Film wurde zu einem der Kassenschlager des Jahres 1973. Mit Barbs Hit-Titelsong, der neblige Wasserfarben-Erinnerungen an die Zeit, als wir noch jung waren, wachruft. —R.S.
„Der große Gatsby“ (1974)
Es war nicht die erste Verfilmung von „Der große Gatsby“. Und je nach Ihrer Toleranz gegenüber Baz Luhrmann ist es vielleicht die beste oder auch nicht. Aber es war ein Blockbuster der 70er Jahre, der den klassischen Roman von F. Scott Fitzgerald aus dem Jahr 1925 in eine übertriebene Hollywood-Fantasie des Jazz-Zeitalters verwandelte, unter der Regie von Jack Clayton und mit einem Drehbuch von Francis Ford Coppola. Redfords Jay Gatsby ist der gequälte Bonvivant von West Egg mit seiner Vorstellung von Stil aus den Roaring Twenties. Niemand hat jemals „alter Sport“ mit weniger Ironie gesagt als Redford.
Er ist unsterblich in Mia Farrows Daisy verliebt, deren idiotischer Ehemann Tom von Bruce Dern gespielt wird. Aber er fängt die eiserne Selbstdisziplin hinter dem obsessiven sozialen Aufsteiger ein. Redford überzeugt Sie davon, dass er der schneidige Romantiker ist, von dem Gatsby immer geträumt hat. —R.S.
„Die drei Tage des Condor“ (1975)
Nur wenige Filme haben die benommene Paranoia der Mitte der 1970er Jahre besser eingefangen als Sydney Pollacks Thriller, in dem Redfords CIA-Analyst (Codename: Condor) in seiner Mittagspause in sein Büro in der Upper East Side von New York zurückkehrt und seine Kollegen ermordet vorfindet. Es stellt sich heraus, dass es sich um einen Insider-Job handelt. Und der Mitarbeiter des Geheimdienstes muss fliehen, bevor die Attentäter ihn aufspüren, um die losen Enden zu verknüpfen.
Redford kommt ganz schön ins Schwitzen. Rennt durch ganz Manhattan, überlistet seine Verräter und umwirbt Faye Dunaway. Und das alles innerhalb weniger Nachmittage. Er ist ein Actionheld für Denker, und nicht einmal die schlechte Stimmung nach Watergate kann ihn davon abhalten, cool zu bleiben. —D.F.
„Die Unbestechlichen“ (1976)
Bob Woodward würde wahrscheinlich zugeben, dass es ziemlich großzügig war, den attraktivsten Mann der Welt für seine Rolle in einem Film zu casten. Auf dem Papier passte Redford nicht so sehr zu dieser Rolle wie Zucker, der die Medizin schmackhaft macht. Wenn man das Publikum bittet, zwei Stunden mit ein paar zerknitterten, arbeitssüchtigen Journalisten zu verbringen, die Hinweisen nachgehen, ist es hilfreich, wenn einer von ihnen wie der Sundance Kid aussieht.
Aber es war Redford selbst, der Alan J. Pakulas streng faktenbasierten Zeitungsprozessfilm vorantrieb und die Rechte an Woodwards und Bernsteins Buch über ihre methodische Aufdeckung der Watergate-Vertuschung erwarb. Und dieses echte Interesse an dem Stoff prägt seine uneitle Darstellung, die bei jeder Gelegenheit auf Filmstar-Gehabe verzichtet und stattdessen auf schnörkellose, fokussierte Professionalität setzt. Letztendlich war keine Selbstbeweihräucherung notwendig, damit sich die Autoren in seiner Darstellung des Veteranen der Washington Post wiedererkennen konnten. Denn Redford widmet sich voll und ganz der unglamourösen Natur der investigativen Berichterstattung und wirkt mit einem Telefon auf der Schulter und einem Stapel Dokumente unter der Nase wie zu Hause.
Er verschwindet wirklich in seiner Arbeit. Keine Kleinigkeit für eine Hollywood-Legende seines Kalibers. —A.A. Dowd
„Der elektrische Reiter” (1979)
Redford lieferte eine seiner charmantesten Darstellungen als Sonny Steele. Ein abgehalfterter, trunksüchtiger Rodeo-Star, der einem missbräuchlichen Konglomerat ein Millionen-Dollar-Pferd stiehlt, damit den Las Vegas Strip entlangreitet und es freilassen will. Unter der Regie von Sydney Pollack ist es eine Polizisten-und-Cowboys-Komödie der Extraklasse. Aber Redford machte daraus eine echte, herzliche Würdigung des amerikanischen Westens, sowohl seiner Geografie als auch seiner Kultur.
Als Jane Fondas weltgewandte Reporterin Hallie Martin Steele in der Wüste einholt, schmilzt sie langsam dahin, dank des Wissens des raubeinigen Cowboys über das Land. „Dieses Land ist mein Zuhause“, sagt Steele sachlich. Natürlich verlieben sie sich ineinander, aber Steele, der ewige Wanderer, bleibt nicht lange. Genau wie das Pferd braucht er seine Freiheit. —Joseph Hudak
„The Natural“ (1984)
Richtig, Hollywood hat das Ende von Bernard Malamuds düsterem Roman geändert, in dem der Held Roy Dobbs weder das große Spiel gewinnt noch in den Sonnenuntergang geht. Aber Barry Levinsons Adaption von „The Natural“ verstand, dass es unwiderstehlich mythisch wäre, wenn Robert Redford mit blutender Seite an den Schlagmal tritt und den Walk-off-Home-Run schlägt, der den New York Knights den Meistertitel sichert, während Randy Newmans mitreißende Musik ihn begleitet, während er in Zeitlupe die Bases umrundet.
Es ist ein glorreicher Moment in dem Oscar-nominierten Film, in dem der Star, der einst als Goldjunge galt, nun bequem ins mittlere Alter übergeht und dessen Figur Dobbs ein alternder Athlet ist, der voller Reue, aber entschlossen ist, sowohl auf als auch außerhalb des Spielfelds alles richtig zu machen. Während Redford in seinen gewagten Filmen der 1970er Jahre wie „Die drei Tage des Condor“ und „Die Unbestechlichen“ seinen Starruhm nutzte, um provokative Dramen zu schaffen, die die dunkle Seite des politischen Klimas in Amerika beleuchteten, bot er hier eine bittersüße Fantasie von Erlösung und wiederhergestellter Hoffnung. Selten war er bewegender oder schöner. —Tim Grierson
„Jenseits von Afrika“ (1985)
Ein Jahrzehnt, nachdem Regisseur Sydney Pollack Redford und Streisand zu einem Leinwandpaar gemacht hatte, tat er dasselbe für Redford und Meryl Streep. Out of Africa basiert auf dem autobiografischen Roman von Isak Dinesen über europäische Aristokraten in Kenia zur Zeit des Ersten Weltkriegs.
Streep spielt eine dänische Plantagenbesitzerin (hüstel), die sich in Redford als britischen Großwildjäger (doppelt hüstel) verliebt, mit einer kleinen Nebenrolle für die bereits mega-berühmte Iman. Selbst zu dieser Zeit war das kolonialistische Milieu schwer zu ertragen, aber „Jenseits von Afrika“ gewann einen Oscar für den besten Film und einen weiteren für Pollack als besten Regisseur. —R.S.
„Legal Eagles“ (1986)
Gibt es etwas, das typischer für die Achtziger ist als dieser Film? Legal Eagles ist eine romantische Komödie über sexy Anwälte aus Manhattan … Moment, bleiben Sie dran! … mit einem sinnlichen Titelsong von Rod Stewart, dem erotisch aufgeladenen „Love Touch“!
Redford spielt einen stellvertretenden Staatsanwalt, der in den Fall einer Performancekünstlerin (Daryl Hannah) verwickelt wird, die beschuldigt wird, ein Gemälde von einem korrupten Millionär gestohlen zu haben. Er tut sich mit einer Anwältin zusammen, gespielt von Debra Winger, und ehe man sich versieht, gibt es Geheimnisse, Mord, Terence Stamp als schmierigen Kunsthändler und, weil dieser Film in den 1980er Jahren gedreht wurde, Brian Dennehy. Aber Redfords Charme hält alles zusammen.
Es war das Nachfolgeprojekt von Regisseur Ivan Reitman nach Ghostbusters – wie er der L.A. Times erzählte: „Es war einfacher, Redford zu bekommen als Bill Murray.“ –R.S.
„Indecent Proposal“ (1993)
Manchmal funktioniert eine absurde High-Concept-Filmidee, wenn man den richtigen Schauspieler besetzt. Adrian Lyne, Regisseur von „Fatal Attraction“, tat genau das, als er Redford für die Rolle des John Gage engagierte, eines mysteriösen Milliardärs, der dem vom Pech verfolgten David Murphy (Woody Harrelson) eine Million Dollar anbietet, um einen Abend mit seiner Frau Diana (Demi Moore) zu verbringen.
Ein Kassenschlager, der viele Kontroversen auslöste – war der Film sexistisch? War er insgeheim feministisch? – „Indecent Proposal“ hätte sich wie ein abgestandener Überrest aus Hollywoods Porträts von Reagans Amerika anfühlen können, mit seinem glatten, zweideutigen Blick auf Liebe, Geld und Moral. Aber Redford verlieh der potenziell kitschigen Handlung eine melancholische Ernsthaftigkeit, als seine Gatsby-ähnliche Figur sein Leben beklagt, das ihm unermesslichen Reichtum, aber wenig bedeutungsvolle menschliche Beziehungen beschert hat.
Als Gage sich wehmütig an eine junge Frau erinnert, die er vor langer Zeit kurz gesehen hat und die ihn für immer in ihren Bann gezogen hat, übertrifft Redford die offensichtlichen Parallelen zu einer ähnlichen Rede in „Citizen Kane“ und offenbart dabei einen gebrochenen Mann, den kein Geld der Welt heilen kann. —T.G.
„Der Pferdeflüsterer“ (1998)
Für eine bestimmte Generation der Millennials war „Der Pferdeflüsterer“ vielleicht der erste Kontakt mit Redford als Regisseur. Während viele Filmkenner den Film damals als übertrieben glatt, kitschig-sentimental und auf den Oscar ausgerichtet abtaten, sahen andere (ähem) darin ein wunderschön gefilmtes, einfühlsam dargestelltes Bild der unzähligen Facetten von Trauer und Trauma. (Die Begriffe „Trauer“ und „Trauma“ waren damals noch nicht so überstrapaziert.)
Ja, der Film ist eher gediegen, traditionell und luxuriös, aber „Der Pferdeflüsterer“ bietet auch sanfte Einblicke in menschliche Beziehungen – zwischen Mutter und Tochter, Ehemann und Ehefrau, einer verklemmten Stadtbewohnerin und einem philosophischen Cowboy vom Land. Es ist eine leise, schmerzliche Romanze und ein nachdenkliches Porträt eines Kindes, das sich von einem Schicksalsschlag erholt, der sonst sein Leben geprägt hätte.
„Der Pferdeflüsterer“ ist ein liebenswerter und gutherziger Film, der emotionale Erfahrungen ebenso verehrt wie Redfords geliebte Bergpanoramen. —Richard Lawson
„All Is Lost“ (2013)
In den 2010er Jahren hatte Redford weitgehend aufgehört, außerhalb seiner eigenen Filme zu schauspielern. Aber für das ambitionierte Folgeprojekt von J.C. Chandor, dem Drehbuchautor und Regisseur von „Margin Call“, stand er wieder vor der Kamera.
Der Film handelt von einem namenlosen Mann mitten im Indischen Ozean, dessen kleines Boot gerade einen Schiffscontainer gerammt hat, wodurch sein Boot erheblich beschädigt wurde. Redford spielte die einzige Figur des Films und sprach im Laufe der Geschichte nur wenige Dutzend Worte. Er lieferte seine reinste körperliche Darstellung und zeigte uns eine einsame Seele, die darum kämpft, sich über Wasser zu halten, während wir versuchen, Hinweise darauf zusammenzufügen, wer er ist.
Obwohl er zu diesem Zeitpunkt bereits weit über siebzig war, blieb Redford eine beeindruckende Präsenz, und seine athletische Jugendlichkeit zeigte sich noch immer, während der Kampf der Figur mit der Natur zu einer Metapher für den endlosen Kampf des Menschen mit der Sterblichkeit wird. Der ursprüngliche Nervenkitzel von All Is Lost wurde durch den beliebten Star in der Hauptrolle noch verstärkt, der auf dem Weg zu einer seiner größten Rollen in seiner späten Karriere nie aufgehört hat, Risiken einzugehen. —T.G.
„The Old Man and the Gun” (2018)
Kein posthumer Highlight-Reel könnte die ikonische Statur von Robert Redford besser zusammenfassen als sein letztes Starvehikel. Obwohl es sich technisch gesehen nicht um den Abgesang des Schauspielers handelt (seine letzten Credits sind ein paar reine Sprachauftritte und ein Marvel-Cameo), bot David Lowerys elegische Outlaw-Geschichte eine perfekte Abschiedsvorstellung für seinen funkelnden Charme.
Seine Figur, ein entspannter Outlaw, der auch im hohen Alter noch höflich Banken ausraubt, basiert auf einer realen Person. Aber er könnte genauso gut eine ältere Version eines klassischen Redford-Desperados sein, von Sundance über Johnny Hooker bis hin zu Jeremiah Johnson – eine Vorstellung, die Lowery durch die Einblendung von Filmmaterial aus der Jugend des Schauspielers unterstreicht. Die bittersüße Magie des Films besteht darin, dass er Redfords entspannte Würde (und seine Chemie mit der ebenfalls legendären Sissy Spacek) in den Mittelpunkt stellt und ihm gleichzeitig die Möglichkeit gibt, sich auf seine eigene mythische Weise zu verabschieden.
Man taucht ein in seine Starpower, die weder durch das Alter noch durch ihre letztendliche Vergänglichkeit gemindert wird. —A.A.D.
