Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
170. Girls’ Generation, „Gee“
2009
Kurz nach dem Debüt von Girls’ Generation im Jahr 2007 verliehen ihnen die Südkoreaner den Ehrentitel „Nation’s Girl Group“. Ihre herrlich chaotische Pop-Single „Gee“ verkörpert aegyo – oder den Einsatz von niedlichen, kindlichen Manierismen, um andere zu bezaubern. Snare Drums und Synthesizer aus den Achtzigern ergänzen die Slumber-Party-Atmosphäre des Songs. Sie sorgen von Anfang bis Ende für einen mitreißenden Ohrwurm.
Der Titel des Songs wird als Füllwort in dem rasanten Electro-Pop-Stück verwendet. „ So elektrisierend, dass mein Körper zittert”, singen sie über ihre kollektive Schwärmerei. Aber nachdem sie sich einen Moment Zeit genommen haben, um ihre einseitige Verliebtheit zu verarbeiten, atmen sie ein überschwängliches „Gee Gee Gee Gee Gee” aus. Süße Jungs kommen und gehen. Aber Girls’ Generation ist für immer! —J-H.K.
169. Jimmy Eat World, „The Middle“
2001
Im Sommer 2001 lieferten die Emo-Rocker Jimmy Eat World mit „The Middle“ einen der eingängigsten Pop-Punk-Hymnen des Jahrhunderts. Einen süchtig machenden Motivationsrocker aus ihrem vierten Album Bleed American.
„The Middle“ hallt auch Jahrzehnte später noch nach, dank seines beruhigenden, bei Karaoke-Fans beliebten Refrains. „Es braucht nur etwas Zeit/ Kleines Mädchen, du bist mitten auf der Reise/ Alles, alles wird gut.“ Wie Frontmann Jim Adkins während des NPR Tiny Desk-Auftritts der Band im Jahr 2020 sagte: „Dein Selbstwertgefühl, das aus der Bestätigung durch andere entsteht, ist nur eine Art leeres Streben.“ —John Lonsdale
168. The Chicks, „Long Time Gone“
2002
Als Country-Radio-Fans die Lead-Single aus dem 2002 erschienenen Album „Home“ der damaligen Dixie Chicks hörten, wurden sie hellhörig. Es klang einfach nicht wie das, was zu dieser Zeit aus Nashville kam. Es gab Elemente des Bluegrass, eine organischere Produktion und die schneidende Stimme der Sängerin Natalie Maines.
„Long Time Gone”, geschrieben von Darrell Scott, selbst ein Bluegrass-Gitarrist, kritisierte die Country-Musik dafür, dass sie ihre Seele verloren hatte, und der punkige Ansatz der Chicks verlieh dem Song noch mehr Biss. „Sie klingen müde. Aber sie klingen nicht wie Haggard/Sie haben Geld, aber sie haben kein Cash“, erklärte Maines gegen Ende von „Long Time Gone“ und forderte die echte Country-Musik der Vergangenheit zurück. —J.H.
167. Sabrina Carpenter, „Espresso“
2024
„Espresso“ war der endlos memetaugliche Durchbruchshit einer ehemaligen Disney-Kinderdarstellerin, die bereits fünf Alben veröffentlicht hatte. Im Studio mit ihrem Produzenten Julian Bunetta wusste Sabrina Carpenter, dass dieser „dumme kleine Song“ ihr Schlüssel zum Pop-Ruhm war.
„Man schreibt einen Song nicht mit dem Gedanken ‚Nun, jeder muss das verstehen‘“, sagte sie. „Man fragt sich einfach: ‚Was klingt toll? Was fühlt sich toll an?‘“ Eine Einstellung, die zu brillanten, verwirrenden Reimen wie „Mountain Dew’d“ und „dream came true’d“ führte.
Dieser Yé-Yé-artige Zuckerschock war ein unwiderstehlicher Sommerhit. Doch vielleicht bleibt er uns eher als unsere Einführung in die nächste große Provokateurin der Musikgeschichte in Erinnerung. Irgendwo grinst Serge Gainsbourg. —S.G.
166. Jay-Z und Linkin Park, „Numb/Encore“
2004
Niemand hatte Jay-Z und Linkin Park gebeten, ein Mashup-Projekt zu machen. Aber es ist schwer, sich dem Spaß zu entziehen, den die fertige EP bereitet. Inspiriert von Danger Mouses jüngstem Projekt „The Gray Album“, bei dem Jay-Z auf die Beatles trifft, wandte sich die Rap-Legende aus Brooklyn an die erfolgreiche Rap-Rock-Band, um etwas Einzigartiges zu schaffen.
„Numb/Encore“ war die einzige offizielle Single. Ein absoluter Knaller, der die Fusion ihrer beiden künstlerischen Welten perfekt umsetzte. Anstatt nur an den Original-Tracks herumzubasteln, beschlossen Jay-Z und Linkin Park, die Mashups gemeinsam im Studio aufzunehmen, wodurch eine nahtlosere Verschmelzung ihrer individuellen Hits entstand.
Jay klingt, als würde er seine klassischen Hip-Hop-Songs ganz natürlich in den Alternative-Rock-Sound von LP einfügen. —B.S.
165. Café Tacvba, „Eres”
2003
Die vier Rebellen von Café Tacvba verbrachten den größten Teil der Neunzigerjahre damit, die Regeln des Latin-Rock neu zu schreiben, indem sie Norteño-Wurzeln mit punkigem Humor, Beatles-ähnlichen Harmonien mit Huapangos und avantgardistischen Boleros verschmolzen.
Und dann schrieben sie einen einfachen Liebeslied. Diese schockierende Wendung – eine herzliche Ballade – war fast so radikal wie ihre Zusammenarbeit mit dem Kronos Quartet. Noch brillanter: Der größte Hit der Band aus Mexiko-Stadt wurde nicht von Leadsänger Rubén Albarrán gesungen. Sondern von seinem Komponisten, dem Keyboarder Emmanuel del Real.
Es ist nicht das ambitionierteste Kapitel ihres außergewöhnlichen Songbooks. Aber definitiv das emotional fesselndste. Im Jahr 2025 breitete del Real als Singer-Songwriter mit einem spektakulären Solo-Debüt seine Flügel voll aus. —E.L.
164. The Flaming Lips, „Do You Realize??“
2002
Anfang der 90er Jahre wäre es absurd gewesen, von der Band, die uns „She Don’t Use Jelly“ bescherte, etwas Tiefgründiges oder Philosophisches zu erwarten. Aber die Flaming Lips wuchsen und reiften auf überraschende Weise. Sowohl musikalisch als auch spirituell. Und lieferten 2002 mit „Yoshimi Battles the Pink Robots“ eine atemberaubende Hymne ab. Laut Frontmann Wayne Coyne handelt sie davon, „wie prekär unsere gesamte Existenz ist“.
Dieses Gefühl zieht sich durch den gesamten Song mit Zeilen wie „ Ist dir klar, dass die Sonne nicht untergeht/Es ist nur eine Illusion, die durch die Drehung der Welt entsteht.“ Im Jahr 2009 ernannte der Bundesstaat Oklahoma den Song zur offiziellen Hymne des Staates. Und setzte sich damit gegen Nominierte wie J.J. Cales „After Midnight“ und Elvis Presleys „Heartbreak Hotel“ durch. —A. Greene
163. TV on the Radio, „Wolf Like Me“
2006
Um 2006 lag Lycanthropie in der Luft. Im selben Jahr, in dem Stephanie Meyer mit der Einführung von Werwölfen in ihrer „Twilight“-Reihe Teenager begeisterte, zeigten TV on the Radio Hipstern mit „Wolf Like Me“ die transformative Kraft des Verlangens mit verlockender Wildheit. Der Song bewegt sich in einem unersättlichen Tempo.
Mit traktorstrahlartigen Gitarren und Tunde Adebimpes Worten – „Mein Herz brennt, mein Körper ist angespannt, aber, Gott, ich mag es“ – und steigert sich zu einem Höhepunkt, der, wie viele große Freuden, kurz verzögert wird, wenn der Boden in eine fast traumhafte Brücke abfällt. Das Warten lohnt sich natürlich. Nach einem weiteren leidenschaftlichen Vers endet „Wolf Like Me“ mit einem der großartigsten Outros zum Mitsingen. Einer gierigen Verkündigung: „We’re howling forever, oh oh!“ —J. Blistein
162. Drake, „Marvins Room“
2011
Der Song, der den Satz „Are you drunk right now?” (Bist du gerade betrunken?) in den Kern des Pop-Lexikons rückte. Veröffentlicht zu Beginn von Drakes imperialer Ära (2011–16) veröffentlicht, verwandelt „Marvins Room“ einen nächtlichen Anruf im betrunkenen Zustand in ein Neo-Noir-Geständnis. Wobei die Kamera über die Überreste der Party gleitet, bevor sie unseren Protagonisten findet, der traurig in einen goldenen Kelch starrt und sich nach etwas sehnt.
Noah „40“ Shebibs Beat ist nebulös und Drake ist in seiner bedürftigsten Stimmung. Aber das Ergebnis ist alchemistisch, magisch. Und äußerst einflussreich. Drake war bereits ein Star. Aber „Take Care“ festigte seinen Einfluss auf den R&B und inspirierte ein Jahrzehnt voller Sinuswellen-Produktionen und offen emotionaler Blutvergießen. „Marvins Room“ ist der Höhepunkt dieses Stils. Melodisch, peinlich, unauslöschlich. —C.P.
161. Taylor Swift, „Cruel Summer“
2019
„Cruel Summer“ war der sofortige Höhepunkt auf Taylor Swifts Album „Lover“ aus dem Jahr 2019, das von Jack Antonoff und St. Vincent mitgeschrieben wurde. Alle gingen davon aus, dass sie es für ihren Sommerhit 2020 aufgehoben hatte. Bis die Pandemie dieses Szenario zunichte machte.
Es schien also, als wäre dieser Song einfach in der Zeit stecken geblieben. Aber einen großartigen Song kann man nicht unterdrücken. „Cruel Summer“ schaffte es schließlich in die Charts und erreichte Platz eins – im Oktober 2023, vier Jahre nach seiner Veröffentlichung. Der Song vereint so viele von Swifts Lieblingsbeschäftigungen an einem Samstagabend. Sich aus dem Fenster schleichen, den ganzen Weg von der Bar nach Hause weinen, eine zum Scheitern verurteilte Romanze durchleben, aber jeden Moment dieser Qual genießen. —R.S.
