Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
140. M.O.P. feat. Busta Rhymes, Teflon und Remi Martin, „Ante Up“
2000
Lassen Sie sich nicht von den unzähligen Tanzfilm-Platzierungen in „Ante Up“ täuschen. Die Smash-Single von M.O.P. ist die Darstellung einer Gruppe von grauhaarigen Bewohnern von New Yitty, die nicht Breakdance tanzen. Sondern Kiefer brechen.
Die Mash Out Posse aus Brownsville war bekannt für ihre wilden, schnellen Tracks, die zu festen Bestandteilen jeder Playlist im Fitnessstudio wurden. Und „Ante Up” ist vielleicht ihr Kronjuwel. Begleitet von den unglaublich massiven Bläsern des Produzenten Dr. Period rappen Billy Danze und Lil Fame, zwei der besten Künstler aus Brownsville, mit einer Leidenschaft, die Tote zum Leben erwecken könnte, über das Ausrauben von Opfern.
Der Song verkörpert eine vergangene Ära New Yorks, nach der sich so viele sehnen. Auch wenn sie ihre gefährlichen Momente hatte. —A. Gee
139. Rilo Kiley, „Portions for Foxes“
2004
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Der Song „Portions for Foxes“ aus dem Jahr 2004 war ein Wendepunkt für Rilo Kiley. Er brachte die Band von Indie-Lieblingen ins Mainstream-Rampenlicht. Der Song ist teils Geständnis, teils Warnung davor, sich einer zum Scheitern verurteilten Beziehung hinzugeben, obwohl man sich der Konsequenzen voll bewusst ist.
Jenny Lewis’ Interpretation des Refrains, „Bad news, baby, I’m bad news” (Schlechte Nachrichten, Baby, ich bin schlechte Nachrichten), ist sowohl ein Eingeständnis als auch eine Warnung. Und verleiht dem Song seine emotionale Schärfe. Das scharfe Power-Pop-Arrangement der Band verleiht dem Song Energie. „Portions for Foxes” bewies auch, dass Lewis nicht nur eine Indie-Frontfrau war. Sondern eine der markantesten Stimmen ihrer Generation. —A.W.
138. Beyoncé feat. Jay-Z, „Déjà Vu“
2006
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Nachdem Beyoncé mit „Crazy in Love“ als Solokünstlerin durchgestartet war, bewies sie mit „Déjà Vu“, der ersten Single aus ihrem zweiten Album „B’Day“, dass sie das Zeug zum Dauererfolg hat. „Deja Vu“ schoss im Sommer 2006 in die Top 10. Ein Feuerwerk aus Soul-Swagger der Siebziger, 808-Beats und Live-Band-Instrumenten.
Produziert von Rodney „Darkchild“ Jerkins, Jon Jon Tract, 808-Ray und Bey selbst, rockt der Song mit Funk-Bass und R&B-Hörnern. Wie schon drei Sommer zuvor bei „Crazy in Love“ holt sie Jay-Z für einen umwerfenden Gast-Rap mit ins Boot.
Der Song ebnete den Weg für Hits wie „Irreplaceable“ und „Green Light“ aus dem Album „B’Day“. Aber er klingt auch wie eine Blaupause für Beyoncés gesamte zukünftige Karriere. —R.S.
137. Maren Morris, „My Church“
2015
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Maren Morris beginnt ihren Durchbruchshit aus dem Jahr 2015 in der Beichtkabine. „Ich habe am Sonntag geflucht/Ich habe betrogen und gelogen“, gesteht sie im ersten Vers von „My Church“, einem Song darüber, dass sie Erlösung nicht in einer Kathedrale aus Ziegeln und Mörtel findet. Sondern im Radio.
Im Fall der gebürtigen Texanerin wäre das das Country-Radio, das ironischerweise ihre Musik nicht mehr spielt. Nichtsdestotrotz ist „My Church“ ein moderner Country-Klassiker. Komplett mit Morris‘ Lone-Star-Twang, treibenden Handklatschen und Anrufungen der Schutzheiligen Hank Williams und Johnny Cash. Fast 10 Jahre später bringt er uns immer noch dazu, „Amen“ zu rufen. —J.H.
136. Mike Jones feat. Slim Thug und Paul Wall, „Still Tippin’“
2004
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Dieser Rap-Klassiker aus Houston ist ein Triumph der Evolution. Der Refrain stammt aus einer beiläufigen Zeile aus einem Freestyle von Slim Thug aus dem Jahr 1998. Der Track selbst erschien Jahre später und und wurde durch Mundpropaganda und Willenskraft zu einem solchen regionalen Hit, dass er schließlich dramatisch überarbeitet wurde, wobei ein Vers von Chamillionaire durch einen von Paul Wall ersetzt wurde.
Dabei verwandelte sich der Beat von einem lustigen, aber leicht funkigen Loop in etwas Epochemachendes, wobei ein winziger Violinen-Sample die Oper mit DJ Screw vermischte. Slim Thug überrollt den Beat. Mike Jones spricht für Mike Jones. Paul Wall macht witzige Sprüche.
Der Track machte alle Beteiligten zu Stars, verschaffte dem Label Swishahouse Bekanntheit und legte den Grundstein für das Rap-Radio der frühen 2000er Jahre. —C.P.
135. Tyla, „Water”
2023
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Mit ihrer hauchigen, schillernden Stimme, die sie über die für Amapiano typischen Thunk-Thunk-Log-Drum-Beats legt – wohl der unwiderstehlichste Groove, der aus der Afrobeats-Revolution hervorgegangen ist – schlich sich Tyla wie eine Sade des 21. Jahrhunderts auf die Weltbühne.
Dieser Durchbruch, ein internationaler Hit, der ihr den ersten Grammy für die beste afrikanische Musikperformance einbrachte, mischt den Chorruf und -antwort des Old-School-Afropop mit südafrikanischer Slangsprache („haibo!” „asambe!”) und einem sprudelnden Fluss von Anmachsprüchen.
Der Song war so unwiderstehlich, dass Travis Scott sich an einen Remix wagte, den man neben dem ruhigen Glanz der zierlichen Sängerin kaum bemerkte. (Auch der angenehm unterwasserartige Marshmello-Remix konnte ihre Flamme nicht löschen.) Der Auftakt zu dem, was sich als der größte globale Pop-Crossover-Künstler des Afrobeats erweisen könnte. —Will Hermes
134. Luis Fonsi und Daddy Yankee feat. Justin Bieber, „Despacito“
2017
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Im Vergleich zum massiven Erfolg von „Despacito“ im Jahr 2017 war die Latin-Musik-Explosion der späten Neunzigerjahre nur eine flüchtige Illusion. Der Song von Luis Fonsi, der durch die karibische Authentizität des Reggaeton-Paten Daddy Yankee und einen hochkarätigen Remix von Justin Bieber beflügelt wurde, verdeutlichte die laserähnliche Präzision Puerto Ricos, wenn es darum geht, den Mainstream aufzurütteln.
Rückblickend betrachtet ist ist „Despacito“ eigentlich ein bescheidener Song mit begrenzten kreativen Ambitionen. Und doch wurde er zu einem gigantischen kulturellen Phänomen, das die lateinamerikanische Musik als perfektes Gegenmittel für unsere Litanei der Leiden des 21. Jahrhunderts etablierte. Der Text, eine Bitte um einen intensiveren Geschlechtsverkehr, ist belanglos. Aber die lateinamerikanische Sensibilität des Songs – warm, hoffnungsvoll, lebendig – kommt deutlich zum Ausdruck. –E.L.
133. Rihanna feat. Jay-Z, „Umbrella“
2007
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Ein Song, der so heiß, intensiv und mitreißend ist, dass die Leute buchstäblich behaupteten, er würde das Wetter kontrollieren, und den Begriff „Rihanna-Fluch“ erfanden, als sein Erfolg mit schweren Stürmen in Großbritannien zusammenfiel.
„Umbrella” war ein weltweiter Nummer-1-Hit, der launische Rockgitarrenklänge, einen peitschenden Beat, einen Auftritt von Jay-Z in Höchstform und das imperiale Charisma der Sängerin zu etwas verband, das sich gleichzeitig verzweifelt und stürmisch anfühlte.
Ungefähr so unerschütterlich eingängig wie R&B in den 2000er Jahren, „Umbrella“, geschrieben von den Songwriting-Assen Tricky Stewart, Kuk Harrell und The-Dream, war ursprünglich für Britney Spears gedacht. Die es jedoch ablehnte. Ihr Verlust war unser Gewinn und der von RiRi. —J.D.
132. Avril Lavigne, „Complicated“
2002
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Avril Lavigne startete mit ihrer Debütsingle durch. Einem Pop-Rock-Meisterwerk, das sie zur 17-jährigen Antithese aller Pop-Prinzessinnen der frühen 2000er Jahre machte. Mit ihren schwarz umrandeten Augen und ihrer unverblümten Art verurteilte die kanadische Musikerin Poser mit einer einzigartigen Offenheit, die von Herzen kam.
„Ich habe gespürt, worum es in dem Song geht. Dass es auf der Welt unzählige Menschen gibt, die unecht sind, die zwei Gesichter haben”, sagte Lavigne ROLLING STONE in ihrer Titelgeschichte von 2003.
„Complicated“ hatte die Art von Authentizität, die den Grundstein für die nächste Generation von Teenager-Girls legen sollte. Im Jahr 2025 spielte Olivia Rodrigo eine Coverversion von „Complicated“ in ihrem Live-Set und lud Lavigne in Toronto auf die Bühne ein. —M.G.
131. Gorillaz, „Clint Eastwood“
2001
Nur sehr wenige Künstler aus der Britpop-Szene der Neunziger schafften in den 2000er Jahren den Durchbruch. Aber Damon Albarn von Blur schaffte mit Gorillaz, einem neuen Projekt mit einer Vielzahl von Gastmusikern, das als „virtuelle Band“ präsentiert wurde, einen genialen Wandel. Ihre schwindelerregende, verspielte Mischung aus Alternative Rock, Hop-Hop, Reggae und elektronischer Musik passte perfekt zu den frühen 2000er Jahren, als sich der Mainstream-Rock buchstäblich aufzulösen schien.
„Clint Eastwood“ ist ein Dub-Pop-Vergnügen. Gleichzeitig beschwingt eingängig, köstlich undurchsichtig und leicht bedrohlich. Mit Albarns fleckiger Stimme, die eine faszinierend unbestimmte „kommende Zukunft“ ankündigt, während der Bay-Area-Hip-Hop-Veteran Del the Funky Homosapien mit einem autoritär-unverfälschten Freestyle aufwartet. Irgendwie wurde dieser ungewöhnliche Mix zu einem weltweiten Hit. —J.D.
