Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
70. Clipse feat. Ab-Liva, „Ride Around Shining“
2006
In den 2000er Jahren befand sich Pharrell in einer kreativen Phase, die nur wenige Produzenten nachvollziehen konnten. Man höre sich nur „Ride Around Shining“ aus dem zweiten Album von Clipse, „Hell Hath No Fury“, an. Der Beat ist mitreißend und dennoch minimalistisch. Getragen von einem kaskadenartigen Synthesizer und druckvollen Drums.
Pusha ist der gewandteste Scumbag, den man sich vorstellen kann, und reimt „Fuckin’ with college bitches with innocent looks like Mya/Corrupt they mind, turn ’em to liars” (Ich ficke mit College-Schlampen, die unschuldig aussehen wie Mya/Ich verdirbe ihren Verstand, mache sie zu Lügnerinnen), während Malice „kanariengelbe Diamanten von der Größe von Ertragsschildern” trägt.
Clipse haben bewiesen, dass „alles, worüber sie rappen, Drogen sind” eine Lüge ist. Aber selbst wenn das wahr wäre, spricht niemand so detailliert über diesen Lebensstil wie sie. —A. Gee
69. Arcade Fire, „Rebellion (Lies)“
2004
In den frühen 2000er Jahren beschäftigten sich viele Hipster mit der Musik der Achtzigerjahre, meist Post-Punk und Synth-Pop. Aber nur dieses kanadische Kollektiv hatte den Ehrgeiz, eine Hymne zu schreiben, die als Soundtrack für eine entscheidende Szene in einem John-Hughes-Film hätte dienen können.
Mit seiner wogenden Basslinie, dem knallenden Dance-Rock-Beat, den leuchtenden Keyboards und dem leidenschaftlichen Gruppengesang der Band verkaufte „ Rebellion (Lies)“ einer Generation, die oft skeptisch gegenüber ernsthaften, schwungvollen Gesten zu sein schien, den bombastischen Heroic-Rock der alten Schule. Passenderweise waren Arcade Fire bald Vorband für ihre neuen Fans U2. —J.D.
68. Miranda Lambert, „The House That Built Me”
2009
Miranda Lambert, heute eine erfahrene Staatsfrau, hat nicht nur eine beeindruckende Karriere aufgebaut. Sondern auch eine Plattform für eine Generation gleichgesinnter Frauen geschaffen, die intelligente Mainstream-Country-Musik machen wollen, ohne sich dem systemischen Sexismus dieser Kultur anzubiedern.
Und obwohl sie schon zuvor Hits hatte, war es dieser Song, der sie wirklich bekannt machte. Eine schmerzhafte Ode an das Haus, in dem sie aufgewachsen ist, die wie viele ihrer Werke ein fast schon kitschiges Thema aufgreift und dessen pulsierendes Herz findet. Es war ihr erster Nummer-eins-Hit in den Hot Country Charts und wurde sowohl zum CMA Song of the Year als auch zum ACM Song of the Year gekürt.
Außerdem brachte er ihr einen Grammy ein und wurde zuletzt viermal mit Platin ausgezeichnet. Angesichts ihres Repertoires an großartigen Songs ist es umso beeindruckender, dass dies wahrscheinlich ihr größter Hit ist. –W.H.
67. ’NSync, „Bye Bye Bye”
2000
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Für alle Millennials, die den Höhepunkt von ’NSync miterlebt haben, ist es schwer, keine pawlowsche Reaktion auf das Crescendo zu zeigen, das Justin Timberlakes „Hey, hey” am Anfang dieses Songs einleitet. „Bye Bye Bye” war der Höhepunkt der Boyband-Ära. Ein Megahit in einer Zeit, die von Gruppen aus drei bis fünf süßen, aber muskulösen Jungs in ihren Zwanzigern dominiert wurde.
Der von Kristian Lundin, Jack Schulze und Andreas Carlsson geschriebene Song war der ultimative Pop-Song über Trennung. Aber das Quintett hatte einen Vorteil in seiner Darbietung, der wahrscheinlich auf ihre sehr öffentliche und chaotische Trennung von Pop-Svengali Lou Pearlman und dem Label RCA zurückzuführen war. Dazu kam eine Choreografie, für die Kinder stundenlang MTV schauten, um sie zu lernen. Und schon hatte ‚NSync Pop-Gold geschaffen. —B.S.
66. Wilco, „Impossible Germany”
2007
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Die Verpflichtung des Jazzgitarren-Maestros Nels Cline für die Band war die beste Entscheidung, die Jeff Tweedy jemals getroffen hat. Sie stabilisierte die Besetzung von Wilco nach einem Jahrzehnt voller Veränderungen und hob ihren Sound sofort auf ein neues Niveau.
Es gibt kein besseres Beispiel für Clines Einfluss auf die Band als dieser Titel aus dem Jahr 2007, in dem Tweedys kryptische Gedanken nur als Vorwand für Clines magisches Solo dienen. „Impossible Germany“ ist seit seiner Veröffentlichung praktisch bei jedem Konzert von Wilco ein Live-Highlight. Und nach jedem Konzert tauschen sich die Fans darüber aus, wie hart Cline den Breakdown gespielt hat. Wie weit er zuvor in den psychedelischen Raum vorgedrungen ist. „Ich glaube, niemand in der Band hätte auch nur eine Sekunde lang ahnen können, dass dieser Song eine solche Resonanz haben würde“, sagte Cline. —S.V.L.
65. Kendrick Lamar, „Not Like Us“
2024
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Eine Möglichkeit, Kendrick Lamars „Not Like Us“ einzuordnen, ist als Knockout-Schlag in dem titanischen Wortgefecht des Rappers aus Compton mit seinem Rivalen Drake. Eine andere ist die Feststellung, dass der Pulitzer-Preisträger seinen bislang größten Hit ohne die Feuerprobe eines karriereverändernden Wettbewerbs nicht geschrieben hätte.
So oder so, „Not Like Us” eine Seltenheit in einer zersplitterten Medienlandschaft, in der Monokultur fast ausgestorben zu sein scheint. Die Art von Rap-Hit, die bei Familiengrillfesten und Juneteenth-Festivals ebenso gespielt wird wie in Clubs und im Pop-Radio. Im Sommer 2024 war er so allgegenwärtig, dass Leute wie Stephen Curry zugaben, sie hätten es satt, ihn zu hören. Es war die wahre Definition eines unausweichlichen Hits.–M.R.
64. Peso Pluma und Eslabon Armado, „Ella Baila Sola“
2023
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Es war nur eine Frage der Zeit. Música mexicana war aufgrund seiner üppigen Melodien und seiner überbordenden Soul-Power schon immer dazu bestimmt, international für Furore zu sorgen. Aber es war die Generation von Peso Pluma – die sich mit den Corridos von Los Tigres del Norte ebenso wohlfühlte wie mit der verletzten Mystik von Drake –, die viral ging, indem sie ihrem Sound treu blieb.
„Ella Baila Sola” wurde zur allgegenwärtigen Sierreño-Hymne der gesamten Bewegung. Der Song ist schwungvoll, episch und mitreißend. Wobei Peso seine nasale Stimme auf der Klangwand von Eslabon Armado zur Geltung bringt. Ein raues Fest aus Requintos und Posaunen. —E.L.
63. Paramore, „Still Into You”
2013
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Paramore weiß, dass es in der Regel die alltäglichen Momente in Beziehungen sind, die den Test der Zeit bestehen, und nicht die großen Gesten. Die Band hatte nicht vor, mit „Still Into You” einen markanten Wechsel von Emo zu Pop zu vollziehen „Still Into You“ einen markanten Schwenk von Emo zu Pop vollziehen. Es ist einfach so passiert. Genau wie das erste „Ich liebe dich“, das in der zweiten Strophe des Songs während einer nächtlichen Heimfahrt herausrutschte. Oder wie Hayley Williams‘ Stimme in der leidenschaftlichen Bridge meisterhaft crescendiert.
Der lebhafte Rhythmus mit seinem satten Bass und den donnernden Trommeln vermittelt jedes unausgesprochene Wort. Und vermeidet dabei kitschige Hochzeitsballaden. Begeisterte Zuhörer nahmen – und nehmen immer noch – Paramores Durchbruchshit als zeitloses, vollmundiges Vorbild für überschwängliche Zuneigung wahr. —L.P.
62. Solange, „Cranes in the Sky“
2016
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„Cranes in the Sky“ wurde acht Jahre vor seiner Veröffentlichung geschrieben, während Solange über ihre Beziehung zum Vater ihres Kindes nachdachte. Und ist bis heute eine introspektive, elegante und eindringliche Meditation über Schmerz und Realitätsflucht. Die Bildsprache des Titels entstand, als sie während eines Immobilienbooms Kraniche über Miami aufsteigen sah. Symbole des Umbruchs, die Solanges innere Unruhe und die tieferen strukturellen Probleme Amerikas widerspiegelten.
„Es fühlte sich so bezeichnend für das an, was in meinem Leben vor sich ging“, erzählte sie ihrer Schwester Beyoncé 2017 im „Interview Magazine“ über die Koproduktion mit Raphael Saadiq. „Acht Jahre später … sind wir wieder hier. Sehen nicht, was in unserem Land vor sich geht. Wollen all diese hässlichen Dinge, die uns ins Gesicht starren, nicht relativieren.“ —J.J.
61. Bob Dylan, „Things Have Changed“
2000
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Drei Jahrzehnte nachdem er „Knockin’ on Heaven’s Door“ für Sam Peckinpahs Pat Garrett and Billy the Kid geschrieben hatte, wurde Bob Dylan von Regisseur Curtis Hanson gebeten, einen weiteren Song für einen Film über einen Mann zu schreiben, der kurz davor steht, alles zu verlieren: „The Wonder Boys“.
In dem Film spielt Michael Douglas einen College-Professor, der ein Buch nicht fertigstellen kann und sich mit einem problembelasteten Studenten einlässt. Dylan traf mit „Things Have Changed“ genau den emotionalen Kern des Films. Obwohl der Song nie auf die Handlung auf der Leinwand Bezug nimmt. „Ich habe versucht, so weit wie möglich von mir selbst wegzukommen“, singt er. „Manche Dinge sind zu heiß, um sie anzufassen/Der menschliche Verstand kann nur so viel ertragen.“
Der Song gewann den Oscar für den Song des Jahres und schlug damit aktuelle Beiträge von Randy Newman, Björk und Sting. —A. Greene
