Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
40. Ariana Grande, „Thank U, Next“
2018
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Im Herbst 2018 feierte Ariana Grande das Ende ihrer Zeit als Sensation in den Klatschspalten, indem sie ihre Geschichte zurückeroberte. Geschrieben nach einem Jahr, in dem ihre romantischen Beziehungen zum innovativen MC Mac Miller und dem SNL-Jugendvertreter Pete Davidson die sozialen und traditionellen Medien in Aufruhr versetzten, ist „Thank U, Next“ klanglich hauchzart, aber textlich kraftvoll.
Trotz des unbekümmerten Titels ist „Thank U“ kein Vorwurf. Über glänzenden Synthesizern trällert Ari ihre Dankbarkeit gegenüber ihren ehemaligen Liebhabern. Schließlich verrät sie, dass sie „jemanden anderen“ gefunden hat, mit dem sie „bessere Gespräche“ geführt hat.
Diese Person? Es stellt sich heraus, dass „ihr Name Ari ist“. Denn wie ihre Heldin Whitney einst sang, ist die größte Liebe von allen, zu lernen, sich selbst zu lieben. —M.J.
39. Eminem, „Lose Yourself“
2002
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„Das war einer dieser Songs, bei denen ich mich daran erinnere, [meinem Manager] gesagt zu haben: ‚Ich weiß nicht, wie ich über das Leben eines anderen schreiben soll‘“, sagte Eminem über das Schreiben der inspirierenden Geschichte seines Charakters Jimmy „B-Rabbit“ Smith aus „8 Mile“.
„Es würde so kitschig klingen, wenn ich einfach als Jimmy Smith Jr. rappen würde. Wie soll das denn authentisch wirken?“ Natürlich griff Em auf seine eigenen Erfahrungen als Battle-Rapper zurück, der seine Ambitionen mit Baby-Mama-Drama, finanziellen Schwierigkeiten und Trailerpark-Malaise in Einklang bringen musste. Im dritten Vers von „Lose Yourself“ verwandelt sich der „er“ heimlich in ein „ich“.
Das Ergebnis war Hip-Hops ganz eigenes „Eye of the Tiger“. Eine motivierende Rede mit akrobatisch raffinierten Reimen. Dieser Schachzug brachte ihm 12 Wochen an der Spitze der Hot 100 und den ersten Oscar für den besten Originalsong ein, der jemals an einen Rapper vergeben wurde. —C.W.
38. Olivia Rodrigo, „Drivers License“
2021
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„Drivers License“ war dazu bestimmt, ein sofortiger Hit zu werden. Olivia Rodrigo hatte monatelang mit dem Song geliebäugelt, und die Vorfreude wurde durch Spekulationen über das angebliche Liebesdreieck aus dem wirklichen Leben, das ihn inspiriert haben könnte, noch angeheizt. Aber die Art und Weise, wie „Drivers License“ tatsächlich erschien, lässt „sofortiger Hit“ als Beschreibung unzureichend erscheinen.
Der Song hat eine melodische, lyrische und vokale Kraft, die direkt die Ängste von Teenagern anspricht. Und alle über 20 wieder 16 fühlen lässt. Er machte Rodrigo nicht nur über Nacht zum Popstar. Sondern war auch so gut, dass kaum Zweifel daran bestanden, dass Rodrigos musikalische Reise nicht die einer kurzlebigen Post-Disney-Sensation sein würde.
Selten bringt ein Künstler – geschweige denn einer, der gerade einmal 17 Jahre alt ist – eine Single heraus, die das Gefühl vermittelt, ein Jahr, eine Karriere und eine Ära zu definieren. —J. Blistein
37. BTS, „Spring Day“
2017
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„Spring Day“ ist ein Moment der unverhüllten Verletzlichkeit, der zum Signature-Song einer der größten Pop-Bands des Jahrhunderts wurde und persönliche Trauer in eine mitreißende, triumphale Powerballade verwandelte. „Ich möchte diesen Winter beenden/Wie viel Sehnsucht muss noch wie Schnee fallen/Bevor dieser Frühlingstag kommt“, lautet die englische Übersetzung von RMs leidenschaftlichen Texten.
Der Song steht in Verbindung mit einer Tragödie in der Heimat der Band, Korea – dem Untergang der Fähre MV Sewol im Jahr 2014, bei dem 304 Menschen ums Leben kamen –, aber seine aus dem Verlust gewonnene Widerstandskraft und Hoffnung hat etwas Transzendentes, das sich bald in der globalen Eroberung der Band widerspiegeln sollte. BTS hatte weltweit noch größere Crossover-Hits. Aber nur wenige Songs kommen an die Kraft ihrer Musik heran wie dieser. —J.D.
36. Mitski, „Your Best American Girl“
2016
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Die Lead-Single aus dem Durchbruchsalbum „Puberty 2“ der asiatisch-amerikanischen Indie-Sängerin und Songwriterin Mitski handelt davon, sich mühsam zur Akzeptanz der eigenen umkämpften Identität vorzuarbeiten. Trotz seines schmerzlich intimen Themas und seines sanften Beginns wird der Song zu einem Inferno aus Wut, Verwirrung und Verlust.
„Deine Mutter würde nicht gutheißen, wie meine Mutter mich erzogen hat“, singt Mitski vor einem Hintergrund aus Verzerrungen. Der Song erschien zu einer Zeit, als die Frage, was es bedeutet, Amerikaner zu sein, zunehmend umstritten war. Und wirkte wie ein Schlachtruf für alle, die nicht in das klischeehafte Bild des typischen Amerikaners passten. —B.E.
35. LCD Soundsystem, „All My Friends“
2007
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LCD Soundsystem eroberte die New Yorker Rockszene der frühen 2000er Jahre mit einer Fülle von Dance-Rock-Beats und einer gehörigen Portion Ironie. Aber 2007 war LCD-Frontmann James Murphy 37 Jahre alt und hatte viel gesehen. Und in „ All My Friends” komponierte er eine unkonventionelle, seltsam schöne Hymne über das Älterwerden.
Über einem hämmernden Piano-Ostinato und einem sanften Disco-Rock-Puls sinniert Murphy über Lebensentscheidungen, lange Nächte und Kinder, die „unmöglich gebräunt” wirken. Und fügt eine Anspielung auf Pink Floyd und eine Prise Bedauern hinzu.
Aber während sich der Song über mehr als sieben Minuten hinzieht, beginnt sich dieses Klavierriff wie eine Lebenskraft anzufühlen. Murphy ruft seine Freunde mit gefühlvoller Aufrichtigkeit. —C.H.
34. Lorde, „Ribs“
2013
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Der gleichmäßige, pulsierende Schlag, der Lordes erschütternden Deep Cut „Ribs“ begleitet, ist das Herzstück des Songs. Es ist der Klang einer äußerst wahrnehmungsstarken 16-Jährigen, die gegen die Tür zur Vergangenheit hämmert, die hinter ihr zugeschlagen wurde.
„Ich habe mich noch nie so allein gefühlt/Es ist so beängstigend, alt zu werden”, wiederholt sie und wird mit jedem Textzeile verzweifelter. Aber sie war nie wirklich allein. Eine ganze Generation, die sich an ihre verdrehte Coming-of-Age-Erfahrung gewöhnen musste, fühlte jedes Wort mit erschütternder Resonanz. Das tun sie immer noch. Der Elektropop-Track pendelt zwischen Trost und Chaos, verfolgt von Nostalgie für die Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft.
Lordes Prophezeiung wird von einer erschreckenden Erkenntnis durchdrungen. „Das wird niemals genug sein.“ Für ein paar Minuten ist es das. —L.P.
33. Lana Del Rey, „Venice Bitch“
2018
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Lana Del Rey macht die Laufzeit ihres bisher längsten Tracks – ganze neuneinhalb Minuten – absolut lohnenswert. Was als sonnengetränkter Liebesbrief an Kalifornien beginnt, wird zu einem psychedelischen Rock-Trip voller verzerrter Gitarren und schwindelerregender Bässe. Es ist ein Traum vom letzten Atemzug des Sommers, der den Killer-Text „fresh out of fucks forever“ voll und ganz verkörpert.“
Del Rey veröffentlichte den Track als zweite Single aus ihrem karriereprägenden Album „Norman Fucking Rockwell“. Trotz der Proteste ihrer Manager, die sich einen standardmäßigen dreiminütigen Popsong gewünscht hatten. A
ber das war nicht die Stimmung, die Del Rey wollte. „Am Ende des Sommers wollen manche Leute einfach nur 10 Minuten lang herumfahren und sich in E-Gitarrenklängen verlieren“, sagte sie damals zu Zane Lowe. —M.G.
32. Beyoncé, „Formation“
2016
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Beyoncé hielt die Welt erneut an, als „Formation“ 2016 wie ein Raumschiff auf der Erde landete und ihre Ära als politische Stimme, einmalige Tournee-Künstlerin und echte Unruhestifterin mit ihrer Super-Bowl-50-Performance des Songs einläutete, die vor Black Panther-Ästhetik nur so triefte.
Doch abgesehen von all diesem historischen kulturellen Kontext bleibt „Formation“ bis heute einer der interessantesten Songs von Beyoncé, was den Klang angeht. Mit der Produktion von MikeWillMadeIt, die irgendwie gleichzeitig verrückt mechanisch und königlich orchestral war, den Gesangsbeiträgen seines wilden Rae Sremmurd-Schützlings Swae Lee und dem Segen der New Orleans Bounce-Königin Big Freedia festigte Beyoncé ihre Rap-Kompetenz und zeigte sich so krass und trotzig wie nie zuvor. —M.C.
31. Kelly Clarkson, „Since U Been Gone”
2004
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Die Songwriter Max Martin und Dr. Luke hatten sich Alt-Rock aus den frühen 2000er Jahren wie Yeah Yeah Yeahs angehört, als Martin sich eine hypothetische Frage stellte. Was wäre, wenn ein solcher Song einen mitreißenden Refrain hätte?
Das Ergebnis war Kelly Clarksons „Since U Been Gone”, ein Song, der schnell sowohl zu einem riesigen Hit als auch (vielleicht wegen des Sounds, den er imitierte) zum Liebling der Kritiker wurde. Von der ersten Zeile an macht Clarkson den Song zu ihrem eigenen. Später erzählte sie, dass sie mit ihren Mitwirkenden darüber streiten musste, weil sie den Refrain eine Oktave höher singen wollte.
Aber auch wenn der Song für Clarkson eine schwierige Erfahrung mit erstklassigen Songwritern war, bleibt er ein meisterhaftes Beispiel für die gegenseitige Beeinflussung von Indie-Pop und Mainstream-Pop in den frühen 2000er Jahren. —J.Bernstein
