Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts
Die 250 besten Songs des 21. Jahrhunderts – von Beyoncé bis Kendrick Lamar: eine globale Playlist voll Innovation und Emotion
200. FKA Twigs, „Cellophane”
2019
Ein Großteil von FKA Twigs‘ überwältigend schönem Album Magdalene ist in Schmerz verwurzelt. Die Trackliste ist ein unerschrockener Blick auf herzzerreißenden Liebeskummer. Entsetzlichen Rassismus. Tiefsitzende Einsamkeit. Und sogar die körperlichen Schmerzen einer Operation, bei der ihr mehrere Myome aus der Gebärmutter entfernt wurden.
Aber kein Song fängt ihre Qualen so ein wie „Cellophane“. Eine himmlische Ballade, die sich immer weiter steigert, dabei prekär balanciert und ständig zu kippen droht. Der Bruchpunkt scheint unvermeidlich, als Twigs mit zitternder Stimme fragt: „Warum habe ich es nicht für dich getan?“ Die Frage ist so unverblümt, dass es fast wehtut, sie zu hören. Aber ein Teil von Twigs‘ Kraft liegt darin, dass sie angesichts ihrer Verletzlichkeit so furchtlos ist. —J.L.
199. Leonard Cohen, „You Want It Darker“
2016
Bei einer Pressekonferenz im Jahr 2012 sagte Leonard Cohen zu den versammelten Reportern: „Ich bin widerwillig zu dem Schluss gekommen, dass ich sterben werde. Daher stellen sich natürlich diese Fragen und werden angesprochen. Aber wisst ihr, ich mache das gerne mit einem Beat.“
Vier Jahre später, nur zwei Wochen vor seinem Tod, tat der Titelsong seines letzten Albums genau das. Es ist ein Gespräch zwischen einem sterbenden Mann und einem ungerührten Gott. Zurückhaltend, aber Gänsehaut erzeugend. „Wenn du der Dealer bist, bin ich aus dem Spiel … Ich bin bereit, mein Herr.“
Und obwohl der Beat hier zurückhaltend ist – die hymnische Orgel steht im Mittelpunkt des Arrangements –, verleiht die gewundene kleine Basslinie diesem erstaunlichen Schlussakkord einen willkommenen Groove. –M.M.
198. Three 6 Mafia feat. Young Buck, 8Ball und MJG, „Stay Fly“
2005
2005 veröffentlichte Three 6 Mafia „Most Known Unknown“, ein Titel, der ihre seltsame Position widerspiegelt, von den Fans unterschätzt zu werden, obwohl sie als äußerst einflussreiche Gold- und Platin-Act, die praktisch die Crunk-Musik erfunden haben, erfolgreich sind.
Ironischerweise war das Album mit „Stay Fly“ als Anker der bisher größte Erfolg der Band. Produziert von den Mafia-Größen DJ Paul und Juicy J, ist es ein rein memphisanisches Showcase, das sich um ein beschleunigtes Sample von Willie Hutchs „Tell Me Why Has Our Love Turned Cold” rankt und wie ein Wirbelsturm einschlägt. „Stay Fly” erreichte Platz 13 der Billboard Hot 100.
Monate später schockierte Three 6 Mafia die Welt, indem sie dank „It’s Hard Out Here for a Pimp“ aus dem Film „Hustle & Flow“ einen Oscar für den besten Originalsong gewannen. —Mosi Reeves
197. Toni Braxton, „He Wasn’t Man Enough“
2000
Alles an Toni Braxtons R&B-Hit „He Wasn’t Man Enough“ ist reichhaltig. Die vielschichtigen Glockenspiele, Klatschen und Streicher in Darkchilds komplexer Produktion. Braxtons einzigartige Stimme, tief und dunkel wie hochwertiger Kaffee (sie hatte ihr gerade einen Plattenvertrag über 20 Millionen Dollar eingebracht). Und der schneidende Sarkasmus, mit dem sie der neuen Freundin ihres Ex einen wohlverdienten Weckruf erteilt.
„Ich glaube, er ist genau der richtige Mann für dich”, sagt sie ihr vernichtend. Autsch. Braxtons zeitlose Interpretation des Songs ist ein wichtiger Grund dafür, dass Burna Boys geniale Neuinterpretation von „He Wasn’t Man Enough” aus dem Jahr 2022 zu seiner eigenen Herzschmerz-Hymne „Last Last” wurde. Über zwei Jahrzehnte nach dem Original. —M.C.
196. Radiohead, „There, There“
2003
Nach ihren bahnbrechenden Schwesteralben „Kid A“ und „Amnesiac“ fragte Thom Yorke: „Why so green and lonely?“ und schenkte uns das unglaublich beklemmende „Hail to the Thief“. Das Album selbst spaltete die Fans. Aber es ist unmöglich, das fünfminütige Meisterwerk „There, There“ zu leugnen.
Wenn man es hört, ist es, als würde man in Yorkes rasende Gedankenwelt eintauchen, so wie er sich in dem Stop-Motion-Video in den von Bagpuss inspirierten Wald wagt. Mehrschichtige Drums leiten den Wahnsinn ein (wenn Radiohead den Song live spielen, holt Jonny Greenwood die Toms heraus, um den Song anzukündigen, und das Publikum dreht durch), bevor er in einem glorreichen Digi-Rock-Chaos gipfelt. „Als wir es fertiggestellt hatten, musste ich weinen. Ich habe mir tatsächlich die Augen ausgeweint“, sagte Yorke. —A.M.
195. Evanescence, „Bring Me to Life“
2003
An der Schnittstelle zwischen Post-Grunge, Nu Metal, Goth Rock und Broadway-Theater ist „Bring Me to Life“ eine gewaltige Ballade, die aus Entfremdung entstanden ist. Angeführt von Amy Lees hochfliegendem Gesang und unterstützt von einem 22-köpfigen Streichensemble durchbricht dieser emotionale Schrei die männlich dominierte Angst der Rockradiosender der frühen 2000er Jahre. Und stieg aus dem Soundtrack zu „Daredevil“ zu einem Top-10-Hit auf.
Lee schrieb den Text über eine Begegnung mit ihrem zukünftigen Ehemann, während sie sich durch eine missbräuchliche Beziehung mogelte. „Er sah mir einfach direkt in die Augen. Er sagte: ‚Bist du glücklich?‘“, sagte Lee. „Ich hatte das Gefühl, er könne direkt in meine Seele sehen. Das inspirierte den ganzen Song. Jahre später erzählte ich ihm, dass es um ihn ging. Und der Rest ist Geschichte.“ —C.W.
194. SZA, „Drew Barrymore“
2017
SZA wagte mit „Drew Barrymore“, der ersten Singleauskopplung aus ihrem Debütalbum „CTRL“, einen mutigen Schritt nach vorne. Es ist eine schmerzlich gefühlvolle Ballade. Solana Rowe setzt auf rohe Emotionen, wenn sie über Selbstzweifel singt und fragt: „Ist es warm genug für dich in mir?“
Inspiriert wurde sie dazu durch ihre schmerzhaften Erinnerungen an eine unsichere Kindheit, die sie mit Barrymores Teenager-Leiden in Filmen aus den Neunzigern wie „Ungeküsst“ in Verbindung brachte.
Sie fasste es so zusammen: „Mädchen zu sehen, die sehr schöne Haare und neue Kleidung haben und die Jungs, mit denen man gerne zusammen wäre, von den Füßen reißen.“ Drew selbst liebte den Song. Wie alle anderen auch. Und trat sogar im Video auf. Aber er etablierte SZA als eine wichtige neue Stimme, die niemand ignorieren konnte. —R.S.
193. Parquet Courts, „Stoned and Starving“
2012
„Stoned and Starving“ ist ein zielloses Epos. Getreu dem Versprechen seines Titels findet sich Andrew Savage von Parquet Courts in diesem faszinierenden Indie-Rock-Klassiker der 2010er Jahre von Bodega zu Bodega treibend wieder, wo er Snack-Optionen in Betracht zieht, Zeitschriften durchblättert und das drohende Gespenst der Sterblichkeit mit einem Achselzucken anerkennt („ Ich hielt ein paar zerknüllte Geldscheine in der Hand/Ich las, dass Rauchen tödlich ist”).
Der hypnotische Klang des Leadgitarrenriffs entwickelt sich zu dröhnenden, feedbacklastigen Jams. Die ganze Band springt mit einem Ruck hinter Savage her, wenn der Refrain einsetzt. Es ist eine zottelige Odyssee ohne Ende, ohne auch nur den Anschein einer Auflösung. Eine weitere Erinnerung daran, dass man in diesem Leben keine Befriedigung finden kann. —J. Blistein
192. Ed Sheeran, „The A Team“
2011
In den 2010er Jahren gab es viele gefühlvolle Gitarrenspieler, von Jason Mraz bis Shawn Mendes. Aber Ed Sheeran stellte sie alle in den Schatten und wurde zu einem der größten Popstars des Jahrhunderts. Alles begann mit seiner Debütsingle „The A Team”.
Begleitet nur von seiner Akustikgitarre zeichnet Sheeran ein tragisches Porträt, das auf einer crackabhängigen Prostituierten basiert, die er bei einem Auftritt er tat in einer Obdachlosenunterkunft traf. „Ich war damals 18 und ziemlich naiv. Daher war ich von einigen der Geschichten etwas überrascht”, sagte er 2011. Diese unschuldige Selbstbeobachtung trug dazu bei, den Song zu formen, der Sheeran in die Stratosphäre der Singer-Songwriter katapultieren sollte. Ein Jahr nach der Veröffentlichung war er Vorband für Taylor Swift. —M.G.
191. Phoenix, „1901“
2009
In einer kurzen, glorreichen Zeit in den 2000er Jahren machten Bands wie Phoenix spritzigen Dance-Rock und landeten große Hits. Die französische Gruppe prägte diese Ära mit ihrer 2009 erschienenen Single „1901“. Einer impressionistischen Ode an die Belle Epoque in Paris, die auch anderthalb Jahrzehnte später noch mitreißend klingt.
Es liegt alles im Detail. Eine straffe Produktion mit treibenden, an die Strokes erinnernden Gitarrenriffs, rhythmische Stop-Start-Elemente aus der Clubmusik und Synthesizer, die sich wie ein Raumschiff auf Warp-Geschwindigkeit hochschrauben. Die Texte von Sänger Thomas Mars sind stellenweise schwer zu verstehen. Aber sein Refrain ist ein nächtlicher Schlachtruf, der unabhängig vom Kontext garantiert Freude hervorruft. —J.F.
