Die 50 schlimmsten Entscheidungen der Musikgeschichte
Schreckliche Business-Schachzüge, künstlerische Fehltritte, zutiefst fragwürdige moralische Urteile - mit Auftritten von Adam Levine, Kiss, Kanye West und vielen anderen.
Nach den Worten des Dichters Alexander Pope aus dem 18. Jahrhundert ist Irren menschlich. Aber die meisten Normalos machen Fehler in ziemlich kleinem Rahmen, wie zum Beispiel den Hausschlüssel auf der Arbeit liegen zu lassen oder zu vergessen, Pommes im Drive-In zu bestellen. Wenn Rockstars Fehler machen, dann tun sie das auf epische, spektakuläre Weise, mit oft katastrophalen Folgen.
Sie können zu jahrzehntelangen, bitteren Fragen führen: „Was wäre, wenn ich in dem Musikvideo nicht das rosafarbene Tank-Top getragen hätte? Was wäre, wenn ich nicht gesagt hätte, dass wir größer als Jesus sind? Was wäre, wenn ich auf dem britischen Bahnhof nicht den Nazigruß gezeigt hätte?“
Aber im Leben gibt es kein Zurück mehr. Rockstars müssen, wie wir alle, für immer mit den Konsequenzen ihres Handelns leben. In dieser Liste blicken wir auf die lange Geschichte der Rockstars zurück und nennen die 50 größten Patzer. Um es klarzustellen: Wir haben uns weitgehend auf berufliche Entscheidungen beschränkt, die Auswirkungen auf die Karriere hatten. Viele Rockstars haben in Bezug auf Drogen oder ihren Umgang mit Frauen schrecklich destruktive Dinge getan, aber das ist eine Liste für sich.
50. Elton John macht Disco (1979)
Ende 1979 hatte jeder, von Rod Stewart über die Rolling Stones bis hin zu Kiss, große Disco-Hits. Das mag einige ihrer ursprünglichen Fans verprellt haben, aber das spielte kaum eine Rolle, wenn man so große Songs wie „Miss You“, „I Was Made For Lovin‘ You“ und „Da Ya Think I’m Sexy?“ hat. Und so ist es leicht zu verstehen, warum Elton John nach einer Reihe enttäuschender Alben wie „A Single Man“ und „Blue Moves“ beschloss, sich mit dem englischen Produzenten Pete Bellotte zusammenzutun und die Disco-LP „Victim of Love“ zu produzieren. Aber die LP wurde veröffentlicht, nachdem der „Disco Sucks“-Rückschlag in vollem Gange war, und John traf verwirrende Entscheidungen, wie z. B. Chuck Berrys „Johnny B. Goode“ in einen Dance-Song zu verwandeln. „Victim of Love“ war ein kompletter kommerzieller Flop und beendete das außergewöhnlichste Jahrzehnt von Johns Karriere mit einer sehr schlechten Note. „Es hat meiner Karriere nicht sehr gut getan“, sagte John, „aber ich bereue es nicht.“
49. Die Sex Pistols feuern den talentierten Bassisten Glen Matlock und ersetzen ihn durch den menschlichen Müllhaufen Sid Vicious (1977)
Glen Matock war nicht nur der Bassist der Sex Pistols, sondern auch einer ihrer wichtigsten Songschreiber. Trotzdem feuerten sie ihn Anfang 1977, nachdem es monatelang zu Spannungen zwischen ihm und Johnny Rotten gekommen war. Die Band hätte überleben und vielleicht sogar gedeihen können, wenn sie einen kompetenten Ersatz gefunden hätten, der in der Lage gewesen wäre, seine Parts zu spielen und zu künftigen Songwriting-Sessions beizutragen. Stattdessen holten sie einen Heroinsüchtigen, der keine Ahnung hatte, wie man Bass spielt oder irgendetwas schreibt, das einem Song ähnelt. Sid Vicious mag eine Ikone sein, aber er hat in der Band nicht viel mehr getan, als Chaos zu verursachen und die unvermeidliche Auflösung der Band zu beschleunigen. „Vielleicht hätte die Chemie gereicht, um ein weiteres Album zu machen, wenn Matlock geblieben wäre“, gab Gitarrist Steve Jones in seinen Memoiren Lonely Boy zu. „Aber es war nicht unser Schicksal, eine progressive Phase zu haben, in der wir eine Folk-Platte machten und mit Barclay James Harvest auf Tour gingen. Die Sex Pistols wurden geboren, um abzustürzen und zu verbrennen, und genau das taten wir auch.“
48. A Taste of Honey gewinnt den Grammy als bester neuer Künstler vor The Cars und Elvis Costello (1979)
Die Grammys haben keine gute Erfolgsbilanz, wenn es darum geht, den besten neuen Künstler eines Jahres zu küren. Die Beatles mögen 1965 gewonnen haben, aber sie haben den Preis auch 1977 an die Starland Vocal Band und 1978 an Debby Boone vergeben. Werfen wir nun einen Blick auf die Nominierten des Jahres 1979: The Cars, Elvis Costello, Toto, der Blues-Rock-Gitarrist Chris Rea und das Disco-Duo A Taste of Honey, das 1978 mit „Boogie Oogie Oogie“ die Charts anführte. Die Grammys gingen natürlich an A Taste of Honey. Wir wollen die Gruppe nicht schlecht machen. „Boogie Oogie Oogie“ ist ein guter Song. Aber vielleicht, nur vielleicht, hätten die Cars oder Elvis Costello den Preis ein bisschen mehr verdient.
47. Adam Levine slidet in die DMs (2022)
Lange bevor Maroon 5-Frontmann Adam Levine anfing, Frauen auf Instagram unangenehme DMs zu schicken, haben wir alle gesehen, wie viele Männer ihre Ehen und Karrieren wegen solcher Aktionen ruiniert haben. Das hielt ihn jedoch nicht davon ab, völlig willkürlichen Frauen auf Instagram entsetzliche Nachrichten wie „Wenn ich deinen Arsch auf dem Tisch wackeln sehe, werde ich für immer entstellt sein“ oder „Ich muss vielleicht deinen Hintern sehen“ zu schreiben. Als sie auftauchten, legte das Internet all seine Differenzen beiseite und machte sich gemeinsam über ihn lustig. „Ich habe ein schlechtes Urteilsvermögen bewiesen, als ich mit einer anderen Person als meiner Frau auf irgendeine Art und Weise geflirtet habe“, schrieb er in einer Erklärung, „Ich hatte keine Affäre, dennoch habe ich in einer bedauerlichen Phase meines Lebens die Grenze überschritten.“ Wir haben keine Ahnung, wie seine Frau darüber denkt (sie ist immer noch mit ihm zusammen und man sieht sie oft zusammen in der Öffentlichkeit), aber das Internet vergisst nie. Er wird bis zum Ende von Twitter Witze über „Ich muss den Hintern sehen“ in seinen Erwähnungen sehen.
46. Bob Dylan veröffentlicht ‚Self-Portrait‘ (1970)
Ende der Sechzigerjahre war Bob Dylan so genervt von den Medien, die ihn als „Stimme einer Generation“ behandelten, und von einer Fangemeinde, die ihn als Messias betrachtete, dass er beschloss, etwas Drastisches zu tun. „Ich sagte: ‚Ach, scheiß drauf. Ich wünschte, diese Leute würden mich einfach vergessen'“, sagte er 1984 dem Rolling Stone. „Ich will etwas machen, das sie unmöglich mögen können, mit dem sie nichts anfangen können.“ Dies führte zu „Self Portrait“, einem Doppelalbum mit hauptsächlich Coversongs, die er mit Streichern, Chören und Bläsern aufpeppte. Greil Marcus sprach für viele Kritiker, als er seine Rolling Stone-Kritik mit den Worten eröffnete: „Was soll der Scheiß?“ „Die ganze Idee ist nach hinten losgegangen“, sagte Dylan. „Weil das Album veröffentlicht wurde und die Leute sagten: ‚Das ist nicht das, was wir wollen‘, und sie wurden immer unzufriedener.“
45. Yes heuert die Buggles an (1980)
Yes waren in keiner guten Verfassung, als die Siebziger in die Achtziger übergingen. „Prog-Rock war so wunderbar aus der Mode gekommen“, sagte Keyboarder Rick Wakeman 2019 dem Rolling Stone. „Es war das Äquivalent dazu, im Vatikan aufzutauchen und zu sagen: ‚Können wir ein paar Kondomautomaten aufstellen?'“ Sie versuchten, in Paris eine neue Platte aufzunehmen, aber die Sessions liefen so schlecht, dass Wakeman und Leadsänger Jon Anderson die Band schließlich verließen. Daraufhin hatte ihr Manager die Idee, Trevor Horn und Geoff Downes von der New-Wave-Band The Buggles, die er ebenfalls managte, einfach in Yes einzubinden. Sie nahmen die LP „Drama“ auf und versuchten, auf Tour zu gehen, ohne viel Aufhebens um die Sache „unser Sänger und Keyboarder sind nicht mehr in der Band, aber dafür sind die Jungs von ‚Video Killed the Radio Star‘ da“ zu machen. „[Bassist] Chris [Squire] sagte mir später, es sei ein Albtraum gewesen“, so Wakeman. „Er sagte: ‚Wir kamen auf die Bühne und die Leute jubelten uns zu und sagten: ‚Hey, Steve! He, Chris! He, Alan! Wer zum Teufel ist das?‘ Sie hatten diesen fetten, pummeligen Kerl, der vorne sang, und Geoff Downes. Sie sagten: ‚Das ist nicht Jon! Das ist nicht Rick!‘ Chris sagte, es war ein absoluter Alptraum von Anfang bis Ende.“ Die Gruppe löste sich nach dem Ende der Tournee auf. Als sie sich 1983 wieder zusammenfanden, war Jon Anderson wieder vorne mit dabei.
44. Justin Timberlake reißt Janet Jackson beim Super Bowl das Oberteil vom Leib, und sie ist diejenige, die die Konsequenzen zu tragen hat (2004)
Janet Jacksons Karriere erlitt 2004 einen schweren Schlag, als ihre rechte Brust bei der Halbzeitshow des Super Bowl vor einem weltweiten Millionenpublikum entblößt wurde. In der Folge wurde ihre Musik von den Radiosendern auf die schwarze Liste gesetzt und ihre neue LP „Damita Jo“ litt darunter. Es war der Beginn eines langen freien Falls für Jackson nach zwei Jahrzehnten totaler Pop-Dominanz. Das Problem ist, dass sie nicht diejenige war, die ihre Brüste entblößte. Das tat Justin Timberlake, als er ihr das Oberteil vom Leib riss. Seine wahren Absichten hinter dieser Aktion werden nie bekannt werden. Er sagt, er dachte, sie trüge einen Bikini, während andere meinen, es sei eine Art Publicity-Gag gewesen. Wie auch immer, seine Karriere ging nahtlos weiter. Er wurde sogar eingeladen, bei der Super Bowl-Halbzeitshow 2018 aufzutreten. Janet ist noch nicht wieder eingeladen worden.
43. Ticketmaster führt ein „dynamisches“ Preissystem ein (2022)
Wie der Kartenvorverkauf für Bruce Springsteen und Taylor Swift in diesem Jahr bewiesen hat, läuft bei Ticketmaster etwas gewaltig schief. Die dynamische Preisgestaltung des Ticketanbieters führte dazu, dass sich die Preise für Springsteen vor ihren Augen vervierfachten, und das ganze System brach zusammen, als Swift – die sich gegen die dynamische Preisgestaltung entschieden hatte – ihre Tournee zum Verkauf anbot. Das liegt zum Teil daran, dass Ticketmaster keinen Weg gefunden hat, effektiv mit den Ticket-Bots umzugehen, die ihr Netzwerk überschwemmen und sich die besten Plätze sichern. Sie haben sich auch mit den Schwarzhändlern angelegt, indem sie Wiederverkäufern – die oft Bots einsetzen – erlauben, Plätze auf der Ticketmaster-Plattform zu völlig überhöhten Preisen anzubieten. Ticketmaster kassiert natürlich jedes Mal einen Anteil, wenn das Ticket verkauft wird. Das ganze System ist hoffnungslos kaputt. An diesem Punkt wären wir besser dran, wenn wir zum Jahr 1985 zurückkehren würden, als sich alle bei Tower Records anstellten.
42. Die Monkees streben mit ihrem experimentellen Film „Head“ (1968) nach einer neuen Ebene der künstlerischen Freiheit
1967 waren die Monkees so groß wie die Stones, die Beatles und alle anderen in der Popmusik. Sie hatten eine narrensichere Formel, bei der ihre Fernsehshow ihre Musik promotete, und ihre Musik wiederum die Fernsehshow promotete. Das führte zu großen Hits wie „I’m a Believer“, „Daydream Believer“ und „Pleasant Valley Sunday“. Aber die Fernsehserie war cartoonhaft und richtete sich fast ausschließlich an Kinder. Als es 1968 an der Zeit war, einen Film zu drehen, taten sie sich mit einem vorberühmten Jack Nicholson zusammen, waren unglaublich bekifft und entwickelten den unverständlichen psychedelischen Film Head. Alle vier Monkees sterben in der ersten Szene, und von da an wird es nur noch seltsamer. Die Musik ist absolut hervorragend, vielleicht das Beste, was sie je gemacht haben, aber die Kinder kauften Karten in der Erwartung, etwas wie die verrückte Fernsehshow zu sehen – und die Erwachsenen blieben ganz weg. Es war ein absolutes Fiasko, das den Anfang vom Ende der Band markierte.
41. Prince ändert seinen Namen in ein unaussprechliches Kürzel (1993)
Prince war zu Recht frustriert über sein Label Warner Bros. Records im Jahr 1993. Er nahm in rasantem Tempo Musik auf, die von der Firma einfach nicht veröffentlicht wurde. Außerdem empfand er den Vertrag, den er 1977 mit dem Label abgeschlossen hatte, als unfair und machte ihn im Grunde zu einem „Sklaven“. Er beschloss, dass es das Beste sei, seinen Namen in ein unaussprechliches Symbol umzuwandeln, weil er dachte, dass dadurch sein Vertrag irgendwie ungültig würde. Das war aber nicht der Fall. Warner Bros. schickte schließlich Tausende von Computerdiscs mit dem Symbol an die Medien, damit sie seinen neuen Namen abdrucken konnten. Sie bezeichneten ihn auch als „the Artist Formerly Known as Prince“. Die ganze Aktion verwirrte seine Fans und trug wenig zu seinen schwächelnden Plattenverkäufen bei. Er änderte seinen Namen im Jahr 2000 wieder.
40. Britney Spears lehnt „Umbrella“ ab (2007)
Als Tricky Stewart 2007 „Umbrella“ mitschrieb, stellte er sich vor, dass Britney Spears den Song singt. Die beiden hatten 2003 gemeinsam an ihrem Madonna-Duett „Me Against the Music“ gearbeitet. Aber Spears kämpfte mit vielen persönlichen Dämonen, als der Song an ihr Team geschickt wurde, und sie entschieden, dass es sich nicht lohnte, ihn aufzunehmen. „Umbrella“ fand schließlich seinen Weg zu Def Jam und einer jungen Künstlerin namens Rihanna. Der Song wurde weltweit zum Nummer-1-Hit und machte die Sängerin zu einem der größten Stars ihrer Zeit. Hätte Britney „Umbrella“ aufgenommen, wären die letzten 15 Jahre der Popmusikgeschichte vielleicht ganz anders verlaufen.
39. Chris Cornell macht auf R&B (2008)
Auf dem Weezer-Hit „Pork and Beans“ von 2008 beklagt sich Rivers Cuomo über den Druck, dem alternde Musiker ausgesetzt sind, um aktuell zu bleiben. „Timbaland weiß, wie man an die Spitze der Charts kommt“, singt er. „Wenn ich mit ihm zusammenarbeite, kann ich die Kunst vielleicht perfektionieren.“ Cuomo meinte es nicht ernst und hatte nicht wirklich die Absicht, mit Timbaland zusammenzuarbeiten, aber Chris Cornell hat es auf seiner 2009 erschienenen Solo-LP „Scream“ tatsächlich getan. Es schien eine Chance zu sein, sowohl Hip-Hop- als auch Neunziger-Rock-Fans anzusprechen, aber es stellte sich heraus, dass keines dieser Publikumsgruppen auch nur das geringste Interesse daran hatte, dieses Ding zu hören. Das Album wurde von den Kritikern verrissen, die Singles floppten allesamt, und innerhalb von zwei Jahren tat Cornell so, als hätte es die ganze Sache nie gegeben und sich mit Soundgarden wieder zusammengetan.
38. Roger Waters fordert Pink Floyd heraus, es ohne ihn zu tun (1985)
Als Roger Waters sich 1985 von Pink Floyd trennte, dachte er, er würde die Band für immer aufgeben. Immerhin war er ihr wichtigster Songschreiber und kreativer Kopf, seit Syd Barrett die Band 1968 verlassen hatte. Er dachte, sie würden sich einfach auflösen und alle Fans würden ihm in seine Solokarriere folgen. Was er nicht wusste, war, dass Pink Floyd eine wesentlich berühmtere „Marke“ war als Roger Waters und dass die verbleibenden Mitglieder der Band weiterhin Stadien füllen und sogar mit Hilfe von externen Autoren neue Hits schreiben konnten. Als die beiden 1987 auf Tournee gingen, sah sich Waters in vielen Märkten mit einem Meer von leeren Plätzen konfrontiert, während Floyd mehrere Abende in Fußballstadien spielten. Das machte ihn absolut wahnsinnig. „Wenn einer von uns Pink Floyd genannt werden sollte, dann bin ich das“, knurrte er 1987 dem Rolling Stone zu. „Das da oben ist mein Schwein. Das ist mein Flugzeug, das abstürzt … das ist ihr Trockeneis.“ Es sollte noch mehr als ein Jahrzehnt dauern, bis Waters eine weitere Tournee unternahm, und zu diesem Zeitpunkt waren Pink Floyd schon nicht mehr existent. Erst dann konnte er sich endlich als Headliner in einer Arena etablieren.
37. Die Stone Roses brauchen fünf Jahre, um „Second Coming“ fertigzustellen (1994)
Das selbstbetitelte Debütalbum der Stones Roses aus dem Jahr 1989 ist ein makelloses Meisterwerk, das den Grundstein für die gesamte Brit-Pop-Bewegung der neunziger Jahre legte. Songs wie „I Wanna Be Adored“, „Fools Gold“ und „I Am the Resurrection“ sind eine perfekte Verschmelzung von Dance, Rock und Psychedelia, die in den letzten drei Jahrzehnten keinen Tag gealtert sind. Diese Songs haben England erobert und hätten den Atlantik nach Amerika überqueren können, wenn sie sich ein wenig Mühe gegeben und in der amerikanischen Clubszene gearbeitet hätten. Das ist aber nicht geschehen. Stattdessen verstrickte sich die Band in einen massiven Rechtsstreit mit ihrem Label, fing an, sich intern zu streiten, und brauchte fünf endlose Jahre, um ihr zweites Album, The Second Coming von 1994, aufzunehmen. Wie der Titel andeutet, fühlten sie sich zu diesem Zeitpunkt als Jesus. Die Öffentlichkeit war anderer Meinung. Sie waren bereits zu Oasis und Blur übergelaufen. Die Stone Roses lösten sich 1996 auf und sollten sich erst 2011 wieder zusammenfinden.
36. David Geffen verklagt Neil Young, weil er sich nicht wie Neil Young anhört (1983)
Als David Geffen Neil Young in den frühen Achtzigern unter Vertrag nahm, ging er davon aus, dass er in absehbarer Zeit weiterhin publikumswirksame Alben wie Rust Never Sleeps und Comes a Time herausbringen würde. Aber dies war eine ganz neue musikalische Ära, und Young war durch die Bedürfnisse seines kleinen Sohnes Ben, der mit einer zerebralen Lähmung geboren wurde, abgelenkt. Er begann, Songs mit einem Vocoder aufzunehmen, der den Klang seiner eigenen Stimme verzerrte, um zu vermitteln, wie es ist, mit einem geliebten Menschen zu kommunizieren, der die Sprache nicht verstehen kann. Das Ergebnis war „Trans“, eine experimentelle LP, die mehr mit Kraftwerk gemein hatte als alles, was Young bis dahin in seiner Karriere gemacht hatte. Es verkaufte sich sehr schlecht, aber ein unbeirrter Young veröffentlichte weiterhin Genre-Alben wie das Rockabilly-inspirierte Everybody’s Rockin‘ und die Country-Sammlung Old Ways. Das erzürnte Geffen so sehr, dass er Young sogar verklagte, weil er „nicht repräsentative“ Musik machte. Das führte zu einem lächerlichen Rechtsstreit, der, wie Geffen später zugab, ein abscheulicher Fehler war. Wenn man Neil Young unter Vertrag nimmt, muss man ihn einfach Neil Young sein lassen.
35. Jane’s Addiction lösen sich zu Beginn der von ihnen mitinitiierten Alt-Rock-Revolution auf (1991)
Auf dem Höhepunkt der Hair-Metal-Bewegung entstanden Jane’s Addiction in der Clubszene von Los Angeles und gaben den Fans die Hoffnung, dass Rock ’n‘ Roll mehr als nur „Talk Dirty To Me“ bedeuten könnte. Ihr Erfolg ermöglichte es Gruppen wie Nirvana, Pearl Jam und Soundgarden, die nationale Szene zu erobern, und sie gründeten das ursprüngliche Lollapalooza, um diesen Bands eine noch größere Plattform zu bieten. Aber nachdem sie nur zwei richtige Alben aufgenommen hatten, genau zu dem Zeitpunkt, als der Alt-Rock anfing, richtig Geld zu verdienen, gab die Gruppe auf. „Ich habe darüber nachgedacht, warum genau ich so etwas tun würde“, sagte Frontmann Perry Farrell dieses Jahr dem Rolling Stone. „Wenn ich jetzt darauf zurückblicke, erscheint es mir wie einer der dümmsten Schritte, die ich je in meinem Leben gemacht habe. Wir waren auf dem Gipfel der Welt.“ Die Band kam 1997 wieder zusammen, konnte aber nie wieder den Schwung zurückgewinnen, den sie durch die ursprüngliche Trennung verloren hatte.
34. Robin Thicke versucht, seine Ex-Frau mit einem schrecklichen Album zurückzugewinnen (2014)
Für einen kurzen Moment im Jahr 2013 war Robin Thicke ganz oben. Nach einem Jahrzehnt, in dem er R&B-angehauchte Songs kreierte, die nie mehr als ein Kultpublikum fanden, hatte er mit „Blurred Lines“ endlich einen echten Monsterhit, dank eines gewagten Videos mit Emily Ratajkowski, Elle Evans und Jessi M’Bengue. Doch schon bald gab es heftige Reaktionen, da der Song zu suggerieren schien, dass es „verschwommene Linien“ zwischen einvernehmlichen und nicht einvernehmlichen sexuellen Begegnungen gibt. Der Song war auch Gegenstand einer Klage des Marvin-Gaye-Vermögens, das der Meinung war, dass er Gayes Song „Got to Give It Up“ aus dem Jahr 1977 geklaut hatte. Während dieser ganzen Zeit nahm Thicke Drogen und betrog seine Frau Paula Patton. Als sie 2014 die Scheidung einreichte, versuchte er, sie zurückzugewinnen, indem er sein nächstes Album Paula nannte und einen Song nach dem anderen über seine unsterbliche Hingabe zu ihr schrieb. Das Album ist von Anfang bis Ende ein einziger Fauxpas, den die Kritiker verrissen und die Fans ignorierten. Es hat auch nicht funktioniert. Die Scheidung wurde 2015 vollzogen. Seit Paula weg ist, hatte er keinen einzigen Hit mehr und ist jetzt Juror bei The Masked Singer.
33. Kiss versuchen sich an einem ernsthaften Konzeptalbum (1981)
Zu Beginn der achtziger Jahre hatten Kiss es satt, als Band für Kinder oder verquere Erwachsene angesehen zu werden. In den letzten Jahren hatten sie mit ihrem Disco-Song „I Was Made For Lovin‘ You“ große Erfolge gefeiert, aber es gab auch epische Flops, wie ihren Fernsehfilm Kiss Meets the Phantom of the Park und die vier Soloalben, die sie 1978 am selben Tag veröffentlichten. Bob Ezrin, der Produzent ihrer beliebtesten Alben, hatte gerade Pink Floyd bei der Entwicklung von The Wall geholfen, und sie beschlossen, ihn wieder in die Herde zu holen, um etwas ebenso Ehrgeiziges zu schaffen. Das Ergebnis war Music From the Elder, ein unzusammenhängendes, verworrenes Konzeptalbum, das dem Kiss-Sound einen Chor und ein Orchester hinzufügte – mit vorhersehbar schrecklichen Folgen. Die Handlung dreht sich um eine Figur, die nur als The Boy bekannt ist und sich mit einem weisen Guru namens Morpheus zusammentut, um eine schattenhafte Gruppe von Bösewichten zu einem unbestimmten Zeitpunkt in der Zukunft zu bekämpfen. (Das hört sich vielleicht an wie The Matrix, aber glauben Sie uns, wenn wir sagen, dass das der Sache viel zu viel Ehre machen würde). Es ist so verblüffend schlecht, dass die Gruppe nicht einmal auf Tournee ging und alle Pläne verwarf, eine weitere Seite aus dem Pink Floyd-Drehbuch zu nehmen und einen Film zu drehen, der damit zusammenhängt. „Das war das einzige Mal, dass ich sagen würde, dass Kiss den Kritikern nachgegeben hat“, sagte Gene Simmons viele Jahre später. „Wir wollten einen kritischen Erfolg. Und wir haben unseren Verstand verloren.“
32. Die New York Dolls bekennen sich zum Kommunismus (1974)
Das selbstbetitelte Debütalbum der New York Dolls aus dem Jahr 1973 war nicht nur wegweisend für die gesamte nachfolgende Punkrock-Revolution, sondern auch ein Street-Glam-Meisterwerk, das mit dem Alter nur noch besser wird. Es gibt nicht einen schwachen Song auf dem ganzen Album. Zu jener Zeit war es jedoch eine große kommerzielle Enttäuschung, die ihren Höhepunkt auf Platz 116 erreichte. In einem radikalen Versuch, ihr Image zu ändern und Aufmerksamkeit zu erregen, nachdem der Nachfolger von 1974 noch schlechter abschnitt, heuerten sie Malcolm McLaren an und stimmten seinem verrückten Plan zu, sich in rotes Leder zu kleiden und vor einer roten Flagge mit Hammer und Sichel zu spielen. Die Provokation sollte ihnen Aufmerksamkeit in der Presse verschaffen, wurde aber meist einfach ignoriert. Die Gruppe löste sich Monate später auf. Wenig später stellte McLaren die Sex Pistols zusammen und bewies, dass man mit Musik, die auf dem französischen Situationismus und nicht auf dem Kommunismus basiert, viel sicherer in den Charts landen kann.
31. Leonard Cohen nimmt eine Platte mit dem legendären Produzenten und schießwütigen Psychopathen Phil Spector auf (1977)
Phil Spector produzierte einige der besten Songs der frühen sechziger Jahre und erlebte in den frühen siebziger Jahren ein großes Comeback, als die Beatles ihn baten, ihr Projekt Let It Be zu retten. Dies führte zur Arbeit an John Lennons Imagine und Geroge Harrisons All Things Must Pass. Man kann es Leonard Cohen nicht verübeln, dass er Spector um die Produktion seiner 1977 erschienenen LP Death of a Ladies Man bat. Cohens Karriere begann vor zehn Jahren und er hatte noch kein Album, das höher als Platz 63 der Billboard-Album-Charts stieg. Warum sollte er nicht den meistverehrten Produzenten der Rockgeschichte ausprobieren? Was er nicht wusste, war, dass sich Spectors geistiger Zustand bis zu einem beängstigenden Punkt verschlechtert hatte und er ein paranoider, flüchtiger, waffenbewaffneter Verrückter war. „Es gab viele Waffen im Studio und viel Alkohol“, sagte Cohen 2001, „eine etwas gefährliche Atmosphäre“. Es gelang ihnen, ein paar wirklich großartige Songs wie Memories“ und True Love Leaves No Traces“ aufzunehmen, aber Spector machte sich irgendwann mit den Bändern aus dem Staub und stellte das Album einfach alleine fertig, wobei er den rauen Gesang verwendete, den Cohen später noch perfektionieren wollte. Das Ergebnis ist ein sehr kompromittiertes Album, das weder Cohen noch seine Fans zufrieden stellte. Es schaffte es nicht einmal in die Billboard 200.
30. Die Spin Doctors veröffentlichen „Cleopatra’s Cat“ (1994)
Wenn Rockhistoriker auf das Jahr 1992 zurückblicken, konzentrieren sie sich oft auf den Aufstieg von Grunge-Bands wie Pearl Jam und Nirvana. Aber wenn man eine Zeitmaschine in das Jahr zurückreisen ließe und MTV oder das Radio einschalten würde, würde man mit den Spin Doctors bombardiert. Ihre Singles „Two Princes“, „Little Miss Can’t Be Wrong“ und „Jimmy Olsen’s Blues“ waren in diesem Jahr unausweichlich. Sie alle stammten von der Debüt-LP der Gruppe, Pocket Full of Kryptonite. Es schien der Beginn einer sehr langen und vielversprechenden Karriere zu sein. Doch als es an der Zeit war, die Nachfolge-LP Turn It Upside Down aus dem Jahr 1994 auf den Markt zu bringen, legten sie mit der Single Cleopatra’s Cat“ los. Der Song hatte einen schlaffen, leblosen Jazz-Funk-Groove und ließ alles vermissen, was einer einprägsamen Hook ähnelte. Aber das war nur der Anfang. Sänger Chris Barron scattete buchstäblich seinen Gesang, der mit Anspielungen auf Mark Anton, Brutus und Zenturien gespickt war, die das jugendliche Publikum der Doctors völlig überforderten; MTV ließ das Video innerhalb von ein oder zwei Tagen fallen. „Es war der falsche Schritt“, twitterte Barron im Jahr 2022. „Ich war zu der Zeit unzufrieden damit. Unser Management dachte, es wäre eine Art langsame Verbrennung und wir würden mehr aus der Platte herausholen.“ Gutes Management!
29. Guns N‘ Roses beginnen mit der Arbeit an „Chinese Democracy“ (1994)
Als Axl Rose Mitte der neunziger Jahre jedes einzelne Mitglied von Guns N‘ Roses entließ, hatte er ein kurzes Zeitfenster, um zu beweisen, dass die Gruppe immer noch als kreative Einheit und nicht nur als verwässerter Oldie-Act weitermachen konnte. Hätten sie ein weiteres Album produziert, das auch nur annähernd an die Qualität von Appetite for Destruction oder sogar Use Your Illusion I und II herankommt, wären die Hasser zum Schweigen gebracht worden, und sie hätten vorwärts marschieren können. Stattdessen verbrachten Axl und eine rotierende Crew neuer Kanoniere fast 15 Jahre damit, an Chinese Democracy zu arbeiten und verbrannten dabei unzählige Millionen Dollar und eine unabsehbare Menge an Fan-Wohlwollen. Das Label der Band, Geffen, bot Rose sogar einen Millionenbonus an, wenn er das Album bis 1999 fertigstellen würde – eine Frist, die er um neun Jahre verpasste. Als es 2008 endlich herauskam, schenkten ihm nur noch wenige Fans Beachtung. Ein wenig Geduld ist eine Sache. Fast 20 Jahre sind etwas anderes.
28. Van Halen engagieren den Mann von Extreme als neuen Sänger (1996)
Van Halen kämpften bereits Mitte der neunziger Jahre mit der Schwerkraft, nachdem ihre LP Balance kommerziell enttäuschte und MTV im Grunde jede Band aus ihrer Ära ausschaltete. Der beste Weg nach vorne war zu diesem Zeitpunkt, sich entweder mit David Lee Roth für eine Tournee wieder zu vereinen oder mit Sammy Hagar ins Studio zu gehen und ein weiteres Killer-Album zu machen. Sie entschieden sich für Option C: Sie feuerten Sammy Hagar, kündigten bei den MTV Video Music Awards eine Wiedervereinigung mit Roth an und holten dann den ehemaligen Extreme-Sänger Gary Cherone als Frontmann der Band für ein wenig überzeugendes Album und eine Tournee. „Es war ein schlechter Zeitpunkt für diesen Schritt“, sagte Hagar Anfang des Jahres dem Rolling Stone. „Das war der größte Fehler, den die Band je gemacht hat.“
27. Elvis Presley lehnt eine Rolle in ‚A Star Is Born‘ ab (1976)
Elvis Presley hat eine Handvoll anständiger Filme gedreht, vor allem Viva Las Vegas, King Creole, Blue Hawaii und Jailhouse Rock. Aber die große Mehrheit von ihnen ist reiner Schund wie Harum Scarum und Clambake – und er hat keinen einzigen Film gemacht, der die Generationen überdauert hat. Das hätte anders sein können, wenn Elvis 1976 an der Seite von Barbra Streisand in dem Remake von A Star Is Born aufgetreten wäre. Presley war Streisands erste Wahl für die Rolle, und sie trafen sich persönlich, um darüber zu sprechen. Aber Colonel Tom Parker bestand darauf, dass Elvis die Hauptrolle und eine exorbitante Gage erhielt. Parker hasste auch das Drehbuch, da es seine Figur als gescheitert darstellte. Das war mehr Ärger, als die Produzenten verkraften konnten, und so besetzten sie stattdessen Kris Kristofferson. Ein gefeierter Film hätte Elvis zu einem großen Comeback verhelfen und ihm helfen können, sein Leben in einer sehr schwierigen Zeit wieder in Ordnung zu bringen. Leider ist es nicht dazu gekommen.
26. Mountain hat keine Lust, im Woodstock-Film mitzuspielen (1969)
Woodstock ist das berühmteste Festival der Rockgeschichte, und Künstler wie The Who, Santana, CSNY und Joe Cocker profitierten enorm von ihrer Verbindung mit dem Festival. Diese Künstler haben alle den Vertrag unterschrieben, um im Woodstock-Film aufzutreten, der von einem weitaus breiteren Publikum als den Hippies gesehen wurde, die sich nach Bethel Woods, New York, geschleppt hatten. Die „Mississippi Queen“-Rocker Mountain stimmten jedoch nicht zu, im Film aufzutreten, obwohl sie am zweiten Tag des Festivals zwischen Canned Heat und Grateful Dead ein explosives Set spielten. „Ich weiß nicht, was damals mit meinem Manager passiert ist, wahrscheinlich hat er nicht genug Geld bekommen“, sagte Mountain-Frontmann Leslie West 2015. „Wer weiß?“ Und wer weiß, was mit Mountain in den Siebzigern und darüber hinaus hätte passieren können, wenn sie in dem Film mitgespielt hätten.
25. Warner Bros. gibt R.E.M. eine Vertragsverlängerung in Höhe von 80 Millionen Dollar, kurz bevor ihre Karriere in die Brüche geht (1996)
Es ist leicht zu verstehen, warum Warner Bros. der Meinung war, dass R.E.M. 1996 einen 80 Millionen Dollar schweren Plattenvertrag verdienten, der sie verpflichtete, fünf weitere Alben für das Label aufzunehmen. Sie hatten gerade eine Reihe lächerlich erfolgreicher Alben mit Hits wie „Losing My Religion“, „Everybody Hurts“ und „Man on the Moon“ herausgebracht und waren in den letzten 15 Jahren eine der von der Kritik am meisten bewunderten Bands der Welt gewesen. Dies war der Höhepunkt der großen Geldgeschäfte für Ikonen wie Janet Jackson und Metallica, und die Labels schwammen dank der 20-Dollar-CDs in Geld. Aber Warner Bros. wusste nicht, dass der Gründungsschlagzeuger Bill Berry die Band verlassen würde. Das Unternehmen wusste nicht, dass ihre LP Up von 1998 ein kommerzieller Flop sein würde und dass die nächsten Alben noch schlechter abschneiden würden. Sie wussten nicht, dass Napster innerhalb weniger Jahre auf den Plan treten und ihr CD-basiertes Geschäftsmodell völlig zerstören würde. Sie dachten, dass das Jahr 1996 ewig dauern würde, und das hat sie ein Vermögen gekostet. Mehr als 25 Jahre später wird dies von vielen immer noch als der schlechteste Plattenvertrag aller Zeiten angesehen.
24. Dee Dee Ramone verlässt die Ramones und nimmt ein Rap-Album auf (1989)
Dee Dee Ramone ist ein hervorragender Bassist, Texter und Songschreiber. Aber er ist ein sehr, sehr schlechter Rapper. Den Beweis dafür finden Sie in seiner Single „Funky Man“ aus dem Jahr 1987, die lyrische Perlen enthält wie „Ich spiele den Bass in einer Punkrock-Band / Ich war in der ganzen Welt / Sogar in Japan / Und nichts kann mich überraschen, Mann / Ich habe alles gesehen / Ich hatte Spaß / Jemand sollte eine Dee Dee-Puppe machen.“ Seine Ramones-Bandkollegen waren beschämt, als er anfing, in voller Hip-Hop-Kleidung zu den Shows zu erscheinen, und noch weniger ermutigt, als er 1989 beschloss, ein ganzes Rap-Album unter dem Namen Dee Dee King aufzunehmen. Er verließ die Ramones noch im selben Jahr. Nachdem das Album kommerziell und von den Kritikern schlecht aufgenommen wurde, kehrte er zum Punkrock zurück.
23. MC Hammer wird zum Gangsta, „Hammer Time“ kommt zu einem quietschenden Ende (1994)
MC Hammer war der kommerziell erfolgreichste Rapper der frühen Neunziger Jahre, aber die Szene veränderte sich schnell, als Dr. Dre 1992 The Chronic veröffentlichte und Gangsta-Rap Songs wie „U Can’t Touch This“ und „2 Legit 2 Quit“ hoffnungslos veraltet erscheinen ließ. Hammer reagierte darauf, indem er das MC aus seinem Namen strich und mit seinem 1994 erschienenen Album The Funky Headhunter seine eigene Version von G-Funk ausprobierte. Das Video zur Leadsingle „Pumps and a Bump“ zeigte Hammer in einem verstörend engen Speedo, umgeben von Frauen in winzigen Bikinis. Das Video war so anzüglich, dass MTV sich weigerte, es in der Heavy Rotation zu zeigen, und das Album verkaufte sich nur zu einem Bruchteil seiner früheren Platten. Hätte Amerika Hammer als Gangsta akzeptiert? Wahrscheinlich nicht. Aber Hammer als Gangsta in einem Speedo war definitiv eine Brücke zu weit.
22. Mötley Crüe feuern Vince Neil und machen ein Industrial-Album (1994)
Der Beginn der Alternative-Rock-Revolution in den frühen Neunzigern war im Grunde genommen ein Todesurteil für die meisten Hair-Metal-Bands der Achtziger, aber es hätte ein Szenario geben können, in dem Mötley Crüe irgendwie überlebt hätte. Sie waren die größte Band der Szene, Nikki Sixx war (und ist eigentlich immer noch) ein begnadeter Songschreiber und ihre 1989er LP, Dr. Feelgood, war ihre bis dato beliebteste Veröffentlichung. Wenn sie zusammengeblieben wären, hart gearbeitet hätten und auf dem Schwung von Dr. Feelgood aufgebaut hätten, wäre es nicht undenkbar gewesen, neben Nirvana zu bestehen. Stattdessen feuerten sie Frontmann Vince Neil, engagierten den Sänger John Corabi als Ersatz und beschlossen, ein Alt-Rock-Album zu machen. Dieser Prozess dauerte fünf lange Jahre, und als sie 1994 mit einer selbstbetitelten LP wieder auftauchten, war der Grunge bereits auf dem Weg nach draußen. Sie schienen wie Besucher aus einem anderen Zeitalter zu sein, und ihre Tournee zur Unterstützung des Albums fand vor leeren Rängen statt. Drei Jahre später fanden sie sich mit Vince Neil wieder zusammen und versuchten, weiterzumachen, aber bis dahin hatte sich die Zahl derer, die sich nicht dafür interessierten, noch weiter vergrößert.
21. Scooter Braun macht Taylor Swift wütend (2019)
Scooter Braun hatte keine Ahnung, mit wem er sich 2019 anlegte, als er die Big Machine Label Group kaufte, zu der auch die Masteraufnahmen von Taylor Swift gehören. Der Musikmanager, der hinter Justin Bieber, Ariana Grande und Usher steht, dachte vielleicht, er könne die Master einfach abgreifen und sie für Geld ausquetschen, aber er rechnete nicht damit, dass Swift mit ihrer Wut über die Situation an die Öffentlichkeit gehen würde – und alle ihre alten Alben neu aufnehmen würde, damit sie die neuen „Taylor’s Version“-Master besitzen würde. Außerdem wurde er über Nacht zum Staatsfeind Nummer eins für die Swiftie-Armee. „Ich bedauere und bin traurig, dass Taylor so auf den Deal reagiert hat“, sagte er 2021. „Ich weiß nicht, welche Geschichte man ihr erzählt hat. Ich habe sie mehrmals gebeten, sich mit mir zusammenzusetzen, aber sie hat sich geweigert.“ Swift sagt, dass nichts davon wahr ist, aber das ist zu diesem Zeitpunkt auch egal. Brauns Ruf war noch nie so schlecht wie heute.
20. Suge Knight spricht bei den Source Awards (1995)
Im August 1995 stand Suge Knight bei den Source Awards auf der Bühne, um zusammen mit Danny Boy den Preis für den Motion Picture Soundtrack of the Year für ihre Arbeit am Soundtrack zu Above the Rim entgegenzunehmen. „Jeder Künstler da draußen, der ein Künstler sein oder ein Star bleiben will – und sich nicht darum kümmern will, dass ein ausführender Produzent versucht, alle Videos, alle Platten und alle Tänze zu machen – kommt zu Death Row.“ Das war ein direkter Schuss gegen Puff Daddy wegen seiner Arbeit mit Notorious B.I.G. Es war auch der Beginn des Rap-Kriegs zwischen der Ost- und der Westküste, der nach Meinung einiger Leute indirekt zum Tod von Tupac Shakur und Biggie führte, weil er die Spannungen zwischen den beiden Lagern anheizte. Knight hat in seinem Leben viele schlimmere Dinge getan als diesen kurzen Moment auf der Bühne, aber keines hatte so tragische Folgen.
19. Die Beach Boys schwänzen das Monterey Pop Festival (1967)
Das Monterey Pop Festival sollte aufregende neue Acts wie die Who, die Jimi Hendrix Experience, Grateful Dead, die Mamas & the Papas und Big Brother and the Holding Company präsentieren. Brian Wilson saß im Vorstand des Festivals, und die Beach Boys wurden für den zweiten Abend gebucht. Das schien sehr sinnvoll zu sein, denn sie waren die kalifornische Band schlechthin und „Good Vibrations“ war gerade im Jahr zuvor erschienen. Aber sie befanden sich mitten in einer sehr schwierigen Zeit, da sich Brians geistiger Zustand verschlechterte, er sein ehrgeiziges Projekt Smile Anfang des Jahres nicht abschließen konnte und Carl Wilson sich mit der US-Regierung wegen der Einberufung zum Vietnamkrieg stritt. Im Laufe der Jahre haben sie viele Ausreden genannt, warum sie sich in letzter Minute vom Monterey Pop zurückgezogen haben, aber die Befürchtung, neben den hippen, neuen Bands lahm zu wirken, hat sicherlich eine große Rolle gespielt. Im Nachhinein betrachtet war diese Entscheidung ein wichtiger Wendepunkt in ihrer Karriere, denn sie machten zwar weiterhin viel großartige Musik, waren aber nie mehr wirklich Teil des Rock-Mainstreams.
18. David Bowie deutet an, dass er mit Nazis einverstanden ist (1975)
Kokain ist eine Wahnsinnsdroge. Das weiße Pulver ist für viele Fehlentscheidungen in der Rockgeschichte verantwortlich und führte zu epischen Katastrophen wie der Oasis-LP von 1997, Be Here Now, und einem Großteil von Elton Johns achtziger Jahren. David Bowie gedieh irgendwie auf der Droge und sie trieb sein Meisterwerk Station to Station von 1976 voran. Aber es forderte einen enormen Tribut für seine geistige Gesundheit, da er tagelang wach blieb. Sein einzigartiger Schlafrhythmus mag ein Grund dafür gewesen sein, dass er 1976 einem Playboy-Interviewer dieses berühmt-berüchtigte Kleinod anvertraute. „Ich glaube sehr stark an den Faschismus“, sagte er. „Adolf Hitler war einer der ersten Rockstars.“ Ungefähr zu dieser Zeit wurde er auch dabei fotografiert, wie er in der Londoner Victoria Station einen scheinbaren Nazi-Gruß zeigte. Bowie hat dies natürlich bestritten, und es scheint, dass Salutegate einfach nur ein unglücklich getimtes Foto eines Winkens an die Fans war, aber es hat zu einer sehr giftigen Presse geführt. Hier sind einige Lektionen: Nehmen Sie kein Kokain, predigen Sie nicht öffentlich über die Herrlichkeit des Faschismus und winken Sie den Fans nicht auf eine Weise zu, die wie ein „Heil Hitler“-Gruß aussieht. Das sieht einfach nie gut aus.
17. Die Bee Gees und Peter Frampton drehen eine Filmversion von ‚Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band‘ (1979)
1978 gab es keine größeren Musikacts auf dem Planeten als die Bee Gees und Peter Frampton. Ihre letzten Alben, Frampton Comes Alive! und der Soundtrack zu Saturday Night Fever, verkauften sich insgesamt 10 Millionen Mal und machten sie zu stadiontauglichen Superstars. Für ihren nächsten Auftritt beschlossen sie, sich für das musikalische Jukebox-Monstrum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band zusammenzutun, an der Seite von Steve Martin, George Burns, Alice Cooper, Aerosmith, Donald Pleasence und Sandy Farina. Unter der Regie von Michael Schultz wird die Musik der Beatles in einen psychedelischen Fiebertraum verwandelt, der mit einer Varietéshow im Stil von Donny & Marie aus den Siebzigern gemischt wird. „Die Kids von heute kennen Sgt. Pepper von den Beatles nicht“, sagte Robin Gibb damals. „Wenn unser Album herauskommt, wird es so sein, als hätte es das ihre nie gegeben. Ähm, nein. Tatsächlich wurde der Film zu einem der größten Flops in der Filmgeschichte bis zu diesem Zeitpunkt und die Bee Gees und Frampton wurden durch den Misserfolg schwer geschädigt.
16. Metallica legt sich wegen Napster mit den eigenen Fans an (2000)
Metallica hatten nicht unrecht, als sie Napster als existenzielle Bedrohung für die Plattenindustrie ansahen, wie sie bis zu diesem Zeitpunkt existierte. Sie waren nicht zu Unrecht entsetzt darüber, dass ihr Song „I Disappear“ aus dem Jahr 2000 auf der File-Sharing-Plattform durchsickerte, bevor sie ihn veröffentlichen konnten. Sie hatten nicht unrecht, wenn sie sich darüber aufregten, dass Fans ihren gesamten Katalog kostenlos weitergaben. Sie hatten nicht einmal Unrecht, Napster zu verklagen. Aber in den Augen vieler Fans haben sie eine gewaltige Grenze überschritten, als sie die Namen von über 30.000 Metallica-Fans an Napster übermittelten und darum baten, von dem Dienst gesperrt zu werden. Die Gegenreaktion war fast überall zu spüren und verfolgte sie über Jahre hinweg. „Vielleicht war es nicht die klügste PR-Maßnahme aller Zeiten, aber zumindest haben wir die Auseinandersetzung gewonnen“, sagte Metallica-Schlagzeuger Lars Ulrich Jahre später. „Wie man so schön sagt: Das und ein Vierteldollar bringen mich in den Bus, aber damals schien es eine wirklich gute Idee zu sein.“
15. Ashlee Simpson tritt bei ‚SNL‘ auf, obwohl sie sich eigentlich hätte krank melden müssen (2004)
Ashlee Simpsons Karriere explodierte gerade, als sie im Oktober 2004 in einer Folge von Saturday Night Live als musikalischer Gast an der Seite von Moderator Jude Law gebucht wurde. Sie lieferte ihren Eröffnungssong „Pieces of Me“ ohne Probleme ab, aber als sie für „Autobiography“ zurückkam, begannen voraufgenommene Gesangsspuren von „Pieces of Me“ zu spielen. Eine gedemütigte Simpson tanzte kurz ein Tänzchen, bevor sie von der Bühne rannte, als die Show in die Werbung ging. Der Moment ging in jenen primitiven Tagen der sozialen Medien viral und jeder nahm an, Simpson sei ein Milli Vanilli-ähnlicher Betrüger. Simpson hat eine Reihe von Erklärungen dafür geliefert, warum sie sich für eine Gesangsspur entschieden hat, darunter auch Sodbrennen. Die Welt hätte es nie erfahren, wenn SNL auf den richtigen Song gedrückt hätte, aber dieser verhängnisvolle Fehler behinderte ihre Karriere in einer Weise, die bis heute nachwirkt.
14. Die Beatles: „Wir sind größer als Jesus“ (1966)
Im Februar 1966 sprach John Lennon mit Maureen Cleave, einer Reporterin der Londoner Zeitung The Evening Standard, als er begann, über Religion zu dozieren. „Das Christentum wird verschwinden“, sagte er. „Es wird verschwinden und schrumpfen. Darüber brauche ich nicht zu streiten; ich habe Recht und werde Recht behalten. Wir sind jetzt populärer als Jesus; ich weiß nicht, was zuerst verschwinden wird – Rock & Roll oder das Christentum.“ In England erregten die Kommentare kein großes Aufsehen, aber in Amerika sah das ganz anders aus, nachdem sie den Atlantik überquert hatten. Radiosender im ganzen Süden verboten die Musik der Beatles, und in Waycross, Georgia, wurden sogar Beatles-Platten in einem Lagerfeuer verbrannt. Als die Fab Four einige Monate später nach Amerika kamen, sahen sie sich massiven Protesten vor einigen Konzerten und leeren Plätzen in einigen Märkten gegenüber. Es war eine miserable Zeit für die gesamte Band, und sie gingen nie wieder auf Tournee.
13. Garth Brooks wird zu Chris Gaines (1999)
Country-Megastar Garth Brooks war 1999 auf dem Höhepunkt seines Ruhms, als er beschloss, seine Fans zu verwirren, indem er in die Rolle des fiktiven australischen Rockstars Chris Gaines schlüpfte, komplett mit einer Scheinfolge von Behind the Music, einer von Don Was produzierten LP mit neuen Songs, einer schrecklichen Perücke und einem Soul-Patch und sogar mit dem Versprechen eines Gaines-Biopics. Brooks moderierte Saturday Night Live als er selbst, mit Gaines als musikalischem Gast, was lediglich bedeutete, dass er sich während der Werbepause eine Perücke aufsetzte. Mit diesem bizarren Schachzug experimentierte Brooks scheinbar geschickt mit neuen Klängen, und die Single „Lost in You“ war in der Tat ein kleiner Hit, aber das Album verkaufte sich nur zu einem winzigen Bruchteil seiner früheren Alben, und das Biopic kam nie zustande. Country-Fans lieben Country-Musik wirklich sehr und verehren Garth Brooks. Aber auf Chris Gaines können sie verzichten. Brooks kehrte 2001 mit Scarecrow zu seinem klassischen Sound zurück, aber er schaffte es nie ganz, den Karriereschwung wiederzuerlangen, den er vor Gaines hatte.
12. Die Jungs von Creedence Clearwater Revival, die nicht John Fogerty sind, wollen anfangen, Songs zu schreiben (1972)
Die meisten Rockbands wären begeistert gewesen, John Fogerty als Mitglied zu haben. Er ist nicht nur ein hervorragender Sänger und Gitarrist, sondern auch ein einzigartig brillanter Songschreiber, zu dessen klassischen Hits aus den Sechzigern „Proud Mary“, „Fortunate Son“, „Bad Moon Rising“ und „Who’ll Stop the Rain“ gehören. Aber seine Bandkollegen Doug Clifford, Stu Cook und Tom Fogerty waren verärgert über die Aufmerksamkeit, die er erregte, und darüber, dass die meisten Leute sie nur als seine Begleitmusiker sahen. Die Spannungen veranlassten Tom Fogerty 1971 auszusteigen und im nächsten Jahr stimmte John einem demokratischen Album zu, bei dem Clifford und Cook ihre eigenen Songs schreiben und singen durften. Das Ergebnis war das katastrophale Mardi Gras, das der Rolling Stone-Autor Jon Landau als „das schlechteste Album, das ich je von einer großen Rockband gehört habe“ bezeichnete. Es beweist, dass Demokratie zwar eine großartige Regierungsform sein mag, aber nicht immer das Beste für Bands ist. Die Gruppe löste sich nicht lange nach der Veröffentlichung von Mardi Gras auf.
11. Steven Van Zandt verlässt die E Street Band kurz vor der ‚Born in the USA‘-Tournee (1984)
Die Freundschaft zwischen Steven Van Zandt und Bruce Springsteen reicht bis in ihre Teenagerjahre Mitte der sechziger Jahre zurück. In den frühen Siebzigern spielten sie gemeinsam in zahlreichen Bands. Van Zandt trat der E Street Band kurz nach der Aufnahme von Born to Run im Jahr 1975 bei und die folgenden Jahre waren geprägt von vielen Tourneen und nicht viel Geld. Richtiges Geld gab es erst, als Born in the USA der Band endlich den Pop-Erfolg bescherte, der sie in die Stadien brachte, aber Van Zandt verließ das Album, bevor es herauskam, um sich ganz seiner Solokarriere zu widmen. „Das ist der entscheidende Moment in meinem Leben“, sagte Van Zandt 2020 dem Rolling Stone. „Es war ein Fehler, von dem ich mich nie erholt habe. Finanziell war es eine Katastrophe. Abgesehen davon haben wir die südafrikanische Regierung um Jahre entlastet [Van Zandt gründete 1985 Artists United Against Apartheid]. Aber ist es das wert, all meine Freunde, meine Machtbasis, meinen Einfluss und mein ganzes Kapital zu verlieren, um ein paar Leben zu retten? Und Sie müssen sagen: ‚Ja, sicher. Das war es.‘ Aber wenn ich zurückblicke, denke ich: ‚Mensch, wenn ich doch nur diese Dinge hätte tun und bleiben können. Dann hätte ich das perfekte Leben gehabt.“
10. Billy Squier vernichtet seine Karriere mit einem kitschigen Musikvideo (1984)
Die frühen Tage von MTV waren eine gefährliche Zeit. Die Künstler drehten mit kleinem Budget innerhalb weniger Stunden Videos und wussten nicht, dass sie damit unauslöschliche Bilder schufen, die sie für immer prägen würden. Ein großartiges Video wie „Rio“ von Duran Duran konnte eine Gruppe in den Himmel heben und sie für immer cool machen, aber dann war da noch der Fall von „Rock Me Tonite“ von Billy Squier. Unter der Regie des Choreographen Kenny Ortega zeigt das Video Squier, wie er in einem rosa Tank-Top durch ein pastellfarbenes Schlafzimmer tänzelt. „Als ich das Video sah, fiel mir die Kinnlade runter“, sagte Squier. „Es war teuflisch. Ich sah es mir an und dachte: „Was zum Teufel ist das?“ Die ganze Sache ist schmerzhaft peinlich und hat junge Fans im ganzen Land vergrault. Es hat seine Karriere praktisch ruiniert und war mehrere Jahre lang ein sehr wundes Thema, aber jetzt hat er sich endlich damit abgefunden. „Die Wunden sind verheilt und die Narben sind nicht mehr so tief, denn mein Leben hat sich auf eine gute Art und Weise entwickelt. Ich bin mit dreiundvierzig Jahren aus dem Musikgeschäft ausgestiegen. Ich muss nicht mehr arbeiten. Sehen Sie, wer jetzt lächelt! Dieses Video ist ein schlechter Teil eines guten Lebens.“
9. U2 verschenken ihr neues Album kostenlos in iTunes (2014)
U2 haben sich im Laufe weniger Jahre von Clubs zu Arenen und Stadien entwickelt, weil sie groß denken. Mit dieser Mentalität waren sie in den Achtzigern, Neunzigern und frühen 2000er Jahren sehr erfolgreich, aber 2014 gingen sie ein bisschen zu weit, als sie einen Deal mit Apple eingingen, der vorsah, dass ihr Album Songs of Innocence kostenlos auf den persönlichen Geräten aller Apple-Nutzer erscheinen würde. Wir sprechen hier von einem nicht unerheblichen Prozentsatz des Planeten Erde, und es stellte sich schnell heraus, dass nicht jeder, der ein Telefon besaß, per Definition ein U2-Fan war. Die Reaktionen waren schnell und heftig, vor allem, weil Songs of Innocence qualitativ nicht gerade mit Joshua Tree oder Achtung Baby vergleichbar war. Es dauerte nicht lange, bis Apple gezwungen war, ein Tool zu entwickeln, mit dem die Benutzer die Platte mit einem einzigen Klick löschen konnten. Sie richteten sogar eine Support-Website ein, um die Benutzer durch den Prozess zu führen. „Ich dachte, wenn wir den Leuten unsere Musik zugänglich machen könnten, würden sie sich vielleicht dafür entscheiden, sie zu kaufen“, sagte Bono später. „Nicht ganz.“
8. Ja Rule investiert in das Fyre Festival (2017)
Es gibt alle möglichen Orte, an denen Ja Rule sein Geld im Jahr 2017 hätte investieren können. Er hätte in Immobilien, den Aktienmarkt oder sogar in Bitcoin investieren und damit wahrscheinlich eine Menge Geld verdienen können. Stattdessen entschied er sich, in das Fyre Festival von Billy McFarland zu investieren. Gemeinsam buchten sie Pusha T, Tyga, Desiigner, Blink-182, Major Lazer, Disclosure und viele andere für ein exotisches Festival auf der bahamaischen Insel Great Exuma. Das einzige Problem war, dass sie nicht annähernd genug Zeit oder die notwendigen Ressourcen hatten, um die Veranstaltung durchzuführen. Außerdem hatten sie keine Ahnung, was sie da überhaupt taten. Am Ende wurde das Festival für die Fans, die es auf die Insel geschafft hatten, zu einem Höllentrip im Stil von Escape From New York, auf dem es nicht einmal angemessene Lebensmittel oder Unterkünfte gab. Reiche Hipster lebten in Zelten statt in luxuriösen Cabanas und ernährten sich von Käsesandwiches, während sie verzweifelt darauf warteten, endlich von dort wegzukommen. „Ich entschuldige mich aufrichtig, denn das ist NICHT MEINE SCHULD“, twitterte Ja, als das Fiasko seinen Lauf nahm. Er und McFarland wurden mit Klagen überhäuft, darunter eine Sammelklage über 100 Millionen Dollar. Zu seiner Verteidigung sei gesagt, dass Ja am Ende von jeglichem Fehlverhalten freigesprochen wurde.
7. Blood, Sweat & Tears machen eine von der US-Regierung gesponserte Tournee auf dem Höhepunkt des Vietnamkriegs (1970)
Zu Beginn der siebziger Jahre waren Blood, Sweat & Tears eine der erfolgreichsten Gruppen in Amerika. Hits wie „You’ve Made Me So Very Happy“ und „Spinning Wheel“ waren unausweichlich, sie spielten in Woodstock und gewannen einen Grammy für das Album des Jahres vor Abbey Road von den Beatles. Auf dem Höhepunkt ihres Erfolgs trafen sie die unerklärliche Entscheidung, eine vom Außenministerium gesponserte Tournee durch Polen, Rumänien und Jugoslawien zu unternehmen. Die Idee war, die amerikanische Kultur in den sowjetisch kontrollierten Ostblock zu bringen. Aber das Misstrauen gegenüber der US-Regierung war wegen des Vietnamkriegs so groß wie nie zuvor, und Blood, Sweat & Tears konnten nicht anders, als sich als Propagandisten der Regierung aufzuspielen – was sie mehr oder weniger auch waren. Die Band war nie in der Lage, ihren Ruf wiederherzustellen. Fünf Jahrzehnte später erklärten sie sich sogar bereit, an einem Dokumentarfilm mit dem Titel What the Hell Happened to Blood, Sweat & Tears? mitzuwirken, der sich mit der Geschichte befasst.
6. Kanye West beginnt seine „totale Arschloch“-Ära, indem er Taylor Swift bei den VMAs unterbricht (2009)
Wenn zukünftige Musikhistoriker versuchen, den genauen Zeitpunkt zu bestimmen, an dem Kanye West vom Helden zum Bösewicht wurde, werden sie wahrscheinlich die MTV Video Music Awards 2009 anführen. Das war der Abend, an dem er die Bühne stürmte, während Taylor Swift ihre Dankesrede für „You Belong With Me“ als Bestes weibliches Video hielt. „Yo, Taylor, ich freue mich wirklich für dich“, sagte er. „Ich lasse Sie ausreden, aber Beyoncé hatte eines der besten Videos aller Zeiten! Eines der besten Videos aller Zeiten!“ West wurde aus der Show geworfen, und sogar Präsident Obama nannte ihn einen „Trottel“ für diesen Stunt. Dieser Vorfall scheint unbedeutend zu sein, wenn man bedenkt, welche Verrücktheiten noch folgen sollten. Aber der lange, dunkle, gewundene Weg zum Trump-Hut und zum „Death Con 3″ über jüdische Menschen, zum Zeigen von Pornos für seine Mitarbeiter und zu allem anderen beginnt hier.
5. Woodstock-Organisatoren feiern den 30. Jahrestag der Veranstaltung mit einem furchtbaren Aufstand (1999)
Theoretisch war eine Feier zum 30. Jahrestag von Woodstock im Jahr 1999 sehr sinnvoll. Die 25-Jahr-Feier im Jahr 1994 war ein großer Erfolg, und es gab zu diesem Zeitpunkt einfach nicht viele Festivals in Amerika. Warum also nicht einige der größten Bands der Welt versammeln und eine dreitägige Party veranstalten? Es stellte sich heraus, dass zu einem erfolgreichen Festival viel mehr gehört, als Bands zu buchen und Eintrittskarten zu verkaufen. Sie brauchen angemessene Toilettenanlagen. Sie brauchen eine Möglichkeit, Wasser an alle zu verteilen, ohne dass Sie 4-Dollar-Flaschen verkaufen müssen. Sie brauchen geschultes Sicherheitspersonal. Sie brauchen Orte, an denen die Leute Unterschlupf finden können oder auch nur Schatten, wenn es extrem heiß ist. Sie brauchen einen besseren Ort als einen alten, düsteren, stillgelegten Luftwaffenstützpunkt im Bundesstaat New York. Woodstock 1999 hatte nichts von alledem. Es ist nicht überraschend, dass es mit Unruhen, Lagerfeuern und schrecklichen Geschichten über sexuellen Missbrauch endete. Die Organisatoren versuchten, eine Veranstaltung zum 50. Jahrestag im Jahr 2019 auf die Beine zu stellen, aber das Ganze platzte, nachdem sie auf einer Pressekonferenz in New York City mit großem Tamtam ein Lineup bekannt gegeben hatten.
4. Eric Clapton geht voll auf den Impfstoff-Verschwörungsquatsch ein (2020)
Bis zum Jahr 2020 hatte Eric Clapton einen ziemlich guten Ruf in der Rockszene. Kritiker wiesen auf seine schockierende rassistische Tirade auf der Bühne im Jahr 1976 hin, aber das wurde weitgehend unter den Teppich gekehrt oder als Produkt von zu viel Kokain abgetan. Aber dann kam die Pandemie und Clapton schloss sich dem Chor der Verrückten an, die lächerliche Lügen und Verschwörungstheorien über Covid-Impfstoffe verbreiteten. Er nahm sogar Songs über dieses Thema auf. „Das muss aufhören“, singt er in „This Has Gotta Stop“. „Genug ist genug/Ich kann diesen Quatsch nicht mehr ertragen/Is ist weit genug gegangen/Immer wenn Sie meine Seele beanspruchen wollen/ Müssen Sie kommen und diese Tür aufbrechen.“ Es ist der schlechteste Song in Claptons umfangreichem Katalog, und viele Fans werden ihn nie wieder auf dieselbe Weise betrachten.
3. Decca Records nimmt die Beatles nicht unter Vertrag (1962)
Über die Entscheidung von Decca Records, die Beatles nach einem Vorsingen im Januar 1962 abzulehnen, ist so oft geschrieben worden, dass es schwer ist, Mythos und Tatsache zu trennen. Der Manager der Beatles, Brian Epstein, sagte, dass ihm der Decca-Chef Dick Rowe gesagt habe, dass „Gitarrengruppen auf dem Rückzug sind“, aber Rowe bestand darauf, dass dies eine komplette Erfindung sei. Sicher ist, dass die Beatles am 1. Januar 1962 15 Songs für Decca auf Band aufnahmen – und dass Decca die junge Gruppe ablehnte. Stattdessen nahm das Label Brian Poole and the Tremeloes unter Vertrag. Das war offensichtlich ein enormer Fehler, der Decca unzählige Millionen gekostet hat, aber wir können froh sein, dass es passiert ist, denn es brachte die Beatles auf einen Kurs, der sie zu George Martin und all der Musik führte, die sie gemeinsam machten.
2. Jerry Lee Lewis heiratet seine minderjährige Cousine (1958)
Als Jerry Lee Lewis 1958 zu seiner ersten Überseetournee nach England reiste, beschloss er, seine neue Frau mitzubringen. Als er auf dem Flughafen Heathrow landete, bat ein Reporter die junge Frau, sich zu identifizieren. „Ich bin Myra“, sagte sie. „Jerrys Frau.“ Der Reporter wandte sich dann an Jerry und fragte, wie alt sie sei. „Fünfzehn“, sagte er. Die Presse recherchierte die Geschichte und fand schnell heraus, dass sie eigentlich 13 Jahre alt und seine Cousine war. Der Schock löste Schlagzeilen auf der ganzen Welt aus. Die Tournee wurde größtenteils abgesagt und Lewis war nicht in der Lage, weitere Shows zu buchen oder weitere Hits in den Charts zu landen. Schließlich nahm er seine Karriere als Country-Künstler wieder auf und verdiente gutes Geld mit der Nostalgie der fünfziger Jahre, aber der Skandal verfolgte ihn für den Rest seines Lebens, egal wie oft er versuchte, ihn zu verdrängen. „Ich habe das Mädchen regelrecht geheiratet“, sagte er einem Reporter. „Nicht wahr?“
1. Die Rolling Stones heuern die Hells Angels als Sicherheitskräfte für ihr Rockfestival an (1969)
Die Rolling Stones machten eine Menge Fehler, als sie beschlossen, ihre Amerika-Tournee 1969 mit einem riesigen, Woodstock-ähnlichen Gratiskonzert in Kalifornien zu beenden. Sie versuchten zunächst, das Konzert im Golden Gate Park zu veranstalten, hatten aber nicht genug Zeit oder Personal, um es zu realisieren, so dass sie es in letzter Minute auf den Altamont Speedway verlegen mussten. Sie haben es vermasselt, weil sie nicht genügend Toiletten oder Essen für die Menge mitgebracht haben und weil sie eine Bühne gebaut haben, die nur 39 Zoll über dem Boden stand. Der letzte Fehler machte es erforderlich, einen Sicherheitsdienst zu engagieren, der die Bühne umgab, was zum größten Fehler von allen führte: Die Hells Angels sollten für diese Sicherheit sorgen. Die Entscheidung wurde den Grateful Dead oder Jefferson Airplane angelastet, aber die Stones stimmten ihr zu. Dies führte zum Tod des Fans Meredith Hunter durch die Hells Angels und zu etwa 50.000 Essays darüber, dass dieser Vorfall das Ende des Traums der Sechzigerjahre bedeutete.
Dieser Artikel wurde ins Deutsche übersetzt. Das Original von Andy Greene finden Sie hier.
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