Die bisher besten Alben 2026

Dieses Quebec-Duo – gehüllt in Polka Dots, spielend rhythmuslastigen mikrotonalen Math-Rock – wurde im März über Nacht zum viralen Phänomen, dank eines Videos, in dem Bassist-Gitarrist Khn de Poitrine (er spielt eine doppelhalsige Axt mit beiden Setups) und Schlagzeuger Klek de Poitrine ein halbstündiges Set auseinandernehmen. Ihr zweites Album löst den Hype mit Witz und Verve ein: Stücke wie das schwindelerregende, dabei treibende „Mata Zyklek“ und das rasende „Yor Zarad“ zeigen, wie das Duo die disparaten Eigenheiten von Prog, Punk und Gitarrenheldentum zu berauschenden Mini-Epen zusammenfügt. —Maura Johnston

A$AP Rockys lang erwartetes Comeback ist glatt und überladen – vom Tim-Burton-gestalteten Artwork bis zu Gastauftritten von Damon Albarn von Gorillaz und Oscar-Preisträger Danny Elfman –, während er seinen Weg vom Überlebenskampf in Harlems Straßen bis zum luxuriösen, starstruck-verliebten Familienglück nachzeichnet. Er frönt seinen maximalistischen Vorlieben: ob er auf dem Hardcore-Banger „STFU“ mit den Slay Squad chanted oder auf dem flinken „Robbery“ mit Doechii über einem jazzigen Piano-Drums-Arrangement Bonnie und Clyde spielt. Man kann Rocky für seinen überconfidenten Großmaulstil kritisieren, mit dem er auf „Stole Ya Flow“ Beef mit Ex-Freund Drake anzettelt. Aber er klingt, als hätte er Spaß – und er überredet den Hörer, die Party mitzufeiern. —Mosi Reeves

Früher sahen Fans Baby Keem vor allem als familiären Schützling von Kendrick Lamar, dessen jugendliche Energie auf Hits wie „Family Ties“ wie ein erfrischendes Gegenmittel zur tief grüblerischen Persona seines Cousins zweiten Grades wirkte. Doch Keem hat seine eigenen Dämonen – und er treibt sie mit „Casino“ aus, einem Album, das um seine schwierige Kindheit in Las Vegas kreist. „I was seven years old, waiting on you in pajamas/You said you would come home, should’ve never made that promise,“ harmonisiert er in einem gebrochenen, schluchzenden Rhythmus auf „No Security.“ Keem denkt wie ein Produzent und arrangiert seine Songs zu einem Portrait eines jungen Mannes, der von seiner Vergangenheit zwar gezeichnet, aber nicht gebrochen ist. Er jault, murmelt in einem Rage/Plugg-Flow, er singt – und doch bleibt eine Leichtigkeit in seiner Stimme. —M.R.

Zwei Jahre in der Entstehung – eine Ewigkeit nach heutigen Latin-Pop-Maßstäben – strahlt Bad Gyals zweites Album ein allgegenwärtiges Gefühl von VIP-Luxus aus: von der sinnlichen Nonchalance der Neo-Bachata „Da Me“ bis zu den zarten Synthie-Filigranarbeiten im EDM-gefärbten „Fa$hion Killa“. Der katalanische Star folgt seiner Muse instinktiv, wechselt spielend von Genre zu Genre – doch es ist die reiche Textur ihrer Stimme, die die Show stiehlt: getaucht in den goldenen Schimmer von Dancehall, auf „Choque“ mit Chencho Corleone in dunkel gefärbte Reggaetón-Spannung gleitend. Gyal als kommerzielle Diva abzutun wäre ein Fehler; ihr stilistischer Appetit ist kantig und zukunftsweisend. —Ernesto Lechner

Die K-Pop-Königinnen der Blackjacks melden sich mit „Deadline“ zurück, drei Jahre nach ihrem letzten Album „Born Pink“. Alle vier – Jennie, Rosé, Lisa und Jisoo – sind in Stunt-Laune, wie immer ihre größte Stärke, und verströmen glamouröse Charisma. Die 15-minütige EP enthält ihre Single „Jump“ von 2025, dazu den Achtziger-New-Wave-Tribut „Champion“, die rachsüchtige Gitarrenballade „Fxxxboy“ und den Party-Banger „Go“ mit einem Songwriting-Credit von Coldplays Chris Martin. „Me and My“ warnt: Augen auf und den Freund verstecken, wenn Blackpink den Club betreten. Jennie stößt auf „pretty privilege“ an, feiert ihre „hottie season“ und prahlt: „Daisy Dukes make me speak my mind.“ —Rob Sheffield

In den Neunzigern hätte kaum jemand gewagt, Boards of Canada als „Trip-Hop“ zu bezeichnen – und vielleicht wäre das auch nicht ganz richtig gewesen. Doch BoCs lässige Breakbeats und schwindelige Atmosphäre zeigen eindeutig in diese Richtung – und der Charme vergangener Epochen war stets ihre größte Stärke. Niemand macht diese Art von klaren, klanglichen Wiegenlieder besser. Tracks wie „You Retreat in Time and Space“ – allein der Titel ist schon Trip-Hop – und „Into the Magic Land“ definieren die Grenzen von „Inferno“. Ihr erstes Album seit 2013 ist üppig, reich und kinematografisch – und geht dabei über Genres hinaus, während es sie gleichzeitig verkörpert. —Michaelangelo Matos

Zach Bryan holte mit diesem 25-Track-Opus alles aus sich heraus: Songs über den Stierlauf in Spanien, die Abrechnung mit dem eigenen Leben auf langen Flügen, die Last der Vergangenheit und das Gewicht der Zukunft. „Skin“ ist ein fast beunruhigend eindringlicher Trennungssong, während das von Tom Petty durchtränkte „Slicked Back“ dem erdenden Einfluss seiner neuen Frau huldigt. Er kanalisiert diesen Gefühlswirbel in seine bisher ambitionierteste Musik – vom zarten Indie-Folk bis zum weit ausgreifenden Americana-Rock. Und mit der umstrittenen Single „Bad News“ verwandelte er das Elend des Doomscrollings in ein gewagtes politisches Statement. —Jon Dolan

BTS melden sich mit „Arirang“ zurück, ihrem ersten neuen Album seit über fünf Jahren. Jetzt, da sie ihren Militärdienst abgeleistet haben, gehen BTS aufs Ganze – mit Produktionen von Diplo, Flume, Ryan Tedder, Kevin Parker von Tame Impala, Mike WiLL Made It und JPEGMAFIA. Sie feiern ihre Herkunft: Das Album ist nach einem legendären koreanischen Volkslied benannt, und in „Body to Body“ interpolieren sie ein weiteres. „Interlude“ ist ein Tribut, der schlicht das Läuten der heiligen Glocke von König Seongdeok erklingen lässt, einem der verehrten Kulturschätze Koreas, gegossen vor über 1.200 Jahren. Doch in „FYA“ brechen sie aus, mit dem Party-Chant „Like Britney, baby/Hit me with it one more time!“ —R.S.

Das zweite Album des argentinischen Duos baut auf seinem selbsternannten, fortlaufenden „Sozialexperiment“ auf. Ca7riel und Paco nutzen FREE SPIRITS als Plattform, um ihre Unzufriedenheit mit Ruhm und Reichtum auszudrücken. Zum Glück sind dieselben Qualitäten, die ihre atemberaubende Tiny-Desk-Session prägten, noch vorhanden: ein bemerkenswertes Maß an harmonischer Komplexität, Ca7riels ultra-coole Gitarren-Licks und ein opulenter Produktionsglanz, der zwischen seidig und synthetisch schwankt. Ein exzentrisches Duett mit Sting, „Hasta Jesús Tuvo Un Mal Día“, feiert den albern-überschwänglichen Geist des Achtziger-Rockradios, und der sommerliche brasilianische Groove von „Vida Loca“ geht wirklich unter die Haut. Die provokativen Spielchen der beiden können bisweilen nerven, aber ihre Liebe zur anspruchsvollen Musik steckt an – und löst alles wieder ein. —E.L.

Stilecht enthält Bill Callahans neues Werk selbstanalytische Songs über das Älterwerden („Pathol O.G.“), über Vaterschaft aus der Perspektive seines kürzlich verstorbenen Vaters und seiner eigenen („Empathy“) sowie darüber, den Erwartungen seiner Frau gerecht zu werden („The Man I’m Supposed to Be“). Wo die Musik, die er unter dem Namen Smog aufnahm, karg und präzise war, klingen die Folk-Arrangements von „My Days of 58″ locker und lebendig – dank Jim Whites Schlagzeug und lebhaften Bläser- und Streicherarrangements, die Callahans bekenntnishafte und oft urkomische Texte unterstreichen. „We take life seriously, laugh in the face of death,“ singt er auf „The Man I’m Supposed to Be“ – und setzt am Ende noch ein Falsett-„Hee-hee“ drauf. —Kory Grow

Diese irische Band hat einen höchst eigenwilligen Sound – messerscharfe Indie-Gitarren plus keuchendes, seufzendes Akkordeon – und mit Euan Manning einen Ausnahme-Frontmann, dessen bebende Intensität an einen jungen Thom Yorke oder Jeff Buckley mit noch mehr Wildheit erinnert. Dazu haben sie verdammt eingängige Songs. „Over at Last“, „She Makes Me Real“ und der Titeltrack sind Mini-Epen voller rasender, sehnsuchtsvoll aufgeladener Emotion. Auf „Barbed Wire“ singen sie über ausschweifende Nächte auf der Straße; auf „The Burning of Cork“ verweisen sie auf die Geschichte kolonialer Gewalt in ihrer Heimatstadt. Das ergibt eines der meistgespielten Rock-Debüts des Jahres – und eine Band mit enormem Potenzial. —Simon Vozick-Levinson

Das kanadische Art-Punk-Trio Cola hat sich auf dystopische Gitarren-Grooves spezialisiert und erkundet alle Wege, auf denen die kapitalistische Tretmühle die Seele zerfressen kann. Mit „Deep in View“ (2022) und „The Gloss“ (2024) haben sie sich einen Namen gemacht. Doch diesmal gehen sie auf ihrem radikal eigenständigen dritten Album „Cost of Living Adjustment“ bis zum Äußersten. Cola springen einem sofort ins Gesicht mit dem unwiderstehlichen „Hedgesplitting“ – Shoegaze-Gitarren-Synthie-Schimmer und ein gesampleter Hip-Hop-Drum-Loop. „Conflagration Mindset“ wütet über die Brände in L.A., während „Much of a Muchness“ den Social-Media-Blues seziert, mit Tim Darcy, der höhnt: „It’s all eros and ones/All digits, no thumbs.“ —R.S.

Auf seinem neuesten Werk bringt Country-Megastar Luke Combs seine verschiedenen Seiten zusammen – den einfühlsamen Balladensänger („Giving Her Away“), den biertrinkendem Bar-Band-Anführer („Alcohol of Fame“), den knorrigen Country-Rock-Outlaw („Back in the Saddle“) – und schafft es irgendwie, daraus ein stimmiges Ganzes zu formen. Auf „Ever Mine“, einem Song mit Alison Krauss, beweist er, dass er auch ins Bluegrass und in die traditionelle amerikanische Musik eintauchen kann, ohne dass es gezwungen wirkt. Nach der relativen Stille seit seinem Crossover-Erfolg mit „Fast Car“ ist der 36-jährige Combs mit einem überzeugenden Argument für seinen Platz als der familienfreundlichste Star im Country des Jahres 2026 zurück. —Jonathan Bernstein

Der puerto-ricanische Rapper Álvaro Díaz gilt als einer der unberechenbarsten und vielseitigsten Künstler der Latin-Musik – doch sein meisterhaftes, verblüffendes Album „Omakase“ ist selbst für jemanden, der der Musik stets voraus war, ein neues Level. Er mixt Liebeskummer, Dembow und Cumbia, und verwandelt traditionelle Plena mit schrägen Akkordfolgen des Avantgarde-Produzenten El Guincho in etwas Fremdes. Es gibt Geschichten von Trennungen und Herzschmerz; zu den stärksten gehören „Perdiste el Emmy“ mit Tainys charakteristischen sentimentalen Synthesizern und „No Podemos Ser Amigos“, das Anklänge von Drum and Bass mit elektronischen Tupfern verwebt. Dazu holt er einige seiner abgefahrensten Kollegen und aufstrebende Acts dazu: das mexikanische Trio Latin Mafia, R&B-Sänger Jesse Baez, den chilenischen Newcomer Akriila und versteckte Vocals von Rauw Alejandro. —Julyssa Lopez

Einen aufregendereren Ausbruch von südstaatlich gefärbtem Gitarrenrock hat dieses Jahr noch kein Album geliefert als dieses Debüt des in New Orleans ansässigen Songwriters Thomas Dollbaum. Wie bei so vielen spannenden Southern-Indie-Platten der letzten Zeit taucht auch hier MJ Lenderman auf – doch es ist Dollbaums Songwriting und sein Gespür für Melodie, die das Album zu einem echten Schatz machen: der geisterhafte, heulende Refrain, der „Waterbird“ beschließt, das stürmische Stampfrock von „Pulverize“ oder die sofort zündende Hymne „Dozen Roses“. Wer irgendetwas mit Gitarren, Southern-Gothic-Geschichten oder einfach mit großen, explodierenden Refrains anfangen kann, die man nachts in einer Bar mitsingen will – dieses Album ist für dich. „In this great land of dying,“ singt er, „I’m happy to be alive.“ —Jon Blistein