Jimmy Jam und Terry Lewis: Unser Leben in 15 Songs
Chart-Produzenten Jimmy Jam und Terry Lewis sprechen über prägende Songs – von Janet Jackson bis Usher und Mary J. Blige.
Ein Archivtext aus dem Jahr 2015. Janet Jacksons elftes Album „Unbreakable“ markiert einen Meilenstein für die Sängerin und führt sie wieder mit den Produzenten Jimmy Jam und Terry Lewis zusammen, dem Duo hinter neun von ihren zehn Nummer-eins-Hits zwischen 1986 und 2001.
Es ist ihre erste Zusammenarbeit über Albumlänge seit 2006 und soll eine Rückkehr zur Energie und Attitüde ihrer ersten fünf gemeinsamen Alben sein, die karriereprägende Songs wie „What Have You Done For Me Lately“, „Control“, „Got ‘Til It’s Gone“ und „That’s the Way Love Goes“ hervorbrachten.
„Das beste Kompliment für mich, egal ob Ihnen die neue Platte gefällt oder nicht, ist: ‚Wow, es klingt wie Janet‘“, sagt James „Jimmy Jam“ Harris III über das neue Album. „Das heißt, es muss ein paar Platten gegeben haben, die nicht wie Janet klangen.“
Drei Jahrzehnte Erfolg und 15 Schlüsselsongs
Seit mehr als drei Jahrzehnten sind Jam und Lewis phänomenal erfolgreiche Pop- und R&B-Produzenten. ROLLING STONE traf das Duo in ihrem Studio/Workshop am Rand von Los Angeles, um über 15 entscheidende Songs aus ihrer Karriere als Produzenten, Songwriter und Musiker zu sprechen, die Platten mit Janet und Michael Jackson, Prince und The Time, Mary J. Blige, Usher und mehr gemacht haben.
Janet Jackson, „No Sleeep“ (2015)
Jam: Wir haben an der Platte davor mit Janet nicht gearbeitet (2008: „Discipline“). Dieses Album ist eine Rückkehr zu dem, was wir bei den ersten fünf Platten gemacht haben: Alle haben uns in Ruhe gelassen. Die Plattenfirma wusste nicht einmal sechs Monate lang, dass wir daran arbeiten, was fantastisch war. Keine Leaks, kein A&R, gar nichts. Nur wir, die Songs aufnehmen. Wir verraten nicht, wo wir es gemacht haben, aber es war nie in einem traditionellen Studio. Es war fast wie eine Platte in Minneapolis zu machen, wo alle Sie in Ruhe lassen, und was auch immer Sie abliefern, ist das, was Sie abliefern.
„No Sleeep“ als Wiedereinstieg und vertrautes Gefühl
Lewis: „No Sleeep“ ist die Wieder-Einführung, der Punkt des Wieder-Einstiegs in die Bewegung „Ich liebe Janet“. Als Jimmy eines Tages diesen Track im Hintergrund spielte, sagte ich: „Was ist das? Lassen Sie mich dazu sofort schreiben!“ Dieser Song inspiriert mich. Er ist anders als alles, was gerade draußen ist. Er trieft nach Janet. Niemand kann diesen Track machen und ihn funktionieren lassen.
Jam: Dieser Track fasste zusammen, wie wir uns fühlten, als wir wieder zusammenarbeiteten. Es war sehr vertraut und mühelos. Es war wie eine schöne weiche Bank, in die man einsinkt, und „Mmmm, das ist schön. Daran erinnere ich mich.“ Wir dachten: Wenn wir uns bei der Platte so fühlen, wird das andere Leute genauso fühlen lassen.
Usher, „U Remind Me“ (2001)
Jam: Wir haben ihn tatsächlich nicht geschrieben. Wir haben ihn produziert. Normalerweise machen wir beides. „U Remind Me“ war eine Platte, die (Label-Manager) L.A. Reid von einem Typen hatte, der ungefähr 50 verschiedene Namen hatte — er war Hustle Child, Eddie Hustle, Butter. Er machte ein Demo des Songs und hat es umgebracht.
Das Demo war unglaublich. Usher versuchte, es wie das Demo zu singen. Er hörte sich selbst nie auf der Platte, aber er wusste, dass es ein großartiger Track war. Er sagte: „Ich singe es nur dann neu ein, wenn Terry den Gesang produziert.“
Terrys Produzenten-Moment und Ushers Anspruch
Lewis: Diese Platte war für mich persönlich ein Meilenstein. Sie hat mich wieder inspiriert, Musik produzieren zu wollen. Es kam an einen Punkt, an dem alle Artists ziemlich gleichgültig waren — man konnte Vocals „tunen“. Alle wollten es sich leicht machen und nicht wirklich die Arbeit machen. Usher wollte immer besser und besser werden.
Ich sagte ihm: „Alter, du musst auf der Bridge singen. Du erzählst Scheiße auf der Bridge! Komm schon, bring es.“ Dann brachte er es, und er war müde. Es ist ein Muskel, und du musst ihn aufbauen. Jetzt macht er das nur noch. Er singt voll. Er kann es auf Abruf. Ein sehr inspirierender Typ.
Mary J. Blige, „No More Drama“ (2001)
Jam: Ich bin ein großer Soap-Opera-Fan, und ich wollte immer etwas machen, das das „The Young and the Restless“-Theme benutzt. Wir dachten, Mary sei an einem Punkt in ihrem Leben, an dem sie etwas über Drama wusste, und es war ein Song, den sie textlich singen konnte. Wir schrieben alle Lyrics, aber immer mit der Absicht, dass sie ihn umschreibt, um ihn persönlich für sie zu machen. Als wir nach New York gingen, hörte sie ihn und sagte: „Ihr seid mir mit einem Spion oder so hinterhergelaufen? Das ist genau, was ich fühle. Ich ändere bei diesem hier nichts.“
„Sanger“ statt Sängerin und ein Schlüsselsingle-Moment
Lewis: Mary ist einfach so soulful. Sie gibt mir Schauer, wenn sie singt. Sie ist so committed bei allem, was sie tut. Wenn sie es packt, nimmt sie es an einen Ort, an den niemand sonst es bringen kann. Sie ist eine besondere Sängerin — eine „Sanger“ statt einer Sängerin. Sie „sangt“.
Jam: Es war der Titelsong ihres Albums und eine sehr entscheidende Single für sie, weil es ihre Erklärung nach all diesen Platten und all diesen Jahren von Missbrauch und Traurigkeit war. Sie setzt den Fuß auf und sagt: „Kein Drama mehr.“ Und ironischerweise macht sie das zu einem Soap-Opera-Theme mit einem Hip-Hop-Beat.
Yolanda Adams, „Open My Heart“ (1999)
Lewis: Mit Sounds of Blackness haben wir im inspirierenden Teil der Musik herumprobiert, aber wir hatten nie wirklich mit Gospel-Artists zu tun. Yolanda Adams ist eine phänomenale Sängerin. Ich sah sie immer als die Whitney Houston des Gospel. Warum bekommt diese Frau nicht die Gelegenheit?
Ein Song, der über Charts hinaus berührt
Jam: Co-Autor bei diesem Song mit Big Jim Wright, der Mitglied von Sounds of Blackness war, und er fing an, mit uns zu schreiben. Er ist jetzt Mariah Careys musikalischer Direktor. Und auf einmal hatte sie ein Platin-Album, Grammy Awards.
Wenn „Optimistic“ Sie gut fühlen ließ, dann hat „Open My Heart“ Sie einfach weinen lassen. Solche Momente zu haben, in denen ein Song Menschen auf diese Weise berührt, jenseits der Charts und Plattenverkäufe, das ist für mich die wahre Schönheit dessen, was wir tun. Das ist eine entscheidende Platte für uns.
Janet Jackson feat. Q-Tip, Joni Mitchell, „Got ‘Til It’s Gone“ (1997)
Jam: „The Velvet Rope“ war anders, weil dieses Album mehr so war, dass sie die Lyrics hatte und wir Musik dazu gemacht haben. Sie wusste schon, was die Platte sein würde. „Got ‘Til It’s Gone“ war die erste Single. Sie bekam bei Pop-Radio absolut keine Liebe, was nur zeigt, wie sich Dinge ändern, aber sie war eine Nummer-eins-Urban-Platte.
Sampling, Dilla-Vibe und Joni Mitchells Zustimmung
Q-Tip war Teil dieser Platte. J Dilla hatte einen Remix eines Brand New Heavy-Songs gemacht, der so ein Gefühl hatte, das ich einfach liebte. Ich dachte, wenn ich mit Janet etwas mit diesem Gefühl hinbekomme und dann ein Joni-Mitchell-Sample darüberlege, wäre das eine magische Kombination: Dinge aus verschiedenen Epochen nehmen und zusammenweben.
Ich mochte Jonis „Big Yellow Taxi“ immer, weil das ein Rollschuh-Song war, als ich jünger war. Das Erste, was wir machten, war Joni anzurufen und zu sagen: „Wir denken darüber nach, deinen Song zu samplen. Ist das für dich okay?“ Zu dieser Zeit wusste man nicht, ob Leute dafür waren oder nicht. Manche mochten Sampling, manche nicht. Sie sagte: „Ich kann es kaum erwarten zu hören, wie es am Ende wird.“
Michael Jackson & Janet Jackson, „Scream“ (1995)
Jam: Michael hatte Janet gebeten, mit ihm einen Song zu machen. Janet kam nach Minneapolis, nur um uns Inspiration für ein paar Tracks zu geben. Der Song, der am Ende „Scream“ wurde. Wir gingen in sein Apartment im Trump Tower, legten den Track auf und schrieben den Song textlich im Grunde in einer Stunde. Er hatte definitiv Dinge, die er sich von der Seele reden musste, und darum ging es. Den Song aufzunehmen war wahrscheinlich eine der atemberaubendsten Erfahrungen überhaupt.
Er kam ins Studio, sehr nett und sehr freundlich: „Okay, ich werde jetzt meinen Part versuchen …“ Also geht Michael rein, und in dem Moment, in dem die Musik startet, wird er zum Tasmanischen Teufel. Er ist eine völlig andere Person, stampft, klatscht, er hat Schmuck, der klimpert — all das Zeug, das man im Studio nicht machen soll. Terry und ich sitzen da und denken: „Oh mein Gott!“
Geschwister-Rivalität und volle Intensität im Studio
Lewis: Kreischend wie Fans.
Jam: Er nagelt den Song von Anfang bis Ende. Janet lehnt sich rüber und sagt: „Ich mache meinen Vocal in Minneapolis.“ Sie wollte keinen Teil davon, danach zu kommen. Ich kann es ihr nicht verdenken. Also machen wir Janets Vocal, schicken es ihm. „Oh, Janet klingt wirklich gut. Wo habt ihr sie aufgenommen?“ Minneapolis. „Oh, ich will nach Minneapolis kommen und meinen Vocal machen.“ Was Sie hatten, war diese Geschwister-Rivalität zwischen Bruder und Schwester, die auch noch wettbewerbsorientiert sind. Ja, wir lieben uns, aber ich werde mir den Arsch absingen.
Janet Jackson, „That’s the Way Love Goes“ (1993)
Jam: Sie hatte gerade einen Vertrag unterschrieben, der der größte war, den eine Künstlerin unterschrieben hatte. Es lag viel Aufmerksamkeit auf dieser Platte … Die Idee war, ein Sample von James Browns „Papa Don’t Take No Mess“ zu nehmen, einer meiner Lieblingsplatten aller Zeiten, und Akkorde daraufzulegen und es zu etwas anderem zu machen. Es war eine Kombination daraus und diesem anderen Sample namens „Impeach the President“ (von den Honey Drippers), wahrscheinlich einer der am meisten gesampleten Drum-Loops aller Zeiten.
Das ist vermutlich so Hip-Hop, wie man nur sein kann. Es setzte den Ton dafür, was das Album ist. In unseren Köpfen war es immer die erste Single. Es war ihr am längsten laufender Nummer-eins-Pop-Hit. „That’s the Way Love Goes“ war eine neue Ära von Janet. Es ist so funky, aber gleichzeitig so smooth.“
James Brown, Freigabe der Lyrics und der Album-Anker
Lewis: Süß, lasziv, sexy.
Jam: Wenn jemand sagt: „Was ist dein liebster Janet-Song“, dann ist es der. Wir durften ihn mit James Brown teilen. James wollte die Lyrics wissen, bevor er das Sample freigab: „Worum singt sie da?“ Liebe, James, nur Liebe! Er hat es gesegnet.
Lewis: Für dieses Album ist dieser Song der Anker. Alles andere kam danach. Wenn Sie mit dem falschen Fuß starten, passiert der ganze andere Kram nicht.
Sounds of Blackness, „Optimistic“ (1991)
Jam: Wir sagen immer, das ist unser liebster Song, den wir je gemacht haben. Sounds of Blackness war ein 40-köpfiges Ensemble, ein Gospelchor. Sie machten alle möglichen verschiedenen Arten von Musik. Sie machten alle afroamerikanischen Formen von Musik. Wir nahmen Janet zu einer Show mit, als wir „Rhythm Nation“ aufnahmen, und ich erinnere mich, wie sie stieß: „Hey, ist das nicht cool? Sie sind gerade in so ein Jazz-Ding gegangen. Jetzt haben sie so ein Hip-Hop-Ding …“ Als sie fertig war, sehe ich sie jetzt völlig anders.
Perspective-Label, Grammy und die Macht von Musik
Als wir Ende 1990 unser Label Perspective gründeten, verpflichteten wir Sounds of Blackness als unsere erste Gruppe. Als wir den Song „Optimistic“ machten, wurde er eine Nummer-eins-Urban-Platte und gewann einen Grammy. Diese Platte zeigte uns die Kraft von Musik — nicht im Sinn von Hit-Platten, sondern wirklich darin, wie Musik Menschen bewegen kann und ihren Tag besser fühlen lassen kann.
So viele Hits wir zu diesem Zeitpunkt hatten: Niemand hat je über eine Platte wie diese gesprochen. Leute erzählten uns Geschichten darüber, wie sie, wenn sie sich schlecht fühlen, genau diese Platte auflegen. Sie hatte einen Effekt, der weit über einen Hit hinausging.
Janet Jackson, „Rhythm Nation“ (1989)
Jam: Das ganze Konzept des „Rhythm Nation“-Albums begann erst, als wir schon eine Weile in den Aufnahmen waren, einfach dadurch, dass wir TV schauten und zwischen MTV und CNN hin und her schalteten. Auf der einen Seite Musikvideos schauen und auf der anderen Seite Gräueltaten. Irgendwie verschmolz das alles.
Die Idee für „Rhythm Nation“ war: Sie können tanzen, aber wir können auch etwas Intelligenteres machen. Die Blaupause dafür ist immer Marvin Gayes „What’s Going On“-Album, das mein Lieblingsalbum aller Zeiten ist. In diesem Geist wurde „Rhythm Nation“ gemacht.
Der Moment mit Sly Stone und das Zentrum des Albums
Woher bekommen Sie einen Song, der kraftvoll genug ist, das zu transportieren, was Sie tun wollen? Ich saß eines Abends beim Abendessen, und „Thank You“ von Sly and the Family Stone lief. Als es zur Bridge kam, war ich nur so: „Oh, Scheiße, das ist es!“ Ich nahm den Gitarrenpart in einen Sampler, legte einen Beat darum. Es brauchte Sly, um das heraufzubeschwören. Dieses Album hat sechs Monate gebraucht. Der Titelsong ist das Herzstück des Ganzen.
New Edition, „Can You Stand the Rain“ (1988)
Jam: Johnny Gill kam in die Gruppe. Bobby Brown war gegangen für eine erfolgreiche Solo-Karriere. „Can You Stand the Rain“ war die Platte, die wir brauchten, damit Johnny und Ralph (Tresvant) sich den Lead-Vocal teilen. Das war eine entscheidende Platte für sie. Textlich kann es um ein Mädchen gehen, aber es kann auch um Fans gehen.
Sie sind da, wenn alles großartig ist, aber wenn es komisch wird, sind Sie dann immer noch bei mir? Das war ihr Erwachsenwerden-Album. Es war eine prekäre Platte zu machen — sie hatten all diese Teen-Platten gemacht. Da war viel Druck auf ihnen.
Human League, „Human“ (1986)
Lewis: Mit The Human League zu arbeiten war totaler Culture Shock. Zwei schwarze Kids aus Minneapolis, ein Haufen britischer weißer Typen aus Sheffield, England — nicht einmal London. An diesem Punkt gab es uns das Selbstvertrauen, dass wir so ziemlich alles können.
Jam: Sie kommen nach Minneapolis. Wir schrieben am Ende vier Songs auf dem Album, und „Human“ war einer davon. Phil Oakey hatte eine großartige, einzigartige Stimme. Phil hatte nie etwas Emotionales gesungen. Alles war bis dahin robotisch für sie. Terry sagte: „Nein, nein, nein, du musst das mit Gefühl singen.“ Es dauerte eine Woche, diesen Lead-Vocal zu machen.
Phil hat es umgebracht. Als es Zeit war, die Background-Vocals zu machen, holten wir Lisa Keith, die bei so ziemlich jeder Platte, die wir je gemacht haben, Backgrounds gemacht hat. In der Gruppe waren zwei Mädchen, und eines der Mädchen war Phils Freundin, und sie sagt: „Wer ist das andere Mädchen auf dem Track?“
Banddynamik, „Puppen“-Vorwurf und das Ergebnis
Lewis: Die Beziehungsdynamik in der Band spielte rein. Die Jungs waren cool. Die Mädchen wollten einfach mehr Teil davon sein, aber es gab keine Möglichkeit, die Platte richtig zu machen, indem sie dieser Teil sind.
Jam: Bis heute sehe ich Artikel, in denen Phil sagt, sie hätten sich gefühlt, als seien sie Puppen und wir seien die Puppenspieler. Es war keineswegs unerquicklich. Es war das erste Mal, dass wir kreativ unseren Boden halten mussten — denn bis dahin hatte niemand je irgendetwas in Frage gestellt, was wir gemacht haben.
Lewis: Am Ende des Tages: Haben Sie das Ergebnis bekommen? Haben Sie eine Hit-Platte bekommen?
Janet Jackson, „When I Think of You“ (1986)
Jam: Terry spielt bei dem hier Gitarre. War das die grüne Gitarre, die nie gestimmt war?
Lewis: Wahrscheinlich.
Jackson-Brüder hören mit und erkennen den Hit
Jam: Als das Album fertig war, brachten wir das Album zu ihrem Bruder Jackies Haus. Alle Brüder außer Michael waren da, und sie waren alle aufgeregt, die Platte zu hören. Dann kommt „When I Think of You“, und Marlon kommt zu mir und sagt: „Wie heißt der hier?“ Dann kam Jermaine rüber: „Wie heißt der? Das ist eine Nummer-eins-Platte.“ Sie waren sich alle völlig einig: „All die anderen Songs sind wirklich schön, aber das ist der Song.“ Natürlich wussten sie es besser als wir, weil sie absolut recht hatten.
Lewis: Wir denken nicht in Nummer-eins-Pop-Platten. Das war nicht in unserem Gedanken-Repertoire, weil zu dieser Zeit schwarze Leute keine Nummer-eins-Pop-Platten bekamen, es sei denn, Sie waren Earth, Wind & Fire oder jemand in der Art.
Janet Jackson, „What Have You Done for Me Lately“ (1986)
Jam: Die zwei Platten, die Janet gemacht hatte (1982: „Janet Jackson“ und 1984: „Dream Street“), waren beide gut produzierte Platten, aber wir hatten immer das Gefühl, dass da eigentlich nichts von ihr drin war. Es war nur sie, die auftaucht und singt. Unser Ansatz beim Artist war immer: „Worüber wollen Sie singen?“ Wir wussten, dass Janet viel Attitüde und viel Biss hatte, allein davon, dass wir sie als Kind in den verschiedenen TV-Sachen gesehen hatten, die sie gemacht hat. Lassen Sie uns Musik machen, die diese Art Attitüde hat, und sie damit loslegen lassen.
Letzte Aufnahme, erste Wirkung und ein Sound, der Radio veränderte
Lewis: Das war das erste Mal, dass wir ein komplettes Albumprojekt machen durften.
Jam: Wenn Sie über Songs sprechen, die wirklich den Kurs von Dingen verändert haben, dann war „Lately“ das erste, was irgendjemand hörte — obwohl es das Letzte war, was aufgenommen wurde. Wir hatten unser Studio in Minneapolis, und Janet kam zur Arbeit, ohne Security. Fünf oder sechs Tage haben wir einfach abgehangen. Wir gingen ins Kino, hingen am See ab, gingen in ein paar Clubs.
Wir führten Gespräche über verschiedene Dinge. „Nasty“ ging um ein paar Typen, die sie in einem Club belästigten, und sie war so: „Ich mag keine nasty boys.“ Sie sprach darüber: „Ich ziehe aus, ich mache mein eigenes Ding. Ich nehme mir eine Wohnung.“ Super, wir schreiben „Control“. So lief der Prozess.
Jam: Das „What Have You Done for Me Lately“-Konzept war genau diese Attitüde, die wir immer mit ihr verbunden haben. Also machten wir textlich eine freche Platte. Es wurde ein Catchphrase. Es hat eine ganze Menge verändert. Der einzige Weg, ins Pop-Radio zu kommen, wenn Sie ein schwarzer Artist waren, war im Grunde, eine Ballade zu veröffentlichen. Und jetzt haben Sie plötzlich eine aggressive, hart zupackende Frau, die singt. Es änderte, wie Radio klang. Wir gingen durch die Nachbarschaft und hörten Janet einfach aus den Häusern dröhnen.
Lewis: Das ist für ein Mädchen, das vorher nie eine Top 10 hatte.
S.O.S. Band, „Just Be Good to Me“ (1983)
Jam: Wir haben „Just Be Good to Me“ im Badezimmer gedemot, mit dem Echo für die Handclaps. Wir hatten ein kleines Casio-Keyboard, und Terry hatte einen Bass. Als wir nach Atlanta runtergingen, um S.O.S. Band aufzunehmen, war es das erste Mal, dass wir wirklich auf uns allein gestellt waren, mit Instrumentenwahl und tatsächlichen Produzenten-Entscheidungen.
Wir hatten die 808-Drummachine im Studio, und wir gehörten zu den ersten Leuten, die sie wirklich benutzten. „Just Be Good to Me“ wurde am Ende unsere erste große Hit-Platte. Das Timing war interessant, weil Prince uns in der Nacht gefeuert hat, in der wir diese Platte gemischt haben. Als er anrief und Terry zurückwollte — mich wollte er nicht zurück — kam diese Platte raus und war ein Smash. Ab da waren wir Produzenten.
Produzentenverständnis und Lektion durch Prince
Lewis: Ich wusste nie, was ein Produzent macht. Ich dachte, ein Produzent ist der Typ, der das Geld bringt. Ich wusste nur, dass ich es liebte, Songs zu schreiben und zu spielen und mit meinen Freunden zusammen zu sein. Darum ging es.
The Time, „Get It Up“ (1981)
Lewis: Wir waren bei dem hier einfach Bandmitglieder, die mitfuhren … Es war die Einführung von The Time in die Welt, die Einführung von uns selbst in die Welt des Musikbusiness und Tourens. Es war alles neu, alles frisch, alles, wovon Sie als junger Musiker träumen.
Jam: Wir lernten, dass Prince ein Genie ist. Die Studio-Erfahrung insgesamt hätte keine bessere Lerngelegenheit sein können, weil er sehr unorthodox war, aber es war sehr spontan. Prince war immer der Produktivste, immer der Schnellste, und er war völlig autark. Er konnte aufnehmen, schreiben, es spielen, er konnte so ziemlich alles und er konnte es effizient machen. Es war eine großartige Lektion für mich, und eine wertvolle Lektion, wie man aufnimmt. Seine Haltung zur Musik war: „Ihr müsst visuelle Platten machen.“ Die Platte muss Sie an einen Ort bringen, an dem Sie sich etwas vorstellen.
