Ranking: Die 75 besten Alben des Jahres 1975

75

ABBA, „ABBA“

Mit ihrem selbstbetitelten dritten Album „ABBA“ fand ABBA gerade zu einem Stil, der die Popmusik für viele Jahrzehnte prägen sollte. Das Quartett hatte gerade den Eurovision Song Contest 1974 gewonnen und begann mit „Waterloo“, ihrer ersten Nummer-1-Single, international Fuß zu fassen. Dies löste eine Kettenreaktion von Megahits für die schwedische Band aus, die durch die schiere Anzahl der Klassiker auf ihrem 1975 erschienenen Album noch verstärkt wurde. Der Opener „Mamma Mia“ und der Trennungssong „SOS“ stürmten die Charts auf der ganzen Welt, darunter auch in den USA, wo sie ihren großen Durchbruch feierten. Die Band stand noch am Anfang ihrer Karriere und veröffentlichte eine Reihe von Hit-Singles und -Alben, die bis zu ihrer Trennung Anfang der 80er Jahre die Radiowellen dominierten, aber im Laufe der Jahre durch Tribute-Bands, eine erfolgreiche Broadway-Show, zwei Kinohits und eine Vielzahl berühmter Fans aus mehreren Generationen neues Leben erhielten. —Brittany Spanos

74

Ohio Players, „Honey“

Die Ohio Players aus Dayton, Ohio, waren Mitte der 70er Jahre eine Seltenheit – eine R&B-Band, die bei schwarzen Hörern sehr beliebt war und regelmäßig massive Crossover-Hits landete, ohne sich Trends anzubiedern oder offensichtliche Crossover-Versuche zu unternehmen. Sie spielten harten Funk und Hard Rock, und die raffinierten Arrangements ihrer Balladen hoben sie über bloße Liebesgeflüster hinaus. Und 1975 war das Jahr der Ohio Players. Zu Beginn landete die Band ihren ersten Nummer-eins-Hit, den boomenden Titelsong des Albums „Fire“ aus dem Jahr 1974; als das Jahr 1975 zu Ende ging, war auch das schwungvolle „Love Rollercoaster“ auf dem Weg zur Spitze der Charts. „Love Rollercoaster“ ist ein Highlight von „Honey“, dem siebten und süßesten Album der Players; es vereint alle Stärken der Gruppe, vom bravourösen Funkrock von „Fopp“ bis zu drei ihrer schärfsten langsamen Stücke. Und als Statement ihrer Wurzeln gibt es den lockeren Blues-Garage-Jam „Ain’t Givin’ Up No Ground“, genau richtig mit zwei Minuten Länge. —Michaelangelo Matos

73

Crosby and Nash, „Wind on the Water“

Nachdem sie nach einer weiteren CSNY-Trennung wieder einmal in der Versenkung verschwunden waren, beschlossen David Crosby und Graham Nash, sich – für ihre Verhältnisse – zu härten und zu beweisen, dass sie nicht nur verblassende Troubadoure aus Laurel Canyon waren. Auf dem stärksten Album, das sie je zusammen aufgenommen haben, setzen sich Crosby und Nash mit der CSNY-Tournee von 1974 („Take the Money and Run“), dem Tod („Carry Me“) und der Umwelt („Wind on the Water“) auseinander und würdigen Neil Young und Joni Mitchell. Ihre aufgestauten Gefühle werden von den Mighty Jitters verstärkt, dem A-Team der widerspenstigsten Session-Musiker von L.A., die das Duo ohne die anderen zu ihrer robustesten Musik antreiben. Stephen Stills und Young hätten sie öfter fallen lassen sollen. —David Browne

72

Harold Melvin and the Blue Notes, „To Be True“

Harold Melvin and the Blue Notes waren auf Erfolgskurs, mit Teddy Pendergrass als Leadsänger und dem unschlagbaren Produzentenduo Kenny Gamble und Leon Huff, das Philly Soul auf höchstem Niveau produzierte. Sie klangen nie wie jemand anderes, denn es gab nur einen Teddy Pendergrass. Der Mann hatte seinen ganz eigenen Stil, episches Leid zu verkörpern, den er in Hits wie „I Miss You“ und „The Love I Lost“ perfektionierte. Auf „To Be True“ bezeugt er die Gefahren der Liebe (im Titelsong) und des Geldes („Where Are All My Friends“). „Bad Luck“ ist der Song, in dem Philly Soul in den Proto-Disco übergeht, wobei die MFSB-Band einen eleganten Dance-Groove hinlegt. „To Be True“ war das erste Blue Notes-Album mit dem Vermerk „Featuring Theodore Pendergrass“ auf dem Cover, aber nach einem weiteren herausragenden Album im Jahr 1975, „Wake Up Everybody“, verließ er die Band, um eine Solokarriere zu starten. —David Browne

71

Elton John, „Rock of the Westies“

Das erste Album, das jemals auf Platz eins debütierte? Elton Johns „Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy“ im Mai 1975. Das zweite „Rock of the Westies“, nur fünf Monate später. Bis in die 1990er Jahre gelang es niemandem außer Stevie Wonder, diesen Chart-Erfolg zu wiederholen. Es ist ein ausgelassenes Album, auf dem Elton härter rockt und sich weniger rasiert, mit einem seiner schlampigsten Hits, dem Nummer-1-Marimba-Funk-Smash „Island Girl“. Schade, dass sein vorheriger Chartstürmer „Philadelphia Freedom“ aus dem Jahr 1975 nicht dabei war, einer der besten Songs, die er und Bernie Taupin je geschrieben haben. „Rock of the Westies“ war der letzte große Erfolg in Eltons Siebzigern, bevor seine Songwriting-Karriere mit dem kokainverseuchten Flop „Blue Moves“ einen Absturz erlebte. Es gibt nur eine Ballade auf „Westies“, aber was für eine: „I Feel Like a Bullet (In the Gun of Robert Ford)“, eine Cowboy-Trennungsballade mit dem typischen Berner-Refrain „You know I cant think straight no more“. Rob Sheffield

70

The Miracles, „City of Angels“

Als Smokey Robinson die Band verließ, um solo weiterzumachen, dachten alle, die Miracles seien am Ende. Aber die Motown-Legenden landeten nicht nur einen Nummer-1-Hit mit „Love Machine“, sondern schrieben auch diese wunderbar verrückte Ode an ihre neue Heimat L.A. „City of Angels“ ist vielleicht das unbekannteste Album auf dieser Liste, aber definitiv eines der seltsamsten, denn die Miracles begrüßen die Post-Hippie-Kultur Südkaliforniens mit offenen Armen. „Ain´t Nobody Straight in L.A.“ feiert die aufkommende Schwulenszene mit Zeilen wie „Homosexuality is a part of society/I guess that they need some variety“. „Free Press“ ist eine Liebeserklärung an die lokale Untergrundzeitung, eine Serenade an „die hippste Publikation des Landes“, insbesondere an ihre Kleinanzeigen für Massagesalons. Es ist schon ein Erlebnis, die Gruppe, die „The Tracks of My Tears“ gesungen hat, „There are several head shops/That carry a variety of incense“ singen zu hören. Aber sie lassen sogar „Smog“ romantisch klingen. —Rob Sheffield

69

Joan Baez, „Diamonds & Rust“

„Diamonds & Rust“ enthält fantastische Coverversionen von Jackson Browne (das wunderschöne „Fountain of Sorrow“), John Prine („Hello in There“), Stevie Wonder („Never Dreamed You´d Leave in Summer“), der Allman Brothers Band („Blue Sky“) und vielen anderen. Aber das Highlight ist der Titelsong, eine detaillierte Schilderung der Beziehung zwischen der Folk-Ikone Joan Baez und Bob Dylan ein Jahrzehnt zuvor. „Diamonds and Rust“ beginnt mit dem gefürchteten Anruf des Ex-Freundes – aus einer Telefonzelle im Mittleren Westen – und entfaltet sich zu einer mystischen Reflexion über schöne und bittere Erinnerungen. Der Song erinnert uns daran, dass Baez schon immer eine begnadete Songwriterin war, aber selbst sie bezeichnete ihn als „den besten Song meines Lebens“. Dem können wir nur zustimmen.

68

Curtis Mayfield, „There´s No Place Like America Today“

1975 war Curtis Mayfield nach wie vor eine Größe der Black Music. Neben der Leitung von Curtom Records war er für den Hit-Soundtrack der Staple Singers zum Sidney-Poitier-Bill-Cosby-Film „Let´s Do It Again“ verantwortlich. Als Solokünstler hatte er jedoch Schwierigkeiten, an den Crossover-Erfolg seines letzten großen Hits, dem Soundtrack zu „Superfly“ aus dem Jahr 1972, anzuknüpfen. „There´s No Place Like America Today“ war ein ungünstiger Start für den Vertriebsvertrag von Curtom mit Warner Bros., schrieb sein Sohn Todd Mayfield in der Biografie „Traveling Soul: The Life of Curtis Mayfield“. Heute hört man „America“ mit Mayfields einzigartiger Mischung aus sozialkritischen Kommentaren und spiritueller Erbauung, sei es in der brillanten Interpretation von „Hard Times“ (ursprünglich bekannt geworden durch die Psych-Soul-Legende Baby Huey) oder dem üppig optimistischen „So in Love“, alles gesungen mit seiner warmen, aber knackigen Falsettstimme. Das Album ist gut gealtert, lange nachdem die Begeisterung der Fans für sein bewusstes Soul-Konzept abgeklungen ist.

67

Thin Lizzy, „Fighting“

Die irischen Rocker Thin Lizzy fanden ihren charakteristischen Sound auf „Fighting“, wo zwei Gitarren feuern, während Phil Lynott seine Outlaw-Geschichten erzählt. Es ist das Album, mit dem ihre klassische Serie von fünf Alben begann. „Freedom Song“ aktualisiert die Tradition des irischen Rebellensongs, wie in „Whiskey in the Jar“, aber mit einem expliziten Black-Power-Twist, der einem Märtyrerhelden Tribut zollt. „Fighting“ erweitert die Rhythmusgruppe aus Dublin um zwei neue Gitarrenkrieger, Brian Robertson aus Glasgow und Scott Gorham aus dem San Fernando Valley, die in „Wild One“, „King´s Vengeance“ und Bob Segers „Rosalie“ ein Feuerwerk auf ihren Les-Paul-Deluxe-Gitarren entfachen. Auch der Albumtitel ist großartig – „Fighting“ ist der ideale Soundtrack für eine Schlägerei mit den Jungs in Dino´s Bar and Grill.

66

Shirley and Company, „Shame Shame Shame“

Disco-Alben waren 1975 noch neu, aber Shirley and Company wussten genau, wie man so etwas auf die Beine stellt. „Shame Shame Shame“ hatte eines der besten Albumcover des Jahres – Shirley zeigt Richard Nixon den Stinkefinger. Shirley Goodman war eine Veteranin, die 1956 als eine Hälfte von Shirley and Lee mit der New-Orleans-Hymne „Let the Good Times Roll“ einen Klassiker gelandet hatte. Sie sang auch auf dem Stones-Album „Exile on Main Street“. Ihr Dancefloor-Hit „Shame, Shame, Shame“ wurde von einer anderen Rock´n´Roll-Größe der 50er Jahre geschrieben und produziert – Sylvia Robinson, die Sylvia aus „Love Is Strange“, die später Sugar Hill Records gründete. Das Album ist ein Nonstop-Kick von „Disco Shirley“ über „Love Is“ bis „Jim Doc Kay“. Echte Disco-Poesie: „Got my sunroof down! Got my diamond in the back! Put on your shaggy wig, woman, or if you don´t, I ain´t coming baaaack!“

65

Steve Hackett, „Voyage of the Acolyte“

Alle fünf Mitglieder der von Peter Gabriel angeführten Inkarnation von Genesis waren begnadete Songwriter, was bedeutete, dass Gitarrist Steve Hackett Schwierigkeiten hatte, Songs auf ihren Alben unterzubringen. Aber 1975, als die Gruppe nach der anstrengenden „The Lamb Lies Down on Broadway“-Tournee inaktiv war, ging er mit einem Stapel von Songs, die er über die Jahre gesammelt hatte, ins Studio und nahm sein Solo-Debüt auf. Einfach gesagt, ist es das beste Album, das Genesis nie aufgenommen hat, obwohl Schlagzeuger Phil Collins und Gitarrist Mike Rutherford bei mehreren Titeln mitwirkten. Songs wie „Ace of Wands“ und „Shadow of the Hierophant“ sind herausragende Prog-Rock-Meisterwerke und hätten problemlos auf jedes Genesis-Album gepasst, wenn die Band nur offener für Hacketts Ideen gewesen wäre. Nur zwei Jahre nach dem Erfolg von „Voyage of the Acolyte“ verließ Hackett die Band, um sich ganz seiner Solokarriere zu widmen. „Voyage of the Acolyte“ hatte ihm den Weg gewiesen.

64

Jefferson Starship, „Red Octopus“

Der Begriff „Bay Area Corporate Rock“ hat nie viel Vertrauen geweckt, aber man kann es den mutigsten musikalischen Agitatoren San Franciscos überlassen, sich daran zu versuchen und es zum Erfolg zu führen. „Red Octopus“ war einerseits der Sound der Babyboomer, die realisierten, dass sie nun, da sie in ihren Dreißigern waren, vielleicht ein oder zwei Hypotheken abbezahlen mussten. Aber sie gingen stilvoll in Richtung Pop: „Miracles“, Marty Balins fast siebenminütige Verführung, ist eine der himmlischsten (und frechsten) Balladen dieses Jahrzehnts; Grace Slick bringt ihre unapologetische Schärfe in Liebeslieder ein, und Paul Kantner will immer noch Sci-Fi-Rock in all seiner schrägen Pracht machen. „Red Octopus“ war punchiger als jedes andere Album der Airplane seit „Volunteers“ und zeigte, dass Massenrock an sich schon ein Akt glorreicher Rebellion sein kann. —David Browne

63

Latimore, „Latimore III“

Kenny Latimore brauchte keine vokalen Feuerwerke oder glühenden Instrumente, um sich zu verständlich zu machen. Er war ein Blues-Sänger, der mit Anmut und Leichtigkeit den Hengst spielte, aber jede Zeile war sorgfältig durchdacht – ein echter und bewegender Stilist. Auf „Latimore III“ ist er in Höchstform zu hören, seine Band unterstützt ihn bei jedem Schritt, spielt locker und locker, wie zum Beispiel bei dem stolzen „Are You Where You Wanna Be“. Aber selbst dort hört man, wie er sich zurücklehnt, den Fuß vom Gaspedal nimmt und die Worte für sich sprechen lässt. Und er kann auch für Lacher sorgen, wie mit dem zeitlosen „Theres a Red-Neck in the Soul Band“, einem Song über einen großen, dünnen weißen Typen, der mit seiner Gitarre einen schwarzen Club aus der Fassung bringt.

62

The Eagles, „One of These Nights“

Den Eagles mangelte es nie an Selbstvertrauen, aber mit „One of These Nights“, ihrer ersten Nummer-eins-Platte, waren sie wirklich in Hochform. Der Titelsong ist butterweicher R&B mit einem von Al Green beeinflussten Groove; „Lyin Eyes“ entwirft ein vergoldetes Palast der Sünde in der betrügerischen Gegend der Stadt; und „Take It to the Limit“, teilweise inspiriert von Harold Melvin and the Blue Notes Klassiker „If You Dont Know Me By Now“, ist vielleicht ihre beste Gesangsleistung als Gruppe. „Hollywood Waltz“ besticht durch traurige Country-Schönheit, während Songs wie das satanisch angehauchte Soft-Prog-Epos „Journey of the Sorcerer“ und die ökologische Warnung „Too Many Hands“ eine unterschwellige Angst hervorrufen, die dieses Album wie einen Appetithappen wirken lässt, bevor sie sich 1976 mit ihrem Meisterwerk „Hotel California“, einer Hymne auf den Niedergang Kaliforniens, so richtig an die Beute machten.

61

Nils Lofgren, „Nils Lofgren“

Bei seinem offiziellen Karrierestart nach vier Alben mit der Country-Rock-Band Grin klang Nils Lofgren bereits so, als hätte er persönlich und beruflich schon einiges hinter sich. Obwohl er erst Mitte zwanzig war, klingt der süß klingende Junge von Grins 1972er Album „1+1“ nun etwas verletzter und defensiver. Dennoch wirkt er selten so entspannt und selbstbewusst wie hier, wo er einen spannungsgeladenen Song nach dem anderen präsentiert („Back It Up“, „One More Saturday Night“), Keith Richards mit umwerfenden Gitarrenriffs huldigt und durchweg spielt, ohne zu übertreiben. Seine melancholische Version von Carole King und Gerry Goffins „Goin’ Back“, die beste Coverversion dieses Songs, spricht sein inneres Kind an – und das unsere. —David Browne