Ranking: Die 75 besten Alben des Jahres 1975
Von Patti Smith über Parliament bis Bruce Springsteen: Das sind die besten Alben aus dem Jahr 1975.
Alben 1975: Plätze 40-30
Elton John, „Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy“
Elton John veröffentlichte in den 1970er Jahren 13 Alben. „Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy“ war das persönlichste davon. Es ist ein Konzeptalbum, auf dem Elton und sein Texter Bernie Taupin sich an ihre frühen Schwierigkeiten vor dem Ruhm erinnern. Anstatt Hits zu produzieren, schufen die beiden eine Geschichte, die sich mit Themen wie Ablehnung, Ehrgeiz, Identität und Widerstandsfähigkeit auseinandersetzt. Der bekannteste Song des Albums ist die eindringliche Ballade „Someone Saved My Life Tonight“, in der John offenbart, dass er während seiner Verlobung mit Linda Woodrow Selbstmordgedanken hatte. „Captain Fantastic“ war nicht nur ein persönliches Statement, das eine Wende bedeutete, sondern auch kommerziell bahnbrechend und das erste Album, das auf Platz eins der US-amerikanischen Billboard 200-Charts debütierte – ein Beweis für Johns Popularität und emotionale Resonanz. —Alison Weinflash
Heart, „Dreamboat Annie“
„Dreamboat Annie“ war unsere erste offizielle Begegnung mit Ann und Nancy Wilson, zwei Schwestern aus Seattle, die den Spitznamen „Little Led Zeppelin“ trugen. Der Grund dafür liegt auf der Hand: Ann bringt die kraftvolle Stimme („Magic Man“, in dem sie davon singt, sich in ihren Tontechniker und ersten Manager zu verlieben), während Nancy lässig die Gitarre zerschmettert („Crazy on You“). Das Debütalbum, das zunächst bei einem kleinen kanadischen Label erschien, machte sie berühmt und bewies, dass Frauen genauso gut wie Männer Rockbands anführen können. „Wir waren die Original-Gangster da oben“, sagte Nancy. „Und wir schreiben die Geschichte weiter, was Frauen alles erreichen können.“ —Angie Martoccio
The Spinners, „Pick of the Litter“
„Pick of the Litter“ erschien gegen Ende der Zusammenarbeit der Spinners mit dem Produzenten Thom Bell, aus der zwei Goldalben, eine Platin-LP, vier Gold-Singles und vier Grammy-Nominierungen hervorgingen und Bell im März 1975 den ersten Grammy als Produzent des Jahres gewann. Das Album erschien später im August und unterstrich die Stärke der Detroiter Combo für sanfte, leicht zugängliche Grooves („Games People Play“ und „Love Me or Leave Me“) sowie herzzerreißende Balladen. Einige Kritiker waren der Gruppe überdrüssig: Eine zeitgenössische Rezension im Rolling Stone bezeichnete die Spinners-Bell-Formel als „kontrolliert und eher langweilig“. Soul-Fans schätzten jedoch die gut komponierten, tiefgründigen Songs wie „You Made a Promise to Me“, in denen die fantastische Stimme von Leadsänger Philippé Wynne zur Geltung kam. Für sie setzte „Pick of the Litter“ die Erfolgsserie fort, die die Spinners zu Vorreitern des Philly-Soul-Sounds machte. —Mosi Reeves
Guy Clark, „Old No. 1“
Nur wenige Alben haben mehr Standards hervorgebracht als Guy Clarks zurückhaltendes Debütalbum. Zwischen „L.A. Freeway“, „Desperados Waiting for a Train“, „Let Him Roll“ und „She Ain’t Going Nowhere“ ist es schwer vorstellbar, dass das letzte halbe Jahrhundert der Country-/Folk-basierten Geschichtenerzählung ohne das Vorbild ausgekommen wäre, das Clark und das Team aus erstklassigen Session-Musikern (Mickey Raphael, Reggie Young, Larrie Londin) auf diesem Album geschaffen haben. „Seine Stimme ist nicht angenehm“, schrieb Ed Ward in seiner ursprünglichen Rezension im Rolling Stone, „aber sie ist außerordentlich ausdrucksstark und wird durch die Produktion gut zur Geltung gebracht.“ Aber letztendlich waren es weder Clarks Stimme noch die Arrangements, die „Old No. 1“ zu einem zeitlosen Klassiker machten, sondern Clarks makellos komponierte Originalsongs, zehn Stücke, die „mir halfen zu verstehen, was ein Song sein sollte, was ein Song sein kann“, wie Lyle Lovett später sagte. —Jonathan Bernstein
Parliament, „Chocolate City“
Parliament machte mit „Chocolate City“ einen riesigen Sprung nach vorne – dem Album, auf dem George Clinton zum ersten Mal seine funkentelepathische Chemie mit Bassist Bootsy Collins und Synthesizer-Zauberer Bernie Worrell perfektionierte. „Big Footin’“ ist der Knaller mit dem Party-Refrain „Let us lay some funk on you!“ Das Herzstück ist jedoch der Titelsong, in dem Clinton Washington, D.C., einer Stadt, die zu dieser Zeit zu 70 Prozent schwarz war, seine Liebe erklärt: „Wir haben unsere 40 Morgen Land und einen Maulesel nicht bekommen, aber wir haben dich bekommen, C.C.“ Zu jazzigen Klavierklängen blickt er in eine Zukunft mit Muhammed Ali im Weißen Haus, Aretha Franklin als First Lady, Richard Pryor als Bildungsminister und Stevie Wonder als Minister für Bildende Künste. „Chocolate City“ übertraf alle Erwartungen, wie weit Clinton und seine P-Funk-Gang kommen könnten – aber noch größere Erfolge sollten bald folgen. —Rob Sheffield
Emmylou Harris, „Pieces of the Sky“
Das richtige Debüt-Soloalbum von Emmylou Harris ist dasjenige, das sie sowohl als Songwriterin als auch als Weltklasse-Interpretin von Songs anderer etablierte. Hören Sie sich an, was sie mit „Bluebird Wine“ macht, dem ersten von vielen Rodney-Crowell-Originals, die sie im Laufe der Jahre singen sollte. „Boulder to Birmingham“, ihre Hommage an ihren kürzlich verstorbenen musikalischen Partner Gram Parsons, war der einzige Originalsong, aber es waren Harris’ Interpretationen von Songs wie „Coat of Many Colors“, „For No One“ und ihre Hitversion von „If I Could Only Win Your Love“ von den Louvin’ Brothers, die das Album in den folgenden Jahrzehnten zu einem Meilenstein der Americana machten. „Es gibt einfach zu viele Songs, die mir Spaß machen und die ich den Leuten näherbringen möchte“, sagte sie damals zu Cameron Crowe im Rolling Stone. „Ich fühle mich jedem einzelnen sehr tief und persönlich verbunden.“ —Jonathan Bernstein
The Isley Brothers, „The Heat Is On“
Beginnend mit „It’s Your Thing“ aus dem Jahr 1969 vollzogen die Isley Brothers den Wandel vom Soul-Crooner zum Black-Rocker – eine atemberaubende Verwandlung, die hier ihren Höhepunkt erreichte. „The Heat Is On“ ist in zwei gleichwertige Teile gegliedert. Im ersten Teil verschmelzen sie nahtlos Disco-Beats, Ernies Post-Hendrix-Gitarrenriffs und Rons verführerische Serenaden zu unerbittlichen Vamps wie „Fight the Power“ und „Hope You Feel Better Love“. Die Balladen in der zweiten Hälfte sind warm und keineswegs schmalzig. Die Isleys waren nicht nur Vorläufer von Disco, Achtziger-Funk, Black Rock und Quiet Storm, sie verschmolzen all diese Stilrichtungen auf eine Weise, wie es damals kaum jemand tat. —David Browne
Miles Davis, „Agharta“
Miles Davis beendete drei aufschlussreiche Jahrzehnte als Musiker mit „Agharta“ und „Pangaea“, zwei Live-Doppelalben, die bei zwei separaten Konzerten am 1. Februar 1975 in Osaka, Japan, aufgenommen wurden. Abgesehen von „Dark Magus“, das 1974 live aufgenommen wurde, veröffentlichte er sechs Jahre lang keine neue Musik mehr. Aber diese Veröffentlichungen waren ein grandioser Abgang, insbesondere „Agharta“, eine Momentaufnahme von Davis’ psychedelischer Funk-Ära in ihrer bedrohlichsten und alles verschlingenden Form, wie eine unheilige Kollision von James Brown, Jimi Hendrix’ Band of Gypsys und Can. In den 50 Jahren seitdem ist es keiner Band gelungen, solch reichhaltige und kompromisslose Grooves zu zaubern, die ebenso sehr von den Beiträgen der energiegeladenen Begleitmusiker – Sonny Fortune am Saxophon, Pete Cosey und Reggie Lucas an der Gitarre, Michael Henderson am Bass, Al Foster am Schlagzeug und James Mtume am Percussion – wie von der Wah-Wah-Trompete und den dissonanten Orgelklängen des Bandleaders geprägt sind. —Hank Shteamer
Betty Davis, „Nasty Gal“
„Du willst es fühlen, nicht wahr?“, fragt Betty Davis in dem Deep Cut „Feelins“ aus dem Album „Nasty Gal“. Die Bestimmtheit in ihrer Stimme lässt keinen Zweifel daran, dass sie dich bereits durchschaut hat – nicht nur, was du fühlen willst, sondern auch, wie sie dich dazu bringen kann. In „Dedicated to the Press“ bringt sie Katharsis an die Oberfläche und treibt den Bass in ihrer Stimme voran, um die Basslinie des Tracks herauszufordern. In „Nasty Gal“ dreht sie die Schrauben noch weiter und wirft all die bösen Namen, mit denen sie beschimpft wurde, wie Granaten zurück. Und doch existieren diese Songs neben „Talkin’ Trash“ und „The Lone Ranger“, sinnlichen Stücken, die mit einem Augenzwinkern und einem Knurren vorgetragen werden. Davis hat alles gemacht, alles gefühlt und den Nervenkitzel genossen, den ihr die Freiheit gab. „Nasty Gal“ markierte das effektive Ende der Karriere der Funk- und Soulmusikerin, unterstützt durch kulturelle Gegenreaktionen und Anzüge in den Vorstandsetagen. Aber es war immer unser Verlust, niemals ihrer. —Larisha Paul
The Bee Gees, „Main Course“
Der überwältigende Erfolg von „Saturday Night Fever“ überschattet oft alles, was die Gibb-Brüder vor 1977 gemacht haben. Aber ohne „Main Course“ hätte es die Disco-Ära vielleicht gar nicht gegeben – eine echte Tragödie. Das Album war das erste, das das Trio in Miami aufgenommen hat (auf Drängen ihres Freundes Eric Clapton, der dort 1974 „461 Ocean Boulevard“ aufgenommen hatte). Die Aufnahmen in den Criteria Studios mit Hilfe des Produzenten Arif Mardin prägten den neuen R&B-Sound der Gibbs und ebneten den Weg für die Tanzflächen. Noch wichtiger ist jedoch, dass das Album Barry Gibbs erstes Falsett enthält, das in dem euphorischen Highlight „Nights on Broadway“ zu hören ist – eine Idee, die ihm im Traum gekommen war. Wir sind seinem Unterbewusstsein auf ewig dankbar. —Angie Martoccio
Gilberto Gil & Jorge Ben, „Gil E Jorge/Ogum Xangô“
Ein Großteil der Magie von „Ogum, Xangô“ liegt darin, dass es einfach zwei Freunde und Musiker einfängt, die ohne große Ambitionen oder Pläne improvisieren. Das Album zeigt die brasilianischen Titanen der Tropicalia auf dem Höhepunkt ihrer Karriere, ohne Angst vor Experimenten oder Ehrlichkeit: Jorge Ben hatte 1970 mit seinem Album „A Tábua de Esmeralda“ einen Klassiker gelandet, während Gilberto Gil weiterhin in seiner Musik seine Meinung sagte und Verhaftungen und sogar ein kurzes Exil durch die brasilianischen Behörden überstand. Doch trotz der Dringlichkeit der Zeit und ihres individuellen Erfolgs sind sie in diesen neun Songs entspannt und teilen sich die Aufmerksamkeit: Ben singt eine überarbeitete Version von „Taj Mahal“ aus dem Jahr 1972 (derselbe Song löste eine Urheberrechtsklage aus, als Rod Stewart die Melodie „unbewusst plagiierte“ für „Da Ya Think I’m Sexy?“), während Gil „Essa é pra Tocar no Rádio“ aus dem Jahr 1973 neu interpretiert. In „Sarro“ kommen sie zusammen und fangen den freigeistigen, unbefangenen Geist des Projekts ein. —Julyssa Lopez
Kiss, „Alive!“
Um die Kraft von Kiss in ihren Anfängen zu erleben, musste man sie live sehen. Deshalb schafften es ihre ersten beiden Alben 1974 nicht über Platz 87 der Billboard 200, obwohl ihre Shows im ganzen Land große Menschenmengen anzogen. Deshalb beschloss die Band, die Kraft ihrer Konzerte 1975 auf dem Live-Album „Alive!“ einzufangen, auf dem Songs wie „Black Diamond“ und „Strutter“ zu hören sind, die auf Platte vergleichsweise flach wirkten. Und obwohl die Käufer der Platte beim Hören von „Alive!“ weder die Pyros noch das Blutspritzen der Show sehen konnten, kam die rohe Energie dennoch rüber. Das schuf lebenslange Kiss-Fans und brachte die Band für immer in die Arenen. Im Laufe der Jahre wurden viele Fortsetzungen von „Alive!“ aufgenommen, aber keine kann sich mit dem Original messen. Und ja, die „Alive!“-Bänder wurden im Studio stark bearbeitet. Das war damals üblich und in diesem Fall geschickt gemacht. —Andy Greene
Alben 1975: Plätze 30-20
KC and the Sunshine Band, „KC and the Sunshine Band“
Eines der besten Disco-Alben aller Zeiten, das dem Prinzip gewidmet ist, dass „ein bisschen tanzen“ und „ein bisschen Liebe machen“ alles ist, was man braucht. KC and the Sunshine Band waren Funkateers aus Miami unter der Leitung von Harry Wayne „KC“ Casey und Richard Finch, der Hausband des wegweisenden Disco-Labels TK Records. „Get Down Tonight“ war der erste ihrer fünf Nummer-1-Hits, eine tantrische Wiederholung mit Gitarrenheld Jerome Smith und Schlagzeuger Robert Johnson, die den Song nach Hause brachten. „Es hatte dieses seltsame, mystische Gefühl“, sagte Casey, „ein Gefühl, das ich noch nie zuvor empfunden hatte.“ Sie beschleunigten das Band, sodass die hohen Gitarrenklänge wie ein Bienenschwarm klingen. Mit „That’s the Way (I Like It)“, „Boogie Shoes“ und „I Get Lifted“ halten sie die Party am Laufen. So ist es – uh huh, uh huh – so hat es die ganze Welt gemocht. —Rob Sheffield
Kraftwerk, „Radio-Activity“
Ein weltweites Publikum entdeckte Kraftwerk zum ersten Mal durch „Autobahn“, einen wirbelnden elektronischen Ausflug, der Anfang 1975 zu einem unerwarteten Hit wurde. Damit waren die Zuhörer nicht auf das strenge und rätselhafte „Radio-Activity“ vorbereitet, ein Konzeptalbum, das sich um die Kommunikation durch Schallwellen dreht. „Wie die meisten Konzeptalben ist es voller toter Stellen“, hieß es in einer zeitgenössischen Rezension im Rolling Stone, in der mehrere Albumtitel als „einfach nur dumm“ bezeichnet wurden. Andere Hörer staunten darüber, wie Kraftwerk ihre kosmische Musik in eindringliche Melodien verwandelten, die von seltsamen perkussiven Geräuschen und dem einfachen, aber ausdrucksstarken Gesang von Florian Schneider und Ralf Hütter umhüllt waren. Unzählige Acts, von der britischen Synthie-Pop-Band Orchestral Manoeuvres in the Dark bis zum französischen House-Duo Daft Punk, ließen sich von diesem minimalistischen Juwel inspirieren, das sich nicht Rock-’n’-Roll-Gitarren, sondern synthetische Übertragungen als Sound der Zukunft vorstellte. —Mosi Reeves
Funkadelic, „Let’s Take It to the Stage“
George Clinton war 1975 in Hochform, als sein P-Funk-Imperium drei Meisterwerke seiner beiden Bands herausbrachte. „Let’s Take It to the Stage“ ist trotz seines Titels kein Live-Album – nur Funkadelic in Höchstform, die in „Good to Your Earhole“ und „Better by the Pound“ richtig rocken. Es ist das dichteste Album, das Funkadelic oder Parliament je gemacht haben. Die Funk Mob-Gitarristen – Eddie Hazel, Garry Shider, Michael Hampton – drehen auf dem gesamten Album völlig durch. Clinton – oder wie er sich selbst in den Credits nennt, der „Maggot Overlord“ – macht den Titelsong zu einem Diss-Track und greift rivalisierende Bands an, denen er vorwirft, den Funk zu faken, wie „Fool and the Gang“ oder „Earth, Hot Air, and No Fire“. „Get Off Your Ass and Jam“ (reimt sich auf „Shit! Goddamn!“) ist nur zwei Minuten lang, aber es ist ein Mission Statement für das gesamte Parliafunkadelicment Thang. —Rob Sheffield
Aerosmith, „Toys in the Attic“
Die Bad Boys aus Boston sicherten sich mit „Toys in the Attic“, dem „Live at the Apollo“ des Dirtbag-Rock der Siebziger, ihren Platz auf den Highschool-Parkplätzen Amerikas. Jedes Detail war perfekt: die Gitarrenriffs von Joe Perry und Brad Whitford, der Muscle-Car-Funk von Joey Kramer und Tom Hamilton, das ununterbrochene Geschwätz des verrückten Poeten Steven Tyler. Das Album beginnt mit dem Ramones-artigen Whiplash „Toys in the Attic“, gefolgt vom biblischen Blues „Adam’s Apple“, dem Proto-Rap „Walk This Way“ und dem sexuell aufgeladenen „Sweet Emotion“. Der Höhepunkt ist jedoch „No More No More“, die ultimative existenzielle Aussage von Aerosmith über die endlose Suche nach dem Sinn des Rock ’n’ Roll. „Ich habe kein Tageslicht mehr gesehen, seit ich diese Band gegründet habe“, klagt Tyler, bevor Perry am Ende übernimmt und seine Seite der Geschichte in einem grandios schmuddeligen Solo erzählt. —Rob Sheffield
David Bowie, „Young Americans“
„Es sieht nicht gut aus für Amerika“, sagte David Bowie 1975. „Sie lassen Leute wie mich ihr Land mit Füßen treten.“ „Young Americans“ war der Liebesbrief des Thin White Duke an den Philly Soul – aber ironischerweise war es genau dieses Album, das ihn in den USA zu einem echten Star machte, obwohl er sein eigenes Album als „Plastic Soul“ verspottete. Mit „Fame“ landete er einen Nummer-1-Hit, während er in „Win“ und dem Titelsong seine quälenden Gefühle zum Ausdruck brachte und auf die Knie fiel, um zu flehen: „Gibt es denn kein einziges verdammtes Lied, das mich zum Weinen bringt?“ Einer der Backgroundsänger war ein Junge, den Bowie im Flur summen hörte; Bowie engagierte ihn sofort und gab ihm seinen ersten Job. Der Name des Jungen? Luther Vandross. Ende 1975 war Bowie mit Don Cornelius in der Sendung „Soul Train“ zu sehen, wo er „Fame“ lippensynchron sang. Ist das wirklich verwunderlich? —Rob Sheffield
Paul Simon, „Still Crazy After All These Years“
Paul Simons erste beiden Soloalben – „Paul Simon“ (1972) und „There Goes Rhymin’ Simon“ (1973) – waren musikalisch gewagte kommerzielle Erfolge. Aber erst mit diesem Nummer-1-Album fand er wirklich zu seiner Rolle als lässig-poetischer Vertreter der Babyboomer-Generation. Unterstützt von einer Crew erstklassiger Studiomusiker (darunter der berühmte Schlagzeuger Steve Gadd auf dem Hit „50 Ways to Leave Your Lover“) lieferte Simon sanfte, leicht bissige Berichte aus dem Innersten der Midlife-Crisis, wie „Have a Good Time“, „Some Folks Lives Roll Easy“ und den ergreifenden Titelsong, der sofort zu einem düsteren Meilenstein einer ganzen Generation wurde. Art Garfunkel ist bei dem nostalgischen „My Little Town“ zu Gast, aber selbst dieser Song ist ziemlich deprimierend. Die Sechziger waren längst vorbei, und dieses Album beweist, was für ein großartiger Wegweiser Simon durch die Trägheit der Siebziger sein würde. —J.D.
Fela Kuti & Africa 70, „Expensive Shit“
Das Album „Expensive Shit“ des nigerianischen Funk-Titanen Fela Kuti enthält nur zwei Titel, den Titelsong und den legendären „Water No Get Enemy“. Zusammen gehören sie zu seinen besten Werken als Bandleader und Vordenker. Der rasende und sarkastische „Expensive Shit“ ist ein kraftvolles Zeugnis dafür, wie Kuti gezwungen war, als kultureller Feind des nigerianischen Staates zu leben. Der Legende nach schluckte Kuti einen Joint, den ihm die nigerianische Polizei untergeschoben hatte, weil er wiederholt die autoritäre Junta des Landes kritisiert hatte. Mit gesprächigem Saxophon, lebhaften Bläsern und gesungenem Witz verspottet Kuti sie dafür, dass sie darauf warten, dass er die Beweise während seiner Haft ausscheidet (es heißt, er habe seine Fäkalien mit jemand anderem getauscht, um einer Anklage wegen Cannabisbesitzes zu entgehen). „Die werden deine Scheiße benutzen, um dich ins Gefängnis zu stecken“, neckt er die Polizei und nennt sie ‚Idioten‘. Umgekehrt zeigt das ruhigere „Water No Get Enemy“, wie Kuti vielleicht gerne gelebt hätte – in Frieden. –Mankaprr Conteh
Black Sabbath, „Sabotage“
Nach aller Logik müsste „Sabotage“ von Black Sabbath ein schreckliches Album sein. Nicht nur waren sie zu Beginn der Aufnahmen hoffnungslos kokainsüchtig und in einen monatelangen Rechtsstreit mit ihrer Managementfirma verwickelt, der sie ablenkte, sondern es war auch ihr sechstes Album seit 1970. Die meisten Bands in dieser Situation wären zu fertig gewesen, um auch nur ansatzweise etwas Brauchbares zustande zu bringen. Aber Sabbath kämpften sich ernsthaft durch das Chaos und den Tumult und produzierten schwere, aggressive Songs wie „Hole in the Sky“, „Symptom of the Universe“ und „Megalomania“, die zu den mächtigsten Momenten ihres Repertoires zählen. (Wir tun einfach so, als gäbe es das katastrophale Synthie-Experiment „Am I Going Insane“ und das abscheuliche Albumcover nicht. Kokain ist schon eine ganz schöne Droge.) Leider war das Folgealbum „Technical Ecstasy“ eine große Enttäuschung, was bedeutete, dass die goldene Ära von Sabbath mit „Sabotage“ endete. —A.G.
Fleetwood Mac, „Fleetwood Mac“
Vor „Rumours“ gab es „Fleetwood Mac“. Das Album ist das erste, auf dem Lindsey Buckingham und Stevie Nicks zu hören sind, die kurz zuvor zur Band gestoßen waren. Sie brachten mehrere Songs mit, darunter Buckinghams rockigen Opener „Monday Morning“ und Nicks’ mittlerweile klassische „Rhiannon“ und „Landslide“, die alle einen neuen kalifornischen Glanz versprühten. Zusammen mit Christine McVies hypnotischen Songs „Over My Head“ und „Warm Ways“ hauchten sie der Band, die bereits ihr zehntes Studioalbum veröffentlichte, neues Leben ein. Fleetwood Mac hatte 1968 ein selbstbetiteltes Album (ihr Debüt) veröffentlicht, aber mit diesem zweiten Album konnten sie dem Publikum offiziell ihr neues Kapitel vorstellen. Was konnte da noch schiefgehen? —A.M.
Burning Spear, „Marcus Garvey“
Es gibt keinen emotionaleren, politisch engagierteren Reggae-Publikumsliebling als Burning Spears drittes Album „Marcus Garvey“. Die Musik auf diesem rootsigen, konzeptionellen Werk ist rau, rockig und emotional, angeführt von Burning Spears leisem, aber entscheidendem Gesang. Die soliden Arrangements des Produzenten Jack Ruby beleben die großherzigen, panafrikanischen Manifeste seines Schützlings. Burning Spears eindringliche Liste von Forderungen in „Give Me“ – begleitet von sprudelnden Bässen und verzauberten Flöten – wirkt wie eine fröhliche Forderung nach Wiedergutmachung. Der angenehm sättigende Funk von „Live Good“ verbreitet eine virale Botschaft von Frieden, Liebe und Wohlstand. Und „Tradition“ beginnt auf gewinnende Weise mit einem Refrain aus scharfen Bläsern und einem Ohrwurm-Chant, den Burning Spear mit einem abrupten Schrei unterbricht, bevor er eine Geschichte erzählt, die „mehr als 2.000 Jahre“ umfasst. „Marcus Garvey“ ist für die Ewigkeit. —W.D.
Plätze 20-10
Queen, „A Night at the Opera“
Das dritte Album von Queen war zu dieser Zeit die teuerste Platte, die je produziert wurde, und es war jeden Cent wert. „A Night at the Opera“ beginnt mit einem brodelnden Diss-Track, der sich gegen einen zwielichtigen ehemaligen Manager richtet, schlängelt sich dann durch eine Glam-Rock-Liebeserklärung, inspiriert von der Hingabe eines Roadies an seinen Triumph TR4 („I’m in Love With My Car“), schafft es, einen perfekten Sgt.-Pepper-artigen Liebes-Song („You’re My Best Friend“) hinzulegen, und fügt irgendwie noch ein Seemannslied („Seaside Rendezvous“) ein. Und – natürlich – schließen sie mit dem opernhaften Meisterwerk „Bohemian Rhapsody“. Trotz ambivalenter Kritiken (Rolling Stone erwähnte den Song in seiner Rezension des Albums nicht einmal) wurde „Bohemian Rhapsody“ ein weltweiter Hit, der krönende Triumph einer LP, die alle Grenzen sprengte und Genregrenzen so umfassend zerstörte, dass sie sogar die Oper wieder cool machte. —Gabrielle Macafee
Steely Dan, „Katy Lied“
„Katy Lied“ markierte 1975 den Wendepunkt in der Geschichte von Steely Dan, das erste Album, das Donald Fagen und Walter Becker nach ihrer Entscheidung, das strenge Tourleben aufzugeben und sich ganz der Perfektion im Studio zu widmen, veröffentlichten. Die Songs selbst sind typisch Dan – Gauner und Betrüger, Großstadt-Einzelgänger und Vorstadt-Creeps, ausgebrannte Süchtige und lebensmüde Verlierer – und die Credits enthalten eine Vielzahl von erstklassigen Musikern, darunter Michael McDonald und Gitarrist Larry Carlton, die zum ersten Mal dabei waren (und später zu Stammgästen wurden). Trotz all dieser Großartigkeit war der Beginn dieser Ära von einer grausamen Ironie geprägt, die einem Steely-Dan-Song würdig war: Ein defektes Gerät zur Geräuschreduzierung beschädigte die Bänder, wodurch der Klang nicht mehr ganz so makellos war. Das bedeutete zwar, dass das Album nie ganz den hohen Ansprüchen von Fagen und Becker gerecht werden konnte, trug aber nur zur Legende von „Katy Lied“ bei. —Jon Blistein
Bob Marley and the Wailers, „Live!“
Im Sommer 1975 reisten Bob Marley and the Wailers nach Großbritannien, um ihr siebtes Studioalbum „Natty Dread“ zu promoten. Am 17. und 18. Juli füllten sie das Londoner Lyceum Theatre mit der rohen Kraft ihres mittlerweile unsterblichen Reggae, der vom mobilen Studio der Rolling Stones für ein Live-Album eingefangen wurde, das im Dezember desselben Jahres veröffentlicht wurde. Damit wurde die „Natty Dread“-Version von „No Woman No Cry“ zu einer der besten Live-Aufnahmen aller Zeiten. In London verlangsamte die Band das Tempo von „No Woman No Cry“ und verstärkte die Ernsthaftigkeit mit raueren, volleren Orgelklängen, den leidenschaftlichen Schreien von Rita Marley und Marcia Griffiths und Bobs von der Tournee rauer gewordener Stimme. Das Kreischen der Mikrofonrückkopplung und eine schwärmerische, singende Menge machen Marleys Magie realer als real. Das gesamte Album ist so, ungeschönt und gemeinschaftlich, vom Drama von „I Shot the Sheriff“ bis zum Schlachtruf „Get Up, Stand Up“. —M.C.
Brian Eno, „Another Green World“
Es gibt kein Musik-Erlebnis, das vergleichbar ist mit dem Eintauchen in Brian Enos „Another Green World“, eine klangliche Traumwelt, die man jahrelang immer wieder besuchen kann und dennoch immer wieder neue Überraschungen entdeckt. 1975 war Eno noch Songwriter, begann aber bereits, sich mit „Ambient Music“ zu beschäftigen, wie er es später nennen sollte. „Another Green World“ ist 41 Minuten lang leise elektronische Pastorale, durchsetzt mit fünf Gesangsstücken. Der Kritiker Robert Christgau nannte es „das akustische Äquivalent eines Parks auf dem Mond – Einssein mit der Natur unter künstlicher Schwerkraft“. Der Fluss verweilt nie zu lange an einer Stelle, Synthie-Träumereien wie „Becalmed“ weichen Robert Fripps Gitarre, John Cales Viola oder Phil Collins’ Percussion. „Ich muss etwas erfinden, um mich zu begeistern“, sagte Eno gegenüber Rolling Stone. „Und wenn ich begeistert bin, erfinde ich Dinge. Es ist also ein zirkulärer Prozess.“ —R.S.
Earth, Wind & Fire, „That’s the Way of the World“
Earth, Wind & Fire eröffnen ihr bahnbrechendes Album mit einem der größten One-Two-Punches der Popmusik – „Shining Star“ (der erste und einzige Nummer-1-Hit der Gruppe) gefolgt von „That’s the Way of the World“ – und geben damit den makellosen Ton für ein expansives, ambitioniertes Album voller außergewöhnlicher Funk-Soul-Perlen („Happy Feelin’“, „Yearnin’ Learnin’“) und genreübergreifenden, zukunftsweisenden Epen („Africano“, „See the Light“). Es enthält sogar einen der glorreichsten missverstandenen Liebeslieder aller Zeiten, „Reasons“, eine R&B-Ballade, die von einer so unstillbaren, orchestralen Wucht durchdrungen ist, dass sie trotz ihres Inhalts über einen One-Night-Stand zu einem Hochzeitsstandard wurde. Die musikalische Kraft von EWF ist zeitlos, ebenso wie die Introspektion von „That’s the Way of the World“, das vorsichtigen Optimismus für turbulente Zeiten vermittelt. „Zögere nicht, denn die Welt scheint kalt zu sein“, erinnert uns der Titelsong, „Bleib jung im Herzen, denn im Herzen bist du niemals alt.“ —J. Blistein
Richard und Linda Thompson, „Pour Down Like Silver“
Die britischen Folk-Rock-Titanen Richard und Linda Thompson schufen in ihrem gemeinsamen Jahrzehnt eine Reihe von Klassikern, vom Debütalbum „I Want to See the Bright Lights Tonight“ bis zu ihrem Abschiedswerk „Shoot Out the Lights“. Aber „Pour Down Like Silver“ ist ihr absoluter Höhepunkt, ein Meisterwerk der nächtlichen keltischen Angst. Es enthält ihre schärfsten Songtexte, ihre schmerzhaftesten Vocals und ihren unverkennbarsten Groove. „Night Comes In“ ist die faszinierendste Gitarrenarbeit, die Richard Thompson je in einem Studio gespielt hat, ein achtminütiger Stratocaster-Rausch, der von Linda Thompsons Harmonien heimgesucht wird. Großartige Zeile: „This room is ringing in my ears.“ Ihre Stimme glänzt von „For Shame of Doing Wrong“ (wo sich das Paar die Klage „I wish I was a fool for you again“ hin und her gibt) bis zu „Jet Plane in a Rocking Chair“. Sie lebten in einer Sufi-Kommune in London, die ihre Musik ablehnte – dies war ihr letztes Album für drei Jahre. Aber „Pour Down Like Silver“ ist so gefühlvoll und gespenstisch, wie es Rock aus den Siebzigern nur sein kann. —R.S.
Smokey Robinson, „A Quiet Storm“
Smokey Robinson hatte in den Sechzigern bereits mehrfach die Musikgeschichte verändert, als Genie, das mehr als jeder andere zum Motown-Sound beigetragen hatte. Aber auch nach seinem Ausstieg bei den Miracles blieb er in den Siebzigern innovativ. „A Quiet Storm“ war 1975 seine massiv einflussreiche Orgie aus langsam brennender Soul-Romantik, die sich nicht an Pop-Konventionen oder Dance-Beats hielt, sondern nur aus der sehnsüchtigen Verführung von Balladen wie „The Agony and the Ecstasy“ oder dem achtminütigen Titelsong bestand. Wie Robinson sagte, war sein Konzept „sieben Songs, getragen von einer leichten Brise, die von Anfang bis Ende durch die Platte weht“. Es war eine sofortige Sensation und inspirierte im Alleingang das Radioformat „Quiet Storm“ von R&B-Balladensängern wie Luther Vandross und Freddie Jackson. Aber niemand hat es jemals so gemacht wie Smokey. —R.S.
Bob Dylan und The Band, „The Basement Tapes“
Die Bootleg-Industrie entstand im Wesentlichen 1969, damit Fans von Bob Dylan und The Band illegale Kopien von selbst aufgenommenen Aufnahmen weitergeben konnten, die einige Jahre zuvor in einem Keller im Bundesstaat New York entstanden waren. 1975 beschlossen Dylan und die Band, ihre eigene Version von „The Basement Tapes“ zu veröffentlichen und den Fans endlich die Möglichkeit zu geben, Klassiker wie „This Wheel’s on Fire“, „Million Dollar Bash“ und „You Ain’t Going Nowhere“ in ihrer Originalfassung zu hören. Leider manipulierte die Band die Geschichte, indem sie die Bänder mit neuen Instrumentalspuren überlagerte und vier neue Aufnahmen hinzufügte. Aber das zugrunde liegende Material war so stark, dass es kaum eine Rolle spielte. Dies war Dylan auf dem Höhepunkt seines Genies und der erste kleine Einblick, den er der Öffentlichkeit in seinen riesigen Fundus an unveröffentlichten Aufnahmen gewährte. Die vollständigen, ungeschnittenen Aufnahmen konnten wir erst 2014 hören, als „The Bootleg Series Vol. 11: The Basement Tapes Complete“ veröffentlicht wurde. —A.G.
Willie Nelson, „Red Headed Stranger“
Die Geschichte von „Red Headed Stranger“ ist mittlerweile bekannt: Als Willie Nelson das Album bei Columbia, seinem damaligen Plattenlabel, einreichte, hielt man es für eine Sammlung von Demos, die zum Scheitern verurteilt war. Stattdessen wurde es ein Riesenerfolg und ein Meilenstein in Nelsons Karriere. Trotz seiner rootsigen, sparsamen Produktion ist das Album filmisch angelegt und erzählt die Geschichte eines Mannes, der nach dem Mord an seiner untreuen Frau zum Vagabunden wird. Und es wird noch mehr Blutvergießen geben, wie Nelson in „Time of the Preacher“ andeutet: „Now the lesson is over/And the killin’s begun“, bevor er vor dem Fremden warnt: „Don’t cross him/don’t boss him“ und hofft, dass er morgen schon wieder unterwegs ist. Fünfzig Jahre nachdem RS das Album rezensierte, gilt die Einschätzung unseres Autors nach wie vor: „Ich kann mich nicht erinnern, wann mich ein Album so gepackt hat.“ —J.H.
Roxy Music, „Siren“
Mit ihren ersten vier Alben etablierten sich Roxy Music als imperios coole, unersättlich innovative Art-Rock-Veteranen. „Siren“ ist konzeptionell nicht so anspruchsvoll wie frühere Klassiker wie „Roxy Music“ oder „For Your Pleasure“, aber es ist gleichzeitig ihr elegantestes und gefühlvollstes Album, das mit „Love Is the Drug“ beginnt, in dem Bryan Ferry zu einem Disco-Groove auf der Suche nach einer romantischen Affäre in den Club geht. Roxy sind charmant und funky in „She Sells“ und „Both Ends Burning“ und rocken katastrophal in „Whirlwind“, einem explosiven Showcase für Gitarrist Phil Manzanera. Das Herzstück des Albums sind Balladen wie „Sentimental Fool“, „Could It Happen to Me“ und „End of the Line“, in denen Ferry seine Schutzmauer fallen lässt und den verletzlichen Mann hinter seiner glamourösen Don-Juan-Fassade offenbart. —J.D.
