Ranking: Die 75 besten Alben des Jahres 1975
Von Patti Smith über Parliament bis Bruce Springsteen: Das sind die besten Alben aus dem Jahr 1975.
1975: Die besten 10 Alben
Led Zeppelin, „Physical Graffiti“
Für die erste Veröffentlichung auf ihrem neuen Label Swan Song war Led Zeppelin klar, dass sie groß auftrumpfen mussten. Sie drehten den Rock ’n’ Roll-Exzess auf 11 und veröffentlichten ein prahlerisches Doppelalbum, das schon in seiner Verpackung extravagant war (ein ausgestanztes Bild eines New Yorker Stadtblocks, dessen Herstellung sich als etwas schwierig erwies). Das Album enthält ihre charakteristische Kombination aus Hardrock (das fantastische „The Rover“) und akustischer Magie („Bron-Yr-Aur“), aber sie erweitern hier ihre Palette noch weiter und wagen sich an psychedelische Exkursionen durch Marokko („Kashmir“) und die synthielastige Prog-Rock-Odyssee „In the Light“ (die sie tragischerweise nie live gespielt haben). „Das ist einfach totale Attitüde“, sagte Jimmy Page einmal zu uns. „Das liegt wahrscheinlich in meinen Genen.“ –A.M.
Neil Young und Crazy Horse, „Zuma“
Neil Young hatte gerade den Hippie-Doom-Klassiker „Tonight’s the Night“ veröffentlicht, eines der düstersten Rockmeisterwerke aller Zeiten, und war nach der verheerenden Trennung, die er 1974 auf „On the Beach“ seziert hatte, frisch Single. Jetzt war es Zeit, reinen Tisch zu machen und zu rocken, also tat er sich wieder mit Crazy Horse zusammen, um sein bestes Garage-Rock-Werk seit „Everybody Knows This Is Nowhere“ sechs Jahre zuvor zu produzieren. Fans, die von seinen jüngsten deprimierten Ausflügen verwirrt waren, waren begeistert, aber das war keine Party; sie reichen von entfremdeten Knallern wie „Barstool Blues“ und „Don’t Cry No Tears“ bis zur Zeitlupen-Apokalypse von „Danger Bird“ und dem trostlosen Grunge-Country von „Lookin’ for a Love“. „Zuma“ erreicht seinen Höhepunkt mit „Cortez the Killer“, das Youngs Besessenheit vom Cowboy-Westen über einige der besten Gitarrenriffs, die er je gespielt hat, zurück zu ihren blutigen Wurzeln führt. —J.D.
Joni Mitchell, „The Hissing of Summer Lawns“
Anstatt den sicheren Weg zu gehen und nach „Court and Spark“ aus dem Jahr 1974 ein weiteres L.A.-radiofreundliches Album aufzunehmen, stürmte Joni Mitchell mit einem Meisterwerk ganz anderer Art vorwärts. Mit Ausnahme von „Don’t Interrupt the Sorrow“ (in dem sie „Since I was 17 I’ve had no one over me“ singt, eine ihrer großartigsten Zeilen) markiert das Album einen Wandel vom Inneren zum Äußeren. „Ich begann, soziale Beschreibungen zu schreiben, anstatt persönliche Bekenntnisse“, erklärte sie 1979 gegenüber dem Rolling Stone. „Das Grundthema des Albums, das alle für so abstrakt hielten, war einfach ein beliebiger Sommertag in einer beliebigen Nachbarschaft, an dem die Leute in der ganzen Straße ihre Sprinkleranlagen anstellen.“ Dazu verwendete sie eine Vielzahl von Instrumenten, darunter den Moog, und sampelte sogar Burundi-Trommeln. Das Album verwirrte die Kritiker („Das schlechteste Album des Jahres“, spottete Mitchell später), aber echte Fans – darunter Prince und Morrissey – verloren nie den Blick für seine Brillanz. —A.M.
Pink Floyd, „Wish You Were Here“
Der massive Erfolg von Pink Floyds Album „The Dark Side of the Moon“ aus dem Jahr 1973 hätte jede andere Band dazu gebracht, in ihren Villen Rad zu schlagen. Nicht diese Jungs. Stattdessen reagierten sie mit dem ultimativen Rockstar-Bitchfest der 1970er Jahre und kanalisierten ihre Wut auf das Unternehmenssystem und ihre Traurigkeit über den mentalen Zusammenbruch ihres visionären Mitbegründers Syd Barrett in die verheerende Größe von „Wish You Were Here“ und die schwelende Angst von „Have a Cigar“ und „Welcome to the Machine“. Fünfundzwanzig Minuten des Albums nehmen die epische Reise ins Innere „Shine on You Crazy Diamond“ ein, in der sie das, was Roger Waters als ihre „undefinierbare, unvermeidliche Melancholie über das Verschwinden von Syd“ bezeichnete, wunderschön in ein Prog-Rock-Gebet übersetzten. —J.D.
Toots and the Maytals, „Funky Kingston“
Toots and the Maytals veröffentlichten zwei verschiedene Alben mit dem Titel „Funky Kingston“ und dem gleichen Cover. Das 1975 erschienene „Funky Kingston“ ist ein Meilenstein der US-amerikanischen Musikgeschichte, das drei verschiedene Maytals-LPs zu einem der wildesten Reggae-Alben aller Zeiten vereint – die ultimative Präsentation des mächtigen Rufs von Toots Hibbert. (Es hat nur drei Songs mit dem weniger bekannten „Funky Kingston“ von 1973 gemeinsam.) Hibbert, ein Junge vom Land in der Betonwüste, war der Soul-Shouter des Reggae und sang mit voller Kraft über den James-Brown-Groove von „Funky Kingston“. Die Maytals peppen den Country-Klassiker „Take Me Home, Country Roads“ von John Denver auf und verwandeln „West Virginia“ in „West Jamaica“. Und für „Louie Louie“ greifen sie den karibisch inspirierten Beat des West-Coast-Garagenrock-Klassikers auf und bringen ihn zurück nach Hause. —R.S.
Bruce Springsteen, „Born to Run“
Als Bruce Springsteen 1975 das Album, das seine Karriere retten und prägen sollte, zum ersten Mal hörte, warf er es in einen Pool. Er hatte Angst, erzählte er Jahre später dem Rolling Stone, „die Platte zu veröffentlichen und einfach zu sagen: ‚Das bin ich‘, aus all den offensichtlichen Gründen, aus denen Menschen Angst haben, sich zu offenbaren und sich der Öffentlichkeit auszusetzen.“ „Born to Run“ ist der Sound der Selbstsicherheit und Verletzlichkeit eines großen Künstlers, seiner Hoffnungen und Ängste, die in einem rasanten Drag Race Kopf an Kopf liegen, in dem es um alles und nichts geht. Es ist eine totale Selbstbekenntnis, die immer noch nachhallt, egal wie oft man „Thunder Road“, „Born to Run“, „Jungleland“ oder „Backstreets“ schon gehört hat. Aber was dieses Album zu einem großartigen Album – zu einem großartigen Kunstwerk – macht, ist die Art und Weise, wie Springsteens „Das bin ich“ uns hilft, uns selbst ein bisschen besser zu verstehen. —J. Blistein
Neil Young, „Tonight’s the Night“
„Tonight’s the Night“ ist der letzte Teil von Neil Youngs berühmter „Ditch Trilogy“, doch es ist weitaus düsterer als „Time Fades Away“ und „On the Beach“, den „OD-Brief“, den er schrieb, als er noch unter dem Schock des Todes von Crazy-Horse-Gitarrist Danny Whitten und Roadie Bruce Berry stand. Eingeschlossen in einem provisorischen Studio mit Billy Talbot und Ralph Molina von Crazy Horse – die erste Zusammenkunft der Band seit Whittens Tod – sowie Ben Keith und Nils Lofgren verarbeitete Young seine Trauer und schrieb rohe, ungefilterte Melodien und whiskeygetränkte Rocknummern, die die Zuhörer jahrzehntelang verwirren sollten. Der Titelsong ist ein markerschütternder Gesang, der zu einer Séance passen würde und den man tatsächlich zu Beginn von „Come on Baby Let’s Go Downtown“ hören kann, wenn Whitten den Gesang übernimmt. „Albuquerque“ und „Mellow My Mind“ gehören zu den zartesten und ehrlichsten Momenten in Youngs Repertoire, während „Tired Eyes“ die Fortsetzung von „The Needle and the Damage Done“ ist. Das Album wurde zwei Jahre zuvor aufgenommen und dann auf Eis gelegt, bis Young entschied, dass sein geisterhaftes Meisterwerk fertig war. Seitdem hören wir es rauf und runter. —A.M.
Parliament, „Mothership Connection“
Der Afrofuturismus verdankt alles Parliament, und das Album „Mothership Connection“ ist eine Säule dieses Konzepts. Das fantasievolle Album stellt eine Begegnung zwischen schwarzen Astronauten und Außerirdischen im Weltraum vor und lässt sich dabei von „Star Trek“ und „2001: A Space Odyssey“ sowie von Pop-Konzeptalben wie „Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band“ von den Beatles und „Tommy“ von The Who inspirieren. Das Ergebnis ist so funky, wie es nur sein kann, mit George Clinton, der mühelos in die Rolle des DJs des Motherships schlüpft und aus der „Chocolate Milky Way“ zu dir kommt. Das Album ist für den Funk ebenso grundlegend wie für die Popmusik und wurde in den folgenden Jahrzehnten häufig im Hip-Hop gesampelt. Und das Mothership wurde zu einem festen Bestandteil der Geschichte von Parliament und zum Mittelpunkt der Live-Shows der Band für den Rest der 70er Jahre. Dieses Album brachte auch einen ihrer größten Hits hervor: „Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)“ wurde ihre erste Millionenseller-Single. —B.S.
Patti Smith, „Horses“
„Jesus starb für die Sünden von jemandem, aber nicht für meine.“ Hat jemals ein Album so umwerfend begonnen? Patti Smith war weitgehend unbekannt, als sie 1975 ihr Debütalbum „Horses“ veröffentlichte, aber es wurde schnell zum Blueprint des Punkrocks – den sie wunderschön mit ihrer lebenslangen Liebe zur Poesie verband. Smith stellt einen Van-Morrison-Klassiker auf den Kopf („Gloria“), reflektiert über Armut (das trotzige „Free Money“) und präsentiert eine atemberaubende, 10-minütige Odyssee voller realer und literarischer Figuren („Land“), alles mit Hilfe ihrer unglaublichen Band: Gitarrist Lenny Kaye, Pianist Richard Sohl, Bassist Ivan Kral und Schlagzeuger Jay Dee Daugherty, sowie John Cale von Velvet Underground als Produzent. Das ikonische Schwarz-Weiß-Cover, auf dem Smith androgyn mit einem schwarzen Mantel über der Schulter posiert, wurde von ihrem „Just Kids“-Muse Robert Mapplethorpe fotografiert. „Ich bin ein Mädchen, das das tut, was normalerweise Jungs tun“, sagte sie 1976 gegenüber „Rolling Stone“. „Mein Aussehen, meine Ziele und die Dinge, die ich durch Rock erreichen möchte.“ Mission erfüllt. —A.M.
