50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
40. David Allen Coe, „The Mysterious Rhinestone Cowboy” (1974)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Wenn Rock ‚n‘ Roll vor allem eine Frage der Einstellung ist, dann ist der ehemalige Sträfling, Biker und Outlaw-Country-Pionier David Allen Coe vielleicht der rockigste Künstler auf dieser Liste. Als ein Autor des Rolling Stone die Wahrhaftigkeit einer Geschichte anzweifelte, die Coe über die Tötung eines Mitgefangenen wegen sexueller Avancen erzählte, antwortete Coe mit dem Song „I’d Like to Kick the Shit Out of You”.
Dieses Major-Label-Debüt, das eine Zeit widerspiegelte, in der Coe auf der Bühne Strasskleidung, Perücken und eine Maske trug, während er in seinem Auto (einem weißen Leichenwagen) lebte, stellt ihn als einen zum Scheitern verurteilten, einsamen Troubadour des verlorenen Südens dar („I Still Sing the Old Songs”, „Old Man Tell Me”, „The Old Grey Goose is Dead”).
„A Sad Country Song“ ist ein Klassiker für die letzte Runde. „Atlanta Song“ ist eine passiv-aggressive Stripper-Klage, die Drake nachempfinden könnte. Als Vorbild zwar eine Katastrophe, verfügt Coe dennoch über beängstigende musikalische Fähigkeiten. Nach diesem Album tourte er mit Grand Funk Railroad. Er nahm mit Pantera auf. Lebte in einer Höhle, als das Finanzamt ihm sein Geld wegnahm. Und veröffentlichte ein anstößiges Album mit Scherzliedern. Darunter die schlimmsten rassistischen Beleidigungen, die es gibt. C.A.
39. Randy Travis, „Storms of Life“ (1986)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Als lebenslanger Purist, dessen klarer und einsamer Neotraditionalismus der Achtzigerjahre die unerschütterliche protestantische Ethik einer Kleinstadt ausstrahlte und die Vulgarität seiner unmittelbaren Vorgänger wie John Anderson vermied, zeigte der in North Carolina geborene Randy Travis dennoch eine fast gothic-artige morbide Ader auf seinem Blockbuster-Debüt, das er in den folgenden Jahrzehnten nie wirklich übertreffen konnte. „Dinge ausgraben, die besser in Ruhe gelassen bleiben sollten“, wie er es in „Digging Up Bones“ ausdrückt.
In „Send My Body“ steht er vor dem Galgen. „On The Other Hand“ wägt die Vor- und Nachteile des Frauengeschlechts ab. Zwischen der knappen Vermeidung einer langen Haftstrafe als jugendlicher Straftäter und noch rücksichtsloseren Zwischenfällen in den letzten Jahren (öffentliche Trunkenheit und Nacktheit, Körperverletzung auf einem Kirchenparkplatz, solche Dinge, kurz darauf gefolgt von Herzversagen und Schlaganfall) war Travis nie der Musterschüler, den sein Image vermuten lässt. Auf „Storms of Life“ verbirgt eine emotional zurückhaltende Oberfläche kaum das schlechte Gewissen, das darunter brodelt.
38. Joe Ely, „Live Shots“ (1980)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
The Clash sind überall auf der Innenhülle der Vinylversion des härtesten Albums dieses Rebellen aus West-Texas zu sehen, das ein Jahr später in den USA als in Großbritannien veröffentlicht wurde, wo es während der Shows als Vorband für Joe Strummer and Company zusammen mit dem Reggae-Toaster Mikey Dread aufgenommen wurde. Die Londoner Pub-Besucher erinnerten ihn an die rowdyhaften Roadhouse-Besucher in seiner Cowboy-Heimat, erzählte er damals der Zeitschrift „Trouser Press“. Nur dass sie mehr spuckten. Nur wenige Jahre nach seiner Zeit bei dem existentialistischen Proto-Alt-Country-Kulttrio The Flatlanders, das nur Acht-Spur-Aufnahmen veröffentlichte, tourte er Anfang der 80er Jahre auch mit den Kinks, den Stones und Tom Petty.
Musikalisch mischte Ely jedoch Norteño, Zydeco, Rockabilly und den härtesten Honky-Tonk und verband Country-Gefühle mit einem R&B-Beat, wie er selbst erklärte. Texte über die Flucht in Güterwagen. Frauen, die nachts auf der Straße arbeiten. Ungepflegte Fingernägel, die das Klavierspiel verbessern. Und – unvermeidlich – das Leben, betrachtet durch ein Schnapsglas. C.E.
37. Guy Clark, „Old No. 1“ (1975)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Obwohl er fünf Jahrzehnte lang Nachwuchstalente in Nashville betreute und unterstützte und selbst zwei Nummer-1-Country-Hits schrieb, sagte Guy Clark letztes Jahr gegenüber Texas Monthly: „Ich war kein Country-Musiker. Ich war ein Folksänger aus Texas.“ Nun, man könnte ihn auch als den vollendeten Bullshit-Künstler bezeichnen, denn sein Debütalbum Old No. 1 ist Country-Musik pur. Mit Fingerpicking. Rauer Stimme. Sozialhilfeempfängern und trauernden Damen der Nacht.
Die enorme romantische Empathie von Clarks Vision bleibt atemberaubend. „L.A. Freeway“ schließt melancholisch das Kapitel über die Unruhe in Stadt und Land. „She Ain’t Goin‘ Nowhere“ (mit Emmylou Harris) schnappt wunderschön nach Luft. Das Leonard Cohen-artige Todesgedicht „That Old Time Feeling“ wärmt wie ein Feuer, während „Desperadoes Waiting for a Train“ und „Texas 1947“ exquisit greifbare Nachkriegsdioramen zerbrochener Träume sind. Es gibt einen Grund, warum er einer der Favoriten von Bob Dylan ist. C.A.
36. Townes Van Zandt, „The Late Great Townes Van Zandt” (1972)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Es erfordert eine gewisse Art von fatalistischem Humor, sein Album posthum zu benennen, wenn man noch lebt. Van Zandt drückte auf dieser 1972 von Cowboy Jack Clement produzierten LP perfekt seine Welt tiefer Traurigkeit aus, die oft durch ein whiskeygetränktes Lächeln versüßt wurde.
Obwohl es mehrere Coverversionen enthielt, wurden die Originale wie „Pancho and Lefty” und „If I Needed You”, zu klassischen Einblicken in die Seele des gequälten Poeten. Und ebneten den Weg für Elliot Smith, Conor Oberst und Bill Callahan, die den Folk in seine dunkelsten Ecken stürzten.
„Seine Stimme, sein Vortrag sind so echt“, sagte Jim James von My Morning Jacket. In „Silver Ships of Andilar“ finden sich überall Anklänge an die dramatischen Arrangements von MMJ. Ddie Art und Weise, wie Van Zandts Zittern über den zarten Klängen von „Snow Don’t Fall“ schwebt, bildet die Blaupause für fast jede Ballade von James. „Er beschönigt nichts.“ M.M.
35. Faith Hill, „Cry“ (2002)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Faith Hills gigantischer Chartstürmer aus dem Jahr 2002 ist so trotzig un-country, dass er fast schon als Punk durchgeht. Wie Taylor Swifts weltbeherrschendes Album „1989“ ein Jahrzehnt später ist es ein vollwertiger Popstar-Monolith, in dem kein flüchtiges Banjo oder widerwilliges Twang zu hören ist.
Stattdessen gibt es weißen Funk. Mürrische Gitarrensoli. Gospelchor-Gesänge. Ein oder zwei sexy-bedrohliche Sprechgesang-Zwischenspiele, die fast an PJ Harvey erinnern. Und genug Monster-Powerballaden, dass dieses Ding mit einer eigenen Windmaschine geliefert werden müsste. Die Meister der Stadion-Bombastik unseres jungen Jahrhunderts – von Kings of Leon bis Imagine Dragons – können Hills Pomp und Power-Akkorden hier nicht das Wasser reichen.
Ihre rockstarwürdigste Heldentat in diesem Jahr war jedoch ein Fiasko auf dem Cover des Jane Magazins, das so krass war, dass die Schlagzeile lautete: „Warum fragst du mich das? ! Faith Hill rastet aus.“ R.H.
34. Johnny Paycheck, „Take This Job and Shove It“ (1977)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Johnny Paycheck war viel unverblümter als Bruce Springsteen. Und sang den Blues der Arbeiterklasse mit spuckender Leidenschaft. „Take This Job and Shove It“, geschrieben von seinem Outlaw-Kollegen David Allen Coe, wurde zu seinem Markenzeichen. Aber es sind Songs wie seine Coverversion von Dizzy Gillespies „ The 4-F Blues“, der mit einem vereinfachten Jerry-Garcia-Riff beginnt, beweisen, dass er mehr ist als nur ein Mittelfinger.
Das von Billy Sherrill produzierte Album „Take This Job and Shove It“ aus dem Jahr 1977 erschien nur vier Jahre, nachdem er Insolvenz angemeldet hatte, sodass der Erfolg des Titelsongs (sein einziger Nummer-1-Hit) perfekt zu den Texten passte. Er konnte Music Row nehmen oder lassen. Und er ließ es, als er Anfang der 80er Jahre von Epic rausgeschmissen wurde.
„Ich singe über den kleinen Mann, der vom großen Mann herumgeschubst wird“, sagte Paycheck. Was den ikonischen Song zum perfekten Material für Rapper (siehe Canibus und Biz Markies Tribut von 1999) und Punks (siehe das feurige Cover der Dead Kennedys von 1986) gleichermaßen machte. M.M.
33. Bobbie Gentry, „Chickasaw County Child: The Artistry of Bobbie Gentry“ (2004)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Hätte Bobbie Gentry in den letzten sechs Jahrzehnten zu irgendeinem Zeitpunkt aufgetaucht, wäre sie dennoch eine unvergleichliche Innovatorin gewesen. Ihre Biografie scheint apokryph. Ein Farmmädchen aus Mississippi, Kind geschiedener Eltern, studiert Philosophie an der UCLA und Komposition am Los Angeles Conservatory of Music. Tanzt in Las Vegas. Und schockiert dann die Popwelt mit einem Song, „Ode to Billie Joe“, der „All You Need Is Love“ von den Beatles vom ersten Platz verdrängt. Ganz zu schweigen von einem Chart-Hit in den Country-Charts und einem Platz fünf in den R&B-Charts.
Von 1967 bis 1972 veröffentlichte sie außerdem eine Reihe faszinierender, raffinierter, wenn auch manchmal ungleichmäßiger Alben, die Folk, Soul, Gospel, Country, orchestralen Pop und Rock vereinen. Ihre Stimme war selbstbewusst. Verletzlich. Gesprächig. Trotzig. Sie schrieb und produzierte ihre Songs selbst. Und stellte dabei ihre freche, südstaatlich geprägte feministische Stimme in den Vordergrund. Diese Zusammenstellung vermittelt ihr vielfältiges Talent am besten. C.A.
32. Jimmie Dale Gilmore, „Spinning Around the Sun“ (1993)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
Jimmie Dale Gilmores hohe, einsame Stimme war schon immer eines der reinsten Instrumente der Country-Musik. Und doch sind Gilmores deutlichste Vorläufer Rockmusiker. Er ist das fehlende Bindeglied zwischen Roy Orbison und Buddy Holly. Ein Drifter aus den High Plains, der ein ursprüngliches Gefühl der Verwunderung hervorruft, das fast kindlich wirken kann.
Auf „Spinning Around the Sun“ covert Gilmore Hank Williams, Elvis Presley und seinen Flatlanders-Kollegen Butch Hancock. Und wird ihnen allen dank der hervorragenden Arrangements von Produzent Emory Gordy Jr. (ein Mann, der dank seiner Zeit mit Emmylou Harris einiges über wunderschön zerbrechliche Stimmen weiß) gerecht. Wie jeder gute Gelehrte war Gilmore der Meinung, dass er einfach nur das tat, was er immer tat. Er sagte Rolling Stone 1994 sogar, dass er so unverwechselbar sang, weil er „nicht gut genug als Musiker” war, um andere zu kopieren. „Es ist, als wäre ich ein ausdrucksstarker Schauspieler”, sagte er. „Und die Songs sind meine Zeilen.” D.M.
31. Dolly Parton, Linda Ronstadt & Emmylou Harris, „Trio“ (1977)
Anzeige: Jetzt kostenlos Amazon Music Unlimited testen.
„Dolly Parton ist für Linda Ronstadt und Emmylou Harris das, was Chuck Berry für die Rolling Stones und The Who war“, schrieb die Rockkritikerin Barbara Charone in den Siebzigern. Und dieser mit Multi-Platin ausgezeichnete, Grammy-prämierte Klassiker des sogenannten „Queenston Trio“ untermauert diese Behauptung. Denn die beiden besten Country-Sängerinnen, die die Folk-/Rock-Szene der Sechziger hervorgebracht hat, tauchen tief in Partons Appalachen-Wurzeln und die karge Intimität der Nashville-Virtuosität ein.
Trio beginnt mit den zitternden Harmonien von Harris und Parton in Partons „The Pain of Loving You“. Ronstadt singt die Leadstimme in drei Titeln (vor allem in einer exquisiten Interpretation von Jimmie Rodgers‘ „Hobo’s Meditation“). Die drei sind geradezu hypnotisch in Phil Spectors „To Know Him Is to Love Him“. “ Aber Parton hat mit ihrer subtilen Befreiungsgeschichte „Wildflowers“, der traditionellen poetischen Klage „Rosewood Casket“ (arrangiert von ihrer Mutter Avie Lee) und dem eindringlichen, einsamen Klagelied „These Memories of You“ die Nase vorn. C.A.
