50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
20. Steve Earle, „Copperhead Road“ (1988)
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Steve Earle bezeichnete „Copperhead Road“, sein drittes Album und das erste, das sich direkt an das Rockpublikum richtete, als „Heavy-Metal-Bluegrass“. Es wird dieser Beschreibung mehr als gerecht. Und schafft eine perfekte Synthese aus akustischem Gitarrenspiel und kraftvollen E-Gitarren-Akkorden. Ganz zu schweigen von gelegentlichen Dudelsackklängen.
1989 erklärte er gegenüber ROLLING STONE, dass er kaum einen Unterschied zwischen der Einstellung von Rock und Country sehe. „Es geht um dein Leben und die Art, wie du lebst. Und das hat nichts damit zu tun, Stereotypen zu entsprechen und verkorkst zu sein.” Mit politisch aufgeladenen Songs über Waffen und „Snake Oil” aus der Reagan-Ära, gepaart mit Earles mitfühlenden Erzählungen über Kriegsveteranen, etablierte „Copperhead Road” Earle als das linke Gewissen der Country-Musik. D.M.
19. Dixie Chicks, „Taking the Long Way“ (2006)
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„Taking the Long Way“ von den Dixie Chicks war das erste Studioalbum des Trios seit dem „Schuss, der um die Welt ging“, als Sängerin Natalie Maines einem englischen Publikum sagte, sie schäme sich dafür, dass der Präsident der Vereinigten Staaten aus Texas stammt“.
Zu diesem Zeitpunkt war das Trio aus der Country-Musik verbannt und richtete seine Aufmerksamkeit bewusst auf ein breiteres, poporientiertes Publikum. Das von Rick Rubin produzierte Album „Taking the Long Way“ zeigt eine Abmilderung des Sounds des Trios. Sowohl in der Instrumentierung (mehr Violinen, weniger Fiddles) als auch in Maines‘ starkem texanischen Akzent.
In einem Interview mit Rolling Stone nach der Trennung gestand die Sängerin: „Ich kann mir unser zweites Album nicht anhören“, wobei sie sich auf den Durchbruch der Chicks von 1999, Fly, bezog, „weil ich damals wirklich total auf Country stand und die Country-Flagge hochhielt. Mein Akzent ist auf diesem Album total außer Kontrolle.“ L.R.
18. George Jones & Tammy Wynette, „Golden Ring“ (1976)
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George Jones und Tammy Wynette heirateten 1969 und tourten gemeinsam in einem Bus, auf dessen Seite „Mr. & Mrs. Country Music“ prangte. Als ihre chaotische Ehe 1975 unweigerlich in der Scheidung endete, war ihre Popularität immer noch so groß, dass sie gezwungen waren, die Fantasie öffentlich weiterzuspielen und als Paar auf Tournee zu gehen.
Das 1976, ein Jahr nach ihrer Trennung, veröffentlichte Album „Golden Ring“ ist ein unglaubliches Beispiel für herzzerreißende Musik, die eine herzzerreißende Realität widerspiegelt. Der Titelsong folgt dem Lebenszyklus eines Eherings und des zum Scheitern verurteilten Paares, das ihn in einem Pfandhaus in Chicago kauft. Das Album setzt sich mit der kalten Realität der Intimität auseinander. Etwa in Songs wie „Crying Time”, dem rasanten Warnschuss „If You Don’t, Somebody Else Will” und dem urkomisch ehrlichen, mit Anspielungen gespickten „Did You Ever”.
Wynette singt mit unglaublicher emotionaler Kraft. Jones‘ gebieterische Stimmgewalt vermittelt das Gefühl, dass jemand versucht, schwierige Zeiten zu überstehen. Oder so zu tun, als gäbe es sie nicht. Was dem Album, das ein Meisterwerk der Trennungsapokalypse bleibt, eine weitere dramatische Ebene verleiht. J.D.
17. Wanda Jackson, „Queen of Rockabilly” (2000)
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Der Titel sagt schon alles. Wanda Jacksons Jahre bei Capitol Records in den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern brachten unverfälschte Rockabilly-Singles hervor, die ihre Wurzeln in Oklahoma mit einer lyrischen Vorliebe für Partys verbanden. (Da wären „Let’s Have a Party”, „There’s a Party Goin‘ On” und „Man, We Had a Party”.)
Durch ihre jahrelangen Tourneen mit Elvis Presley ermutigt, wurden Jacksons mitreißende Rock’n’Roll-Singles dank ihrer rauen Stimme heißer als das Zentrum einer Tiki-Fackel. Von den US-Radiosendern weitgehend ignoriert, aber in Europa sehr beliebt, dominierte Jackson Songs wie das von Elvis populär gemachte „Hard Headed Woman“ und den R&B-Klassiker „Riot in Cell Block #9“. Diese Zusammenstellung des britischen Labels Ace Records aus dem Jahr 2000 versammelt 30 Klassiker, die allen anderen vorausgingen, von Nancy Sinatra über die Runaways bis hin zu ihrem späteren Studiokollegen Jack White.
„ Ich hätte nie gedacht, dass das, was wir damals geschaffen haben, so einen großen Einfluss haben und noch Jahrzehnte später gehört werden würde”, sagte Jackson gegenüber The Guardian. „Elvis, Buddy [Holly] und ich – wir waren nur Kinder, die Spaß hatten. Jetzt singen die Cramps und Paul McCartney meine Songs. Endlich kann ich sagen: ‚Ich hatte recht!’” R.F.
16. Kris Kristofferson, „Kristofferson“ (1970)
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Laut Country-Patriarch Bobby Bare machte Kris Kristofferson „die Hippies und die langhaarigen Funky-Leute akzeptabel“ für Nashville. Kristofferson wollte mit „Blame It on the Stones“, dem ironischen Opener seines Debütalbums, definitiv eine Botschaft der Gegenkultur vermitteln.
Aber die Country-Szene hatte wenig Probleme damit, einen bärtigen Spinner zu akzeptieren, der Crossover-Hits wie „For the Good Times“, Janis Joplins posthumen Hit „Me and Bobby McGee“, Johnny Cashs Chartstürmer „Sunday Mornin‘ Comin‘ Down“ und „Help Me Make it Through the Night“ (geschrieben, während Kristofferson in einem Hubschrauber auf einer Ölplattform saß und seiner täglichen Arbeit nachging) liefern konnte. Das in Eile aufgenommene Album „Kristofferson“ legt den Schwerpunkt eher auf das Songwriting als auf die Performance. R.G.
15. Bob Wills and His Texas Playboys, „The Essential Bob Wills 1935-1947“ (1992)
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Der 1905 geborene Fiddle-Spieler und Bandleader Bob Wills lernte die Country-Musik von seiner Familie und den Blues von den Afroamerikanern, die neben ihm in Texas Baumwolle pflückten. Er gründete 1934 die Texas Playboys – eine tief swingende Mischung aus Country, Jazz, Blues, Hillbilly, Hawaiian und vielem mehr – und sie starteten durch, nachdem sie im folgenden Jahr nach Tulsa, Oklahoma, gezogen waren
. „Amerikas vielseitigste Tanzband” schlug eine Brücke zwischen der „Race Music”-Ära und dem Rockabilly der 50er Jahre. „Rock & Roll?” Wills sagte zu diesem Thema: „Mann, das ist doch die gleiche Musik, die wir seit 1928 spielen! … Der Rhythmus ist das Wichtigste.” Wills mythologisierte seine Musiker auf der Bühne und feuerte Meister wie Junior Barnard (E-Gitarre), Leon McCauliffe (Steel-Gitarre) und Al Stricklin (Klavier) mit jivenden Kommentaren und Falsett-„Ah-ha”-Rufen an.
Chuck Berry verwandelte Wills‘ Version von „Ida Red“ aus dem Jahr 1938 in „Maybellene“. Wills wurde 1999 als „Early Influence“ in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen. R.G.
14. Garth Brooks, „Ropin’ the Wind“ (1991)
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Der Garth Brooks der frühen Neunzigerjahre ist vor allem für seine Hardrock-Attitüde und Pop-Produktionen bekannt, die Country-Musik zu einem Spektakel in den Arenen machten. Auf „Ropin‘ the Wind“, dem ersten Country-Album der Geschichte, das auf Platz eins der Billboard Top 200 debütierte, ließ Brooks jedoch Einflüsse von Singer-Songwritern der 70er Jahre wie James Taylor und Dan Fogelberg einfließen, insbesondere in Balladen wie „What She’s Doing Now“ und einer Coverversion von Billy Joels „Shameless“.
Dieser Schritt hob Brooks deutlich von anderen ab und trug dazu bei, die Country-Musik selbst zu verändern. Und vom ausgelassenen „Papa Loved Mama” über das eindringliche „Rodeo” im Stil des Southern Noir bis hin zum andächtigen Schlussstück „The River” (alle drei Top-5-Hits) bewegt sich Brooks mit der Leichtigkeit eines George Jones vom Barhocker ins Schlafzimmer und auf die Kirchenbank. S.R.
13. Buck Owens and His Buckaroos, „Carnegie Hall Concert” (1966)
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Als sie auf die riesige Bühne der Carnegie Hall stürmten, sprühten Buck Owens und die Buckaroos vor Rock ‚n‘ Roll der nächsten Generation (dröhnender Backbeat, knisternde Telecasters) und kitschigen Cowboy-Gags („Ihr redet von Leuten, die nichts wissen, hier ist ein alter Junge, der nicht einmal etwas ahnt!”, witzelte Buck, als er den Steel-Gitarristen Tom Brumley vorstellte).
Sie waren auch mühelos gut aufeinander eingespielt, wobei Buck und sein „rechter Arm“, Leadgitarrist Don Rich, sich durch unvergessliche Barroom-Streitereien wie „Act Naturally“, „Love’s Gonna Live Here“, „Waitin‘ in Your Welfare Line“, „I’ve Got a Tiger by the Tail“ sowie ein paar Hit-and-Run-Medleys spielten.
Der Auftritt in der Carnegie Hall war eine Krönung für den Bakersfield-Honky-Tonk-Sound, der Anfang der 60er Jahre Nashvilles gemütliche Pop-Blase erschütterte, und machte Owens zu seinem Aushängeschild, einem einzigartig überschwänglichen und versierten Bandleader, dessen Musik Künstler von Ray Charles bis zu den Beatles beeinflusste. C.A.
12. Loretta Lynn, „Van Lear Rose“ (2004)
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Loretta Lynn veröffentlichte 1975 die Frauenrechtshymne „The Pill“, im selben Jahr, in dem Jack White, Frontmann der White Stripes, geboren wurde. Fast drei Jahrzehnte später taten sie sich für „Van Lear Rose“ zusammen, eine Zusammenarbeit, bei der die rauen Country-Geschichten der Tochter eines Bergarbeiters perfekt zu seiner ungeschliffenen Garage-Rock-Produktion passten.
„Ich würde auf diesem Album Tamburin spielen, wenn es das wäre”, sagte White gegenüber CMT. „Es ist mir egal. Ich möchte einfach nur mit ihr im selben Raum sein und daran arbeiten können.” Vom Titelsong, der beschreibt, wie sich ihre Eltern kennengelernt haben, bis zum schmerzhaften „Miss Being Mrs.” sind dies einige der scharfsinnigsten Texte in Lynns Karriere.
Das in nur 12 Tagen aufgenommene Album „Van Lear Rose“ gewann zu Recht den Grammy für das beste Country-Album und wurde für „Portland, Oregon“ als beste Country-Zusammenarbeit mit Gesang ausgezeichnet, einem ausgelassenen Duett von Lynn und White, das mit Dobro-Klängen untermalt ist und Sloe Gin Fizz lobpreist. R.F.
11. Johnny Cash, „American Recordings“ (1994)
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Johnny Cash war ein Jahrzehnt lang in der kommerziellen Wildnis verloren, bevor Rick Rubin seine Karriere mit diesem kargen, minimalistischen Set aus Zugliedern, Mordballaden und nächtlichen Bekenntnissen neu startete. American Recordings besteht nur aus Akustikgitarre und dieser epischen Stimme in den Songs, die man erwarten würde – traditionelle Stücke, Melodien von Kris Kristofferson und Cash selbst – sowie einigen radikal neu interpretierten Coverversionen von Tom Waits, Nick Lowe und sogar Glenn Danzig.
Rubin war weniger Produzent als vielmehr Reiseleiter, der Cash aufholte und gleichzeitig alle daran erinnerte, wie cool der Man In Black immer noch war. „Ich habe mich selbst entdeckt und herausgefunden, was mich musikalisch antreibt und was ich wirklich mag“, sagte Cash Rolling Stone 1994. „Es war wirklich eine großartige Reise ins Innere, all diese Sessions über einen Zeitraum von neun Monaten zu machen, und Rick saß dabei nicht so sehr als Produzent da, sondern als Freund, der die Songs mit mir teilte.“ D.M.
