50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
10. Miranda Lambert, „Revolution“ (2009)
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Baroness, Converge, SunnO))). . . niemand hat 2009 etwas auch nur annähernd so Heavy hingelegt wie Miranda Lambert mit ihrer herrlich bösartigen, wirklich verstörenden Coverversion von John Prines „That’s the Way That the World Goes ‚Round“, die zusammen mit dem prahlerischen, hart swingenden, urkomischen „Only Prettier“ ihr supernovaartiges drittes Album einrahmt. Revolution hält ihre gröberen Neigungen zu Schrotflinten und Brandstiftung gerade noch so im Zaum, aber nur knapp.
Es gibt hier viel, was härter zuschlägt als ihre Bro-Country-Kollegen oder der klassische Hair Metal, den diese Jungs blass imitieren. Dass dieses Album mit „The House That Built Me“ seinen Höhepunkt erreicht – möglicherweise der beste Country-Song unseres jungen Jahrhunderts bis heute – ist nur das Sahnehäubchen auf einem Kuchen, der dir direkt ins Gesicht katapultiert wird. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
9. Waylon Jennings, „Honky Tonk Heroes“ (1973)
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Waylon Jennings‘ ausgelassene, beruhigende, fröhlich-virile Baritonstimme ist ein nationaler Schatz, das unnachahmliche Markenzeichen eines Mannes, der irgendwann wahrscheinlich schon einmal einen Billardqueue als Waffe und einen Billardtisch als Liebesort benutzt hat. Dieses Biest von 1973 – rau, aber warm, lautstark wie in einer Arena, aber intim wie in einer Ecknische – war ein großer Segen für das Phänomen „Outlaw Country”, das selbst genrefeindliche Rock’n’Roller zu verehren begannen.
Sein Co-MVP ist der Songwriter Billy Joe Shaver, der anfangs im Studio zu hören war, wie er rief: „Du versaust mir meinen Song“ schrie und fast mit Waylon selbst aneinandergeriet. (Dies geht aus Michael Streissguths zotteligem, großartigem Outlaw: Waylon, Willie, Kris and the Renegades of Nashville hervor.) Shaver begann das Ergebnis bald zu lieben, und Sie werden dafür nicht annähernd so lange brauchen.
Dass die Höhepunkte hier im Wesentlichen Walzer sind („Willy the Wandering Gypsy and Me“, das von Eric Church geliebte „Ride Me Down Easy“), macht das Ganze irgendwie nur noch härter. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
8. George Jones, „The Best of George Jones 1955-1967“ (1991)
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Mit seinen Schlägereien, seinem Alkoholkonsum, seinen betrunkenen Rasenmäherfahrten und seiner Axl Rose-artigen Herangehensweise an Konzertetikette (man nannte ihn nicht umsonst „No-Show Jones”) gibt es in der Geschichte der Country-Musik keinen Menschen, der mehr Rock ‚n‘ Roll verkörpert als George Jones, sowohl im Guten als auch im Schlechten.
Dies ist das Beste, eine chronologische Reise durch sein erstes großes Jahrzehnt, mit Höhepunkten wie dem rockabilly-angehauchten „White Lightnin’”, dem pathetischen Shuffle „She Thinks I Still Care”, dem Song mit dem Refrain „One drink/Just one more/And then another” und dem Titel „I’ve Got Five Dollars and It’s Saturday Night”. Jeder Titel hier ist unverzichtbar, egal ob man weiß, was „White Lightnin’“ ist oder nicht. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
7. Merle Haggard, „I’m a Lonesome Fugitive“ (1967)
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Benannt nach dem Song, der Hags erste Nummer-eins-Single wurde, festigte „Lonesome Fugitive“ sein Image als reumütiger Bad Boy. Gefangen zwischen dem Engel und dem Teufel, die auf seinen Schultern sitzen. Fugitive schwankt zwischen weinerlichen Songs wie „Whatever Happened to Me“ und trotzigen Warnungen wie „My Rough and Rowdy Ways“.
Und es rockt von Anfang an mit dem Titelsong, in dem Elvis Presleys Gitarrist James Burton eine Chicken-Scratch-Gitarre spielt, die unzählige Nachahmer inspirieren wird. Haggard war tief in der von Tommy Collins als „Redneck, scared-to-death, honky-tonk, skull orchard” bezeichneten Szene von Bakersfield verwurzelt.
Das hört man in dem ausgelassenen „Mixed Up Mess of a Heart”. Dem bluesigen „If You Want to Be My Woman”. Und in jedem heißen Lick, den die Gitarristen Burton, Glen Campbell und der Pedal-Steel-Meister Ralph Mooney spielen. R.G.
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6. Dolly Parton, „Coat of Many Colors” (1971)
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1971 versuchte Dolly Parton trotz eines Nummer-1-Country-Hits im Jahr zuvor (mit dem skurrilen „Joshua”) immer noch, sich aus ihrer Rolle als treue Duettpartnerin und TV-Sidekick von Nudie -Anzug tragenden Hitmachers Porter Wagoner herauszuwinden.
Mit ihrem achten Soloalbum wurde sie jedoch zu einer visionären Künstlerin, die sieben der zehn unverblümten, ausladenden Songs des Albums schrieb und sich dabei mit Themen wie Tod, Verrat, Klassenunterschieden, der Brutalität der Liebe und den Geheimnissen Gottes auseinandersetzt. Wobei sie eine Mischung aus hartem Country, Pop-Gospel, Country-Rock und melancholischem Folk verwendete.
Zwei Top-10-Singles zeigten die Kunstfertigkeit und Tiefe des Albums. Im Titelsong, der zu Partons Markenzeichen werden sollte, sang sie davon, dass sie trotz schmerzhafter Spottrufe stolz einen Mantel trug, den ihre Mutter aus Stoffresten genäht hatte. Und in „Traveling Man” sieht sie zu, wie ihre Mutter mit einem Verkäufer durchbrennt, der auch die Sängerin mit Träumen von der Flucht verführt hatte. Parton erzählt die Geschichte frech und ohne Bitterkeit. Als würde sie den Wunsch jedes armen Menschen anerkennen, den Sackgassen der Gesellschaft zu entfliehen. C.A.
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5. Patsy Cline, „The Definitive Collection“ (2004)
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Bevor sie 1963 bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kam, hatte sich Cline als die wohl größte Sängerin in der Geschichte der Country-Musik etabliert, die mit ihrer reichen, raffinierten und tief gefühlvollen Stimme über das Kernpublikum der Country-Musik hinausging und den Sprung in die Popmusik schaffte.
„Auch wenn ihr Stil als Country gilt, ähnelt ihre Darbietung eher der einer klassischen Popsängerin”, sagte Lucinda Williams gegenüber Rolling Stone. „Das unterscheidet sie von Loretta Lynn oder Tammy Wynette. Man könnte fast meinen, sie hätte eine klassische Ausbildung genossen.“
Die emotionale Eleganz von Songs wie „Crazy“ und dem Top-20-Pop-Hit „Walking After Midnight“ findet sich auch bei Künstlern wie Linda Ronstadt und Norah Jones wieder. Aber sie zeigt sich auch an weniger offensichtlichen Stellen. Wie den cool-melancholischen Trip-Hop-Torch-Songs von Portishead und den Goth-Folk-Balladen von Mazzy Star. J.D.
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4. Willie Nelson, „Red Headed Stranger“ (1975)
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In den frühen Siebzigern beschritt Willie Nelson einen Outlaw-Pfad, der zu Klassikern wie „Red Headed Stranger“ aus dem Jahr 1975 führte. Einem ambitionierten Konzeptalbum über Mord und Untreue, das sich wie ein Western von John Ford anhört.
Die Musik ist entspannt und reduziert. Die Texte zeichnen ein lebendiges Bild, das in der grundlegenden Einsamkeit verwurzelt ist, die den Kern des amerikanischen Frontier-Mythos ausmacht. (Die Idee für das Album stammt von Nelsons Frau, die ihm beim Schreiben der Texte half). Bob Dylan, Neil Young und The Band, neben vielen anderen, bewegten sich zu dieser Zeit im gleichen Gebiet.
Aber es gibt etwas an der sachlichen Klarheit sowie der Intimität und Wärme, das „Red Headed Stranger“ besonders lebendig und natürlich wirken lässt. Außerdem enthält es „Blues Eyes Crying in the Rain“. Einen der großartigsten Songs, die je geschrieben wurden. J.D.
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3. Ray Charles, „Modern Sounds in Country and Western Music“ (1962)
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Die Erfindung der Soulmusik als Kombination aus Blues-Sinnlichkeit und Gospel-Leidenschaft, wie sie Ray Charles vollbrachte, würde schon ausreichen, um ihn in die erste Klasse der Rock and Roll Hall of Fame aufzunehmen. Aber „Modern Sounds in Country and Western Music“ ist noch gewagter. Möglicherweise der ultimative Crossover-Schritt.
Charles spielte Country-Standards von Hank Williams und Eddy Arnold durch seinen unnachahmlichen Soul-Filter. Und überzeugte damit beide Publikumsgruppen. Schlug sogar Frank Sinatra in seinem eigenen Big-Band-Spiel. Das ist eine gewaltige Leistung. Aber Charles wurde nicht umsonst „das Genie“ genannt.
Erstaunlicherweise wurden „Modern Sounds“ und sein Nachfolger „Volume Two“ (eine seltene Fortsetzung, die genauso gut ist wie ihr Vorgänger) in insgesamt nur fünf Tagen im Studio aufgenommen. Noch erstaunlicher ist, dass Charles‘ Plattenlabel versuchte, ihm das auszureden. Wie Charles sich ein Jahrzehnt später in Rolling Stone erinnerte, sagten ihm die Verantwortlichen von ABC-Paramount: „Du kannst keine Country-Western-Sachen machen. Du wirst alle deine Fans verlieren!“ Stattdessen wurde Modern Sounds das erste Millionenseller-Album von ABC-Paramount.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
2. Hank Williams, „40 Greatest Hits“ (1978)
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Mittlerweile nimmt der größte Country-Künstler aller Zeiten auch im Rock-Kanon einen ebenso wichtigen Platz ein. „Die Texte, die Melodien und die Gefühle sind alle da, klar und wahrhaftig“, schrieb Beck, als Williams in die Liste der 100 größten Künstler des Rolling Stone-Magazins aufgenommen wurde.
„Es erfordert Sparsamkeit und Einfachheit, um eine Idee oder Emotion in einem Song zu vermitteln. Und dafür gibt es kein besseres Beispiel als Hank Williams.“ Williams verband Hillbilly-Musik mit Elementen des Blues und Gospel. Und wurde so zum ersten Superstar der Country-Musik. Er beeinflusste Elvis Presley und Bob Dylan sowie zahlreiche andere Künstler vieler Genres direkt.
Die Songs auf „40 Greatest Hits“ wurden von Künstlern wie Al Green bis zu den Breeders gecovert. Sie reichen von der klassenbewussten Angst in „Mansion on the Hill“ über die bodenlose Trostlosigkeit in „Lost Highway“ und „I’m So Lonesome I Could Cry“ bis hin zur ausgelassenen Fröhlichkeit in „Hey, Good Lookin’“ und „Settin‘ the Woods on Fire“. Die letzten 60 Jahre amerikanischer Musik sind ohne diese Musik undenkbar. J.D.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
1. Johnny Cash, „At Folsom Prison” (1968)
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„Ich möchte euch nur sagen, dass diese Show für ein Album aufgenommen wird, das bei Columbia Records erscheinen wird. Und dass ihr keine Schimpfwörter wie ‚hell’ oder ‚shit’ oder ähnliches sagen dürft”, sagte Johnny Cash zu den Insassen, die sich für „At Folsom Prison” versammelt hatten.
Nachdem er sein schlechtes Benehmen im wirklichen Leben gezügelt hatte, wurde der Man in Black an diesem Abend zu einem grinsenden, nichtsnutzigen Halunken. Ein Chor aus Pfiffen und Jubelrufen brandete aus der Menge, als er und eine großartige Country-Band Proto-Gangsta-Rap-Geschichten wie „Cocaine Blues”, „Busted” und die Geschichte über einen Mann, der in Reno erschossen wurde, nur um ihn sterben zu sehen, zum Besten gaben. Dann legte seine zukünftige Frau June Carter die Handschellen an für das Duett „Jackson“.
Das ungeschminkte Album dokumentierte die aufkeimende Liebe des langjährigen Paares. „Ich mag es, dir beim Reden zuzusehen“, platzte Cash an einer Stelle heraus. Es gab seiner Karriere nach einer kommerziellen Flaute neuen Schwung.
„Ich wusste, dass dies meine Chance war, all die Zeiten wiedergutzumachen, in denen ich versagt hatte“, erzählte er Robert Hilburn von der Los Angeles Times. „Ich hoffte inständig, dass meine Stimme nicht wieder versagen würde. Dann fühlte ich mich plötzlich ruhig. Ich sah, wie die Männer zu mir herüberschauten. In ihren Augen war etwas, das mir klar machte, dass alles gut werden würde. Ich hatte das Gefühl, dass ich etwas hatte, das sie brauchten.“
