18 unverzichtbare Songs von Roberta Flack
Von Hits wie „Killing Me Softly With His Song“ bis hin zu „The First Time Ever I Saw Your Face“.
Roberta Flack war mit ihrem sanften, leisen und langsam brennenden Soulstil eine der wichtigsten Stimmen der Siebzigerjahre. Sie spezialisierte sich auf hypnotische Balladen wie „Killing Me Softly With His Song“, „The First Time Ever I Saw Your Face“ und „Feel Like Makin‘ Love“, allesamt Nummer-eins-Hits. Sie wuchs als klassisches Klavierwunder auf, machte sich aber in Clubs in Washington, D.C., einen Namen und sorgte mit ihren frühen Platten wie „First Take“ und „Chapter Two“ für Aufsehen.
Sie hatte eine Reihe klassischer Duette mit dem verwandten Geist Donny Hathaway vor seinem tragischen Tod im Jahr 1979, wie das jubelnde „Where Is The Love“. Flack hatte ihren eigenen, einzigartigen Sound – zurückhaltend, aber eindrucksvoll, voller gelassener Intensität, mit dem sie bis in die Neunziger Jahre hinein Hitparaden stürmte. Hier sind einige klassische Flack-Songs, mit denen wir uns an sie erinnern – eine Stimme, die uns immer wieder sanft umhauchte.
1 „Compared to What“ (1969)
Diese Protesthymne wurde 1966 vom Soulkünstler Gene Daniels geschrieben und verband Texte über das tiefe Gefühl unerfüllter Versprechen trotz eines Jahrzehnts des Bürgerrechtsaktivismus mit der Thematisierung neuer Themen wie Abtreibungsrechte und den Vietnamkrieg. Les McCann, ein früher Unterstützer von Flack, nahm das Lied 1969 auf, im selben Jahr, in dem Flack es als Eröffnungslied auf ihrem bahnbrechenden Debütalbum First Take von 1969 veröffentlichte. Zu einer Soul-Jazz-Begleitung vermittelte Flack die tiefe Verzweiflung und den ironischen Biss des Liedes und lieferte eine umwerfende Darbietung, die die Ankunft einer Künstlerin ankündigte, die sich ohne Weiteres mit Aretha Franklin und Nina Simone vergleichen ließ. – J.D.
2 „The First Time Ever I Saw Your Face“ (1969)
Als Roberta Flack zum ersten Mal auf das Lied stieß, das sie der Welt vorstellen sollte, gab es es bereits seit Jahren. „The First Time Ever I Saw Your Face“ war ein Standard, der erstmals Ende der fünfziger Jahre veröffentlicht wurde (Flack lernte ihn durch die Version des Folk-Duos Joe & Eddie kennen) und den Flack selbst ihren Schülern in einem Glee Club in D.C. beibrachte Glee Club in Washington, D.C. beibrachte. Die Reaktion ihrer Schüler hatte schließlich Einfluss auf ihre Interpretation: „Ich habe diese Kinder schließlich dazu gebracht, mir beizubringen, dass man jedes andere Lied so vorträgt, dass man mit dem beginnt, was die Leute kennen“, sagte sie 2007 gegenüber NPR. Flacks unauslöschliche, verlangsamte Version des Liedes wurde zum Durchbruch bei ihrem Debütalbum „First Take“ aus dem Jahr 1969, das sechs Wochen lang die Hot 100 anführte und ihr einen Grammy für das Album des Jahres einbrachte. „Wenn man zum ersten Mal eine große Liebe sieht“, sagte sie 2020, „drängt man die Geschichte nicht.“ – J.B.
3 „Ballad of the Sad Young Men“ (1969)
Dieses Lied war bereits ein Jahrzehnt alt, als Flack es aufnahm, aber wie bei so vielen anderen Coverversionen machte Flack es zu ihrem eigenen. Es wurde für die Broadway-Show The Nervous Set geschrieben, die im Greenwich Village der Beat-Generation spielt, und es würdigte „all die traurigen jungen Männer, die durch die Stadt treiben/Die Nacht durchtrinken und versuchen, nicht zu ertrinken“. Unter Flacks Händen wurde das Lied, ein düsteres Stück Kabarett, zu einer Hommage an und Anerkennung für die Schwulenszene. – D.B.
4 „You‘ve Got a Friend“ mit Donny Hathaway (1971)
In den frühen 1970er Jahren wollte jeder Carole Kings „You’ve Got a Friend“ singen, aber niemand klang so seelenvoll wie Roberta Flack und Donny Hathaway. Mit diesem Lied wurde sie berühmt, es war ihr erster Top-40-Hit Anfang 1971, den sie im Duett mit ihrem alten Klassenkameraden von der Howard University, Hathaway, sang und der auf seinem gefühlvollen E-Piano begleitete. (Es war sein zweiter Hit nach der Weihnachtsballade „This Christmas“ von 1970.) Sie verleihen „You’ve Got a Friend“ die Intensität eines Marvin-Gaye/Tammi-Terrell-Duetts, insbesondere in den letzten 30 Sekunden, in denen sie sich den Refrain zwischen den Zeilen gegenseitig zuwerfen. Damit wurde die Welt mit einer der magischsten Gesangskombinationen der Siebzigerjahre bekannt gemacht. – R.S.
5 „Will You Still Love Me Tomorrow“ (1971)
Für Flacks drittes Album, Quiet Fire, coverte sie den von Carole King und Gerry Goffin geschriebenen Klassiker „Will You Still Love Me Tomorrow“, der durch die Girlgroup The Shirelles bekannt geworden war. Flack hatte das Lied zum ersten Mal gehört, als sie in Washington, D.C., unterrichtete, und machte es zu einem Teil ihres Repertoires als Pub-Sängerin. Flacks Version ähnelte am meisten Kings Soloaufnahme von 1971. Die Soul-Legende brachte den emotionalen Kern auf den Punkt und schuf eine fesselnde und herzzerreißende Klavierballade. Ihre zarte, bewegende Gesangsdarbietung brachte die langsam brennende Verwüstung und Sehnsucht des Liedtextes voll zur Geltung. Es war die Lead-Single für Quiet Fire, die in den Hot 100 gelistet wurde und für viele in Flacks Werk zu einem Favoriten wurde. „Es war für mich eine Zeit tiefer Selbstbeobachtung, und dieses Lied drückte eine Verletzlichkeit aus, die jeder von uns im Laufe der Suche und des Annehmens von Liebe erlebt„, sagte Flack im Jahr 2021. – B.S.
6 „Just Like a Woman“ (1970)
Roberta Flack stellte diesen Klassiker von Bob Dylan mit ihrer kühnen Interpretation von Chapter Two, in der sie „Just Like a Woman“ in der ersten Person singt, auf den Kopf. „Ich nehme es wie eine Frau/Und ich liebe wie eine Frau“, singt sie ohne jede Entschuldigung. Ihre brillante Neuinterpretation liegt in ihrem gleichgültigen, unpathetischen Ton – sie lässt Dylans Original im Vergleich dazu nervös und bedürftig klingen und verabschiedet sich ohne Reue von einer Romanze. Später begleitete sie Dylan auf seiner Rolling Thunder Tour 1976. Als Dylan, Joan Baez, Joni Mitchell und andere in dem Gefängnis in New Jersey auftraten, in dem Rubin Carter inhaftiert war, vermerkte die Kritik des Rolling Stone, dass die Gefangenen Flack mit Standing Ovations feierten, während sie für alle anderen vor allem „Verwirrung“ zeigten. – R.S.
7 „Where Is the Love“ mit Donny Hathaway (1972)
Eines der größten und erhabensten Duette von Flack mit ihrem Freund Donny Hathaway ist nach wie vor ein wunderschönes, berauschendes Erlebnis. Das Arrangement ist üppig und die Kombination aus Flacks festem Sopran und Hathaways erdigeren Tönen verleiht dem Lied seinen Reiz und seinen gesprächigen Ton. Doch unter dieser klanglichen Schönheit verbirgt sich eine wahrhaft traurige Melodie, die den Moment beschreibt, in dem man erkennt, dass die Person, die man liebt, in eine andere verliebt bleibt und auch nach all dem Necken nicht ihre Meinung ändern wird. Man wird so sehr von dem Lied mitgerissen, dass man leicht einige der trostlosesten Zeilen der Popgeschichte übersieht, wie zum Beispiel, wenn Flack und Hathaway gemeinsam singen: „Du hast mir gesagt, dass du ihn nicht liebst/Und du wolltest auf Wiedersehen sagen/Aber wenn du es wirklich nicht so gemeint hast/Warum musstest du dann lügen?“ – D.B.
8 „Be Real Black for Me“, mit Donny Hathaway (1972)
„Be Real Black for Me„ war kein großer Hit in den Charts von Billboard, aber es ist ein leuchtendes Wahrzeichen der Ära “Black is beautiful“. Das Lied wurde von Roberta Flack, Donny Hathaway und dem unterschätzten Sänger Charles Mann geschrieben und strahlt Wärme und liebevollen, afrozentrischen Stolz aus. Wenn Flack singt: „Your hair’s soft and crinkly“, dann ist das eine überraschende Zeile, denn Afros werden in der Popmusik selten als etwas Schönes beschrieben, nicht nur als Symbol gesellschaftlicher Rebellion, und als ebenso bewundernswert wie goldblondes Haar. Ihre langsame und bluesige Intonation umschmeichelt diese Worte, wenn sie sich an Hathaway und an uns, das Publikum, wendet. Hathaway seinerseits besteht darauf: „You don’t have to wear false charms.“ – M.R.
9 „Killing Me Softly With His Song“ (1973)
Flack war nicht die erste, die diese Ode an den Turm des Gesangs aufnahm, die von der Zeit inspiriert wurde, als die Sängerin Lori Lieberman eine Don-McLean-Show während seines „American Pie“-Moments besuchte. Lieberman selbst nahm die erste Version des Charles-Fox/Norman-Gimbel-Songs auf. Aber von dem Moment an, in dem Flack den Refrain im Intro anstimmt, nimmt sie ihn auf eine Weise in Besitz, die niemand sonst, der ihn gecovert hat, selbst Lauryn Hill zu Fugees-Zeiten, erreichen konnte. Mit ihrem langen, beschwingten Singsang war Flacks „Killing Me Softly With His Song“ ein bahnbrechender Song im Quiet-Storm-Genre; ihre zurückhaltende, aber emotionale Darbietung ist eingebettet in das funkelnde, zärtliche Arrangement von Produzent Joel Dorn, und Flacks wortlose „who-oh-oh“-Improvisation ist einer ihrer leidenschaftlichsten Momente auf Platte. Aber das Großartige daran ist, wie ein Lied über die Kraft der Musik zu einem verführerischen Vehikel wird. – D.B.
10 „Some Gospel According to Matthew“ (1975)
„Some Gospel According to Matthew“ war nie ein Hit, aber es verkörperte die rauchige, introspektive Ruhe, die Flack zu einer unvergesslichen Stimme machte. Es handelt sich um eine Akustikgitarren-Ballade, die von Stuart Scharf geschrieben wurde, die Kehrseite ihres Hits „Feel Like Making Love“ aus dem Jahr 1974, später auf ihrem Album des folgenden Jahres. Flack reagiert auf einen Streit unter Liebenden mit einer unbeschwerten, unerschütterlichen Antwort und singt: „Liebe nach Matthäus ist eine Frage der Zeit.“ Der Song hat einen jazzigen Touch, der nicht weit von Joni Mitchells For the Roses entfernt ist, und endet mit dem selbstbewussten, aber zurückhaltenden Abgesang von Flack: „Ich habe einen langen Weg zurückgelegt und die Freiheit genutzt, um mich zu motivieren/Also nimm es von Matthew, es ist meine Zeit.“ – R.S.
11 „Feel Like Makin‘ Love“ (1974)
Roberta Flacks Single „Feel Like Makin‘ Love“ aus dem Jahr 1974 wurde zu einem der größten und prägendsten Hits des Jahres. Verträumt und sinnlich, sind Flacks Fantasien hautnah zu sehen und erinnern daran, wie die einfachsten Freuden des Lebens – der Wechsel der Jahreszeiten, Händchenhalten – sie am meisten nach ihrem Geliebten sehnen lassen. Man kann erahnen, welchen Einfluss ihr zarter Gesang über dem groovigen Beat auf die Disco-Queens gehabt haben mag, die Flack in den kommenden Jahren folgen sollten – wie Donna Summer und Thelma Houston. Flack produzierte den Song selbst, unter dem Pseudonym Rubina Flake. Sie benannte ihr folgendes Album nach dem Hit und produzierte das gesamte Projekt selbst. – B.S.
12 „The Closer I Get to You“ mit Donny Hathaway (1977)
„The Closer I Get to You“, eine der besten R&B-Balladen der 1970er Jahre, war ein für den Grammy nominierter Hit für Roberta Flack und Donny Hathaway, ein subtiles, gesprächiges Duett, das ihre einzigartige Chemie und Intimität unterstreicht. Geschrieben wurde es von zwei Mitgliedern der Band von Miles Davis, James Mtume und Reggie Lucas, einem zukünftigen Madonna-Produzenten. Die Version, die 1978 in die Top 5 kam, ist knapp fünf Minuten lang, aber die Originalaufnahme, die Flack und Hathaway im Studio gemacht haben, ist doppelt so lang. Flack sagte später über ihre Zusammenarbeit mit Hathaway: „Unsere musikalische Synergie war anders als alles, was ich vorher oder danach hatte.“ Im Jahr 2003 würdigten Beyoncé und Luther Vandrose den Song mit einer hervorragenden Coverversion und bewiesen damit, dass er auch ein Vierteljahrhundert nach seiner Erstveröffentlichung nichts von seiner dynamischen Kraft eingebüßt hatte. – J.D.
13 „Back Together Again“ mit Donny Hathaway (1980)
Donny Hathaway war ein Ausnahmetalent, dessen Karriere durch persönliche Probleme beeinträchtigt wurde. Er veröffentlichte nur vier Soloalben – und den Soundtrack Come Back Charleston Blue in Zusammenarbeit mit Quincy Jones – bevor er 1979 im tragisch jungen Alter von 33 Jahren aus dem Leben schied. Im folgenden Jahr erschien Roberta Flack Featuring Donny Hathaway, das ursprünglich als Nachfolger ihres beliebten Albums Roberta Flack & Donny Hathaway aus dem Jahr 1972 gedacht war. Er beendete nur zwei Songs mit ihr, aber beide sind ausgezeichnet: „Back Together Again“ wurde insbesondere zu einem festen Bestandteil des schwarzen Radios und der Sommer-Grillpartys. Das leichte Disco-Arrangement von James Mtume und Reggie Lucas ist eine hervorragende Ergänzung zu Flacks und Hathaways fröhlichem, souligen Duett und sorgt für ein glückseliges Wiedersehen zweier Ikonen des Conscious Soul. – M.R.
14 „Making Love“ (1982)
Roberta Flack war die Art von Sängerin, die mit zwei massiven Hits mit fast identischen Titeln punkten konnte. Aber während ihr „Feel Like Makin‘ Love“ von 1974 verträumte romantische Glückseligkeit ist, ist ihr Comeback-Hit „Making Love“ von 1982 eine reumütige, desillusionierte Ballade für zwei verletzte Liebende, die lernen, einander wieder zu vertrauen. Der legendäre Burt Bacharach schrieb es für sie zusammen mit Carole Bayer Sager und Bruce Roberts als Titelsong für ein Hollywood-Drama über eine Ehefrau, die herausfindet, dass ihr Ehemann homosexuell ist. „Es gibt mehr zu lieben, das weiß ich, als Liebe zu machen“, singt Flack – der Slogan aus der Filmwerbung. Der Film geriet fast sofort in Vergessenheit, aber der Song erlebte ein großes Comeback – Flacks erster Top-40-Hit seit drei Jahren. „Making Love“ ist die perfekte Kombination aus einer Bacharach-Melodie und ihrem leisen, melancholischen Gesang. – R.S.
15 „Tonight I Celebrate My Love“ mit Peabo Bryson (1983)
„Tonight I Celebrate My Love“ ist die Hit-Ballade aus Roberta Flacks Album mit Duetten mit Robert Peapo ‚Peabo‘ Bryson, Born to Love. Die mit Gold ausgezeichnete Platte aus dem Jahr 1983 entstand vor Brysons legendären Duetten für Disneys Die Schöne und das Biest und Aladdin, baut aber auf Flacks Diskografie mit einigen der geschmackvollsten R&B-Songs über Koitus auf. Das Lied wurde von Gerry Goffin mitgeschrieben, der auch den Shirelles-Klassiker „Will You Still Love Me Tomorrow“ zusammen mit Carole King (siehe oben) geschrieben hat. Sex wird in diesem Lied zu etwas wahrhaft Spirituellem. „Bald wird diese alte Welt wie neu erscheinen“, säuselt Flack mit einem süßen Gefühl des Staunens. Es ist eine ihrer bekanntesten Balladen, die ihrem sanften Touch und ihrem aufsteigenden Gefühl der Hoffnung treu bleibt. –M.C.
16 „Oasis“ (1988)
„Oasis“ entstand gegen Ende der 1980er-Jahre und verkörpert die zeitgenössischen Tropen der Ära. Der von Roberta Flack produzierte und von Marcus Miller und Mark Stephens geschriebene Song besticht durch leichte und perlende Keyboard-Linien und einen schwingenden, perkussiven Track, der an die damals angesagte Weltmusik erinnert. Tatsächlich führte der Song die Hot Black Singles-Charts von Billboard an und wurde in VH1 häufig gespielt. Flack klingt hier verspielt und inspiriert, wenn sie singt: „Lass mich dich festhalten, ich habe, was du brauchst“, und darüber nachdenkt, unter dem Wüstenmond ein Herz zu teilen. Für jemanden, der für seine tiefgründigen Balladen berühmt ist, war „Oasis“ eine Gelegenheit, sich die Schuhe auszuziehen und das Leben zu genießen, wie es kommt. – M.R.
17 „Uh-Uh Ooh-Ooh Look Out (Here It Comes)“ (1988)
Roberta Flack erlebte Ende der 80er Jahre mit Hits wie „Uh-Uh Ooh-Ooh Look Out (Here It Comes)“ von Quiet Storm ein willkommenes Comeback, bei dem sie die stimmungsvolle Wärme ihrer Werke aus den 70er Jahren für den üppigen, cremigen Sound des R&B-Radios aktualisierte. „Uh-Uh Ooh-Ooh Look Out (Here It Comes)“ stammt vom legendären Motown-Team Ashford und Simpson und handelt davon, wie Flack in der Stimme ihres Geliebten am Telefon schlechte Nachrichten erkennt und seufzt: ‚Ich erkenne einen Abschied, wenn ich einen höre.‘ Das Lied ist voll von Bongos, Saxophon, Slap Bass und lässigen Synthie-Melodien aus den Achtzigern, produziert von Flack selbst. „Ich wünschte, es wäre eine Überraschung, aber Herzschmerz ist etwas, das ich kenne.„ – R.S.
18 „Set the Night to Music“ mit Maxi Priest (1991)
Ihren letzten Hit hatte Roberta Flack mit ‚Set the Night to Music‘, einer Ballade von Diane Warren, die sie 1991 in ein Duett mit dem Londoner Reggae-Sänger Maxi Priest verwandelte. Das passte, denn Anfang der Neunziger war das Radio voll von sanften Soulstimmen in der Tradition von Flack, von En Vogue und Regina Belle bis hin zu Anita Baker und Whitney Houston. „Set the Night to Music“ war ursprünglich ein Deep Cut von „Starship“, aber Flack macht es zu ihrem eigenen Song – wenn sie singt: „It’s just like a dream, some romantic fantasy“, könnte sie damit ihr gesamtes musikalisches Leben beschreiben. – R.S.
Dieser Artikel wurde von Kristina Baum aus dem Englischen übersetzt. Das Original finden Sie hier.
