50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte
Seit Jahrzehnten wenden sich Rockmusiker der Country-Musik zu, wenn sie genug haben von greller Effekthascherei und ohrenbetäubender Lautstärke. Oder wenn sie einfach eine Platte von George Jones hören, die sie mit ihrer schieren Wucht umhaut. Die Kernstärken der Country-Musik – intime Geschichten, realistische Emotionen von Erwachsenen, vollendete Musikalität – haben Künstler von den Rolling Stones über Elvis Costello bis hin zu Bruce Springsteen angesprochen, die ihre eigenen überzeugenden Versionen geschaffen haben.
Diese Liste wurde ursprünglich 2014 veröffentlicht.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
50. Hank Williams Jr., „Whiskey Bent and Hell Bound” (1979)
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Vielleicht inspiriert oder verärgert durch die Vergötterung des historisch belasteten Erbes seines Vaters, nutzte Hank Jr. sein enormes familiäres Talent und rebellierte gegen sein Leben als angesehener Country-Star. Hier geht er über halbherzige Nashville-Nostalgie hinaus. Er brodelt und integriert den bluesigen Schwung des Southern Rock (siehe das wilde Allman-Brothers-Cover) mit Songwriting, das einem tief empfinden lässt, wie sehr seine Rowdytum verwurzelt ist.
Das rasende Cover von „White Lightnin’“ (verstärkt durch die Muscle-Shoals-Hörner) entreißt es George Jones. Und die Balladen sind fein gearbeitete Herzensbrecher. Er ist betrunken. Bekifft. Zugedröhnt. Selbstmitleidig. Verwirrt. Und redet mit Geistern. In dem Biker-Jukebox-Standard „Outlaw Women” sieht Bocephus sich sogar in diesen unabhängigen, wilden Frauen widergespiegelt, denen „die Gesellschaft völlig egal ist”. C.A.
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49. Junior Brown, „12 Shades of Brown” (1990)
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Der revisionistische Western Swing von Junior Brown ist eine Mischung aus Akademischem (er war Mitglied von Asleep at the Wheel und Dozent an der Rogers State University in Oklahoma) und Skurrilem. Zunächst einmal spielt er eine maßgefertigte „Guit-Steel“. Ein Instrument, das er selbst mitentwickelt hat. Und das eine E-Gitarre und eine Pedal Steel zu einem doppelhalsigen Mutanten verbindet, der direkt aus dem Nashville-Roadcase von Cheap Trick stammen könnte.
Aber noch wichtiger ist, dass seine Songs eine freche Qualität haben, die so zeitlos und ansteckend ist wie sein Gitarrenspiel. Was sich in Songs aus seinem Debütalbum von 1990 wie „My Baby Don’t Dance to Nothin‘ But Ernest Tubb” und „Hillbilly Hula Girl” („Mais wächst nicht in Lava-Erde”) deutlich wird. „Die unbeschwerten [Songs] betrachte ich nicht als Comedy-Texte”, sagte Brown 1994 gegenüber der Chicago Tribune. „Es gibt einen Stil von unbeschwerter, gewitzter Country-Musik, der aus der Mode gekommen ist. Die Leute wollten einfach nicht über sich selbst lachen. Ich glaube, sie hatten Angst, kitschig zu wirken oder so. Aber mir ist das egal. Ich habe Spaß daran.” C.W.
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48. John Anderson, „All the People Are Talkin” (1983)
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Nachdem John Anderson Anfang 1983 mit „Swingin’” seinen größten Hit aller Zeiten gefeiert hatte, nahm er für sein fünftes Album in drei Jahren weitere Up-Tempo-Pop-Country-Songs auf. „Black Sheep”, der beste davon, ist ein umstrittener Chart-Hit über den Konflikt zwischen der Arbeiterklasse und den Yuppies, der von Regisseur Robert Altman mitgeschrieben wurde. Bill Puetts Saxophon verleiht Andersons beeindruckender Stimme im Titelsong einen R&B-Touch.
„Things Ain’t the Same Down on the Farm“, dem seltsamen Cover „Haunted House“ aus den 50er Jahren und dem späteren M.A.D.D.-Werbespot „Let Somebody Else Drive“. Wer Anderson in seiner besten klassischen Country-Form erleben möchte, sollte sich jedoch das whiskeygetränkte „Blue Lights and Bubbles“ und das traurig-regressive „Look What Followed Me Home“ nicht entgehen lassen. R.G.
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47. Hayes Carll, „KMAG YOYO (& Other American Stories)” (2011)
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Der texanische Troubadour Hayes Carll ist jemand, der sich selbst als „betrunken mit einem Stift” beschreibt und an einem Abend mit seiner Band The Poor Choices rocken und am nächsten Abend ein intimes Akustik-Country-Set spielen kann. Daher auch dieses zugegebenermaßen „bipolare” Album, das zwischen eleganten, Ernest Tubbs-artigen Tränenziehern wie „Chances Are” und dem aufgepeppten Titelsong schwankt.
Das Akronym im Titel von Carlls viertem Album steht für „Kiss my ass, guys, you’re on your own” (Küsst mir den Arsch, Jungs, ihr seid auf euch allein gestellt) und der Song selbst. Eine mitreißende Schilderung eines Soldaten, der in einem Humvee durch die Wüste rast und in einem Raumfahrzeug LSD nimmt. Es hat die Energie des frühen Bob Dylan, seines Idols. Die Country-Rock-Kollegen Todd Snider und Corb Lund begleiten ihn bei „Bottle in My Hand“. Aber es ist Cary Ann Hearst, die Ann Coulter zu Carlls widerspenstigem Liberalen spielt, die dazu beiträgt, ein Hass-Fick-Duett für die Ewigkeit zu schaffen. R.G.
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46. The Mavericks, „What a Crying Shame“ (1993)
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Die Mavericks hatten bereits zwei Alben mit ihrem charakteristischen Latin-angehauchten Honky-Tonk veröffentlicht. Aber auf „What a Crying Shame” aus dem Jahr 1993 frönten sie ihrer Liebe zu allem, von Roy Orbison über Bruce Springsteen bis hin zu den Skatalites. Mit Al Anderson von NRBQ und dem ursprünglichen Tom-Petty-Schlagzeuger Stan Lynch als Co-Autoren ist Country-Musik nur der Kern von Songs wie „The Things You Said to Me”, das wie ein verlorener Buddy-Holly-Nashville-Boogie klingt.
Und der Titelsong hat sowohl einen twangigen Reiz als auch eine Midtempo-Frische, die fast mit dem Alternative Rock der Neunziger wie den Gin Blossoms mithalten könnte. „Wenn man 10 verschiedene Leute fragt, was die Mavericks für sie bedeuten“, sagte Sänger Raul Malo gegenüber Rolling Stone über ihre genre- und grenzüberschreitende Identität, „bekommt man 10 verschiedene Antworten.“ M.M.
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45. Lyle Lovett, „Lyle Lovett“ (1986)
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Obwohl Lyle Lovett den größten Teil seines kommerziellen Erfolgs in den Country-Charts hatte, war er stilistisch immer viel breiter aufgestellt. Bereits auf seinem eleganten, selbstbewussten Debütalbum von 1986, das nahtlos von Country über Jazz bis hin zu Pop reichte, war er voll ausgebildet.
Und der Rock kommt ins Spiel, wenn er mit wütenden, giftigen Briefen wie „If I Were the Man You Wanted“ und „God Will“ kurz davor zu sein scheint, die Kontrolle zu verlieren, die er als „den einzigen Song, den ich je über die wahre Liebe geschrieben habe … weil es der kürzeste Song ist, den ich je geschrieben habe“ vorstellt. 1988 sagte er gegenüber Rolling Stone, dass er Frauen nicht hasst. „ich hasse es nur, wenn sie mich enttäuschen“. Wie jeder gute Südstaatler kann dieser gebürtige Texaner durch Höflichkeit vernichtende Verachtung vermitteln. Und einen bis ins Mark erschrecken, ohne seine Stimme zu erheben. D.M.
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44. Jerry Reed, „The Essential Jerry Reed“ (1995)
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Jerry Reed war, wie Brad Paisley sagte, „ein wahrer Meister seines Instruments“. Einer der größten Country-Gitarristen aller Zeiten. Und eine Quelle glühender Licks, die zu gleichen Teilen von Earl Scruggs und Django Reinhardt inspiriert waren. Aber während seiner erfolgreichen Zeit – vom groovigen „Guitar Man” aus dem Jahr 1967 bis zum Absturz nach dem Trucksploitation-Boom Anfang der 80er Jahre – war Reed ein einzigartiger Popstar, der an der Schnittstelle zwischen Country, Funk, rasendem Fingerpicking und Novelty-Songs lebte.
Diese Sammlung von 20 Hits präsentiert seine ikonischsten Figuren. Den gemeinen, einhändigen Alligatorjäger („Amos Moses“). Den missverstandenen, Affenfleisch essenden Sumpfmann („Ko-Ko Joe“). Und den paranoiden Poker-Verlierer mit einem Rasiermesser in der Hand („The Uptown Poker Club“). Alles erzählt mit Reeds funkiger Melodie. „Die Leute wissen heutzutage gar nicht mehr, was für ein großartiger Gitarrist Jerry war. Und was für ein unglaubliches Gespür für Groove er hatte“, sagte Les Claypool, dessen Alternative-Metal-Band Primus 1998 „Amos Moses“ coverte. „Für mich ist es wie ein schwüler Sumpf-Funk. Außerdem, wie viele Gitarristen kennen Sie, die in einer Folge von Scooby-Doo verewigt wurden?“ C.W.
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43. Jerry Lee Lewis, „Another Place Another Time“ (1968)
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Jerry Lee Lewis‘ Plattenvertrag bei Sun lief 1963 aus. Und wie viele seiner frühen Rock-‚n‘-Roll-Kollegen ließ der Erfolg – und die totale Dominanz – der British Invasion Lewis‘ feurigen Piano-Stil altmodisch erscheinen. Der umstrittene Sänger verbrachte mehrere Jahre damit, zweitklassige Rocksongs aufzunehmen, um etwas von seiner früheren Stärke zurückzugewinnen. Aber erst sein Ausflug in den Country-Bereich belebte seine Karriere wieder.
Das 1969 veröffentlichte Album Another Place Another Time, schafften es sowohl der honky-tonk-lastige Titelsong als auch die Barroom-Ballade „What’s Made Milwaukee Famous (Has Made a Loser Out of Me)“ in die Top Five der Billboard-Country-Charts. Im Februar 1969 schrieb Andy Boehm, Autor des Rolling Stone: „Für Rockfans ist Another Place Another Time eine interessante Darstellung der Verwandlung eines frühen Rock-‚n‘-Roll-Stars. Für Country-Musik-Liebhaber stellt dieses Album einen weiteren großartigen und bewegenden Sänger vor.” L.R.
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42. Brad Paisley, „American Saturday Night” (2009)
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Brad Paisleys American Saturday Night, das 2009 veröffentlicht wurde, war das bis dahin weitreichendste Album des Stars und behandelte Themen wie Technologie, Vaterschaft und, nach der Wahl von Präsident Obama, Hoffnung für die Zukunft. Paisleys Sinn für Humor und sein geschickter Umgang mit komplizierten Themen verschafften seinem Album eine solide Basis über den Country hinaus. Ganz zu schweigen von seiner Vorliebe für komplexe, ausgelassene Gitarrensoli.
„Then“ ist eine Bic-würdige Powerballade. Der Heartland-Rocker „Welcome to the Future“ wird von Mellencamp-artigen Drums angetrieben. Und „She’s Her Own Woman“ ist ein geschmeidiger, bluesiger Rocksong mit einigen fantastischen Gitarrenriffs. L.R.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
41. Charlie Poole, „You Ain’t Talkin‘ to Me: Charlie Poole and the Roots of Country Music“ (2005)
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Verpackt in einer Vintage-Zigarrenkiste mit einem Booklet, das wie zerbrochen und vergilbt aussieht, vereint dieses unvergleichliche Dreifach-Album liebevoll die ursprünglich auf 78-U/min-Platten aufgenommenen Aufnahmen des Banjo-Spielers, Bandleaders eines Streichertrios und unverbesserlichen, lallenden Trunkenbolds Charlie Poole, dessen altmodischer Proto-Bluegrass den vier Jahrzehnte später entstandenen Folk-Rock der Band, Holy Modal Rounders und Grateful Dead (die alle seine Songs coverten) vorwegnahm. Während er Verse und Manierismen aus Ragtime, Vaudeville, Al Jolson, Blackface-Minstrel-Shows aus der Zeit vor dem Bürgerkrieg und abgelegenen Appalachen-Holler-Gesängen miteinander vermischte.
Tatsächlich stammen mehrere Titel hier, die bis zu Arthur Collins‘ „Didn’t He Ramble” aus dem Jahr 1902 zurückreichen, gar nicht von Poole. Sondern von seinen Vorläufern und Zeitgenossen. Nicht nur die für Elvis prägende Vermischung von schwarzen und weißen Stilen nimmt den Rock ’n‘ Roll vorweg. Nachdem die Weltwirtschaftskrise Poole zwang, wieder in der Mühle zu arbeiten, gab er mit 39 Jahren alles mit einer dreimonatigen, alkoholgetriebenen Sauferei auf. C.E.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
40. David Allen Coe, „The Mysterious Rhinestone Cowboy” (1974)
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Wenn Rock ‚n‘ Roll vor allem eine Frage der Einstellung ist, dann ist der ehemalige Sträfling, Biker und Outlaw-Country-Pionier David Allen Coe vielleicht der rockigste Künstler auf dieser Liste. Als ein Autor des Rolling Stone die Wahrhaftigkeit einer Geschichte anzweifelte, die Coe über die Tötung eines Mitgefangenen wegen sexueller Avancen erzählte, antwortete Coe mit dem Song „I’d Like to Kick the Shit Out of You”.
Dieses Major-Label-Debüt, das eine Zeit widerspiegelte, in der Coe auf der Bühne Strasskleidung, Perücken und eine Maske trug, während er in seinem Auto (einem weißen Leichenwagen) lebte, stellt ihn als einen zum Scheitern verurteilten, einsamen Troubadour des verlorenen Südens dar („I Still Sing the Old Songs”, „Old Man Tell Me”, „The Old Grey Goose is Dead”).
„A Sad Country Song“ ist ein Klassiker für die letzte Runde. „Atlanta Song“ ist eine passiv-aggressive Stripper-Klage, die Drake nachempfinden könnte. Als Vorbild zwar eine Katastrophe, verfügt Coe dennoch über beängstigende musikalische Fähigkeiten. Nach diesem Album tourte er mit Grand Funk Railroad. Er nahm mit Pantera auf. Lebte in einer Höhle, als das Finanzamt ihm sein Geld wegnahm. Und veröffentlichte ein anstößiges Album mit Scherzliedern. Darunter die schlimmsten rassistischen Beleidigungen, die es gibt. C.A.
39. Randy Travis, „Storms of Life“ (1986)
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Als lebenslanger Purist, dessen klarer und einsamer Neotraditionalismus der Achtzigerjahre die unerschütterliche protestantische Ethik einer Kleinstadt ausstrahlte und die Vulgarität seiner unmittelbaren Vorgänger wie John Anderson vermied, zeigte der in North Carolina geborene Randy Travis dennoch eine fast gothic-artige morbide Ader auf seinem Blockbuster-Debüt, das er in den folgenden Jahrzehnten nie wirklich übertreffen konnte. „Dinge ausgraben, die besser in Ruhe gelassen bleiben sollten“, wie er es in „Digging Up Bones“ ausdrückt.
In „Send My Body“ steht er vor dem Galgen. „On The Other Hand“ wägt die Vor- und Nachteile des Frauengeschlechts ab. Zwischen der knappen Vermeidung einer langen Haftstrafe als jugendlicher Straftäter und noch rücksichtsloseren Zwischenfällen in den letzten Jahren (öffentliche Trunkenheit und Nacktheit, Körperverletzung auf einem Kirchenparkplatz, solche Dinge, kurz darauf gefolgt von Herzversagen und Schlaganfall) war Travis nie der Musterschüler, den sein Image vermuten lässt. Auf „Storms of Life“ verbirgt eine emotional zurückhaltende Oberfläche kaum das schlechte Gewissen, das darunter brodelt.
38. Joe Ely, „Live Shots“ (1980)
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The Clash sind überall auf der Innenhülle der Vinylversion des härtesten Albums dieses Rebellen aus West-Texas zu sehen, das ein Jahr später in den USA als in Großbritannien veröffentlicht wurde, wo es während der Shows als Vorband für Joe Strummer and Company zusammen mit dem Reggae-Toaster Mikey Dread aufgenommen wurde. Die Londoner Pub-Besucher erinnerten ihn an die rowdyhaften Roadhouse-Besucher in seiner Cowboy-Heimat, erzählte er damals der Zeitschrift „Trouser Press“. Nur dass sie mehr spuckten. Nur wenige Jahre nach seiner Zeit bei dem existentialistischen Proto-Alt-Country-Kulttrio The Flatlanders, das nur Acht-Spur-Aufnahmen veröffentlichte, tourte er Anfang der 80er Jahre auch mit den Kinks, den Stones und Tom Petty.
Musikalisch mischte Ely jedoch Norteño, Zydeco, Rockabilly und den härtesten Honky-Tonk und verband Country-Gefühle mit einem R&B-Beat, wie er selbst erklärte. Texte über die Flucht in Güterwagen. Frauen, die nachts auf der Straße arbeiten. Ungepflegte Fingernägel, die das Klavierspiel verbessern. Und – unvermeidlich – das Leben, betrachtet durch ein Schnapsglas. C.E.
37. Guy Clark, „Old No. 1“ (1975)
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Obwohl er fünf Jahrzehnte lang Nachwuchstalente in Nashville betreute und unterstützte und selbst zwei Nummer-1-Country-Hits schrieb, sagte Guy Clark letztes Jahr gegenüber Texas Monthly: „Ich war kein Country-Musiker. Ich war ein Folksänger aus Texas.“ Nun, man könnte ihn auch als den vollendeten Bullshit-Künstler bezeichnen, denn sein Debütalbum Old No. 1 ist Country-Musik pur. Mit Fingerpicking. Rauer Stimme. Sozialhilfeempfängern und trauernden Damen der Nacht.
Die enorme romantische Empathie von Clarks Vision bleibt atemberaubend. „L.A. Freeway“ schließt melancholisch das Kapitel über die Unruhe in Stadt und Land. „She Ain’t Goin‘ Nowhere“ (mit Emmylou Harris) schnappt wunderschön nach Luft. Das Leonard Cohen-artige Todesgedicht „That Old Time Feeling“ wärmt wie ein Feuer, während „Desperadoes Waiting for a Train“ und „Texas 1947“ exquisit greifbare Nachkriegsdioramen zerbrochener Träume sind. Es gibt einen Grund, warum er einer der Favoriten von Bob Dylan ist. C.A.
36. Townes Van Zandt, „The Late Great Townes Van Zandt” (1972)
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Es erfordert eine gewisse Art von fatalistischem Humor, sein Album posthum zu benennen, wenn man noch lebt. Van Zandt drückte auf dieser 1972 von Cowboy Jack Clement produzierten LP perfekt seine Welt tiefer Traurigkeit aus, die oft durch ein whiskeygetränktes Lächeln versüßt wurde.
Obwohl es mehrere Coverversionen enthielt, wurden die Originale wie „Pancho and Lefty” und „If I Needed You”, zu klassischen Einblicken in die Seele des gequälten Poeten. Und ebneten den Weg für Elliot Smith, Conor Oberst und Bill Callahan, die den Folk in seine dunkelsten Ecken stürzten.
„Seine Stimme, sein Vortrag sind so echt“, sagte Jim James von My Morning Jacket. In „Silver Ships of Andilar“ finden sich überall Anklänge an die dramatischen Arrangements von MMJ. Ddie Art und Weise, wie Van Zandts Zittern über den zarten Klängen von „Snow Don’t Fall“ schwebt, bildet die Blaupause für fast jede Ballade von James. „Er beschönigt nichts.“ M.M.
35. Faith Hill, „Cry“ (2002)
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Faith Hills gigantischer Chartstürmer aus dem Jahr 2002 ist so trotzig un-country, dass er fast schon als Punk durchgeht. Wie Taylor Swifts weltbeherrschendes Album „1989“ ein Jahrzehnt später ist es ein vollwertiger Popstar-Monolith, in dem kein flüchtiges Banjo oder widerwilliges Twang zu hören ist.
Stattdessen gibt es weißen Funk. Mürrische Gitarrensoli. Gospelchor-Gesänge. Ein oder zwei sexy-bedrohliche Sprechgesang-Zwischenspiele, die fast an PJ Harvey erinnern. Und genug Monster-Powerballaden, dass dieses Ding mit einer eigenen Windmaschine geliefert werden müsste. Die Meister der Stadion-Bombastik unseres jungen Jahrhunderts – von Kings of Leon bis Imagine Dragons – können Hills Pomp und Power-Akkorden hier nicht das Wasser reichen.
Ihre rockstarwürdigste Heldentat in diesem Jahr war jedoch ein Fiasko auf dem Cover des Jane Magazins, das so krass war, dass die Schlagzeile lautete: „Warum fragst du mich das? ! Faith Hill rastet aus.“ R.H.
34. Johnny Paycheck, „Take This Job and Shove It“ (1977)
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Johnny Paycheck war viel unverblümter als Bruce Springsteen. Und sang den Blues der Arbeiterklasse mit spuckender Leidenschaft. „Take This Job and Shove It“, geschrieben von seinem Outlaw-Kollegen David Allen Coe, wurde zu seinem Markenzeichen. Aber es sind Songs wie seine Coverversion von Dizzy Gillespies „ The 4-F Blues“, der mit einem vereinfachten Jerry-Garcia-Riff beginnt, beweisen, dass er mehr ist als nur ein Mittelfinger.
Das von Billy Sherrill produzierte Album „Take This Job and Shove It“ aus dem Jahr 1977 erschien nur vier Jahre, nachdem er Insolvenz angemeldet hatte, sodass der Erfolg des Titelsongs (sein einziger Nummer-1-Hit) perfekt zu den Texten passte. Er konnte Music Row nehmen oder lassen. Und er ließ es, als er Anfang der 80er Jahre von Epic rausgeschmissen wurde.
„Ich singe über den kleinen Mann, der vom großen Mann herumgeschubst wird“, sagte Paycheck. Was den ikonischen Song zum perfekten Material für Rapper (siehe Canibus und Biz Markies Tribut von 1999) und Punks (siehe das feurige Cover der Dead Kennedys von 1986) gleichermaßen machte. M.M.
33. Bobbie Gentry, „Chickasaw County Child: The Artistry of Bobbie Gentry“ (2004)
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Hätte Bobbie Gentry in den letzten sechs Jahrzehnten zu irgendeinem Zeitpunkt aufgetaucht, wäre sie dennoch eine unvergleichliche Innovatorin gewesen. Ihre Biografie scheint apokryph. Ein Farmmädchen aus Mississippi, Kind geschiedener Eltern, studiert Philosophie an der UCLA und Komposition am Los Angeles Conservatory of Music. Tanzt in Las Vegas. Und schockiert dann die Popwelt mit einem Song, „Ode to Billie Joe“, der „All You Need Is Love“ von den Beatles vom ersten Platz verdrängt. Ganz zu schweigen von einem Chart-Hit in den Country-Charts und einem Platz fünf in den R&B-Charts.
Von 1967 bis 1972 veröffentlichte sie außerdem eine Reihe faszinierender, raffinierter, wenn auch manchmal ungleichmäßiger Alben, die Folk, Soul, Gospel, Country, orchestralen Pop und Rock vereinen. Ihre Stimme war selbstbewusst. Verletzlich. Gesprächig. Trotzig. Sie schrieb und produzierte ihre Songs selbst. Und stellte dabei ihre freche, südstaatlich geprägte feministische Stimme in den Vordergrund. Diese Zusammenstellung vermittelt ihr vielfältiges Talent am besten. C.A.
32. Jimmie Dale Gilmore, „Spinning Around the Sun“ (1993)
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Jimmie Dale Gilmores hohe, einsame Stimme war schon immer eines der reinsten Instrumente der Country-Musik. Und doch sind Gilmores deutlichste Vorläufer Rockmusiker. Er ist das fehlende Bindeglied zwischen Roy Orbison und Buddy Holly. Ein Drifter aus den High Plains, der ein ursprüngliches Gefühl der Verwunderung hervorruft, das fast kindlich wirken kann.
Auf „Spinning Around the Sun“ covert Gilmore Hank Williams, Elvis Presley und seinen Flatlanders-Kollegen Butch Hancock. Und wird ihnen allen dank der hervorragenden Arrangements von Produzent Emory Gordy Jr. (ein Mann, der dank seiner Zeit mit Emmylou Harris einiges über wunderschön zerbrechliche Stimmen weiß) gerecht. Wie jeder gute Gelehrte war Gilmore der Meinung, dass er einfach nur das tat, was er immer tat. Er sagte Rolling Stone 1994 sogar, dass er so unverwechselbar sang, weil er „nicht gut genug als Musiker” war, um andere zu kopieren. „Es ist, als wäre ich ein ausdrucksstarker Schauspieler”, sagte er. „Und die Songs sind meine Zeilen.” D.M.
31. Dolly Parton, Linda Ronstadt & Emmylou Harris, „Trio“ (1977)
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„Dolly Parton ist für Linda Ronstadt und Emmylou Harris das, was Chuck Berry für die Rolling Stones und The Who war“, schrieb die Rockkritikerin Barbara Charone in den Siebzigern. Und dieser mit Multi-Platin ausgezeichnete, Grammy-prämierte Klassiker des sogenannten „Queenston Trio“ untermauert diese Behauptung. Denn die beiden besten Country-Sängerinnen, die die Folk-/Rock-Szene der Sechziger hervorgebracht hat, tauchen tief in Partons Appalachen-Wurzeln und die karge Intimität der Nashville-Virtuosität ein.
Trio beginnt mit den zitternden Harmonien von Harris und Parton in Partons „The Pain of Loving You“. Ronstadt singt die Leadstimme in drei Titeln (vor allem in einer exquisiten Interpretation von Jimmie Rodgers‘ „Hobo’s Meditation“). Die drei sind geradezu hypnotisch in Phil Spectors „To Know Him Is to Love Him“. “ Aber Parton hat mit ihrer subtilen Befreiungsgeschichte „Wildflowers“, der traditionellen poetischen Klage „Rosewood Casket“ (arrangiert von ihrer Mutter Avie Lee) und dem eindringlichen, einsamen Klagelied „These Memories of You“ die Nase vorn. C.A.
30. Waylon Jennings & Willie Nelson, „Waylon & Willie“ (1978)
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Diese alten Kifferkumpels haben sich mit einem überraschenden Ziel zusammengetan, um diesen durchweg ergreifenden, angenehm verrückten Nummer-1-Country-Hit zu produzieren. Als letzter Aufruf der zirkulären Bar-Logik teilt es sich gleichmäßig auf zwischen dem weltmüden Willie (der zitternde Walzer „If You Can Touch Her at All“ und die verwirrte Klage „It’s Not Supposed to Be That Way“) und dem erstklassigen, wackeligen Waylon (seine erschreckende Cinéma-Vérité-Version von Fleetwood Macs „Gold Dust Woman“ und das leichtfüßige Pathos von „The Wurlitzer Prize [I Don’t Want to Get Over You”]).
Aber die Duette sind die Belohnung. „Pick Up the Tempo” ist Outlaw Country in seiner liebenswertesten Form. Kris Kristoffersons „The Year 2003 Minus 25” lässt die Jungs quasi-politische WTFs austauschen. Und in dem zeitlosen Juwel „Mammas Don’t Let Your Babies Grow Up to Be Cowboys” legen sie ihre vom Leben gezeichneten Seelen mit der Selbstgefälligkeit von High-Plains-Drifter-Cowboys bloß. Der Song wurde seitdem von Karen O, Black Lips und Alvin and the Chipmunks gecovert. C.A.
29. Jimmie Rodgers, „RCA Country Legends” (2002)
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Waren Jimmie Rodgers und Louis Armstrong die ursprünglichen Run-D.M.C. und Aerosmith? Im Jahr 1930 kombinierten die beiden (mit Hilfe von Armstrongs Frau Lil Hardin, einer Pianistin) „Hillbilly” und Jazz in ihrem gemeinsamen „Standing on the Corner“ Hillbilly und Jazz. Und als sich die Klänge von Country und Rock ’n’ Roll zu kristallisieren begannen, stand dieser Song – ebenso wie die anderen 16 Titel auf der Compilation „RCA Country Legends“ – im Mittelpunkt beider Genres.
Jahrzehnte später tauchten viele der hier versammelten Songs auf einer von Bob Dylan zusammengestellten Tribute-LP wieder auf. „Der für mich inspirierendste Entertainer war schon immer jemand wie Jimmie Rodgers. Jemand, der es alleine schaffen konnte und absolut originell war“, schrieb Dylan in den Liner Notes zu seinem Box-Set „Biograph“. „Er kombinierte Elemente des Blues und des Hillbilly-Sounds, bevor irgendjemand sonst darauf gekommen war.“ N.M.
28. Rosanne Cash, „Seven Year Ache“ (1981)
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Innerhalb eines Jahrzehnts würde ihre Musik so intim werden, dass sie fast schon introvertiert wirkte. Aber schon früh fand Johnny Cashs Tochter ihre Nische als Post-Pub-Rock/Borderline-New-Wave. Zumindest im Sinne von Tom Petty und Steve Forbert, deren Material sie interpretiert, oder Linda Ronstadts Costello-Cover-Phase zu Beginn der 80er Jahre, an die diese Platte eindeutig anknüpft.
Angeblich wurde es sogar als „Punktry” vermarktet. Auf dem Foto in der Innenhülle sieht Rosanne aus, als wäre sie bereit, sich den Pretenders anzuschließen, obwohl sie BAM in diesem Jahr erzählte, dass sie ihre Jugend damit verbracht hatte, in ihrem Schlafzimmer eingeschlossen Joni Mitchell- und Tom Rush-LPs zu studieren und Tagebuchgedichte zu schreiben.
Kurz vor den Aufnahmen zu Seven Year Ache wurde sie Mutter. Aber der unwiderstehliche Top-25-Pop-Titelsong und die Songs, die sie und ihr Ehemann und Produzent Rodney Crowell darum herum arrangiert haben, lassen vermuten, dass ihre Ehe bereits in einer Krise steckte. Ein Thema, an dem sie noch lange festhielt, nachdem sie die Hooks, den Humor und die Elektro-Handclaps ihres energiegeladensten Albums aufgegeben hatte. C.E.
27. Kenny Rogers, „The Gambler“ (1978)
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Der phänomenale Erfolg der Balladen „She Believes in Me“ und „The Gambler“, die sowohl in den Country- als auch in den Pop-Charts ganz oben standen, festigte Kenny Rogers‘ Position als Country-Star mit enormer Crossover-Anziehungskraft. Tatsächlich erzählte der mit einem Grammy ausgezeichnete Song „The Gambler“, den Rolling Stone einmal als „den einzigen Song, den sogar Nicht-Country-Fans auswendig kennen“ bezeichnete, eine so ernsthafte Geschichte, dass er für einen Fernsehfilm adaptiert wurde.
Anlässlich des 36. Jahrestags des Albums sagte Rogers gegenüber Rolling Stone, „The Gambler“ sei „ein Song, der meine Karriere geprägt hat“. Und fügte hinzu: „In dem Song geht es nicht um Glücksspiel. Sondern eine Metapher für das Leben und das Aufstehen nach einem Rückschlag.“ Diese Metapher fand weltweit Anklang. Und führte dazu, dass das entsprechende Album 35 Millionen Mal verkauft wurde. L.R.
26. Eric Church, „Chief“ (2011)
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„Wir spielten auf dem Lollapalooza. Ich war verblüfft, wie weich 90 Prozent dieser Bands waren“, sagte Eric Church gegenüber Rolling Stone im Jahr 2012 über den aktuellen Zustand des Rock ’n’ Roll. „Niemand ist laut.“ Chief, sein von Jay Joyce produziertes drittes Album, das im Jahr zuvor veröffentlicht wurde, ist es auf jeden Fall.
Es mag naheliegend sein, auf das nostalgische, „Springsteen“ als den Titel zu bezeichnen, der die größte Crossover-Anziehungskraft hat. Aber Albumtitel wie „Keep On“ mit seinem von Joe Perry inspirierten Gitarren-Groove und die donnernden Percussions von „I’m Gettin‘ Stoned“ sind ebenso in der Lage, bei jedem Musikfestival und jedem Genre die Feuerzeuge (oder zumindest iPhones) zum Leuchten zu bringen. Schließlich hat er in seiner Debütsingle von 2006 eine bestimmte Erklärung abgegeben. „Ich mag meinen Country rockig, wie steht’s mit dir?” M.M.
25. Gary Stewart, „Out of Hand” (1975)
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Obwohl der in Florida aufgewachsene Honky-Tonker Stewart in den Siebzigern einige Country-Hits landete – darunter allein drei Top-10-Hits aus diesem Debütalbum –, war er im Herzen genauso sehr Rocker. Seinen ersten Chart-Erfolg erzielte er mit einer Coverversion von „Ramblin‘ Man“ seiner Freunde, den Allman Brothers. Jerry Lee Lewis war sein offensichtlichstes Vorbild. Und seine Rhythmen und Tonfälle waren häufig von Dylan Mitte der Sechzigerjahre beeinflusst.
Stewarts wildes Juke-Joint-Piano-Spiel sparte jedoch nicht mit Pathos. Seine beiden großen Themen waren Trinken und Betrügen. Oft gleichzeitig. Im Titelsong von Out of Hand ist er der hart liebende Schuldige. Aber sowohl in „Drinkin‘ Thing“ („um nicht nachzudenken“) als auch in dem genial betitelten „She’s Actin‘ Single (I’m Drinkin‘ Doubles)“ ist er ein betrogener Ehemann. Der seinen Kummer in Alkohol ertränkt.
24. Glen Campbell, „Wichita Lineman” (1968)
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Als Sohn eines Farmpächters aus Arkansas, der nach der Highschool von zu Hause weggegangen war, um in der Country-Band seines Onkels mitzuspielen, landete Campbell schließlich in Los Angeles als Gitarrist bei der legendären Session-Band The Wrecking Crew (die bei Plattenaufnahmen von Elvis über Phil Spector bis hin zu den Monkees als Begleitband fungierte).
Dadurch konnte er fast alles spielen oder singen. Und ihm einen nachbarschaftlichen Heartland-Twang verleihen, was ihn zur idealen Stimme für Nashvilles Countrypolitan-Pop-Bewegung der 60er Jahre machte (obwohl er in Hollywood aufnahm). Und der Titelsong, das Meisterwerk des Songwriters Jimmy Webb über filmische Sehnsucht, ist mit Campbells gleichmäßigem, aber müdem Gesang und dem einsamen Basssolo der Höhepunkt der Country-Pop-Ära.
Als gesprächiger Beobachter des Alltags schien Campbell den Zuhörern fast zu erlauben, die von ihm erzählten Geschichten mitzuhören. Hier, trotz der überladenen Produktion von Wrecking Crew-Veteran Al De Lory, empfindet er zärtliches Mitgefühl für träumende Hausfrauen. Und gibt eine eindringliche Interpretation von Rod McKuen und Jacques Brels „If You Go Away“. C.A.
23. Tammy Wynette, „Stand by Your Man“ (1969)
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„Tammy hat mir das Singen beigebracht”, sagte Melissa Etheridge einmal. Wynettes LP „Stand by Your Man” aus dem Jahr 1969 ist eine wahre Lehrstunde darin, wie man Emotionen ausdrückt, ohne dabei konkret zu werden. Mit jedem düsteren Bruch, jedem gehauchten Vokal oder jedem erstickten Jodler schuf sie ein Lexikon von Möglichkeiten, allein mit dem Klang von Silben zu sprechen. ganz zu schweigen von Worten.
Das von Billy Sherill produzierte Album „Stand by Your Man“ ist weniger als 30 Minuten lang. Und verdankt viel dem Titelsong, der allen, von Elton John über Etheridge bis hin zu Florence Welch, beigebracht hat, wie man einem Liebeslied einen Subtext unterlegt. Schließlich wurde das Album ein Jahr vor ihrer unglücklichen Ehe mit George Jones veröffentlicht. „Es ist ehrliche Musik“, sagte Wynette gegenüber NPR über ihr geliebtes Genre.
„[Country] erzählt eine Geschichte. . . es ist das, was die Menschen leben. Es ist das, worüber viele Rockkünstler nicht schreiben.“ Aber dank Wynette begannen viele von ihnen damit. M.M.
22. Dwight Yoakam, „Guitars, Cadillacs, Etc., Etc.“ (1986)
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Wie in der Biografie „A Thousand Miles From Nowhere“ aus dem Jahr 2012 beschrieben, sah Dave Alvin, der Frontmann der Blasters, eine der ersten Shows von Dwight Yoakam in Los Angeles. Und war so begeistert, dass er ihm sagte: „ Bestell dir jetzt schon mal eine Limousine! Du wirst ein Star.“ Yoakam trat in kurzer Zeit als Vorgruppe für die Blasters, X und andere Punkbands aus Los Angeles auf. Was ihn wie ein klassisches Opfer der Kluft zwischen „zu rockig für Country“ und „zu country für Rock“ erscheinen ließ.
Aber Alvins Vorhersage bewahrheitete sich schließlich mit Guitars, Cadillacs, Etc., Etc. Seinem Debütalbum und dem ersten von drei aufeinanderfolgenden Nummer-1-Country-LPs. Mit Yoakams Kentucky-Akzent und Brantley Kearns‘ Fiddle-Loops auf dem Durchbruchshit „Honky Tonk Man“ hatte das Album mehr als genug ehrlichen Twang für Nashville. Aber es hatte auch echte Rock-Qualitäten. Insbesondere die schneidenden Sechs-Saiten-Leads von Produzent/Gitarrist Pete Anderson und Yoakams Art, andere zu kritisieren. Abgesehen von den luftigen Arrangements braucht es schon eine große Portion Rockstar, um eine so kalte „Love-‚em-and-leave-‚em“-Hymne wie „I’ll Be Gone“ zu schreiben. D.M.
21. Emmylou Harris, „Quarter Moon in a Ten Cent Town“ (1978)
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Als Muse und Duettpartnerin von Gram Parsons spielte Harris eine zentrale Rolle bei der Entstehung des Country-Rock. Aber das ist nicht der Grund, warum sie hier aufgeführt ist. Auf „Quarter Moon“ und anderen Alben, die sich über Jahrzehnte erstreckten, erfüllte sie die Songs mit einer Stimme, die Zärtlichkeit, Stärke und Weltgewandtheit in einem kraftvollen, zerbrechlichen Stöhnen vereinte, das Fans und Künstler aller Genres sprachlos machte.
Ihre Versionen von Delbert McClintons „Two More Bottles of Wine” und Rodney Crowells „Leaving Louisiana in the Broad Daylight” und „I Ain’t Living Long Like This” rocken mit einer bemerkenswert luftigen Melancholie. Mit der exquisiten Begleitung ihrer Hot Band (darunter die Gitarrenlegenden James Burton und Albert Lee, der Bluegrass-Virtuose Ricky Skaggs, Garth Hudson und Rick Danko von The Band u. a.) gab sie sich nie mit folkiger Ernsthaftigkeit oder hübschen Trillern zufrieden.
Eine hartnäckige Weisheit lauerte immer im Hintergrund. Besonders in Dolly Partons „To Daddy”, das Harris wie eine Kurzgeschichte von O. Henry vortrug. C.A.
20. Steve Earle, „Copperhead Road“ (1988)
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Steve Earle bezeichnete „Copperhead Road“, sein drittes Album und das erste, das sich direkt an das Rockpublikum richtete, als „Heavy-Metal-Bluegrass“. Es wird dieser Beschreibung mehr als gerecht. Und schafft eine perfekte Synthese aus akustischem Gitarrenspiel und kraftvollen E-Gitarren-Akkorden. Ganz zu schweigen von gelegentlichen Dudelsackklängen.
1989 erklärte er gegenüber ROLLING STONE, dass er kaum einen Unterschied zwischen der Einstellung von Rock und Country sehe. „Es geht um dein Leben und die Art, wie du lebst. Und das hat nichts damit zu tun, Stereotypen zu entsprechen und verkorkst zu sein.” Mit politisch aufgeladenen Songs über Waffen und „Snake Oil” aus der Reagan-Ära, gepaart mit Earles mitfühlenden Erzählungen über Kriegsveteranen, etablierte „Copperhead Road” Earle als das linke Gewissen der Country-Musik. D.M.
19. Dixie Chicks, „Taking the Long Way“ (2006)
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„Taking the Long Way“ von den Dixie Chicks war das erste Studioalbum des Trios seit dem „Schuss, der um die Welt ging“, als Sängerin Natalie Maines einem englischen Publikum sagte, sie schäme sich dafür, dass der Präsident der Vereinigten Staaten aus Texas stammt“.
Zu diesem Zeitpunkt war das Trio aus der Country-Musik verbannt und richtete seine Aufmerksamkeit bewusst auf ein breiteres, poporientiertes Publikum. Das von Rick Rubin produzierte Album „Taking the Long Way“ zeigt eine Abmilderung des Sounds des Trios. Sowohl in der Instrumentierung (mehr Violinen, weniger Fiddles) als auch in Maines‘ starkem texanischen Akzent.
In einem Interview mit Rolling Stone nach der Trennung gestand die Sängerin: „Ich kann mir unser zweites Album nicht anhören“, wobei sie sich auf den Durchbruch der Chicks von 1999, Fly, bezog, „weil ich damals wirklich total auf Country stand und die Country-Flagge hochhielt. Mein Akzent ist auf diesem Album total außer Kontrolle.“ L.R.
18. George Jones & Tammy Wynette, „Golden Ring“ (1976)
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George Jones und Tammy Wynette heirateten 1969 und tourten gemeinsam in einem Bus, auf dessen Seite „Mr. & Mrs. Country Music“ prangte. Als ihre chaotische Ehe 1975 unweigerlich in der Scheidung endete, war ihre Popularität immer noch so groß, dass sie gezwungen waren, die Fantasie öffentlich weiterzuspielen und als Paar auf Tournee zu gehen.
Das 1976, ein Jahr nach ihrer Trennung, veröffentlichte Album „Golden Ring“ ist ein unglaubliches Beispiel für herzzerreißende Musik, die eine herzzerreißende Realität widerspiegelt. Der Titelsong folgt dem Lebenszyklus eines Eherings und des zum Scheitern verurteilten Paares, das ihn in einem Pfandhaus in Chicago kauft. Das Album setzt sich mit der kalten Realität der Intimität auseinander. Etwa in Songs wie „Crying Time”, dem rasanten Warnschuss „If You Don’t, Somebody Else Will” und dem urkomisch ehrlichen, mit Anspielungen gespickten „Did You Ever”.
Wynette singt mit unglaublicher emotionaler Kraft. Jones‘ gebieterische Stimmgewalt vermittelt das Gefühl, dass jemand versucht, schwierige Zeiten zu überstehen. Oder so zu tun, als gäbe es sie nicht. Was dem Album, das ein Meisterwerk der Trennungsapokalypse bleibt, eine weitere dramatische Ebene verleiht. J.D.
17. Wanda Jackson, „Queen of Rockabilly” (2000)
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Der Titel sagt schon alles. Wanda Jacksons Jahre bei Capitol Records in den späten Fünfzigern und frühen Sechzigern brachten unverfälschte Rockabilly-Singles hervor, die ihre Wurzeln in Oklahoma mit einer lyrischen Vorliebe für Partys verbanden. (Da wären „Let’s Have a Party”, „There’s a Party Goin‘ On” und „Man, We Had a Party”.)
Durch ihre jahrelangen Tourneen mit Elvis Presley ermutigt, wurden Jacksons mitreißende Rock’n’Roll-Singles dank ihrer rauen Stimme heißer als das Zentrum einer Tiki-Fackel. Von den US-Radiosendern weitgehend ignoriert, aber in Europa sehr beliebt, dominierte Jackson Songs wie das von Elvis populär gemachte „Hard Headed Woman“ und den R&B-Klassiker „Riot in Cell Block #9“. Diese Zusammenstellung des britischen Labels Ace Records aus dem Jahr 2000 versammelt 30 Klassiker, die allen anderen vorausgingen, von Nancy Sinatra über die Runaways bis hin zu ihrem späteren Studiokollegen Jack White.
„ Ich hätte nie gedacht, dass das, was wir damals geschaffen haben, so einen großen Einfluss haben und noch Jahrzehnte später gehört werden würde”, sagte Jackson gegenüber The Guardian. „Elvis, Buddy [Holly] und ich – wir waren nur Kinder, die Spaß hatten. Jetzt singen die Cramps und Paul McCartney meine Songs. Endlich kann ich sagen: ‚Ich hatte recht!’” R.F.
16. Kris Kristofferson, „Kristofferson“ (1970)
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Laut Country-Patriarch Bobby Bare machte Kris Kristofferson „die Hippies und die langhaarigen Funky-Leute akzeptabel“ für Nashville. Kristofferson wollte mit „Blame It on the Stones“, dem ironischen Opener seines Debütalbums, definitiv eine Botschaft der Gegenkultur vermitteln.
Aber die Country-Szene hatte wenig Probleme damit, einen bärtigen Spinner zu akzeptieren, der Crossover-Hits wie „For the Good Times“, Janis Joplins posthumen Hit „Me and Bobby McGee“, Johnny Cashs Chartstürmer „Sunday Mornin‘ Comin‘ Down“ und „Help Me Make it Through the Night“ (geschrieben, während Kristofferson in einem Hubschrauber auf einer Ölplattform saß und seiner täglichen Arbeit nachging) liefern konnte. Das in Eile aufgenommene Album „Kristofferson“ legt den Schwerpunkt eher auf das Songwriting als auf die Performance. R.G.
15. Bob Wills and His Texas Playboys, „The Essential Bob Wills 1935-1947“ (1992)
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Der 1905 geborene Fiddle-Spieler und Bandleader Bob Wills lernte die Country-Musik von seiner Familie und den Blues von den Afroamerikanern, die neben ihm in Texas Baumwolle pflückten. Er gründete 1934 die Texas Playboys – eine tief swingende Mischung aus Country, Jazz, Blues, Hillbilly, Hawaiian und vielem mehr – und sie starteten durch, nachdem sie im folgenden Jahr nach Tulsa, Oklahoma, gezogen waren
. „Amerikas vielseitigste Tanzband” schlug eine Brücke zwischen der „Race Music”-Ära und dem Rockabilly der 50er Jahre. „Rock & Roll?” Wills sagte zu diesem Thema: „Mann, das ist doch die gleiche Musik, die wir seit 1928 spielen! … Der Rhythmus ist das Wichtigste.” Wills mythologisierte seine Musiker auf der Bühne und feuerte Meister wie Junior Barnard (E-Gitarre), Leon McCauliffe (Steel-Gitarre) und Al Stricklin (Klavier) mit jivenden Kommentaren und Falsett-„Ah-ha”-Rufen an.
Chuck Berry verwandelte Wills‘ Version von „Ida Red“ aus dem Jahr 1938 in „Maybellene“. Wills wurde 1999 als „Early Influence“ in die Rock & Roll Hall of Fame aufgenommen. R.G.
14. Garth Brooks, „Ropin’ the Wind“ (1991)
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Der Garth Brooks der frühen Neunzigerjahre ist vor allem für seine Hardrock-Attitüde und Pop-Produktionen bekannt, die Country-Musik zu einem Spektakel in den Arenen machten. Auf „Ropin‘ the Wind“, dem ersten Country-Album der Geschichte, das auf Platz eins der Billboard Top 200 debütierte, ließ Brooks jedoch Einflüsse von Singer-Songwritern der 70er Jahre wie James Taylor und Dan Fogelberg einfließen, insbesondere in Balladen wie „What She’s Doing Now“ und einer Coverversion von Billy Joels „Shameless“.
Dieser Schritt hob Brooks deutlich von anderen ab und trug dazu bei, die Country-Musik selbst zu verändern. Und vom ausgelassenen „Papa Loved Mama” über das eindringliche „Rodeo” im Stil des Southern Noir bis hin zum andächtigen Schlussstück „The River” (alle drei Top-5-Hits) bewegt sich Brooks mit der Leichtigkeit eines George Jones vom Barhocker ins Schlafzimmer und auf die Kirchenbank. S.R.
13. Buck Owens and His Buckaroos, „Carnegie Hall Concert” (1966)
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Als sie auf die riesige Bühne der Carnegie Hall stürmten, sprühten Buck Owens und die Buckaroos vor Rock ‚n‘ Roll der nächsten Generation (dröhnender Backbeat, knisternde Telecasters) und kitschigen Cowboy-Gags („Ihr redet von Leuten, die nichts wissen, hier ist ein alter Junge, der nicht einmal etwas ahnt!”, witzelte Buck, als er den Steel-Gitarristen Tom Brumley vorstellte).
Sie waren auch mühelos gut aufeinander eingespielt, wobei Buck und sein „rechter Arm“, Leadgitarrist Don Rich, sich durch unvergessliche Barroom-Streitereien wie „Act Naturally“, „Love’s Gonna Live Here“, „Waitin‘ in Your Welfare Line“, „I’ve Got a Tiger by the Tail“ sowie ein paar Hit-and-Run-Medleys spielten.
Der Auftritt in der Carnegie Hall war eine Krönung für den Bakersfield-Honky-Tonk-Sound, der Anfang der 60er Jahre Nashvilles gemütliche Pop-Blase erschütterte, und machte Owens zu seinem Aushängeschild, einem einzigartig überschwänglichen und versierten Bandleader, dessen Musik Künstler von Ray Charles bis zu den Beatles beeinflusste. C.A.
12. Loretta Lynn, „Van Lear Rose“ (2004)
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Loretta Lynn veröffentlichte 1975 die Frauenrechtshymne „The Pill“, im selben Jahr, in dem Jack White, Frontmann der White Stripes, geboren wurde. Fast drei Jahrzehnte später taten sie sich für „Van Lear Rose“ zusammen, eine Zusammenarbeit, bei der die rauen Country-Geschichten der Tochter eines Bergarbeiters perfekt zu seiner ungeschliffenen Garage-Rock-Produktion passten.
„Ich würde auf diesem Album Tamburin spielen, wenn es das wäre”, sagte White gegenüber CMT. „Es ist mir egal. Ich möchte einfach nur mit ihr im selben Raum sein und daran arbeiten können.” Vom Titelsong, der beschreibt, wie sich ihre Eltern kennengelernt haben, bis zum schmerzhaften „Miss Being Mrs.” sind dies einige der scharfsinnigsten Texte in Lynns Karriere.
Das in nur 12 Tagen aufgenommene Album „Van Lear Rose“ gewann zu Recht den Grammy für das beste Country-Album und wurde für „Portland, Oregon“ als beste Country-Zusammenarbeit mit Gesang ausgezeichnet, einem ausgelassenen Duett von Lynn und White, das mit Dobro-Klängen untermalt ist und Sloe Gin Fizz lobpreist. R.F.
11. Johnny Cash, „American Recordings“ (1994)
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Johnny Cash war ein Jahrzehnt lang in der kommerziellen Wildnis verloren, bevor Rick Rubin seine Karriere mit diesem kargen, minimalistischen Set aus Zugliedern, Mordballaden und nächtlichen Bekenntnissen neu startete. American Recordings besteht nur aus Akustikgitarre und dieser epischen Stimme in den Songs, die man erwarten würde – traditionelle Stücke, Melodien von Kris Kristofferson und Cash selbst – sowie einigen radikal neu interpretierten Coverversionen von Tom Waits, Nick Lowe und sogar Glenn Danzig.
Rubin war weniger Produzent als vielmehr Reiseleiter, der Cash aufholte und gleichzeitig alle daran erinnerte, wie cool der Man In Black immer noch war. „Ich habe mich selbst entdeckt und herausgefunden, was mich musikalisch antreibt und was ich wirklich mag“, sagte Cash Rolling Stone 1994. „Es war wirklich eine großartige Reise ins Innere, all diese Sessions über einen Zeitraum von neun Monaten zu machen, und Rick saß dabei nicht so sehr als Produzent da, sondern als Freund, der die Songs mit mir teilte.“ D.M.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
10. Miranda Lambert, „Revolution“ (2009)
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Baroness, Converge, SunnO))). . . niemand hat 2009 etwas auch nur annähernd so Heavy hingelegt wie Miranda Lambert mit ihrer herrlich bösartigen, wirklich verstörenden Coverversion von John Prines „That’s the Way That the World Goes ‚Round“, die zusammen mit dem prahlerischen, hart swingenden, urkomischen „Only Prettier“ ihr supernovaartiges drittes Album einrahmt. Revolution hält ihre gröberen Neigungen zu Schrotflinten und Brandstiftung gerade noch so im Zaum, aber nur knapp.
Es gibt hier viel, was härter zuschlägt als ihre Bro-Country-Kollegen oder der klassische Hair Metal, den diese Jungs blass imitieren. Dass dieses Album mit „The House That Built Me“ seinen Höhepunkt erreicht – möglicherweise der beste Country-Song unseres jungen Jahrhunderts bis heute – ist nur das Sahnehäubchen auf einem Kuchen, der dir direkt ins Gesicht katapultiert wird. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
9. Waylon Jennings, „Honky Tonk Heroes“ (1973)
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Waylon Jennings‘ ausgelassene, beruhigende, fröhlich-virile Baritonstimme ist ein nationaler Schatz, das unnachahmliche Markenzeichen eines Mannes, der irgendwann wahrscheinlich schon einmal einen Billardqueue als Waffe und einen Billardtisch als Liebesort benutzt hat. Dieses Biest von 1973 – rau, aber warm, lautstark wie in einer Arena, aber intim wie in einer Ecknische – war ein großer Segen für das Phänomen „Outlaw Country”, das selbst genrefeindliche Rock’n’Roller zu verehren begannen.
Sein Co-MVP ist der Songwriter Billy Joe Shaver, der anfangs im Studio zu hören war, wie er rief: „Du versaust mir meinen Song“ schrie und fast mit Waylon selbst aneinandergeriet. (Dies geht aus Michael Streissguths zotteligem, großartigem Outlaw: Waylon, Willie, Kris and the Renegades of Nashville hervor.) Shaver begann das Ergebnis bald zu lieben, und Sie werden dafür nicht annähernd so lange brauchen.
Dass die Höhepunkte hier im Wesentlichen Walzer sind („Willy the Wandering Gypsy and Me“, das von Eric Church geliebte „Ride Me Down Easy“), macht das Ganze irgendwie nur noch härter. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
8. George Jones, „The Best of George Jones 1955-1967“ (1991)
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Mit seinen Schlägereien, seinem Alkoholkonsum, seinen betrunkenen Rasenmäherfahrten und seiner Axl Rose-artigen Herangehensweise an Konzertetikette (man nannte ihn nicht umsonst „No-Show Jones”) gibt es in der Geschichte der Country-Musik keinen Menschen, der mehr Rock ‚n‘ Roll verkörpert als George Jones, sowohl im Guten als auch im Schlechten.
Dies ist das Beste, eine chronologische Reise durch sein erstes großes Jahrzehnt, mit Höhepunkten wie dem rockabilly-angehauchten „White Lightnin’”, dem pathetischen Shuffle „She Thinks I Still Care”, dem Song mit dem Refrain „One drink/Just one more/And then another” und dem Titel „I’ve Got Five Dollars and It’s Saturday Night”. Jeder Titel hier ist unverzichtbar, egal ob man weiß, was „White Lightnin’“ ist oder nicht. R.H.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
7. Merle Haggard, „I’m a Lonesome Fugitive“ (1967)
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Benannt nach dem Song, der Hags erste Nummer-eins-Single wurde, festigte „Lonesome Fugitive“ sein Image als reumütiger Bad Boy. Gefangen zwischen dem Engel und dem Teufel, die auf seinen Schultern sitzen. Fugitive schwankt zwischen weinerlichen Songs wie „Whatever Happened to Me“ und trotzigen Warnungen wie „My Rough and Rowdy Ways“.
Und es rockt von Anfang an mit dem Titelsong, in dem Elvis Presleys Gitarrist James Burton eine Chicken-Scratch-Gitarre spielt, die unzählige Nachahmer inspirieren wird. Haggard war tief in der von Tommy Collins als „Redneck, scared-to-death, honky-tonk, skull orchard” bezeichneten Szene von Bakersfield verwurzelt.
Das hört man in dem ausgelassenen „Mixed Up Mess of a Heart”. Dem bluesigen „If You Want to Be My Woman”. Und in jedem heißen Lick, den die Gitarristen Burton, Glen Campbell und der Pedal-Steel-Meister Ralph Mooney spielen. R.G.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
6. Dolly Parton, „Coat of Many Colors” (1971)
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1971 versuchte Dolly Parton trotz eines Nummer-1-Country-Hits im Jahr zuvor (mit dem skurrilen „Joshua”) immer noch, sich aus ihrer Rolle als treue Duettpartnerin und TV-Sidekick von Nudie -Anzug tragenden Hitmachers Porter Wagoner herauszuwinden.
Mit ihrem achten Soloalbum wurde sie jedoch zu einer visionären Künstlerin, die sieben der zehn unverblümten, ausladenden Songs des Albums schrieb und sich dabei mit Themen wie Tod, Verrat, Klassenunterschieden, der Brutalität der Liebe und den Geheimnissen Gottes auseinandersetzt. Wobei sie eine Mischung aus hartem Country, Pop-Gospel, Country-Rock und melancholischem Folk verwendete.
Zwei Top-10-Singles zeigten die Kunstfertigkeit und Tiefe des Albums. Im Titelsong, der zu Partons Markenzeichen werden sollte, sang sie davon, dass sie trotz schmerzhafter Spottrufe stolz einen Mantel trug, den ihre Mutter aus Stoffresten genäht hatte. Und in „Traveling Man” sieht sie zu, wie ihre Mutter mit einem Verkäufer durchbrennt, der auch die Sängerin mit Träumen von der Flucht verführt hatte. Parton erzählt die Geschichte frech und ohne Bitterkeit. Als würde sie den Wunsch jedes armen Menschen anerkennen, den Sackgassen der Gesellschaft zu entfliehen. C.A.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
5. Patsy Cline, „The Definitive Collection“ (2004)
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Bevor sie 1963 bei einem Flugzeugabsturz ums Leben kam, hatte sich Cline als die wohl größte Sängerin in der Geschichte der Country-Musik etabliert, die mit ihrer reichen, raffinierten und tief gefühlvollen Stimme über das Kernpublikum der Country-Musik hinausging und den Sprung in die Popmusik schaffte.
„Auch wenn ihr Stil als Country gilt, ähnelt ihre Darbietung eher der einer klassischen Popsängerin”, sagte Lucinda Williams gegenüber Rolling Stone. „Das unterscheidet sie von Loretta Lynn oder Tammy Wynette. Man könnte fast meinen, sie hätte eine klassische Ausbildung genossen.“
Die emotionale Eleganz von Songs wie „Crazy“ und dem Top-20-Pop-Hit „Walking After Midnight“ findet sich auch bei Künstlern wie Linda Ronstadt und Norah Jones wieder. Aber sie zeigt sich auch an weniger offensichtlichen Stellen. Wie den cool-melancholischen Trip-Hop-Torch-Songs von Portishead und den Goth-Folk-Balladen von Mazzy Star. J.D.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte;
4. Willie Nelson, „Red Headed Stranger“ (1975)
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In den frühen Siebzigern beschritt Willie Nelson einen Outlaw-Pfad, der zu Klassikern wie „Red Headed Stranger“ aus dem Jahr 1975 führte. Einem ambitionierten Konzeptalbum über Mord und Untreue, das sich wie ein Western von John Ford anhört.
Die Musik ist entspannt und reduziert. Die Texte zeichnen ein lebendiges Bild, das in der grundlegenden Einsamkeit verwurzelt ist, die den Kern des amerikanischen Frontier-Mythos ausmacht. (Die Idee für das Album stammt von Nelsons Frau, die ihm beim Schreiben der Texte half). Bob Dylan, Neil Young und The Band, neben vielen anderen, bewegten sich zu dieser Zeit im gleichen Gebiet.
Aber es gibt etwas an der sachlichen Klarheit sowie der Intimität und Wärme, das „Red Headed Stranger“ besonders lebendig und natürlich wirken lässt. Außerdem enthält es „Blues Eyes Crying in the Rain“. Einen der großartigsten Songs, die je geschrieben wurden. J.D.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
3. Ray Charles, „Modern Sounds in Country and Western Music“ (1962)
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Die Erfindung der Soulmusik als Kombination aus Blues-Sinnlichkeit und Gospel-Leidenschaft, wie sie Ray Charles vollbrachte, würde schon ausreichen, um ihn in die erste Klasse der Rock and Roll Hall of Fame aufzunehmen. Aber „Modern Sounds in Country and Western Music“ ist noch gewagter. Möglicherweise der ultimative Crossover-Schritt.
Charles spielte Country-Standards von Hank Williams und Eddy Arnold durch seinen unnachahmlichen Soul-Filter. Und überzeugte damit beide Publikumsgruppen. Schlug sogar Frank Sinatra in seinem eigenen Big-Band-Spiel. Das ist eine gewaltige Leistung. Aber Charles wurde nicht umsonst „das Genie“ genannt.
Erstaunlicherweise wurden „Modern Sounds“ und sein Nachfolger „Volume Two“ (eine seltene Fortsetzung, die genauso gut ist wie ihr Vorgänger) in insgesamt nur fünf Tagen im Studio aufgenommen. Noch erstaunlicher ist, dass Charles‘ Plattenlabel versuchte, ihm das auszureden. Wie Charles sich ein Jahrzehnt später in Rolling Stone erinnerte, sagten ihm die Verantwortlichen von ABC-Paramount: „Du kannst keine Country-Western-Sachen machen. Du wirst alle deine Fans verlieren!“ Stattdessen wurde Modern Sounds das erste Millionenseller-Album von ABC-Paramount.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
2. Hank Williams, „40 Greatest Hits“ (1978)
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Mittlerweile nimmt der größte Country-Künstler aller Zeiten auch im Rock-Kanon einen ebenso wichtigen Platz ein. „Die Texte, die Melodien und die Gefühle sind alle da, klar und wahrhaftig“, schrieb Beck, als Williams in die Liste der 100 größten Künstler des Rolling Stone-Magazins aufgenommen wurde.
„Es erfordert Sparsamkeit und Einfachheit, um eine Idee oder Emotion in einem Song zu vermitteln. Und dafür gibt es kein besseres Beispiel als Hank Williams.“ Williams verband Hillbilly-Musik mit Elementen des Blues und Gospel. Und wurde so zum ersten Superstar der Country-Musik. Er beeinflusste Elvis Presley und Bob Dylan sowie zahlreiche andere Künstler vieler Genres direkt.
Die Songs auf „40 Greatest Hits“ wurden von Künstlern wie Al Green bis zu den Breeders gecovert. Sie reichen von der klassenbewussten Angst in „Mansion on the Hill“ über die bodenlose Trostlosigkeit in „Lost Highway“ und „I’m So Lonesome I Could Cry“ bis hin zur ausgelassenen Fröhlichkeit in „Hey, Good Lookin’“ und „Settin‘ the Woods on Fire“. Die letzten 60 Jahre amerikanischer Musik sind ohne diese Musik undenkbar. J.D.
50 Country-Alben, die jeder Rock-Fan besitzen sollte:
1. Johnny Cash, „At Folsom Prison” (1968)
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„Ich möchte euch nur sagen, dass diese Show für ein Album aufgenommen wird, das bei Columbia Records erscheinen wird. Und dass ihr keine Schimpfwörter wie ‚hell’ oder ‚shit’ oder ähnliches sagen dürft”, sagte Johnny Cash zu den Insassen, die sich für „At Folsom Prison” versammelt hatten.
Nachdem er sein schlechtes Benehmen im wirklichen Leben gezügelt hatte, wurde der Man in Black an diesem Abend zu einem grinsenden, nichtsnutzigen Halunken. Ein Chor aus Pfiffen und Jubelrufen brandete aus der Menge, als er und eine großartige Country-Band Proto-Gangsta-Rap-Geschichten wie „Cocaine Blues”, „Busted” und die Geschichte über einen Mann, der in Reno erschossen wurde, nur um ihn sterben zu sehen, zum Besten gaben. Dann legte seine zukünftige Frau June Carter die Handschellen an für das Duett „Jackson“.
Das ungeschminkte Album dokumentierte die aufkeimende Liebe des langjährigen Paares. „Ich mag es, dir beim Reden zuzusehen“, platzte Cash an einer Stelle heraus. Es gab seiner Karriere nach einer kommerziellen Flaute neuen Schwung.
„Ich wusste, dass dies meine Chance war, all die Zeiten wiedergutzumachen, in denen ich versagt hatte“, erzählte er Robert Hilburn von der Los Angeles Times. „Ich hoffte inständig, dass meine Stimme nicht wieder versagen würde. Dann fühlte ich mich plötzlich ruhig. Ich sah, wie die Männer zu mir herüberschauten. In ihren Augen war etwas, das mir klar machte, dass alles gut werden würde. Ich hatte das Gefühl, dass ich etwas hatte, das sie brauchten.“
