Bob Dylan: Die 80 besten Coverversionen im ultimativen Ranking
80 große Bob-Dylan-Coverversionen: von Raritäten bis zu Klassikern, gesungen von Stars aus Rock, Soul, Pop und Indie
Bob Dylan liebt es, wenn andere seine Songs sangen. Es ist erstaunlich, wie viele Songs hier schon oft von anderen Künstlern aufgenommen wurden, bevor er selbst seine eigenen Versionen veröffentlichte. Oft lebten sie ein ganz anderes Leben, entwickelten sich weiter und veränderten sich im Laufe der Jahre, wobei seine Idee des Songs nur als Blaupause diente. Und weil es so viele verschiedene Arten von Dylan-Songs gibt, gibt es auch eine Vielzahl unterschiedlicher Dylan-Coverversionen.
R&B-Sänger lieben es, sich in den Konturen von „Lay Lady Lay“ zu entspannen. Country-Sänger mögen seine rootsigen Stücke. Indie-Rocker konzentrieren sich auf seine traurige Seite. Heroische Rocksänger lieben es, die Gipfel von Klassikern mit offenem Ende zu erklimmen – wie „It’s All Over Now, Baby Blue“ oder „Like a Rolling Stone“ – und ihren eigenen Weg zu finden, um neue Bedeutungen inmitten der sich überschneidenden und oft widersprüchlichen Emotionen und Ideen zu schaffen, die in einem Dylan-Song aufgewühlt werden können. Selbst seltsame, beiläufige oder geradezu schlechte Dylan-Songs können großartige Coverversionen ergeben.
Beim Lesen dieses Artikels werden echte Fans sofort an ihre eigenen Lieblingscover denken, die es nicht in die Liste geschafft haben. Und das ist Teil des Spaßes. Diese Geschichte führt in eine Million Richtungen. Der Weg endet immer dort, wo Sie gerade sind.
80. William Shatner, „Mr. Tambourine Man” (1968)
Logbuch des Captains, Sternzeit 1968. William Shatner schafft das musikalische Äquivalent zur Weltuntergangsmaschine. Auf dem Höhepunkt von Star Trek nahm Captain Kirk diese bizarre Sprechgesangsversion von „Mr. Tambourine Man” auf und begab sich damit definitiv auf eine Reise mit seinem eigenen magischen, wirbelnden Schiff.
Er deklamiert den Text in seinem gequälten Stil, als würde er den ganzen Schmerz der Horta spüren, über psychedelischem Lounge-Pop. Am Ende schreit er: „Mr. Tambourine Maaaaaaan!“ Man kann mit Sicherheit sagen, dass er seine Mission, mutig dorthin zu gehen, wo noch kein Zimmerman zuvor gewesen ist, erfolgreich erfüllt hat. R.S.
79. Richard Hell and the Voidoids, „Going Going Gone“ (1982)
Die britischen Punks mögen darauf aus gewesen sein, heilige Kühe zu schlachten. Aber selbst die nihilistischsten Vertreter der CBGB-Szene behielten die Vergangenheit des Rock ’n’ Roll im Blick.
Auf seinem zweiten und letzten Album findet der Punk-Poet, den die „Times“ einmal als „eine Art zeitgenössisches Pendant zu Bob Dylan Mitte der 60er Jahre“ bezeichnete, einen unerwarteten Ausdruck für seine Trauer in einem Titel aus „Planet Waves“, den die Gitarristen Ivan Julian und Robert Quine mit einer Wildheit zerfleischen, die Robbie Robertson zahm erscheinen lässt. K.H.
78. The Dead Weather, „New Pony“ (2009)
Der kryptische Track „Street-Legal“ über ein Pferd namens Lucifer wird von Jack Whites Heavy-Rock-Supergroup mit schlammigem Blues behandelt. Laut Sängerin Alison Mosshart war dieser Track, wie ein Großteil des Debütalbums „Horehound“ der Band, ursprünglich gar nicht für die Veröffentlichung vorgesehen.
„Wir haben einfach geschaut, wie wir ihn angehen können und was wir daraus machen können”, sagte sie damals gegenüber „Billboard“. Sie haben vielleicht sogar mehr bekommen, als sie erwartet hatten. K.H.
77. Jenny Lewis, „Standing in the Doorway” (2019)
Lewis ist eine so großartige Songwriterin, dass niemand sich wünschen würde, dass sie sich an das Material anderer Leute hält. Aber in den seltenen Fällen, in denen sie einen anderen Künstler covert, zeigt sie, was für eine hervorragende Interpretin sie sein kann.
2019 veröffentlichte sie auf ihrer EP „iPhone Demos“ eine ausdrucksstark gesungene Heimaufnahme dieses herausragenden Songs aus „Time Out of Mind“, subtil überlagert. Lewis’ Version ist viel bodenständiger als Dylans düstere Meditation über die Sterblichkeit und zeigt, wie anpassungsfähig die Originalkomposition war. K.H.
76. The Dream Syndicate, „Blind Willie McTell” (1988)
Die psychedelischen Punks von The Dream Syndicate hatten schon immer eine enge Verbindung zu Dylans Songbook. Selbst in ihren Anfängen in den frühen 1980er Jahren, als sie für Hollywood-Clubkids Songs wie „Outlaw Blues” und „Groom’s Still Waiting at the Altar” für Hollywood-Clubkids spielten.
Sie waren die ersten, die „Blind Willie McTell” 1988 auf einer Fanzine-Single veröffentlichten, Jahre bevor Dylans Version herauskam. Steve Wynns bissiger Spott unterstreicht die bittere Anklage des Songs gegen die amerikanische Geschichte. Wie konnte Dylan einen so großartigen Song für „Infidels“ schreiben und ihn dann nicht auf das Album nehmen? Eines wissen wir mit Sicherheit. Niemand konnte den Blues so spielen wie Blind Willie McTell. R.S.
75. Ministry, „Lay Lady Lay“ (1996)
Man kann getrost behaupten, dass dies die am wenigsten verführerische Version von „Lay Lady Lay“ ist, die je aufgenommen wurde. Das ist eine Leistung, auf die Al Jourgensen von Ministry stolz sein kann.
Der Industrial-Metal-König hatte gerade einen riesigen Durchbruch mit seinem 1992er Album „Psalm 69“ und um das zu feiern, machte er sich daran, das lauteste, schlammigste und unsozialste Folgealbum zu produzieren, das er konnte, und nannte es „Filth Pig“. „Lady Lady Lady“ war der urkomische Höhepunkt, bei dem Jourgensen den Titel in einem drogenbedingten Rausch schrie.
„Seine Kleidung ist schmutzig, aber seine Hände sind sauber”? Ja klar – bei dieser Version sucht man sofort nach der nächsten Dekontaminationsdusche. R.S.
74. Kesha, „Don’t Think Twice, It’s Alright” (2011)
Kesha singt diesen Trennungssong nicht so sehr, als dass sie ihn erträgt. Diese unheimlich karge Version, die für Amnesty Internationals 76 Songs umfassenden Dylan-Tribut aufgenommen wurde, schafft eine rohe Stimmung, noch bevor sie hörbar in Tränen ausbricht.
„Die Emotionen überwältigten mich und ich fing einfach an zu weinen“, erzählte sie damals dem ROLLING STONE. „Es kam mir vor wie ein Abschiedsbrief an die Liebe meines Lebens und an mein früheres Leben. Denn alles in meinem Leben hat sich so sehr verändert.“ K.H.
73. The Roots, „Masters of War“ (2007)
Als The Roots 2006 für eine Bob-Dylan-Tribute-Show im New Yorker Lincoln Center gebucht wurden, nahmen sie sich ein Beispiel an Leon Russell und setzten den Song zur Melodie von „The Star-Spangled Banner“ um.
Zu diesem Zeitpunkt war den meisten Amerikanern klar, dass der Krieg im Irak ein schrecklicher Fehler gewesen war, und der Song wurde mit tosendem Beifall und Standing Ovations aufgenommen. Das reichte aus, um sie in ihre Setlist aufzunehmen, und beim Coachella-Festival 2007 dehnten sie sie auf unglaubliche acht Minuten aus. A.G.
72. Joe Cocker, „Catfish“ (1976)
Dylan hätte mehr Baseball-Songs aus den Siebzigern schreiben sollen, oder? „Catfish” ist ein akustischer Blues, den er 1975 aufgenommen hat, aber erst 1991 auf seinem Album „The Bootleg Series” veröffentlichte, eine Hommage an den großartigen Pitcher Catfish Hunter.
Dylan machte den Carolina-Jungen mit dem Fastball zu einem Volkshelden à la Pretty Boy Floyd oder Stagger Lee, der Zigarren raucht und Alligatorstiefel trägt. Als Nordengländer war Joe Cocker vielleicht kein großer Baseballfan, aber er singt es als langsames, bluesiges Prahlstück.
Einige von uns hoffen immer noch, dass wir irgendwann Dylan-Songs über Dock Ellis, Mark Fidrych, Vida Blue und Bye Bye Balboni bekommen. R.S.
71. Sonic Youth, „I’m Not There” (2007)
„I’m Not There” ist ein so mysteriöser Bob-Dylan-Song, dass niemand den vollständigen Text kennt. Er wurde während der Basement-Tapes-Sessions aufgenommen, blieb aber auf Bootleg-Aufnahmen beschränkt, bis Dylan ihn schließlich auf dem Soundtrack zum surrealen Film gleichen Titels aus dem Jahr 2007 veröffentlichte.
Die einzige verfügbare Basement-Tapes-Version beginnt mit Dylan mitten im Wort. Er ist an einigen Stellen so undeutlich, dass Fans seit Jahrzehnten darüber streiten, was er genau sagt. Alle sind sich jedoch einig, dass „I’m Not There” ein eindringliches Werk ist, das es wert ist, endlos untersucht zu werden. Es zu covern ist eine sehr schwierige Aufgabe. Aber Sonic Youth hat es auf dem Soundtrack zu „I’m Not There” perfekt hinbekommen. Ihre Interpretation bewahrt das Geheimnisvolle des Originals. A.G.
70. Johnny Thunders, „Joey” (1983)
Johnny Thunders war der ultimative Street-Punk aus New York, der zum Scheitern verurteilt war, seit er als Glam-Trash-Gitarrenheld der New York Dolls und der Heartbreakers das Feedback neu definierte. Der in Queens geborene John Anthony Genzale konnte sich mit Dylans Geschichte über einen anderen italienischen Prinzen identifizieren, der auf die schiefe Bahn geraten war. Dem Brooklyn-Mafioso Joey Gallo.
„Joey” ist vielleicht der am meisten gehasste Dylan-Song der Siebziger. Aber Thunders betrachtet ihn als Hommage eines großen paisan Hipster-Rock-’n‘-Roll-Stars an einen anderen. Er verwandelt ihn in einen Dion-würdigen Gitarren-/Saxophon-Toast im Stil der Fünfziger: „Joey Joey Joey, König der Straße!“ Hier trifft „Like a Rolling Stone“ auf L.A.M.F. – eine der seltenen Dylan-Coverversionen, die das Original noch übertrifft. R.S.
69. Nanci Griffith, „Boots of Spanish Leather“ (1993)
Griffith spielte diesen Blues über das Auslandsstudium zusammen mit Carolyn Hester bei Dylans mit Stars gespicktem 30-jährigen Jubiläumskonzert. Es gefiel ihm so gut, dass er seine eigene Mundharmonika zu Griffiths Studioversion hinzufügte, die im folgenden Jahr, 1993, auf ihrem charakteristischen Coveralbum Other Voices, Other Rooms veröffentlicht wurde.
Dieses Album enthielt Coverversionen von Kate Wolf über John Prine bis hin zu Jerry Jeff Walker. Sie spielt „Boots of Spanish Leather“ ganz geradlinig. Und legt die Herzensqual und den Schmerz des Songs offen, indem sie den Song für sich selbst sprechen lässt. J.B.
68. The Heptones, „I Shall Be Released“ (1969)
Nur wenige Künstler haben eine Dylan-Aufnahme so schön aufgepeppt wie die Heptones mit ihrer Reggae-Version der erlösenden Ballade „I Shall Be Released” aus dem Jahr 1969, die nur ein Jahr nach der Version der Band auf „Music From Big Pink” veröffentlicht wurde.
Aus welchem Grund auch immer, der Song wurde nie in eine der zahlreichen Album-Compilations mit Reggae-Covers von Dylan aufgenommen, aber das jamaikanische Trio nahm den Song mehrmals auf (darunter eine Version von 1977 mit Dub-Meister Lee „Scratch“ Perry). In späteren Jahren änderten sie den Refrain in: „I see Jah light/Come shining.“ J.B.
67. Nick Cave and the Bad Seeds, „Death Is Not the End“ (1996)
Nachdem Nick Cave auf seinem 1996 erschienenen Album Murder Ballads fast eine Stunde lang über Mord geschimpft hatte, brauchte er wohl eine Umarmung. Also wandte er sich Dylans erhebendem Down in the Groove zu und machte daraus ein warmes und kuscheliges Lagerfeuer-Lied, das er mit einigen seiner besten Freunde und bösesten Seeds sang.
Cave behält die lockere, countrylastige Atmosphäre des Originals bei. Er tauscht die Strophen auf der Aufnahme mit einem Querschnitt seiner Dark-Rock-Clique aus der Mitte der Neunziger und einigen Pop-Rock-Überraschungen aus. PJ Harvey, Shane MacGowan von den Pogues, Einstürzende Neubauten und Blixa Bargeld von den Bad Seeds, Kylie Minogue, die ehemalige Bad Seed Anita Lane und Thomas Wylder von den Bad Seeds.
Abgesehen von Bargelds unheimlich geflüsterten Versen ist es ein süßer und sentimentaler Gaumenschmaus, eine erfrischende Minze nach dem Essen, die auf das blutige Massaker folgt, das der Rest des Albums war. K.G.
66. Al Kooper und Stephen Stills, „It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry” (1968)
Auf Highway 61 Revisited näherte sich Dylan dieser Zusammenstellung von Bildern aus Eisenbahn und Blues-Songs als schlaksiger Shuffle. Diese aufgepeppte Überarbeitung aus dem Album „Super Session“, auf dem auch der Gitarrist Mike Bloomfield bei anderen Titeln zu hören ist, ersetzt das Klappern eines Eisenbahnwaggons durch das aufgepeppte Gefühl eines Düsenflugzeugs.
Koopers Vortrag ist noch lakonischer als der von Dylan. Stills steuert ein flüssiges Solo mit einem Hauch von Twang bei (angestachelt durch Koopers Ausruf „Aww, pick it, Wilson!“). . Kooper schrieb später, dass er von Dylans früherem „Fast-Tune“-Arrangement des Songs inspiriert worden sei. D.B.
65. Fairport Convention, „Million Dollar Bash“ (1969)
Unter den vielen verspielten Songs, die Dylan während seiner „Basement Tapes“-Ära schrieb, befand sich auch seine freizügige, surrealistische Geschichte über eine Party, auf der sich alle möglichen Freaks und Geeks tummelten. Die Coverversion von Fairport Convention unterstreicht auf reizvolle Weise den derben, träumerischen Charakter des Songs.
Da sich die Bandmitglieder die Strophen teilen – man höre genau hin, um Sandy Denny und Richard Thompson zu hören, die zu diesem Zeitpunkt beide bei Fairport waren –, wird „Million Dollar Bash“ zu einem schwindelerregenden, beschwingten, scheinbar alkoholisierten Mitsinglied. Noch mehr als Dylan und die Band in ihrer Big-Pink-Version macht Fairport Lust, so schnell wie möglich an der Party teilzunehmen. D.B.
64. Dave Van Ronk, „If I Had To Do It All Over Again, I’d Do It All Over You” (1963)
Als Dylan Anfang der 1960er Jahre nach New York kam, war Dave Van Ronk der König der Folkies in Greenwich Village, dem Bürgermeister der MacDougal Street. Dylan verehrte ihn aus der Ferne und studierte ihn aus nächster Nähe. Wie er in Chronicles schrieb: „Er war leidenschaftlich und bissig, sang wie ein Glücksritter und klang, als hätte er dafür einen hohen Preis bezahlt.“
Van Ronk nahm einen der Songs des Jungen auf seinem 1963 erschienenen Album In The Tradition auf. Ein derbes Ragtime-Liedchen, das Dylan nur ein paar Mal auf der Bühne spielte. Der unvergessliche Refrain: „Wenn ich alles noch einmal machen müsste, Baby, würde ich es wieder mit dir machen!“ R.S.
63. Jeff Buckley, „Just Like a Woman“ (1993)
Dylans Rückblick auf eine zerbrochene Beziehung wurde im Laufe der Jahrzehnte von einer Vielzahl von Künstlern aufgegriffen. Von Richie Havens und Nina Simone bis hin zu Stevie Nicks und Old Crow Medicine Show. Buckleys Coverversion aus dem Jahr 1993, die noch vor seinem Album Grace entstand, reduziert den Song musikalisch und emotional auf das Wesentliche.
In seiner Version auf „Blonde on Blonde“ klang Dylan, eingebettet in gedämpften Folk-Rock, erschöpft und leicht abweisend gegenüber der Frau mit „ihrem Nebel, ihren Amphetaminen und ihren Perlen“. Hier, nur begleitet von seiner E-Gitarre, singt Buckley in einem weitaus geschmeidigeren und tröstlicheren Ton, als ob er genauso viel Leid empfinden würde wie seine Partnerin.
Am Ende des Songs scheint er den Tränen nahe zu sein. Das Ergebnis ist eine Seltenheit. Ein Dylan-Cover, das wie ein völlig anderer Song klingt, D.B.
62. Freddie King, „Meet Me in the Morning“ (1975)
Dylan passte den Blues seinen eigenen künstlerischen Zwecken an. Daher war es immer lohnenswert zu hören, wie Bluesmusiker seine Songs wieder in eine traditionellere Form zurückverwandelten. Dieser riffgetriebene Titel aus Blood on the Tracks schreit geradezu nach einem geradlinigen Blues-Cover.
Der in Texas geborene Gitarrenvirtuose aus Chicago nahm diese Einladung gerne an und spielte ihn auf seinem letzten zu Lebzeiten veröffentlichten Album Larger Than Life. Während Dylan ihn cool spielt, stürzt sich King mit souliger Hingabe hinein und spielt ein stilvolles, wildes Solo, wobei die Bläser genau im richtigen Moment einsetzen. K.H.
61. Ramblin’ Jack Elliott, „Don’t Think Twice, It’s Alright“ (1968)
Dylan liebte diese Version seiner Ballade „Another Side“ von seinem Mentor (und Woody Guthrie-Freund) Elliott. „Ich vermache sie dir!“, verkündete er, als er Elliott eines Abends bei der Aufführung des Songs zusah.
Und es ist leicht zu verstehen, warum, besonders in diesem Original-Remake von 1965. Wenn jemand sich mit dem „Ich-bin-weg“-Erzähler identifizieren konnte, der beschließt, sich auf den Weg zu machen und sich nicht festlegen zu lassen, dann war es sicherlich Elliott. („Where I’m bound, I can’t tell“ fasst in gewisser Weise Elliotts eigene zickzackförmige Reisen und sein Privatleben zusammen. )
Elliott singt es mit gleichermaßen Zärtlichkeit und Gereiztheit, und die raue Mundharmonika verleiht dem Song den perfekten Dust-Bowl-Touch. D.B.
60. Doug Sahm, „Wallflower“ (1973)
Doug Sahm war eine Legende des Tex-Mex-Rock ’n’ Roll, vom Sir Douglas Quintet in den 1960er Jahren bis zu den Texas Tornados in den 1990er Jahren. Sein erstes Soloalbum, Doug Sahm and Band aus dem Jahr 1972, war eine freizügige Zusammenstellung von Freunden.
Darunter Dylan, der „Wallflower“ beisteuerte, einen herrlich rauen Walzer über die Sehnsucht, mit dem schüchternen Mädchen auf der anderen Seite des Raums zu tanzen. Dylan spielt Gitarre und singt die Harmonie, Dr. John begleitet ihn auf der Orgel. Viele Jahre später, als Dylans Sohn Jakob seine eigene erfolgreiche Band gründete, nannte er sie „The Wallflowers“. R.S.
59. Craig Finn, „Sweetheart Like You“ (2014)
„Sweetheart Like You“ ist einer der scharfsinnigsten Liebeslieder des Mannes aus den Achtzigern, aus dem Juwel „Infidels“ von 1983. (Heute ist es ein unterschätzter Geheimtipp, obwohl es damals ein MTV-Hit war.) Craig Finn, Frontmann von The Hold Steady, trifft genau den richtigen Ton.
Es ist die Ballade zweier verlorener Seelen in einer Bar kurz vor Ladenschluss, die sich gegenseitig mustern. Wenn Finn die Frage aus dem Titel singt – „Was macht eine Süße wie du in so einer Spelunke?” – klingt er wie ein Philosoph auf einem Barhocker, der in den Augen eines Fremden ein wenig Poesie entdeckt. Die berühmteste Zeile klingt leider so wahr wie eh und je. „Steal a little and they throw you in jail / Steal a lot and they make you king.” R.S.
58. Caetano Veloso, „Jokerman” (1992)
Veloso wird als Brasiliens Antwort auf Bob Dylan bezeichnet. Was, wie solche Vergleiche nun einmal so sind, die Einzigartigkeit beider Künstler unterschätzt.
Aber seine Statur ist vergleichbar, sodass diese Interpretation des undurchsichtigen Openers von Infidels aus Velosos Live-Album Circulado Vivo das Gefühl vermittelt, dass ein Titan einer Kultur sich an einen anderen wendet. Die brasilianische Legende und seine Band verleihen dem Song eine gewisse Elastizität, den er in flüssigem Englisch singt, während donnernde Handpercussion auf eine gummiartige Basslinie, den Instrumentalbreak, schlägt. K.H.
57. The Rolling Stones, „Like a Rolling Stone“ (1995)
Dylan entnahm den Titel seines berühmtesten Songs dem Blues-Klassiker „Rollin’ Stone” von Muddy Waters. Derselbe Ort, von dem auch die Stones ihren Namen haben. (Genauso wie eine bestimmte Zeitschrift.) Angesichts ihrer verworrenen Geschichte war es nur logisch, dass die Stones Dylan mit einem Cover dieses Songs Tribut zollten. (Das musste doch einfach passieren, oder?)
Sie spielten „Like a Rolling Stone“ auf ihrem Live-Album „Stripped“ aus dem Jahr 1995, wobei Mick Jagger auf der Mundharmonika spielte. Am Ende sagt Keith Richards: „Danke, Bob“. Eine rührende Hommage von einem zeitlosen Rock-’n’-Roll-Piraten an einen anderen. R.S.
56. Yo La Tengo, „I Threw It All Away“ (1989)
Das beliebte Indie-Rock-Trio Yo La Tengo hatte schon immer einen tadellosen Geschmack, was Coverversionen angeht, und hat im Laufe seiner glanzvollen Karriere viele Dylan-Songs gecovert, wobei es oft Stücke aus dem traurigen, sanften Teil des Kanons ausgewählt hat.
Ihre Version von „I Threw It All Away“ aus Nashville Skyline erschien als letzter Titel auf ihrem dritten Album, President Yo La Tengo, voller schläfriger Hoboken-Gitarrenklänge und gesungen von Ira Kaplan mit einer sorgenvollen, nächtlichen Intimität.
Weitere Yo La/Dylan-Inhalte finden Sie in ihrer fesselnden, langsam ausklingenden Version von „It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train to Cry“ oder
55. Roger McGuinn, „Up to Me“ (1976)
Blood on the Tracks ist ein perfektes Album. Es ist schwer, irgendetwas an Dylans Entscheidungen zu bemängeln. Allerdings wäre sie vielleicht noch perfekter gewesen, wenn Dylan „Up to Me“ statt „Lily, Rosemary and the Jack of Hearts“ darauf aufgenommen hätte.
Die Welt hörte Dylans „Up to Me“ erst 1985 mit der Veröffentlichung von Biograph. Aber sein Rolling-Thunder-Tourkollege Roger McGuinn (der sich mit Coverversionen von Dylan-Songs auskannte) nahm es 1976 auf seinem Album Cardiff Road auf. Es ist schwer, den Text zu verstehen. Aber wenn McGuinn singt: „Ich habe nur noch ein gutes Hemd, und es riecht nach abgestandenem Parfüm/In vierzehn Monaten habe ich nur einmal gelächelt, und das war nicht bewusst“, ergibt es irgendwie Sinn. A.G.
54. Nico, „I’ll Keep It With Mine“ (1967)
Viele haben diesen Song aufgenommen, von Judy Collins bis Fairport Convention. Aber nur Nico konnte einem einfachen Lied über Freundschaft eine so tragisch zarte Note verleihen.
Sie strahlt dieselbe Melancholie aus wie in ihrer Coverversion von Jackson Brownes „These Days“. Aber statt einsam zu sein, bietet sie eine helfende Hand. Das ist sicherlich weit entfernt von dem herrischen Image, das sie im selben Jahr als Sängerin für Velvet Underground in Songs wie „Femme Fatale“ und „All Tomorrow’s Parties“. A.M.
53. Cheap Trick, „Please, Mrs. Henry“ (1977)
1971, vier Jahre bevor der Song auf The Basement Tapes veröffentlicht wurde, nahmen die eklektischen englischen Rocker Manfred Mann eine großartige Version von „Please, Mrs. Henry“ auf, in der sie einen humpelnden Trab über zu viel Alkohol und damit verbundene Funktionsunfähigkeit in einen Hippie-R&B-Boogie umwandelten.
Dies ist der Ausgangspunkt für Cheap Tricks Live-Version, die definitiv den betrunkenen Geist des Originals einfängt und an eine Coverversion der Rolling Stones durch die Replacements erinnert. Cheap Tricks Version diente wiederum als Inspiration für den ebenso heißen Riff des Songs, den Silkworm und Stephen Malkmus als Crust Brothers spielten. J.D.
52. The Byrds, „Spanish Harlem Incident” (1965)
Eines der reinsten Spielwerke der Byrds und ein Highlight ihres klassischen Debütalbums. „Spanish Harlem Incident” ist eine jugendliche Liebelei aus Another Side of Bob Dylan. Die Geschichte eines frischgesichtigen Landjungen in der Großstadt, der unter dem Bann einer mystischen Frau steht.
Die Byrds peppen den Song auf und lassen ihn wie Dylans Version eines Brian-Wilson-Songs klingen. Roger McGuinn klingt, als würde er sich bemühen, im letzten Vers nicht in Gelächter auszubrechen, aber der Humor kommt zum Vorschein, wenn die Jungs singen: „I got to laugh halfways off my heels!” R.S.
51. Grateful Dead, „Just Like Tom Thumb’s Blues“ (27.04.1985)
Die Dead klangen immer großartig, wenn sie Dylan spielten. Es sei denn, Dylan sang mit ihnen. (Als er in den Achtzigern mit den Dead auf Tournee war, was für ihn keine Glanzzeit war, spielten sie das rührselige Gangster-Epos „Joey“, das ungefähr so viel Spaß machte wie eine Schießerei im Umberto’s Clam House. „Tom Thumb’s Blues” wurde in den Achtzigern mit Phil Lesh als Leadsänger zu einem Fan-Favoriten unter Tape-Traders.
Er spielt mit den Texten, von „I started out on Heineken but soon hit the harder stuff” bis zu „My best friend, my drummer, won’t even tell me what it was that I dropped!” R.S.
50. Jim James & Calexico, „Goin’ to Acapulco“ (2007)
Von all den surrealen WTF-Momenten in Todd Haynes’ Dylan-Film „I’m Not There” aus dem Jahr 2007 ist Jim James, der diesen „Basement Tapes”-Track
Der Auftritt ist in einer der Szenen mit Richard Gere als Billy the Kid zu sehen, in der ein offener Sarg einer Frau aufgestellt wird und sich die Stadtbewohner versammeln, um James und Calexico zu hören.
Es ist nicht nur James’ beste Dylan-Coverversion, sondern wohl auch eine seiner besten Gesangsdarbietungen überhaupt, während dröhnende Blasinstrumente seine Zeilen über den Besuch bei Rose Marie begleiten, die gerne an große Orte geht. A.M.
49. Television, „Knockin’ on Heaven’s Door” (1978)
Television, die ursprünglichen CBGBs-Garagenpunks, hatten die Idee, „Knockin’ on Heaven’s Door” in einen langen, düsteren Gitarrenklassiker zu verwandeln – eine Idee, die seitdem einige andere Bands aufgegriffen haben. (Hust, Guns N Roses hust.) Tom Verlaine und Richard Lloyd lassen ihre Fender Jazzmasters knallen und fangen damit die ganze morbide Outlaw-Angst der Geschichte ein, aber mit einer Extraportion NYC-Urban-Sleaze. Sie machen es würdig, neben ihren ursprünglichen Gitarren-Jams wie „Marquee Moon” und „Little Johnny Jewel” zu stehen. Diese Live-Version von 1978 war ein beliebter Bootleg-Hit, bis sie auf dem posthumen Live-Album „The Blow Up“ von Television erschien. R.S.
48. Eddie Vedder, „Masters of War“ (1993)
Pearl Jam standen gerade am Anfang ihrer Karriere, als Eddie Vedder und Mike McCready eingeladen wurden, bei Bob Dylans 30-jährigem Jubiläumskonzert im Madison Square Garden aufzutreten.
Sie teilten sich die Bühne mit Größen wie George Harrison, Johnny Cash, Stevie Wonder, Eric Clapton und Tom Petty, aber ihre eindringliche Interpretation von „Masters of War” zu Beginn des Abends war ein klarer Höhepunkt, zumal der Golfkrieg zu dieser Zeit noch in frischer Erinnerung war. Pearl Jam nahmen den Song nach dem Ausbruch des Irakkriegs mehr als ein Jahrzehnt später in ihr Live-Programm auf, aber sie konnten diese erste Interpretation nie ganz übertreffen. A.G.
47. Rod Stewart, „The Groom’s Still Waiting at the Altar” (1995)
Dylan nahm „Groom’s Still Waiting At the Alter“ 1981 auf, einen ausgelassenen apokalyptischen Blues-Rocker, der gut genug gewesen wäre, um es auf Highway 61 Revisited zu schaffen, aber für Dylans letztes christliches Album, Shot of Love aus dem Jahr 1981, als ungeeignet angesehen wurde.
Dylan korrigierte diese seltsame Entscheidung, indem er den Song in nachfolgende Ausgaben von Shot of Love aufnahm, aber da die Leute nicht gerade in Scharen losrannten, um sich die nachfolgenden Ausgaben von Shot of Love zu kaufen, blieb er ein Geheimtipp. Doch auch wenn es nicht gerade der Song war, den Rod Stewart Anfang der Neunziger am ehesten aufgenommen hätte, rockt er ihn mit der rohen, fröhlichen Energie seiner besten Momente aus den Siebzigern. J.D.
46. The Crust Brothers, „Going to Acapulco“ (1998)
Im Dezember 1997 kamen Stephen Malkmus von Pavement und Mitglieder der Indie-Rock-Band Silkworm zusammen, um in Seattle ein Benefizkonzert für die Washington Wilderness Coalition zu geben.
Das Publikum verlangte lautstark nach Songs von Pavement. Stattdessen bekamen sie ein umwerfendes Cover-Set zu hören. Darunter „Bitch”, „Tuesday’s Gone” und sieben Songs aus The Basement Tapes. Sie eröffneten mit „Going to Acapulco” und verwandelten eine langsame, traurige Ode an die verzweifelte Flucht in einen rockigen Gitarrenknaller. Als eine Aufnahme des Konzerts unter dem Titel Marquee Mark erschien, wurde sie sofort zu einem begehrten Bootleg. Genau wie The Basement Tapes Jahrzehnte zuvor. J.D.
45. Chrissie Hynde und James Walbourne, „Sweetheart Like You“ (2020)
Chrissie Hynde sagte, als Bob Dylan 2020, wenige Wochen nach Beginn des Pandemie-Lockdowns, die Welt mit der Veröffentlichung von „Murder Most Foul“ überraschte, habe sie das „umgehauen“. Dadurch wurde ihr bewusst, wie viel Dylans Musik ihr bedeutet. Und so machten sie und Pretenders-Gitarrist James Walbourne sich daran, acht Dylan-Covers aufzunehmen, um das Jahr zu überstehen.
Eines der besten war „Sweetheart Like You“, die lockere Single aus dem Album „Infidels“, die sowohl als Anmachspruch als auch als Dylan-typische Sympathiebekundung für das Leiden von Frauen überall dient.
Hynde singt es in ihrer typisch hauchigen Art, spricht die Worte auf ihre unverwechselbare Weise aus und lässt Zeilen wie „You could be known as the most beautiful woman/Who ever crawled across cut glass to make a deal“ (Du könntest als die schönste Frau bekannt sein, die jemals über Glasscherben gekrochen ist, um einen Deal zu machen) mit mehr Pathos klingen als im Original. K.G.
44. Lou Reed, „Foot of Pride“ (1993)
Überlassen wir es Lou Reed, einen superobskuren Studio-Outtake aus dem Jahr 1983 bei einem Bob-Dylan-Tributkonzert vor 20.000 Zuschauern im Madison Square Garden und unzähligen weiteren Zuschauern vor dem Fernseher zu performen.
Nur ein winziger Bruchteil des Publikums erkannte wahrscheinlich „Foot of Pride“ (das 1991 auf der ersten Ausgabe der Bootleg Series veröffentlicht wurde). Aber es ist schwer vorstellbar, dass Reed das interessierte.
Der Text („Wie der Löwe das Fleisch eines Mannes zerreißt/So kann es auch eine Frau, die sich als Mann ausgibt”) schien wie für Reed geschrieben. Er ließ ihn wie einen verlorenen Klassiker aus dem Repertoire von Velvet Underground klingen. Dylan hat den Song nie live gespielt. Daher bleibt dies die definitive Konzertversion. A.G.
43. Rosanne Cash, „Girl From the North Country“ (2009)
Dylans guter Freund Johnny Cash sang 1969 mit ihm ein berühmtes Duett dieser Folk-Ballade für Nashville Skyline. Cash nahm den Titel aus dem Album „Freewheelin’ Bob Dylan” auch in eine Liste „unverzichtbarer” Country-Songs auf, die er seiner Tochter Rosanne weitergab. Sie wählte ihn für ihr Album „The List” aus, das aus dieser Auswahl zusammengestellt wurde. Mit einer schönen Fingerpicking-Gitarre und Cashs makelloser Stimme wird der Song zu einer Hommage an zwei große Künstler von einem dritten. K.H.
42. Joan Osborne, „Man in the Long Black Coat“ (1995)
Dylans Werk ist voller unheimlicher, bedrohlicher Parabeln. Diese Geschichte einer Frau, die ihren Mann verlässt, um mit einem geheimnisvollen Fremden durchzubrennen – und von der man nie wieder etwas hört –, ist eine seiner gruseligsten.
„Auf eine seltsame Art und Weise betrachtete ich ihn als mein ‚I Walk the Line‘“, schrieb er in Chronicles Volume One. „Ein Lied, das ich immer als eines der besten angesehen habe, eines der geheimnisvollsten und revolutionärsten aller Zeiten.“ Dylans Version auf Oh Mercy klang, wie er selbst sagte, „verlassen“. Aber Osbornes Cover verlangsamt das Tempo ein wenig, wodurch der Song noch eindringlicher wird.
Fast so, als würde sie mit der Stimme der verschwundenen Frau selbst singen, klingt Osborne im Verlauf des Songs immer verzweifelter, während die Musik gedämpft bleibt und ihren Bitten niemals nachgibt. „Sie ist weg. Sie ist weg“, improvisiert Osborne am Ende, und man weiß, dass sie es ist. D.B.
41. Bettye LaVette, „It Ain’t Me Babe“ (2018)
Die Soulsängerin Betty LaVette ist eine unvergleichliche Neuinterpretatorin von Songs und liefert hier erneut eine Meisterleistung ab. In Lavettes Händen wird „It Ain’t Me Babe“ verletzlicher. Mitgenommener. Niedergeschlagener.
Das Original war ein Highlight auf Things Have Changed, ihrer 2018 erschienenen Sammlung von Dylan-Covers. „Wenn mich Leute fragen, wie ich diese Songs zu meinen eigenen mache“, sagte sie Rolling Stone in jenem Jahr. „Dann antworte ich ihnen, dass es für mich viel einfacher ist, wie Bettye Lavette zu klingen, als wie Bob Dylan.“ J.B.
40. Gregg Allman, „Going Going Gone“ (2017)
Allman nahm sein letztes Album, „Southern Blood“ aus dem Jahr 2017, auf, als er an Leberkrebs starb. Er schuf damit ein Werk, das den letzten Alben von David Bowie und Leonard Cohen ähnelt. Es wird durch diese kraftvolle Interpretation von „Going Going Gone“ hervorgehoben, einer zerklüfteten, schönen Andeutung von Selbstmord aus „Planet Waves“ von 1974.
Allman verwandelt es in eine ehrliche, anmutige Auseinandersetzung mit seiner eigenen Sterblichkeit, untermalt von Steel-Gitarre und einer Southern-Soul-Bläsersektion. Wenn er singt „I’m closing the book on pages and texts/And I don’t really care what happens next” (Ich schließe das Buch mit seinen Seiten und Texten/Und es ist mir eigentlich egal, was als Nächstes passiert), ist das fast zu real, um es zu ertragen. J.D.
39. The Jimi Hendrix Experience, „Like a Rolling Stone” (1967)
Als Jimi Hendrix im Sommer 1967 beim Monterey Pop Festival die Bühne betrat, war er in seinem Heimatland noch völlig unbekannt. Aber eine Stunde später war er der Gitarrenheld aller Gitarrenhelden.
Hendrix krönte seinen triumphalen Heimkehr-Auftritt in Monterey, indem er dem Publikum sagte: „Ich möchte euch etwa sechs oder sieben Minuten lang langweilen … Ich möchte ein kleines Stück von Bob Dylan spielen – das da drüben ist seine Großmutter”, sagte er und zeigte auf den Bassisten Noel Redding mit den krausen Haaren.
„Ein kleines Stück namens ‚Like a Rolling Stone‘.” Dann verwandelte er es in einen schreienden elektrischen Sturm. Und begeisterte das Publikum, das ihn noch nie zuvor gehört hatte. R.S.
38. Leon Russell, „Masters of War” (1970)
Leon Russells Coverversion von „Masters of War“ aus dem Jahr 1970 ist nur eine Minute und 24 Sekunden lang. Er bricht sie nach der ersten Strophe ab, sodass der größte Teil des Songs ungesungen bleibt. Aber er traf die geniale Entscheidung, ihn zur Melodie von „The Star-Spangled Banner“ zu singen.
Es war der Höhepunkt des Vietnamkriegs. Viele Amerikaner waren unglaublich desillusioniert von den realen „Masters of War“, die in diesem endlosen Albtraum das Sagen hatten. Indem er Dylans Worte aus dem Jahr 1963 in diesem Kontext verwendete, sprach er für einen Großteil seines Publikums.
Und obwohl Dylan sich selbst nie gegen den Krieg ausgesprochen hatte, gab er seinen Anhängern Songs wie „Masters of War“, die sie nach eigenem Ermessen verwenden konnten. Nie wurden sie wirkungsvoller eingesetzt als hier. A.G.
37. Willie Nelson & Calexico, „Señor (Tales of Yankee Power)“ (2007)
Der Soundtrack zu dem trippigen Dylan-Biopic I’m Not There aus dem Jahr 2007 ist vollgepackt mit fantastischen Coverversionen berühmter Songs wie „All Along The Watchtower”, „Knockin’ On Heaven’s Door” und „Maggie’s Farm”. Aber Willie Nelson und Calexico haben sich tief in sein Repertoire vertieft und den Song „Señor (Takes of Yankee Power)” aus dem Album Street Legal ausgewählt.
Wie viele Songs aus dieser Zeit ergeben die Texte wenig Sinn. Aber Nelson verleiht ihnen eine unglaubliche Gravitas. Er hat im Laufe der Jahre viele Duette mit Dylan gesungen und sie haben sogar gemeinsam den Song „Heartland“ geschrieben, aber seine Stimme und Dylans Texte haben noch nie so majestätisch geklungen wie hier. A.G.
36. The Clash, „The Man In Me“ (1979)
Die breite Öffentlichkeit wurde erst auf Bob Dylans New Morning-Deep-Cut „The Man In Me“ aufmerksam, als die Coen-Brüder ihn 1998 in ihrem Film The Big Lebowski verwendeten. Aber The Clash waren ihnen um gut 19 Jahre voraus, als sie ihn während der London Calling-Sessions coverten.
Wie auf den „Vanilla Tapes” aus der „London Calling Legacy Edition” zu hören ist, verwandeln sie ihn in einen langsamen Reggae-Song, der sich nahtlos in dieselbe LP einfügt wie „Death or Glory” und „Lost In The Supermarket”.
Sie haben den Song nie live gespielt (ebenso wenig wie andere Songs von Bob Dylan) und ihre einmalige Aufnahme war nie für die Öffentlichkeit bestimmt. Aber sie ist dennoch brillant. Der Dude würde das definitiv gutheißen. A.G.
35. Isaac Hayes, „Lay Lady Lay“ (1999)
Gab es einen Dylan-Song, der sich besser für ein Makeover durch den Make-out-König des R&B eignete? In den Siebzigern schwelgte Hayes darin, die Songs anderer Leute in ausgedehnte, sinnliche, orchestrale Vamps umzugestalten.
Für ein Album mit Dylan-Covers aus dem Jahr 1999 kehrte Hayes zu diesem Terrain zurück. Und bewies, dass er nichts von seinem Können eingebüßt hatte. „It’s too early to go home … Why don’t you just chill, relax”, improvisiert er im Intro, bevor er die Sexualität von Dylans Song „Nashville Skyline” noch verstärkt. In Hayes’ Interpretation bekommt „You can have your cake and eat it too” eine ganz neue Bedeutung. D.B.
34. Susanna Hoffs & Rainy Day, „I’ll Keep It With Mine” (1984)
1984, Jahre bevor er Mazzy Star gründete, nahm der verstorbene großartige Gitarrist David Roback ein Album namens Rainy Day auf, auf dem er zusammen mit Freunden aus der neo-psychedelischen „Paisley Underground“-Szene von L.A. Favoriten aus den 1960er Jahren coverte. Das Album war äußerst einflussreich und brachte Postpunk-Kids auf den Geschmack von The Byrds und Buffalo Springfield.
Susanna Hoffs von den Bangles sang zwei der Highlights. Dylans „I’ll Keep It With Mine” und „I’ll Be Your Mirror” von The Velvet Underground. (Dylan veröffentlichte seine eigene Version von „I’ll Keep It With Mine” erst 1985 auf seiner Box Biograph.)
Die meisten Sänger, die sich an diesem Song versuchen, stolpern über die rätselhaften Texte. Aber Hoffs genießt einfach die Melodie mit einem Lächeln in der Stimme. Die reinste und bezauberndste Version, die je zu hören war. R.S.
33. Grateful Dead, „It’s All Over Now, Baby Blue“ ( 26.09.1972)
Die Dead begannen schon in ihren Anfängen, ihren Lieblingssong von Dylan zu spielen, und hörten nie damit auf. Von all ihren vielen Dylan-Covers war „Baby Blue” der Song, den sie bis zum Tod von Jerry Garcia am häufigsten spielten.
Es gibt eine schöne Aufnahme von 1981 auf Postcards of the Hanging. Aber ihre stärkste Version von „Baby Blue” stammt aus ihrer legendären Jersey-City-Reihe, dem Abend des 26. September 1972. (Die folgende Nacht wurde als „Dick’s Picks Volume 11“ veröffentlicht.) Garcia sorgt mit seiner Stimme und seiner Gitarre für Gänsehaut, als würde er sehen, wie sich alle düsteren Prophezeiungen des Songs erfüllen. R.S.
32. Siouxsie and the Banshees, „This Wheel’s on Fire“ (1987)
Wenn jemand Dylan in Goth übersetzen konnte, dann war es Siouxsie. Die Ikone der Achtzigerjahre brachte diesen Basement-Tapes-Klassiker von Big Pink in die Batcave. Siouxsie and the Banshees waren stolz darauf, Klassiker der Sechzigerjahre für das Publikum mit schwarzem Lippenstift neu zu interpretieren.
Sie hatten einen Top-Ten-Hit in Großbritannien mit „Dear Prudence“ von den Beatles. Einem der wenigen Goth-Hits, in denen es darum geht, die Sonne zu genießen. Auf ihrem 1987er Album Through The Looking Glass coverten sie Iggy („The Passenger”), The Doors („You’re Lost Little Girl”) und Dylan. Siouxsie lieferte eine trippige Performance von „This Wheel’s on Fire” bei Top of the Pops, wo sie in ihrem lila Catsuit eine fantastische Version des Goth-Tanzes mit Spinnweben darbot. R.S.
31. Rick Nelson & the Stone Canyon Band, „She Belongs to Me“ (1969)
Ricky Nelson, in den 1950er Jahren ein TV-Star und Teenager-Schwarm, hatte in den 1960er Jahren versucht, sich von seinem Bubblegum-Image zu lösen, und seine neue Phase durch das Weglassen des „y“ aus seinem Vornamen signalisiert.
Am Ende des Jahrzehnts hatte er seit einiger Zeit keinen Hit mehr, aber seine Version von Dylans bissig-elegischer Ballade brachte ihn mit einer auffallend schönen Country-Rock-Bearbeitung im Stil der Byrds und Flying Burrito Brothers zurück in die Top 40, mit einem Steel-Gitarristen aus der Begleitband von Buck Owens und dem späteren Eagle Randy Meisner am Bass. J.D.
30. My Chemical Romance, „Desolation Row“ (2009)
Für den Soundtrack zu „Watchmen“ spielt die Glam-Emo-Band eine leicht gekürzte Version des ausufernden Schlussstücks von „Highway 61 Revisited“ in knapp drei Minuten. Und verwandelt eine apokalyptische Bilderserie in eine mitreißende Hymne, deren Solo „The Star-Spangled Banner“ zitiert, als würden die Sechziger vor Ihren Ohren in einer Singularität zusammenbrechen.
Wenn Sie jemals dachten, Sie hätten verstanden, was Bob gemeint hat, dann ist das jetzt sicher nicht mehr der Fall. In einer Erklärung anlässlich der Veröffentlichung dankte My-Chem-Frontmann Gerard Way Dylan „dafür, dass er uns erlaubt hat, den Song zu covern, und dass er nicht wirklich sauer auf uns war. Weil wir einige der besten Texte, die je geschrieben wurden, zerhackt haben“. K.H.
29. PJ Harvey, „Highway 61 Revisited“ (1993)
Das laute Durcheinander von Dylans „Highway 61 Revisited“ und seine quixotischen Verweise auf die Straße, die sich zwischen seiner Heimatstadt Duluth in Minnesota und New Orleans erstreckt, passen perfekt in das Gitarrenchaos von PJ Harveys Durchbruchalbum „Rid of Me“ aus dem Jahr 1993.
Doch anstatt eine ehrfürchtige Coverversion eines der respektlosesten Songs von Dylan aufzunehmen (glücklicherweise verzichtete sie auf die irritierende Slide-Whistle des Originals), machte Harvey den Song zu ihrem eigenen mit leisen, fast geflüsterten Passagen, die ein wenig wie eine Radiosendung aus den 1930er Jahren klingen, bevor sie sich zu einer großen, extrovertierten Welle von Lärm steigern.
Sie fügt dem Vers von Louie the King Falsett-Harmonien hinzu und lässt ihre Gitarre dröhnen, während sie das Wort „Highway“ auf eine viel bedrohlichere Weise schreit, als es selbst Dylan hätte tun können. K.G.
28. Flatt & Scruggs, „Don’t Think Twice, It’s Alright“ (1967)
Die Grand Old Men des Bluegrass, Lester Flatt und Earl Scruggs, gewannen mit ihrem Soundtrack zum Film Bonnie and Clyde von 1967 ein neues Publikum. Aber sie spielten diesen Song nicht, weil sie modern klingen wollten. Sie taten es, weil der Song sich bereits wie elementare amerikanische Roots-Musik anfühlte.
Auf ihrem Album „Changin’ Times“ von 1969 spielten sie einige Dylan-Songs. Aber „Don’t Think Twice“ ist der eigentliche Knaller. Sie peppen ihn auf, indem Scruggs sein Banjo spielt und Flatt auf der Mandoline, und singen mit dem fatalistischen Humor von Älteren, die bereits wissen, wie es sich anfühlt, ein Leben lang auf dieser Straße zu verbringen. R.S.
27. Nancy Sinatra, „It Ain’t Me Babe” (1966)
Nancy Sinatra wurde mit ihrem 1966 erschienenen Nummer-1-Debüt-Hit „These Boots Are Made For Walkin’” zur Popgöttin der Sechzigerjahre. “ Sie liebte nichts mehr, als harte Kerle in ihre Schranken zu weisen, und in „It Ain’t Me, Babe“ stampft sie mit ihren Lederstiefeln auf den Boden.
Sie verwandelt den Song in ihren eigenen feministischen Abschiedsgruß, indem sie einen besitzergreifenden Mann abweist und alle Ansprüche des Patriarchats zurückweist. Und sie zeigt, was sie gerne als „meine Nasty-Jones-Persönlichkeit“ nannte. Man versteht, warum Lana Del Rey so von Nancy Sinatra besessen ist. Was sie mit diesem Song macht, ist ein Akt kultureller Ultragewalt. R.S.
26. Fairport Convention, „I’ll Keep It With Mine“ (1969)
Dylan nahm diese beschwingte, großzügige Ballade sowohl für Highway 61 Revisited als auch für Blonde on Blonde als Demo auf. Legte sie aber dann auf Eis. „Vielleicht klang sie für mich nicht wie eine Platte“, sagte er später. Für viele andere klang sie jedoch genau richtig, von Judy Collins über Nico bis hin zu den niederländischen Indie-Rockern Bettie Severt.
Die Version der englischen Folk-Rock-Größen Fairport Convention aus dem Jahr 1969 hat eine ganz eigene pastorale Größe, die durch die anmutige Gelassenheit in Sandy Dennys erstaunlich schöner Stimme noch unterstrichen wird. Man kann auch Richard Thompson von Fairport hören, der mit seiner Frau Linda auf der Tournee zu ihrem klassischen Trennungsalbum Shoot Out the Lights aus dem Jahr 1982 eine herzzerreißende
25. Nick Cave & the Bad Seeds, „Wanted Man” (1985)
Nick Cave war in den Achtzigern damit beschäftigt, sich aus den Trümmern seiner Band The Birthday Party zu befreien und sich in einen poetischen Goth-Punk-Blues-Schamanen zu verwandeln. Gekleidet in Schwarz und mit einem passenden Herzen.
Er nahm „Wanted Man” für sein 1985er Album The Firstborn Is Dead auf, in dem er mit übertriebener Outlaw-Prahlerei um sich wirft und eine ganze Reihe neuer Texte hinzufügt. Dylan schrieb den Song für Johnny Cash, der ihn 1969 als Opener seines Live-Albums aus dem San Quentin Prison verwendete. Wie fand Cash Caves Version? Fünfzehn Jahre später revanchierte er sich mit Caves elektrischem Stuhl-Geständnis „The Mercy Seat”. R.S.
24. Bryan Ferry, „A Hard Rain’s A-Gonna Fall” (1973)
Das erste Soloalbum des Frontmanns von Roxy Music war eine Sammlung von Coverversionen, die auf subversive Weise ernsthaften Rock der Sechzigerjahre mit Brill-Building-Bubblegum und Pre-Rock-Standards mischte, als wären „Sympathy for the Devil“ und „It’s My Party“ Teil desselben Kontinuums.
Er eröffnete die LP mit einer herrlich frivolen Neuinterpretation von „A Hard Rain’s A-Gonna Fall”, einem Protest-Folk-Meisterwerk von Dylan, das er im Stil des kunstbeeinflussten Glam-Rock von Roxy neu interpretierte. Komplett mit Call-and-Response-Backing-Vocals von Girlgroups und albernen Soundeffekten. Als würde Ferry die Hits auf einer Art apokalyptischem Sock Hop spielen. J.D.
23. Joan Baez, „Love Is Just a Four Letter Word“ (1968)
Von ihrer wechselnden Erzählweise bis hin zu ihren zahlreichen Metaphern könnte diese Ballade, die Dylan selbst nie veröffentlicht hat, Gegenstand eines ganzen College-Kurses über Rockpoesie sein. Wer ist die belastete Frau am Anfang, wer ist „der Vater deines Kindes“ und was ist die Verbindung zwischen ihnen und dem desillusionierten romantischen Erzähler, der erkennt, dass „der heilige Kuss, der ewig halten sollte, in Rauch aufgeht, das ist Schicksal“ ?
Will er damit andeuten, dass „Liebe“ ein Fluch oder nur ein gewöhnlicher Begriff ist? Aber die geradlinige Robustheit der Melodie passt perfekt zu Baez, die zum ersten Mal einen Ausschnitt des Songs in
22. The Brothers and Sisters, „The Mighty Quinn“ (1969)
„The Brothers and Sisters“ war ein wackeliges Konzept, das überraschend gut funktionierte. Die Gruppe wurde von Produzent Lou Adler für ein einmaliges Album mit Dylan-Covers in Kirchen zusammengestellt.
„Dylan’s Gospel“. Der Star der LP ist die Gospel-Soul-Königin Merry Clayton, die nur wenige Monate später ihren bahnbrechenden Hintergrundgesang zu „Gimme Shelter“ von den Rolling Stones beisteuerte. Sie singt ihre Version von „All Along the Watchtower“ mit voller Kraft. Und stolziert durch „The Mighty Quinn“, einen verspielten, lebensfrohen Moment auf einer Platte, die oft etwas schwerfällig war. Ihre Interpretation übertrifft sogar Manfred Manns Hitversion von 1968. J.D.
21. Sheryl Crow, „Mississippi“ (1998)
Nicht viele Künstler können einen Dylan-Klassiker vor dem Meister selbst veröffentlichen. Aber Sheryl Crow gehört zu dieser ausgewählten Gruppe. Tatsächlich hatte Dylan „Mississippi“ bereits 1997 für „Time Out of Mind“ aufgenommen.
Er war aber mit der Produktion unzufrieden und bot es daher Crow an, die eine unkonventionelle Version davon aufnahm, die auf „The Globe Sessions“ erschien (und die Dixie Chicks beeinflusste, die regelmäßig eine an ihrer Version angelehnte Interpretation spielten).
Als Dylan ihre Version auf „Love and Theft“ veröffentlichte, war „Mississippi“ praktisch schon ein Oldie. K.H.
20. Adele, „Make You Feel My Love“ (2008)
Dylan schrieb mit „To Make You Feel My Love”, seiner romantischen Klavierballade aus dem Jahr 1997, ganz bewusst einen modernen Standard. Billy Joel beeilte sich, einen Cover-Song aufzunehmen, noch bevor Dylans Version auf „Time Out of Mind” erschien. S
eitdem ist es einer seiner meistgecoverten Songs geworden, aufgenommen von Neil Diamond, Garth Brooks, Engelbert Humperdinck und sogar Boy George. Aber Adele machte ihn zu ihrem eigenen, mit einer zärtlich-verletzlichen Version auf ihrem Debütalbum „19“ aus dem Jahr 2008.
Der Text „fasste genau das zusammen, was ich in meinen Songs sagen wollte“, sagte sie damals. „Es ist seltsam, dass mein Lieblingssong auf meinem Album ein Cover war. Aber ich konnte ihn einfach nicht weglassen.“ R.S.
19. The Isley Brothers, „Lay Lady Lay“ (1971)
Dieser sinnliche Schlafzimmer-Song passte nicht ganz zu Dylan. War aber wie geschaffen für Ronald Isley, der bald als Meister darin anerkannt werden sollte, Frauen zum Sex zu verführen.
Die Isleys probierten in den Siebzigern eine Reihe verschiedener Stile aus und coverten für ihr 1971er Album „Givin’ It Back, coverten sie eine Reihe weißer Folk-Rocker und entdeckten dabei die perfekte Mischung aus Hippie-Freier Liebe und R&B-Verführung. Und sie dehnen das Ganze auf über zehn Minuten aus, denn diese Jungs meinen es ernst. K.H.
18. Cher, „Tonight I’ll Be Staying Here With You“ (1969)
Ende der Sechzigerjahre hatte das hippe Publikum genug von Sonny & Chers Popmusik, also ging Cher 1969 nach Muscle Shoals in Alabama, um ihren Sound mit Funk und Soul anzureichern. Sie wählte auch etwas schärferes Material aus, darunter drei Dylan-Songs, die zu dieser Zeit frisch und zeitgemäß waren – alle aus seinem kürzlich erschienenen Album Nashville Skyline. Dies ist der wirkungsvollste der drei Songs, der Dylans Treueversprechen mit sexy Soul erfüllt und gleichzeitig seine Country-Wurzeln beibehält. K.H.
17. Emma Swift, „Queen Jane Approximately“ (2020)
Das Dylan-Coveralbum Blonde on the Tracks der australischen Singer-Songwriterin erwies sich als Heilung für uns in der Pandemie – und für Swift selbst. „Traurig, lustlos und verzweifelt begann ich, Bob-Dylan-Songs zu singen, um etwas zu haben, für das es sich zu wecken lohnte“, sagte sie.
Swift widmet sich Dylan-Klassikern von „Simple Twist of Fate“ bis zum aktuellen „I Contain Multitudes“, aber der Opener „Queen Jane Approximately“ zeigt am besten, wie sie diese Songs aus einer weiblichen Perspektive erzählt. Die Instrumentierung mag zart sein, aber sie navigiert mit Kraft und Mitgefühl durch die Texte, fast so, als würde sie jede Zeile von „Won’t you come see me, Queen Jane“ mit einem höflichen „bitte?“ beenden. A.M.
16. Bruce Springsteen, „Chimes of Freedom“ (1988)
Auf dem Höhepunkt seines Ruhmes in den Achtzigern unterschrieb Springsteen einen Vertrag für die sechswöchige Amnesty International Tour und begleitete Sting, Peter Gabriel, Youssou N’Dour und Tracy Chapman, um Geld und Aufmerksamkeit für die Menschenrechtsorganisation zu sammeln.
Man kann ihn das in der Einleitung zu seiner Interpretation dieses Songs aus Another Side of Bob Dylan hören, der auf einer in Stockholm aufgenommenen Live-EP mit vier Songs zu finden ist. Wie es Bruces Art ist, erweitert er den akustischen Song zu einer Hymne, die groß genug ist, um ein Sportstadion zu füllen, ohne dabei Dylans politische Sehnsucht oder poetische Vision zu opfern. K.H.
15. Them, „It’s All Over Now, Baby Blue” (1966)
Van Morrison und seine Belfast Garage-R&B-Band Them verwandelten „It’s All Over Now, Baby Blue” in einen irischen Soul-Segen, ohne dabei die beißende Schärfe des Originals zu verlieren; Morrison trug Dylans Texte vor, als würde er sie in einer Blake’schen Träumerei erleben. „Ich habe mit diesem Song etwas völlig anderes gemacht”, sagte Morrison gegenüber Rolling Stone.
„Meine Version – ich habe sie mir zu eigen gemacht. Ich konnte mich nicht wirklich mit Dylan als Songwriter identifizieren. Ich konnte mich aber mit dem identifizieren, was er mit den Songs machte.“ Drei Jahrzehnte später sampelten Beck und die Dust Brothers die Version von Them wunderschön in dem herausragenden Song „Jack-Ass“ aus dem Album Odelay. J.D.
14. Johnny Cash und June Carter, „It Ain’t Me Babe“ (1965)
Johnny Cash sagte, er habe in den Sechzigern einen tragbaren Plattenspieler mit auf Tour genommen, damit er sich The Freewheelin’ Bob Dylan unmittelbar vor und nach einer Show anhören konnte.
Dylan bewunderte den Country-Star so sehr, dass er laut Johnnys Sohn John Carter Cash, als sie sich endlich trafen, „ins Hotelzimmer kam, auf dem Bett herumhüpfte und sagte: ‚Ich habe Johnny Cash getroffen!‘, wie ein kleines Kind.“ Hier, mit Junes Harmonien, die den Refrain abmildern, und einer Lagerfeuer-Mundharmonika, die etwas weniger keuchend ist als die von Dylan, zeigte Cash, wie schmal der Grat zwischen Country und Folk war – und landete dabei einen großen Hit. K.H.
13. The Byrds, „My Back Pages“ (1967)
Während der Aufnahmen zu Another Side of Bob Dylan erzählte Dylan dem Schriftsteller Nat Hentoff, dass die Songs auf diesem Album weniger protestorientiert und mehr persönlich sein würden: „Es gibt keine Songs, die mit dem Finger auf andere zeigen … Sie wissen schon, die auf all die Dinge hinweisen, die falsch sind. Ich möchte nicht mehr für andere Leute schreiben – Sie wissen schon, als Sprachrohr fungieren.“
Das traf insbesondere auf „My Back Pages“ zu, was darauf hindeutete, dass er dieser Rolle als „Sprecher“ überdrüssig geworden war und sich in seiner Arbeit weiterentwickeln wollte. Mit ihren melancholischen Harmonien und gedämpften Klängen verlieh die Interpretation der Byrds dem Song eine neue Dimension der Wehmut.
Auch wenn David Crosby, der bald darauf aus der Band entlassen wurde, sich später gegenüber Rolling Stone beschwerte: „Es war eine Formel, es war eine Ausflucht … Es war: ‚Oh, lasst uns noch einmal „Tambourine Man“ machen.‘ … Es war ein Stück Scheiße, hatte so viel Engagement und Leben wie eine vier Tage alte Makrele.“ Kein Wunder, dass die Band selbst müde klingt. D.B.
12. Rod Stewart, „Mama You Been on My Mind“ (1972)
Rod the Mod war ein selbsternannter „Man of Constant Sorrow“ – aber er war auch ein Mann vieler Dylan-Songs. In seiner frühen Folk-Blütezeit mit „Maggie May“ konnte er eine zerzauste Traurigkeit in diesen Songs einfangen, die wie kein anderer klang.
Er sang „Mama, You Been on My Mind“ auf seinem 1972 erschienenen Album Never a Dull Moment, begleitet von melancholischer Akkordeonmusik, Mandoline, Kontrabass und Ron Woods Pedal Steel.
Es ist eines der einsamsten Stücke, die Rod jemals aufgenommen hat. Und doch eines der schönsten. Es klingt wie ein Lied, das er später für Maggie May gesungen haben könnte, in der Hoffnung, sie nie wieder zu verlieren. R.S.
11. The Staple Singers, „Masters of War“ (1966)
Innerhalb von zwei Jahren nach der Veröffentlichung von „Masters of War“ coverten Dylans Idole, die Staple Singers, bereits die Anti-Kriegs-Meditation des Songwriters, während die Vereinigten Staaten ihr Engagement in Vietnam eskalierten.
Die Staple Singers coverten viele von Dylans frühen Songs – „Blowin’ In the Wind”, „A Hard Rain’s A-Gonna Fall” –, aber „Masters of War” ist vielleicht ihr bestes Dylan-Cover, mit Pops Staples, der eine sich langsam aufbauende, meisterhafte Gesangsleistung liefert. J.B.
10. The White Stripes, „One More Cup of Coffee“ (1999)
Ersetze Scarlet Riveras Violine aus dem Original durch verzerrte, bluesige Gitarrenriffs und du erhältst eine typische White-Stripes-Neuinterpretation. Jack White hat im Laufe seiner Karriere verschiedene Dylan-Songs gecovert – von „New Pony“ mit The Dead Weather bis „Love Sick“ mit The Stripes –, aber dank seiner gequälten Stimme und Megs dichten Drums hebt er diesen Zigeunerklang aus Desire auf ein neues Niveau.
Das Cover erschien 1999 auf ihrem Debütalbum; fünf Jahre später stand White mit Dylan in Detroit auf der Bühne, um „
9. The 13th Floor Elevators, „It’s All Over Now, Baby Blue“ (1967)
Roky Erickson und seine Band von Drugstore Cowboys kamen Mitte der 60er Jahre aus Austin, Texas, und waren Pioniere in der schönen neuen Welt des Psychedelic Rock. Sie begeisterten die Fans von Küste zu Küste mit ihrer äußerst einflussreichen Version von „It’s All Over Now, Baby Blue”, dem Herzstück ihres Klassikers „Easter Everywhere“ aus dem Jahr 1967.
Die Elevators gingen völlig neu an das Dylan-Songbook heran – statt ehrfürchtiger folkiger Imitationen, die sich auf die Texte konzentrierten, drehten sie einfach ihre Verstärker auf und ließen die Geister der Elektrizität durch ihre Gitarren heulen. Diese düstere Power-Drone-Performance veränderte die Art und Weise, wie die Menschen Dylans Musik hörten und spielten. Es ist ein furchterregender Sound – einer seiner erschreckendsten Songs in seiner erschreckendsten Inkarnation. R.S.
8. The Byrds, „You Ain’t Goin’ Nowhere“ (1968)
Dylan hatte viele Beweggründe, 1967 und Anfang 1968 die Basement Tapes mit der Band aufzunehmen, aber der wichtigste war, Songs zu schreiben, die andere Künstler covern konnten. Eine der ersten Gruppen, die einen Song aus den Basement Tapes in die Hände bekamen, waren The Byrds, die ihn als ersten Titel ihrer bahnbrechenden Country-Rock-LP „Sweetheart of the Rodeo“ aus dem Jahr 1968 verwendeten.
Roger McGuinn verstand jedoch den Text „Pick up your money, pack up your tent“ (Nimm dein Geld, pack dein Zelt zusammen) falsch als „Pack up your money, pick up your tent“ (Pack dein Geld zusammen, nimm dein Zelt mit). Und als Dylan den Song für Greatest Hits Volume 2 neu aufnahm, sang er „Pack up your money, put up your tent, McGuinn/You ain’t goin’ nowhere” (Pack dein Geld ein, stell dein Zelt auf, McGuinn/Du gehst nirgendwo hin) als gutmütigen Seitenhieb auf seinen langjährigen Freund. A.G.
7. Sam Cooke, „Blowin’ in the Wind” (1964)
Dylans häufig gecoverter Protest-Folksong veränderte Cookes Sichtweise auf Musik – die einzige Enttäuschung des Soul-Größen war, dass er sich wünschte, ein schwarzer Künstler hätte ihn geschrieben.
Cooke nahm „Blowin’ in the Wind“ in sein Live-Repertoire auf, nachdem er ihn gehört hatte, und schließlich inspirierte ihn der Song dazu, seinen herausragenden Bürgerrechtsklassiker „A Change Is Gonna Come“ zu schreiben. ” Um einen Eindruck von Cookes einzigartiger Interpretation des Songs zu bekommen, können Sie sich eine leicht swingende Version auf Sam Cooke at the Copa. K.H.
6. George Harrison, „If Not For You” (1970)
Alle Beatles verehrten Dylan, aber es war der „Quiet One“, der ihn am besten kennenlernte. George und Bob verband eine der legendärsten Freundschaften unter Rockstars, die von ihren gemeinsamen Tagen in Woodstock in den 60er Jahren bis zu den Traveling Wilburies andauerte.
Nach Harrisons Tod im Jahr 2001 spielte Dylan auf seiner nächsten Tournee „Something“ als Tribut und widmete es „meinem Kumpel George“. „If Not For You“ war ein Highlight von Georges 1970er Solo-Klassiker All Things Must Pass, nur wenige Monate nachdem Dylan es auf New Morning vorgestellt hatte. Noch besser war, dass sie es auch als atemberaubendes, reduziertes Duett sangen, bei den Proben für das Concert for Bangla Desh. R.S.
5. Guns N’ Roses, „Knockin’ On Heaven’s Door“ (1991)
GNR begann 1987, Dylans Klassiker über den Fatalismus der 70er Jahre zu spielen, und veröffentlichte sogar eine Live-Version auf der 12-Zoll-Single von „Welcome to the Jungle“. Aber das fünfeinhalbminütige Arena-Rock-Epos, das wir alle kennen, erschien erstmals drei Jahre später auf dem Soundtrack zu „Days of Thunder“, um dann für die Aufnahme in „Lose Your Illusion II“ verfeinert zu werden.
Slash findet seinen Weg zurück zum Blues, während eine Horde von mehrspurig aufgenommenen Axls heult, stöhnen und flehen. Und niemand ist sich wirklich sicher, was es mit dieser frei assoziativen Anrufbeantworter-Nachricht auf sich hat. K.H.
4. Elvis Presley, „Tomorrow Is a Long Time“ (1966)
Als Rolling Stone-Verleger Jann Wenner Dylan 1969 bat, seine Lieblingscoverversion eines seiner Songs zu nennen, entschied er sich nicht für offensichtliche Kandidaten wie The Byrds, Jimi Hendrix oder Joan Baez. Stattdessen wählte er Elvis Presleys relativ unbekannte Version von „Tomorrow Is a Long Time” aus dem Jahr 1966. Dylan schrieb den Song 1962, als seine Freundin Suze Rotolo in Italien studierte und er sich danach sehnte, dass sie nach Hause kam.
Seine Version erschien erst 1971 auf Greatest Hits Volume 2, aber Odetta coverte ihn 1965 auf ihrer LP „Odetta Sings Dylan“, was die Aufmerksamkeit des Königs auf sich zog. Seine reduzierte Version strahlt die Herzensqual aus, die Dylan empfand, als er den Song schrieb. „Das ist die Aufnahme, die ich am meisten schätze“, sagte Dylan. A.G.
3. The Byrds, „Mr. Tambourine Man“ (1965)
Bob Dylans begeisterte Lobeshymne, als er die 12-saitige Traum-Jangle-Vision seines Folk-Sounds von The Byrds hörte – „Wow, Mann, dazu kann man sogar tanzen!“ – gilt bis heute. „Mr. Tambourine“ brachte den Folk-Rock an die Spitze der Charts, spielte eine große Rolle beim Aufschwung der Rock-Szene in L.A. und bewies mit Roger McGuinns vielschichtiger Stimme, dass ein Gesangsstil wie der von Bob Dylan durchaus kommerzielles Potenzial haben kann.
Als die Byrds zum ersten Mal eine Demoaufnahme von „Mr. Tambourine Man“ hörten, waren sie sich nicht sicher, ob sie ihn verwenden konnten (David Crosby zum Beispiel fand ihn zu lang). McGuinn erinnerte sich später: „Ich hatte eine Idee, wie man ‚Mr. Tambourine Man‘ retten könnte. Ich hatte mit einigen Bach-Licks auf der 12-saitigen Gitarre herumgespielt und dachte: ‚Was wäre, wenn ich ein Intro wie dieses einfüge … und wir es in einen Beatle-Beat umwandeln?!‘ Es hat funktioniert! Wir hatten einen Nummer-1-Hit und durften den Rest des Albums aufnehmen!“
Damit war die Vorlage für ehrfürchtige Rock-Neuinterpretationen von Dylan geschaffen. J.D.
2. Nina Simone: „Just Like Tom Thumb’s Blues“ (1969)
Obwohl Dylan in manchen Kreisen als verschrobener Zeitgenosse gilt, pflegte er zu vielen seiner Kollegen ein Verhältnis gegenseitiger Achtung. Er lernte Simone Anfang der 1960er Jahre in der New Yorker Folkszene kennen, und sie coverte im Laufe ihrer Karriere regelmäßig seine Songs.
Dieser Song aus dem Album Highway 61 Revisited ist einer von drei Dylan-Songs, die sie 1969 auf ihrer LP To Love Somebody veröffentlichte. Ihr Klavier verleiht dem Song einen sanften, schlurfenden Rhythmus, und ihr Gesang ist sanft und explorativ – während Dylan durch die Landschaft streifte, über die er sang, schwebt Simone dahin. K.H.
1. The Jimi Hendrix Experience, „All Along the Watchtower” (1968)
Seit seiner Veröffentlichung auf John Wesley Harding wurde der kryptische Song „All Along the Watchtower” analysiert und auseinandergenommen. Ist das Gespräch zwischen einem „Joker” und einem „Dieb” (in dem „Geschäftsleute Wein trinken” und „die Stunde spät wird”) metaphorisch oder apokalyptisch? Politisch oder persönlich?
Aber fast alle waren sich einig, dass Hendrix‘ stürmische Version des Songs aus „Electric Ladyland“ vielleicht eines der wenigen Male war, dass Dylan mit einem seiner eigenen Songs übertroffen wurde. Dylans Original war straff und akustisch. Aber von den metallischen Klängen der ersten Akkorde bis zum heulenden Wah-Wah-Solo klingt Hendrix‘ Interpretation wirklich wie das Ende der Welt. Im Gegensatz zu so vielen anderen, die vor und nach ihm Dylan-Songs coverten, näherte sich Hendrix seiner Version nicht mit ehrfürchtiger Verehrung.
Stattdessen zerlegte und attackierte er sie und verlieh dem Text eine unheimliche Note; sogar die schrillen Töne, die er seiner Gitarre entlockte, klingen wie schreiende Weltuntergangsstimmen. Wie Dylan selbst angeblich zu Hendrix sagte: „Ich weiß nicht, ob jemand meine Songs besser interpretiert hat.“ D.B.
