Diese 8 Filme von Rob Reiner muss man gesehen haben
Die acht besten Filme von Rob Reiner: Von „Spinal Tap“ bis „Harry und Sally“ – Klassiker, die Popkultur und Kino nachhaltig geprägt haben.
Rob Reiner war vielleicht kein Auteur auf dem Niveau von Zeitgenossen wie Martin Scorsese oder Steven Spielberg. Doch es wäre schwer, einen Regisseur zu finden, dessen Filmografie über einen Zeitraum von rund zehn Jahren – von Mitte der Achtziger bis Mitte der Neunziger – einen größeren und breiteren Einfluss auf die Popkultur hatte als die von Reiner.
Er hatte ein bemerkenswertes Gespür und arbeitete genreübergreifend, von Mockumentary über Romantic Comedy bis hin zum Thriller. Eine unterschätzte Fähigkeit, die nur wenige Regisseure für sich beanspruchen können. Dabei ließ er stets die Geschichten durch seine Schauspieler wirken, die er auf der Leinwand mit spürbarer Zuneigung behandelte.
Wenn es ein Merkmal gibt, das sein Werk eint und definiert, dann ist es eine unerschütterliche Menschlichkeit und der Glaube daran, dass unsere bessere Natur sich letztlich durchsetzen wird. Hier sind acht klassische Filme, die er zum amerikanischen Kanon beigetragen hat.
„This Is Spinal Tap“ (1984)
Das schwerste Genre der Musik erreichte 1983 einen kritischen Punkt, als der „Heavy Metal Day“ beim US Festival im Mai schätzungsweise 375.000 Headbanger anzog und sechs Monate später Quiet Riot den ersten Metal-Nummer-eins-Hit der Billboard-Charts landete. Ein Jahr später spielten drei Komiker – Christopher Guest, Michael McKean und Harry Shearer – die Hauptrollen in der Metal-Mockumentary „This Is Spinal Tap“. Reiner, der den Film inszenierte und mitschrieb, verkörperte den nüchternen Dokumentarfilmer Martin „Marty“ Di Bergi, der die Band auf einer komisch katastrophalen US-Tour begleitet.
Die Gags des Films wurden unter Musikfans legendär. ein Verstärker, der „eine Stufe lauter“ geht (bis 11), ein komplett schwarzes Albumcover, ein winziges Stonehenge-Bühnenset und eine „Scheiß-Sandwich“-Plattenkritik. Einige der Witze nahmen reale Ereignisse sogar vorweg oder spiegelten sie wider. Tatsächlich hielt Ozzy Osbourne den Film für eine echte Dokumentation. „Als ich ihn sah, war ich der Einzige im Publikum, der nicht lachte … weil diese Dinge tatsächlich passiert sind“, erzählte er einmal Conan O’Brien. „Als sie sich auf dem Weg zur Bühne verirrten, ist mir das auch passiert!“ —Kory Grow
„Stand by Me – Das Geheimnis eines Sommers“ (1986)
Reiner nahm das Innenleben junger Menschen ernst. Das war eine seiner großen Stärken, nirgendwo deutlicher als in dieser Coming-of-Age-Geschichte, die eine Generation prägte. Basierend auf der Kurzgeschichte „The Body“ von Stephen King funktioniert die Erzählung über vier Jungen, die versuchen, die Leiche eines vermissten Kindes zu finden, weil sie ihre Hauptfiguren – Wil Wheatons sensiblen Gordie, River Phoenix’ hart-aber-zarten Chris, Corey Feldmans explosiven Teddy und Jerry O’Connells gutmütigen, etwas einfältigen Vern – mit tiefer Menschlichkeit und Herz zeichnet.
Der Film wurde für den Oscar für das beste adaptierte Drehbuch nominiert. Und ist ein weiteres Projekt, bei dem Reiners Regie oft nicht genug gewürdigt wird. Er führte die jungen Schauspieler, insbesondere Phoenix und Wheaton, zu Leistungen, die sich anfühlten wie Menschen, die wir kannten. Oder sogar wie Menschen, die wir selbst waren. Vielleicht, weil Reiner sich mit der Geschichte identifizierte. „Stand by Me bedeutet mir mehr als jeder andere Film, den ich gemacht habe“, sagte er 2021 dem „Guardian“. „Es war das erste Mal, dass ich einen Film gemacht habe, der meine eigene persönliche Sensibilität widerspiegelte. Er hatte eine Mischung aus Melancholie, Humor und Nostalgie. Die Musik, die ich hörte, und die Gefühle in Bezug auf meinen Vater habe ich in den Film eingebracht. Als er herauskam und angenommen wurde, hat mich das bestätigt.“ —Brian Tallerico
„Die Braut des Prinzen“ (1987)
Diese Action-Romantik-Fantasy-Abenteuergeschichte war an den Kinokassen zunächst enttäuschend. Entwickelte sich aber in den Jahrzehnten nach ihrer Veröffentlichung zu einem riesigen Kultklassiker. Regisseure wie Norman Jewison, Robert Redford und sogar François Truffaut sollen Interesse daran gehabt haben, die literarische Vorlage von William Goldman aus dem Jahr 1973 zu adaptieren. Doch es war Reiner, der den Autor überzeugte. Der erste Schauspieler, den er verpflichtete, war sein Freund Billy Crystal, der half, den scharfzüngigen und zugleich warmherzigen Ton des gesamten Films zu setzen.
Die Gute-Nacht-Geschichte in der Geschichte folgt dem vom Farmjungen zum Piraten gewordenen Westley (Cary Elwes), der Prinzessin Buttercup (Robin Wright) vor dem bösen Prinzen Humperdinck (Chris Sarandon) retten muss. An seiner Seite stehen der intensive Fechtkämpfer Inigo Montoya (Mandy Patinkin), der den Tod seines Vaters rächen will, und der gutmütige Riese Fezzik (André the Giant), der einfach nur helfen möchte.
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Es gibt Fechtduelle, Kämpfe, Folter, Rache, Monster, Verfolgungsjagden, Fluchten, wahre Liebe, Wunder und ja, sogar ein wenig Küssen. Ein Kindheitsklassiker, der fast 40 Jahre später immer noch funktioniert. Jemand anderen hinter der Kamera kann man sich kaum vorstellen. —Elisabeth Garber-Paul
„Harry und Sally“ (1989)
Es gab eine Zeit, in der Hollywood schaumige Romantic Comedies am Fließband produzierte. Doch bis 1989 waren sie zu hoffnungslos kitschigen Kino-Flops verkommen. Nicht so „Harry und Sally“, eine unsentimentale, urkomische Liebesgeschichte, die das Genre neu erfand, indem sie eine sehr moderne Frage stellte. Können Männer und Frauen befreundet sein? (Vielleicht.) Reiner managt Nora Ephrons bissiges Drehbuch ebenso souverän wie die lässigen Talente seiner Stars Meg Ryan und Billy Crystal und arbeitet zwei zeitlose Darstellungen heraus.
Als Regisseur findet er von Natur aus Gefallen an unordentlichen Menschen. Ryans gespielter Orgasmus im Katz’s Delicatessen gehört zu den berühmtesten Szenen der Filmgeschichte, und „Ich nehme das, was sie hatte“ ist fest im kollektiven Gedächtnis verankert.
Der Film geht über die klassische Romantic Comedy hinaus, mit erfinderischen Einfällen wie Interviews mit echten Liebespaaren, Zeitsprüngen über zwölf Jahre und großartigen Nebenrollen von Bruno Kirby und Carrie Fisher. Doch es ist die Achterbahnfahrt der Will-sie-oder-will-sie-nicht-Chemie zwischen den Hauptdarstellern – und der warme, verzeihende Blick hinter der Kamera –, die diesen Film zu einer der besten Komödien aller Zeiten macht. —John DeVore
Auf der nächsten Seite: „Misery“, „Eine Frage der Ehre“…
„Misery“ (1990)
Es gibt nur einen Film nach einem Buch von Stephen King, der einen Oscar gewonnen hat. Und es ist weder „Shining “noch „Die Verurteilten.“ Zur Zeit ihrer Besetzung weitgehend unbekannt, erschütterte die spätere Oscar-Preisträgerin Kathy Bates die Filmwelt mit ihrer Darstellung der furchteinflößenden Annie Wilkes, der fanatischen Nummer-eins-Anhängerin des gefeierten Autors Paul Sheldon, gespielt von James Caan.
Indem der Film Fragen zur Fankultur und zu den Erwartungen an Künstler aufgreift, wirkt „Misery“ thematisch seiner Zeit voraus. Damals war er ein Schockmoment. Ein perfekt kalibrierter Thriller, der dank Reiners Regie die Spannung stetig steigert. Reiner und Drehbuchautor William Goldman integrieren zudem Humor in den Horror, lassen uns unbehaglich über Annies Verhalten lachen, während wir uns fragen, was sie als Nächstes mit dem Mann anstellen wird, den sie in ihrem Haus gefangen hält. Sie war eine echte „Dirty Birdy“. —B.T.
„Eine Frage der Ehre“ (1992)
Liest man die Kritiken aus der Zeit der Veröffentlichung dieses für den Oscar als Bester Film nominierten Gerichtsdramas, fällt ein wiederkehrendes Urteil auf. „So eine Art von scharfem Unterhaltungsfilm hat Hollywood früher ständig gemacht.“ Diese Worte sind heute, mehr als 30 Jahre später, noch zutreffender. Auf Basis von Aaron Sorkins elektrisierendem Drehbuch spielte Reiner vielleicht seine größte Stärke als Schauspieler-Regisseur aus. Er wusste, wann er sich zurückhalten musste, um seinem hochkarätigen Ensemble Raum zu geben, die besten Momente eines starken Skripts auszuspielen.
Sein klassischer Inszenierungsstil war hier entscheidend, wenn Tom Cruises ehrgeiziger Anwalt auf Jack Nicholsons arroganten Colonel trifft. Ihr verbales Duell gewinnt durch Reiners klare, schnörkellose Bildsprache noch an Schärfe. Dabei sollte man nicht vergessen, dass Reiner nicht nur spannendes Popcornkino schuf. Der Einsatz des Films für Wahrheit und Verantwortung spiegelte Reiners eigenen unbeirrbaren Glauben an ein Amerika wider, das gelegentlich seinen höchsten Idealen gerecht werden könnte. —Tim Grierson
„Der amerikanische Präsident“ (1995)
Praktisch eine erste Skizze für Aaron Sorkins späteren Triumph „The West Wing“ war diese charmante Romantic Comedy, in der der Autor erstmals über die inneren Abläufe der Präsidentschaft nachdachte. Doch es brauchte Rob Reiner, um „Der amerikanische Präsident“ zum Klingen zu bringen. Die Prämisse ist perfekt. Ein freundlicher, progressiver Präsident (Michael Douglas), der um seine verstorbene Frau trauert, verliebt sich in eine willensstarke Lobbyistin (Annette Bening), die findet, dass er in seinem Amt nicht genug tut, um das Leben der Menschen spürbar zu verbessern.
In einer anderen Ära hätten vielleicht Frank Capra oder Preston Sturges Regie geführt. Doch in Reiners Hochphase konnte keiner seiner Zeitgenossen eine Liebesgeschichte liefern, die so charmant, grundständig anständig und idealistisch war. Der Film vereint Pathos und Eleganz in genau dem richtigen Maß und kostet sowohl seine dramatischen Momente als auch das sexy, witzige Zusammenspiel von Douglas und Bening aus. Martin Sheen spielte den Stabschef des Präsidenten. Der Schauspieler sollte später befördert werden, als „The West Wing“ startete. Doch mit „Der amerikanische Präsident“ deutete Reiner erstmals das enorme Potenzial an, die chaotische, bunte Menschlichkeit der Menschen im Weißen Haus einzufangen. —T.G.
„Spinal Tap II: The End Continues“ (2025)
Als Reiner im August mit dem ROLLING STONE sprach, gab er zu, nie ernsthaft über eine Fortsetzung seines geliebten Regiedebüts nachgedacht zu haben. Doch nachdem Harry Shearer einen langen Rechtsstreit gewonnen hatte, um die Rechte an dem Kultklassiker von 1984 zurückzuerlangen, fand sich der Regisseur wieder mit seinen alten Weggefährten zusammen und fragte sich laut: Sollten wir noch einmal etwas mit Tap machen? Einer von ihnen brachte die Idee auf, die gealterten Rocker für ein letztes Konzert zu vereinen.
Das Ergebnis wirkt wie ein langer, liebevoller Abschiedsgruß an das Konzept, mit dem alles begann. Ein spielerischer Seitenhieb auf die Vorstellung, dass man selbst dann, wenn es inzwischen zu laut ist, nie zu alt für Rock ’n’ Roll ist. Sogar Paul McCartney und Elton John machten mit. (Vorsicht bei diesen Stonehenge-Monumenten, Sir Elton!) Dass dies Reiners letztes Projekt sein sollte, verleiht „Spinal Tap II“ im Nachhinein eine bittersüße Note. Doch seine Fähigkeit, den Kreis zu schließen, dreht unsere Dankbarkeit auf 11. —David Fear
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