Die 100 besten Songs der Beatles
Von „Helter Skelter” bis „Sgt. Pepper's” – eine Rangliste der besten Songs der Beatles. Vorwort von Elvis Costello
40. „For No One“
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- Hauptsongwriter: McCartney
- Aufgenommen: 9., 16. und 19. Mai 1966
- Veröffentlicht: 8. August 1966
- Nicht als Single veröffentlicht
McCartney schrieb diesen ruhigen Klassiker in der zweiten Person, als würde er einen Freund ansprechen, der plötzlich von seiner Geliebten verlassen wurde, ohne ihm jedoch wirklich Trost zu spenden: „Du willst sie, du brauchst sie/Und doch glaubst du ihr nicht/Wenn sie sagt, ihre Liebe sei tot.“ Er sprach zu sich selbst: „For No One“, geschrieben im März 1966, während er und Jane Asher in der Schweiz Urlaub machten, handelte von einem Streit, den sie hatten.
Die Intimität der Produktion und der Darbietung – eine Art erschöpfte Akzeptanz – sticht hervor inmitten der beschleunigten Experimente, die sonst überall auf „Revolver“ zu finden sind. McCartney und Starr waren die einzigen Beatles, die bei der Session anwesend waren; sie nahmen den Backing Track – McCartneys Klavier und Starrs minimalistische Percussion, plus überlagertes Clavichord – in einer einzigen Nacht auf. George Martin schlug später vor, ein wenig Blechbläser hinzuzufügen, also holten sie Alan Civil von der London Philharmonia hinzu, der die kurzen, bewegenden Waldhorn-Einwürfe des Songs spielte.
Civil erhielt für seine Arbeit etwa 50 Pfund, bekam aber etwas Wertvolleres: einen seltenen Vermerk auf dem Original-Backcover von „Revolver“.
Erschienen auf: „Revolver“.
39. „Day Tripper“
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- Hauptkomponist: Lennon
- Aufgenommen: 16. Oktober 1965
- Veröffentlicht: 6. Dezember 1965
- 10 Wochen; Nr. 5
„Day Tripper“ war „ein Drogensong“, sagte Lennon 1970 gegenüber ROLLING STONE. „Ich habe immer Drogen gebraucht, um zu überleben. Die [anderen Beatles] auch, aber ich hatte immer mehr, ich habe immer mehr Pillen und mehr von allem genommen, weil ich verrückter bin.“ Der Song war Lennons Anklage gegen Poser. „Day Trippers sind Leute, die einen Tagesausflug machen, richtig? Normalerweise mit einer Fähre oder so“, sagte er. „Aber [der Song] war so etwas wie ‚Du bist nur ein Wochenend-Hippie‘.“ Im Gegensatz dazu „sahen wir uns selbst als Vollzeit-Tripper“, sagte McCartney, „als voll engagierte Fahrer.“
Die Insider-Witze hörten mit diesem Wortspiel nicht auf. Die Beatles fügten „Anspielungen ein, von denen wir wussten, dass unsere Freunde sie verstehen würden, die aber der britischen Öffentlichkeit vielleicht nicht auffallen würden“, sagte McCartney. „Also war ‚she’s a big teaser‘ (sie ist eine große Neckerei) eigentlich ‚she’s a prick teaser‘ (sie ist eine Schwanz-Neckerei). . . . Wir dachten, das wäre lustig, das einzubauen.“
„Ich kann nicht verstehen, wie sie zur endgültigen Version gekommen sind“
Lennon und McCartney räumten ein, dass „Day Tripper“ ein „erzwungener“ Song gewesen sei, der unter Zeitdruck für eine für Dezember geplante Single geschrieben worden war. Während Lennons bluesbasierter Gitarren-Hook vielleicht seine Antwort auf den aktuellen Nummer-1-Hit der Rolling Stones, „Satisfaction“, war, war „Day Tripper“ komplexer, eine glänzende Kombination aus Kraft und kompliziertem Arrangement. Lennons Riff steigert sich zu einem Rave-up in der Mitte des Songs, der mit hochfliegenden Harmonien und Harrison, der hinter Lennons Solo eine Tonleiter erklimmt, seinen Höhepunkt erreicht, bis Starrs Tamburin-Roll den ursprünglichen Groove zurückbringt.
Lennons Halbschwester Julia Baird war von der Komplexität des Songs verwirrt, als sie bei der Aufnahmesession dabei war. „Es schien, als würden einzelne Teile zusammengesetzt“, sagte sie. „Ich kann nicht verstehen, wie sie zur endgültigen Version gekommen sind.“
„Day Tripper“ war als Single geplant, aber nur wenige Tage später nahmen die Beatles „We Can Work It Out“ auf, das allgemein als kommerziellerer Song galt. Lennon lehnte es jedoch ab, den Platz zu verlieren, sodass die beiden Songs als erste Single mit zwei A-Seiten vermarktet wurden. Obwohl „We Can Work It Out“ höhere Chartplatzierungen erreichte, war „Day Tripper“ der beliebteste Live-Song. Die Beatles spielten ihn jeden Abend auf ihrer letzten Konzerttournee, bis zum letzten Auftritt im Candlestick Park in San Francisco am 29. August 1966.
Erschienen auf: „Past Masters“.
38. „Blackbird“
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- Hauptsongwriter: McCartney
- Aufgenommen: 11. Juni 1968
- Veröffentlicht: 25. November 1968
- Nicht als Single veröffentlicht
„Blackbird” handelte eigentlich vom Kampf um Bürgerrechte: „Ich hatte eher eine schwarze Frau im Sinn als einen Vogel”, sagte McCartney. „Das war die Zeit der Bürgerrechtsbewegung, die uns allen sehr am Herzen lag, also war dies eigentlich ein Lied von mir an eine schwarze Frau, die diese Probleme in den Vereinigten Staaten erlebte: ‚Ich möchte dich ermutigen, weiter zu kämpfen, deinen Glauben zu bewahren, es gibt Hoffnung.‘”
In gewisser Weise war der Song eine indirekte Antwort auf Lennons „Revolution“, den anderen großen politischen Song auf dem „White Album“. „Wie so oft bei meinen Sachen, gab es eine Verschleierung“, sagte McCartney, „anstatt also zu sagen: ‚Schwarze Frau, die in Little Rock lebt‘ und sehr konkret zu sein, wurde sie zu einem Vogel, zu einem Symbol.“
McCartney nahm „Blackbird“ alleine auf. Harrison und Starr waren in Kalifornien (wo Harrison für Ravi Shankars Film Raga gedreht wurde), und Lennon war in einem anderen Studio und arbeitete an „Revolution 9“. McCartney sagte, dass die Fingerpicking-Gitarrenlinien von „Blackbird“, die er kurz nach seiner Rückkehr aus Indien auf seiner Farm in Schottland geschrieben hatte, lose auf Bachs „Bourrée in E-Moll“ basierten, das er und Harrison in ihren frühen Jahren oft geübt hatten.
McCartney gab die erste halböffentliche Aufführung von „Blackbird“ vor einer Gruppe von Fans
Die Amsel, die in dem Song zu hören ist, stammt aus einer Sammlung von Soundeffekten. „Ich fand, er hat das sehr gut gemacht“, scherzte McCartney. „Er singt das sehr gut.“
Nachdem er den Song mehrmals durchgespielt hatte, sagte McCartney dem Toningenieur Geoff Emerick, dass er wollte, dass der Song so klingt, als würde er ihn im Freien singen. „Gut“, sagte Emerick, „dann machen wir es eben im Freien“ – und sie zogen um, um „Blackbird“ vor der Echokammer der Abbey Road Studios aufzunehmen.
McCartney gab die erste halböffentliche Aufführung von „Blackbird“ vor einer Gruppe von Fans vor seinem Haus in der Cavendish Avenue. „Paul öffnete das Fenster und rief uns zu: ‚Seid ihr noch da unten?‘“, erinnerte sich einer von ihnen. „Dann setzte er sich mit seiner Akustikgitarre auf die Fensterbank und sang uns ‚Blackbird‘ vor, während wir dort unten im Dunkeln standen.“
Erschienen auf: „The Beatles“.
37. „She Said, She Said“
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 21. Juni 1966
- Veröffentlicht: 8. August 1966
- Nicht als Single veröffentlicht
Der letzte Song, der für „Revolver“ aufgenommen wurde, begann mit schlechter Stimmung: Lennon schnappte den Schauspieler Peter Fonda an, weil dieser ihn während eines LSD-Trips mit Gesprächen über den Tod erschreckt hatte. Die Beatles wohnten Ende August 1965 in einem Haus im Benedict Canyon in Los Angeles und pendelten zwischen Konzerten in Oregon, San Francisco und der Hollywood Bowl in L.A. hin und her. Eines Nachmittags tauchte Fonda mit Roger McGuinn und David Crosby von den Byrds zu einer LSD-Party auf (McCartney verzichtete).
Als Harrison mitten in seinem Trip sagte, er fühle sich, als würde er sterben, meinte Fonda, das sei nichts, wovor man Angst haben müsse, er habe als Junge eine fast tödliche Erfahrung auf dem Operationstisch überlebt. Fondas berühmte Worte: „Ich weiß, wie es ist, tot zu sein.“ Lennon, der sich selbst in einem prekären Zustand befand, explodierte gegenüber dem Schauspieler. „Wir waren alle auf Acid, und John konnte das nicht ertragen“, erinnerte sich McGuinn. „John sagte: ‚Schafft diesen Kerl hier raus.‘ Es war morbide und bizarr.“
„Wer hat dir diesen Mist in den Kopf gesetzt?“
Lennon hielt an seiner Wut fest, betitelte den Song zunächst „He Said He Said“ und warf Fonda, nachdem er ihn zu Beginn zitiert hatte, diese Worte mit boshafter Freude zurück. „Ich sagte: ‚Wer hat dir diesen Mist in den Kopf gesetzt?‘“, sang Lennon an einer Stelle seines frühesten Demos. (Die Zeile, für die er sich schließlich entschied – „Ich sagte: ‚Wer hat dir all diese Dinge in den Kopf gesetzt?‘“ – war sanfter, witziger, traf aber immer noch ins Schwarze.)
Lennon wurde auch klar, dass er sich in eine Sackgasse geschrieben hatte: Er legte die Melodie für ein paar Tage beiseite und kehrte dann mit einer Bridge zurück, die – nicht im Takt mit dem restlichen schlurfenden Rhythmus, strahlend vor kindlicher Unschuld – den Song von reiner Schuldzuweisung zu einer lebhaften Auseinandersetzung über Ego und Unsterblichkeit verwandelte, durchtränkt von seufzenden Harmonien und angetrieben von Starrs temperamentvollem Schlagzeugspiel.
Die Kalifornienreise der Band dauerte nicht lange, aber L.A. und San Francisco sollten noch jahrelang Rückblenden auf diesen psychedelischen Moment haben. Die Hippie-Chic-Szene richtete sich nach allem, was die Beatles taten. Von den Beach Boys über Love bis hin zu den Grateful Dead entsprang der Westküsten-Pop-Sound der nächsten Jahre direkt aus Revolver – insbesondere „She Said She Said“ mit seiner Kombination aus melodischer Unmittelbarkeit und acidgetriebenen Gedankenspielen.
Erschienen auf: „Revolver“.
36. „I Should Have Known Better”
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- Hauptsongwriter: Lennon
- Aufgenommen: 25. und 26. Februar 1964
- Veröffentlicht: 26. Juni 1964
- 4 Wochen; Nr. 53 (B-Seite)
Lennon hielt nicht viel von „I Should Have Known Better“, der B-Seite von „A Hard Day’s Night“. „Nur ein Song“, sagte er darüber. „Er hat überhaupt keine Bedeutung.“ Aber als erster Beatles-Song, der den direkten Einfluss von Bob Dylan zeigte, löste er einen musikalischen Wettstreit zwischen den beiden Künstlern aus, der Jahrzehnte andauerte.
Als die Beatles im Januar 1964 in Paris waren, gab ihnen ein DJ eine Kopie von „The Freewheelin’ Bob Dylan“, das im Mai 1963 erschienen war, aber in Europa keine großen Wellen geschlagen hatte. „Während unserer restlichen drei Wochen in Paris haben wir es rauf und runter gespielt“, erinnerte sich Lennon. „Wir waren alle total verrückt nach Dylan.“ Als die Band einen Monat später „I Should Have Known Better“ aufnahm, begann Lennon den Song mit einem deutlich von Dylan beeinflussten Mundharmonika-Solo, das viel rauer war als die Soli auf früheren Beatles-Platten.
Auch Dylan war von den Beatles beeindruckt, und als er ihre Platten hörte, beschloss er, seine musikalische Richtung zu ändern. Ein Jahr nach „I Should Have Known Better“ begann er, mit einer kompletten Elektroband aufzutreten, angefangen mit seinem legendären Auftritt beim Newport Folk Festival. „Man konnte diesen Sound nur mit anderen Musikern erzeugen“, sagte Dylan 1971. „Selbst wenn man seine eigenen Akkorde spielte, musste man andere Leute haben, die mit einem spielten. Und das brachte mich dazu, über andere Leute nachzudenken.“
„Oh, John wäre sofort ein Wilbury geworden“
Anfang 1965 nahm Dylan „If You Gotta Go, Go Now“ auf – eine Anspielung auf den Sound der British Invasion, mit einem Riff, das an „I Should Have Known Better“ erinnerte. Lennon warf den Ball im Herbst desselben Jahres mit „Norwegian Wood (This Bird Has Flown)“ zurück. (Ihre freundschaftliche Rivalität beim Songwriting hielt noch kurz vor Lennons Tod an, als Dylan sein gottesfürchtiges „Gotta Serve Somebody“ aufnahm und Lennon mit „Serve Yourself“ konterte.) Starr spielte in den 70er und 80er Jahren einige Male mit Dylan zusammen.
Aber es war Harrison, der schließlich die engste Beziehung zu Dylan hatte, über die Jahre hinweg häufig mit ihm zusammenarbeitete und schließlich 1988 die Traveling Wilburys gründete. Und Harrison war vielleicht nicht der Einzige: Tom Petty erzählte dem ROLLING STONE, dass Harrison einmal zu ihm gesagt habe: „Oh, John wäre sofort ein Wilbury geworden.“
Erschienen auf: „A Hard Day’s Night“.
35. „Paperback Writer“
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- Hauptsongschreiber: McCartney
- Aufgenommen: 13. und 14. April 1966
- Veröffentlicht: 30. Mai 1966
- 10 Wochen; Nr. 1
„Sie waren großartige Sänger – sie wussten instinktiv, welche Harmonien sie singen mussten“, sagte George Martin. Aber in dem opulenten Intro zu „Paperback Writer“ gingen Lennon, McCartney und Harrison über das reine Formationssingen hinaus. Das Trio verwandelte den Titeltext in einen mittelalterlichen Choral, der klang, als hätte man „She Loves You“ in Säure getaucht. Verbunden mit einem mitreißenden Popsong kündigte diese Flut von Harmonien – kombiniert mit dem Paisley-Hauch der B-Seite der Platte, „Rain“ – offiziell das Eintauchen der Beatles in die Psychedelia an.
„Die Art und Weise, wie der Song selbst gestaltet ist, und die langsamen, kontrapunktischen Aussagen der Hintergrundstimmen – das hatte zuvor noch niemand wirklich gemacht“, behauptete Martin. Der Produzent räumte ein, dass die Beach Boys „eine große Inspiration“ für die Beatles waren, bestand jedoch darauf, dass seine Schützlinge ihre Gesangskunst bereits perfektioniert hatten, als sie noch in Clubs in Hamburg auftraten: „Jeden Abend sangen sie – sie hörten sich amerikanische R&B-Platten an und ahmten sie nach“, sagte er.
Lennon beschrieb „Paperback Writer“ später als den „Sohn von ‚Day Tripper‘“
McCartney kam auf die ungewöhnliche Struktur des Songs während der langen Fahrt zu Lennons Haus, wo das Duo häufig seine Nachmittage mit dem Schreiben von Songs verbrachte. „Ich begann oft schon auf dem Weg dorthin nachzudenken und zu schreiben, und entwickelte die ganze Idee im Auto“, sagte er. „Ich kam herein, aß meine Schüssel Cornflakes und sagte: ‚Wie wäre es, wenn wir einen Brief schreiben: „Sehr geehrte Damen und Herren“, nächste Zeile, nächster Absatz usw.?‘‘“ (Einige vermuten, dass der Text über einen aufstrebenden Schreiberling ein Seitenhieb auf Lennon war, der zwei Bücher mit frechem Surrealismus veröffentlicht hatte, „In His Own Write“ und „A Spaniard in the Works“.)
Lennon beschrieb „Paperback Writer“ später als den „Sohn von ‚Day Tripper‘ – also einen Rock-’n’-Roll-Song mit einem Gitarrenriff auf einer verzerrten, lauten Gitarre.“
Für den Toningenieur Geoff Emerick war die treibende Kraft, die er aus Starrs Bassdrum herausholte, das Geheimnis des Erfolgs. „Soweit ich mich erinnern kann, hatte niemand auf Platten eine Bassdrum, die so klang“, sagte Emerick. Wir haben die vordere Haut der Bassdrum entfernt und sie mit Pullovern ausgestopft.“ Emerick platzierte außerdem ein Mikrofon nur wenige Zentimeter von der Trommel entfernt, wofür er von den EMI-Studioleitern gerügt wurde: „Man durfte nicht näher als zwei Fuß an die Bassdrum herankommen, weil der Luftdruck das Mikrofon beschädigen würde.“
Der Erfolg von „Paperback Writer“ zwang zu einer Überarbeitung dieser Richtlinie. „Ich erhielt einen Brief von EMI, in dem mir dies gestattet wurde“, sagte Emerick, „aber nur für Beatles-Sessions.“
Erschienen auf: „Past Masters“.
34. „Eight Days a Week“
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- Autoren: McCartney-Lennon
- Aufgenommen: 6. und 18. Oktober 1964
- Veröffentlicht: 15. Februar 1965
- 10 Wochen; Nr. 1
Der Titel „Eight Days a Week“ entstand durch eine zufällige Bemerkung eines Fahrers, der McCartney zu Lennons Haus fuhr. McCartney fragte den Fahrer beiläufig, ob er viel zu tun habe. „Beschäftigt?”, antwortete dieser. „Ich arbeite acht Tage die Woche.” „Keiner von uns hatte diesen Ausdruck zuvor gehört”, sagte McCartney. „Es war wie ein kleiner Segen der Götter. Ich hatte außer dem Titel keine weitere Idee dafür, und wir haben es einfach zusammen hingekriegt, indem wir den Titel ausgefüllt haben.”
Obwohl McCartney behauptete, der Rest des Songs sei „schnell entstanden“, fehlten ihm der Anfang, die Mitte und das Ende, als er und Lennon ihn ins Studio brachten. Die Beatles probierten verschiedene Ansätze aus, darunter eine wortlose Harmonie für das Intro, hatten aber immer wieder Probleme, die richtige Melodie zu finden. „Wir hatten Mühe, ihn aufzunehmen, und wir hatten Mühe, ihn zu einem Song zu machen“, erinnerte sich Lennon. „Aber er war sowieso mies.“
Da sie wenig Zeit hatten, um eigene Songs zu schreiben, bestand fast die Hälfte der LP „Beatles for Sale“ aus Coverversionen
Die Beatles arbeiteten Ende 1964 mindestens neun Tage die Woche, was Lennons negative Einstellung zu dem Song erklären könnte. Sie waren ständig auf Tournee gewesen, hatten gerade im Juni „A Hard Day’s Night“ veröffentlicht und wurden in der Woche nach ihrer Rückkehr aus Amerika zurück ins Aufnahmestudio gehetzt, um rechtzeitig zu Weihnachten ein neues Album und eine Single aufzunehmen. „Sie waren ziemlich kriegsmüde“, sagte George Martin. „Sie waren 1964 und einen Großteil von 1963 wie verrückt herumgereist. Erfolg ist eine wunderbare Sache, aber er ist auch sehr, sehr anstrengend.“
Da sie wenig Zeit hatten, um eigene Songs zu schreiben, bestand fast die Hälfte der LP „Beatles for Sale“ aus Coverversionen, die die Gruppe seit Jahren auf der Bühne spielte. Am selben Tag, an dem die Beatles „Eight Days a Week“ fertigstellten, nahmen sie sieben komplette Titel auf.
Zwölf Tage später einigten sie sich auf das endgültige Arrangement mit seinem innovativen instrumentalen Fade-in, das dem Song das warme, fröhliche „Gefühl [verleiht], als hätte man ihn schon einmal gehört“, wie Ray Davies von den Kinks 2001 gegenüber ROLLING STONE sagte.
„Beatles for Sale“ wurde im Dezember 1964 in Großbritannien veröffentlicht. „Beatles ’65“, das US-Pendant, hat „Eight Days a Week“ nicht enthalten. Der Song wurde zwei Monate später in den USA als Single veröffentlicht und erreichte Platz eins der Charts. Aber die Beatles ignorierten ihn weiterhin. Er wurde nie als Single in Großbritannien veröffentlicht, und in den folgenden zwei Jahren ihrer Radioauftritte und Tourneen spielten sie ihn nie live. Trotz seiner Popularität glaubt Lennon, dass es „nie ein guter Song war“.
Erschienen auf: „Beatles for Sale“.
33. „I Am the Walrus“
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- Hauptkomponist: Lennon
- Aufgenommen: 5., 6., 27., 28. und 29. September 1967
- Veröffentlicht: 27. November 1967
- 4 Wochen; Nr. 56 (B-Seite)
Nach dem Tod von Brian Epstein am 27. August 1967 waren die Beatles kaum in der Stimmung, kreativ zu sein. Aber als sich die geschockte Band einige Tage später versammelte, überzeugte McCartney sie davon, dass es einen sicheren Weg gab, mit ihrer Trauer umzugehen: indem sie zurück ins Studio gingen. Als sie das am 5. September taten, brachte Lennon einen exzentrischen neuen Song mit, der von einem Bericht inspiriert war, wonach britische Schulkinder Beatles-Texte studierten, um ihre versteckten Bedeutungen zu entschlüsseln.
Lennon spielte eine Solo-Akustikversion von „I Am the Walrus“, und wie sich Toningenieur Geoff Emerick erinnert: „Alle schienen verwirrt zu sein. Die Melodie bestand größtenteils aus nur zwei Noten, und der Text war so ziemlich nur Unsinn.” Ausgehend von Lewis Carrolls Gedicht „The Walrus and the Carpenter” waren die Worte eine Reihe von Ungereimtheiten über „Schweine aus einer Pistole”, Hare Krishna und Edgar Allan Poe, die mit einem verwirrenden „goo-goo-g’joob!”-Refrain endeten.
Der Track erwachte in der Postproduktion zu lebhaftem, schwindelerregendem Leben
„Was zum Teufel soll ich damit machen?”, sagte George Martin. Nichtsdestotrotz machten sich alle an die Arbeit. Lennon improvisierte auf einem einfachen E-Piano, und McCartney wechselte zur Tamburin, um sicherzustellen, dass Starr den Takt hielt. (McCartneys Fleiß, die Band bei der Stange zu halten, war laut Emerick später „einer von Pauls besten Momenten“.)
Der Track erwachte in der Postproduktion zu lebhaftem, schwindelerregendem Leben. Trotz seiner anfänglichen Abneigung komponierte Martin ein meisterhaftes Orchesterarrangement, das wie Schwindelgefühl wirkte. Lennon verlangte so viel Verzerrung seiner Stimme wie möglich – er wollte, dass sie klang, als käme sie vom Mond.
„The walrus was Paul“
„Die Worte haben keine große Bedeutung“, sagte Lennon. „Die Leute ziehen so viele Schlussfolgerungen, und das ist lächerlich. Was bedeutet ‚I am the Eggman‘ wirklich? Es hätte genauso gut eine Puddingform sein können, soweit es mich betrifft.“ Der Text enthielt viele Insider-Witze: „Semolina pilchard“ bezog sich auf Norman Pilcher, den Londoner Drogenfahnder, der Rockstars wie Mick Jagger und Keith Richards verhaftet hatte, und „The Eggman“ war eine Anspielung sowohl auf Carrolls „Humpty Dumpty“ als auch auf eine Geschichte, die Lennon von Eric Burdon gehört hatte, in der ein Mädchen während des Sex ein Ei auf den Frontmann der Animals zerschlug.
Auf dem „White Album“ des folgenden Jahres spielte Lennon in „Glass Onion“ mit der Zeile „The walrus was Paul“ auf den Song an – seine Art, McCartney dafür zu danken, dass er nach Epsteins Tod dazu beigetragen hatte, die Gruppe zusammenzuhalten.
Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.
32. „Penny Lane“
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- Hauptsongwriter: McCartney
- Aufgenommen: 29. und 30. Dezember 1966; 4. bis 6., 9., 10., 12. und 17. Januar 1967
- Veröffentlicht: 13. Februar 1967
- 10 Wochen; Nr. 1
„Penny Lane” war Paul McCartneys Ode an das Liverpool, das er als Kind kannte, aber der Song hatte auch eine versteckte Inspiration: seinen glühenden Wettbewerbsgeist. „Der Song entstand aus einer Art ‚Ich kann das genauso gut wie du, John’, weil wir gerade ‚Strawberry Fields’ aufgenommen hatten”, sagte George Martin. „Es war so ein Knüller, dass Paul, glaube ich, zurückging, um seine Idee zu perfektionieren. Und beide waren bedeutungsvoll. Beide handelten von ihrer Kindheit.“ Die Songs wurden zusammen veröffentlicht – auf den beiden Seiten der ersten Single aus den Sessions zu „Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band“.
Viele der Texte stammen direkt aus McCartneys Jugend. Penny Lane ist ein Stadtteil von Liverpool, in dem Lennon als Kind lebte, und auch der Name eines Busdepots, an dem McCartney auf dem Weg zu Lennons Haus vorbeikam. Ein Friseursalon in der Gegend, Bioletti’s, zeigte Bilder von verschiedenen Frisuren, die er anbot – daher die Zeilen „There is a barber showing photographs/Of every head he’s had the pleasure to know“ (Es gibt einen Friseur, der Fotos zeigt/Von jedem Kopf, den er das Vergnügen hatte, kennenzulernen).“ McCartney drückte es so aus: „Der Song ist teils Tatsache, teils Nostalgie für einen Ort, der ein großartiger Ort ist – der blaue Himmel der Vorstadt, wie wir ihn in Erinnerung haben.“
Die Gegend um Penny Lane wurde zu einer bedeutenden Touristenattraktion
„Penny Lane“ beeindruckte nicht nur durch McCartneys wunderschöne Melodie, sondern auch durch seine komplexen Arrangements. Die Beatles „waren begierig nach neuen Klängen“, sagte Martin. Mit McCartney, der drei Klavierparts, Bass, Harmonium und Tamburin spielte, seine Bandkollegen spielten ebenfalls Klavier, Gitarre, Schlagzeug und eine Handglocke; dazu kamen mehrere Bläserstimmen. So entstand mit „Penny Lane“ eine detailreiche Klangwand, die die Kraft eines Rocksongs erreichte, ohne wie einer zu klingen.
Der krönende Abschluss der Aufnahme wurde von einer Fernsehaufführung von J.S. Bachs „Brandenburgischem Konzert Nr. 2“ inspiriert, die McCartney gesehen hatte, nachdem die Grundspur für „Penny Lane“ aufgenommen worden war. Er arrangierte, dass der Trompeter, den er in der Sendung gehört hatte, David Mason, hinzukam und ein Piccolo-Trompetensolo hinzufügte (sowie eine kurze Coda, die nur auf frühen Promo-Kopien zu hören war).
„Penny Lane“ bescherte den Beatles nicht nur einen Chart-Hit, sondern gab auch Lennons altem Viertel einen Schub: Die Gegend um Penny Lane wurde zu einer bedeutenden Touristenattraktion, und Beatles-Fans machten sich schnell daran, die Straßenschilder zu stehlen.
Erschienen auf: „Magical Mystery Tour“.
31. „You’ve Got to Hide Your Love Away”
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- Hauptkomponist: Lennon
- Aufgenommen: 18. Februar 1965
- Veröffentlicht: 13. August 1965
- Nicht als Single veröffentlicht
„Das bin ich in meiner Dylan-Phase”, sagte Lennon über „You’ve Got to Hide Your Love Away”. „Ich bin wie ein Chamäleon, beeinflusst von allem, was gerade passiert. Wenn Elvis es kann, kann ich es auch. Wenn die Everly Brothers es können, können Paul und ich es auch. Das Gleiche gilt für Dylan.“
So wie die Beatles Bob Dylan dazu inspiriert hatten, einen härteren Rock-’n’-Roll-Sound in seine Musik zu integrieren, hatte Dylans Beispiel die Beatles – und insbesondere Lennon – dazu gebracht, einen persönlicheren Ansatz beim Songwriting zu verfolgen. McCartney sagte, dass Dylans poetische Texte „bei John einen Nerv getroffen haben. Es war, als hätte John gedacht: ‚Das hätte ich sein sollen.‘
Und zu diesem Zweck imitierte John Dylan in „You’ve Got to Hide Your Love Away“. (Die ersten Zeilen des Songs ähneln auffallend Dylans Titel „I Don’t Believe You [She Acts Like We Have Never Met]“ aus dem Jahr 1964, der wie folgt beginnt: „Ich kann es nicht verstehen/Sie hat meine Hand losgelassen/Und mich hier zurückgelassen, mit dem Gesicht zur Wand.”)
Auch beim Schreiben von „Hide Your Love Away” half der Zufall. Lennon hatte ursprünglich geschrieben: „Wenn sie weg ist, kann ich nicht weitermachen/Ich fühle mich zwei Fuß groß”, aber als er McCartney den Song vorstellte und versehentlich „zwei Fuß klein” sang, fanden beide, dass das besser passte.
Die Band holte zum zweiten Mal einen externen Musiker hinzu
„Hide Your Love Away“ wurde an einem Tag für den Soundtrack zu „Help! “aufgenommen, und seine Darbietung im Film, in der die Beatles sich in ihrem für vier Personen gebauten Haus entspannen, ist einer der Höhepunkte des Films. Es war die erste Aufnahme der Beatles, bei der ausschließlich akustische Instrumente zum Einsatz kamen, und es war auch eines der wenigen Male, dass Lennon, der immer sehr selbstbewusst in Bezug auf seinen Gesang war, seine Leadstimme nicht doppelt aufnahm, wie er es oft tat, seit er diesen Studiotrick entdeckt hatte.
Die Band holte zum zweiten Mal einen externen Musiker hinzu: Für eine Gage von sechs Pfund (damals etwa 17 Dollar) und ohne Nennung im Abspann nahm Johnnie Scott die Tenor- und Altflötenparts für den Song auf. Die Beatles gaben Scott einige allgemeine Anweisungen und ließen ihn das Arrangement selbst entwerfen. Scott erinnerte sich, dass die Jungs zu dieser Zeit in bester Stimmung waren. „Ringo war voller Eheglück“, sagte er. „Er war gerade von seiner Hochzeitsreise zurückgekommen.“
Obwohl die Beatles den Song nicht als Single veröffentlichten („Er ist nicht kommerziell“, sagte Lennon), landete die englische Folk-Gruppe The Silkie, die bei Brian Epsteins Managementfirma unter Vertrag stand, damit einen Top-10-Hit in den Vereinigten Staaten, und die Beach Boys coverten ihn 1965 auf ihrem Album „Beach Boys’ Party!“
Erschienen auf: „Help!“
