Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Die komplette Liste

Bruce Springsteen sagte einmal über Max Weinberg, seinen unglaublich zuverlässigen Schlagzeuger seit über vier Jahrzehnten: „Ich bitte ihn darum, und er liefert mir Nacht für Nacht. “ Überlassen wir es Bruce, den perfekten Tribut an die wahren Arbeitstiere der Musik zu zahlen. Die Jungs ganz hinten, hinter all dem Zeug, die der Musik ihre Stärke und ihren Drive, ihren Zusammenhalt und ihre Kontur und einen großen Teil ihrer Persönlichkeit verleihen, oft ohne die Anerkennung zu bekommen, die sie verdienen. Haben Sie jemals dumme Gitarristenwitze gehört? Genau.

Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Die komplette Liste

Das ist also unsere großartige Gelegenheit, den Schlagzeugern etwas zurückzugeben. Bei der Erstellung unserer Liste der 100 größten Schlagzeuger aller Zeiten haben wir Nuancen und Musikalität höher bewertet als Technik und Effekthascherei. Und Spieler gewürdigt, die den Wert der Unterstützung eines großartigen Songs mehr schätzen als eine Show mit einem albernen Solo zu dominieren.

Das bedeutet, dass Sie neben Meistertrommlern wie John Bonham, Ginger Baker, Keith Moon und Neil Peart sowie athletischen Soundmalern wie Stewart Copeland und Bill Bruford auch schnörkellose, brillante Session-Musiker finden, die Sie seit Jahren im Radio lieben. Wie Jim Keltner und Steve Gadd. Frühe Rock’n’Roll-Beat-Definierer wie Jerry Allison und Fred Below. Funk-Genies und Disco-Titanen wie Clyde Stubblefield und Earl Young. Sowie unorthodoxe Punk-Minimalisten wie Maureen Tucker und Tommy Ramone.

Bill Berry von R.E.M. sagte einmal gegenüber dem Magazin „Modern Drummer“: „Ich glaube, ich bin nicht wirklich ein ‚Modern Drummer‘ Schlagzeuger.“ Aber sein unauffälliger Beitrag zu der Band, in der er spielte, ist mehr wert als ein Stapel staubiger VHS-Kassetten mit Schlagzeugunterricht. Nicht, dass wir uns nicht das YouTube-Video ansehen könnten, in dem Jeff Porcaro erklärt, wie er auf den „Rosanna“-Groove gekommen ist, bis unsere Augäpfel zu Asche werden.

Eine wichtige Einschränkung: Wir haben Rock und Pop als Rubrik verwendet. Daher musste die Arbeit eines Schlagzeugers einen direkten Einfluss auf diese Welt haben (wie wir sie natürlich definieren), um in die Liste aufgenommen zu werden. Das bedeutete, dass Dutzende wichtiger Jazzkünstler wie Max Roach und Roy Haynes, deren Innovationen viele der unten aufgeführten Musiker inspiriert haben, nicht berücksichtigt werden konnten. Diese Liste ist ein Denkmal für sich, das wir hoffentlich bald erstellen können. Für den Moment lassen wir die Diskussionen beginnen.

Die 100 besten Schlagzeuger aller Zeiten: Die komplette Liste

100. Christian Vander

Man könnte sagen, dass der französische Bandleader Christian Vander zu den besten Schlagzeugern gehört, die nicht in erster Linie für ihr Schlagzeugspiel bekannt sind. Das liegt wahrscheinlich in der Natur der Sache, wenn man Gründer einer extravaganten kosmischen Prog-Band ist, die seit 1969 mit Unterbrechungen aktiv ist und in einem Zappa-ähnlichen Jazz-Rock-Idiom namens „Zeuhl“ spielt. Was in Kobaïan, der erfundenen Sprache, in der Magma auftritt, „himmlisch“ bedeutet.

Aber in Vanders unbändiger Energie, seinem rollenden Beat und seinem lockeren, aber klaren Timing hört man deutlich, dass er ein Anhänger des Jazz-Titanen Elvin Jones ist. Und damit auch von Jones‘ berühmtestem Arbeitgeber. „Die Musik von Magma entstand an einem Frühlingstag aus meiner Liebe zu John Coltrane und meiner tiefen Traurigkeit über die Unfähigkeit der Menschen, einander zu verstehen”, sagte Vander in einem Interview im Jahr 2015.

99. Travis Barker

Travis Barker von Blink-182 ist einer der berühmtesten Schlagzeuger des neuen Jahrtausends. Dank seiner Hardcore-Sensibilität, seiner Skater-Ästhetik, seiner Hip-Hop-Energie, seiner Pop-Ausstrahlung und seinem Reality-TV-tauglichen Babyface. Ganz zu schweigen von seiner Leichtigkeit, mit EDM-Superstars oder Rappern zusammenzuarbeiten und in seiner Freizeit als DJ aufzulegen.

Es ist seine vielseitige Einstellung zum Rhythmus, die alles, was er tut, auf ein höheres Niveau hebt. „ Ich kann den ganzen Tag lang Beats spielen. Und das ist etwas, das mich bewegt. Ich habe noch nie von einem Schlagzeuger gehört, der Leuten solche Beats liefert und sie meinen Hip-Hop-Freunden zukommen lässt“, sagte Barker gegenüber dem Drum! Magazine. Er ist ein animalischer Künstler, der wild performt und keine Angst hat, theatralisch zu sein.

98. Steven Adler

Das bahnbrechende Debütalbum von Guns N‘ Roses, „Appetite for Destruction”, verdankt einen Großteil seiner Kraft den spannungsgeladenen und dennoch swingenden Beats von Steven Adler. Dem energiegeladenen, etwas trotteligen Schlagzeuger der Band. „Es ist Stevens Verdienst, und das wissen die meisten nicht, dass das Feeling und die Energie von Appetite größtenteils ihm zu verdanken sind“, schrieb Slash in seiner Autobiografie.

„Er hatte einen unnachahmlichen Schlagzeugstil, der nicht wirklich zu ersetzen war. Eine fast jugendliche Leichtigkeit, die der Band ihren Funken verlieh.“ Bassist Duff McKagan stimmte zu. „Ohne seinen Groove hätten wir viele dieser Riffs nie geschrieben“, sagte er 2011 gegenüber The Onion A.V. Club. Adler, der 1990 aus der Band entlassen wurde, wurde durch technisch versierte Schlagzeuger wie Matt Sorum und Frank Ferrer ersetzt. Aber niemand kann seinen überschwänglichen, whiskeygetränkten, jugendlichen Puls richtig einfangen.

97. Cindy Blackman

1993 änderte Blackman den Verlauf ihrer Karriere und wechselte von einer Jazz-Größe im Stil von Tony Williams zu einem Rockstar, der in Arenen auftritt. Als Mitglied der Live-Band von Lenny Kravitz. Nachdem der Singer-Songwriter sie mit einem Vorspielen überrascht hatte, wurde sie plötzlich in seine Sphäre katapultiert, trat im Video zu „

„Meine Aufgabe [bei Lenny] ist es, stundenlang einen Beat zu spielen. Dafür zu sorgen, dass er sich gut anhört. Und ihn mit spannenden Fills und Farben zu versehen, wenn es geschmackvoll passt”, erklärte sie gegenüber The Villager und kommentierte damit ihre doppelte Begabung. „ Meine Aufgabe in meiner Band oder in einer kreativen Situation ist etwas ganz anderes. Wir beginnen vielleicht mit einem Groove, der sich großartig anfühlt. Den spiele ich dann vielleicht auch stundenlang. Aber ich werde ihn erforschen, erweitern und verändern. Mit dem Rhythmus spielen und mich mit den Solisten austauschen. “

Blackmans ausgeprägter Improvisationsinstinkt und ihre beeindruckende genreübergreifende Kompetenz, die sie in Projekten wie dem Williams-Tribut Spectrum Road unter Beweis gestellt hat, dürften ihr bei Mega Nova zugutekommen. Einem Projekt mit ihrem Ehemann Carlos Santana und den Jazzgrößen Herbie Hancock und Wayne Shorter.

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96. Larry Mullen Jr.

Das einzige Mitglied von U2, das tatsächlich wie ein Rockstar aussieht, begann seine Karriere Ende der 70er Jahre als Post-Punk-Amateur mit geringer Arbeitsplatzsicherheit. Irgendwann erwogen seine Bandkollegen, ihn aus der Band zu werfen, was bei den Aufnahmen zum ersten Demo von U2 von einem Plattenmanager unterstützt wurde, der über Mullens unzuverlässiges Timing entsetzt war.

Er schaffte jedoch die Wende. Und wurde zu einem der einflussreichsten Schlagzeuger der Rockgeschichte. Technisch versiert und überraschend funkig treibt Mullen den Groove von U2 immer weiter in Richtung Zukunft. Von den martialischen Snare-Schlägen, die „Sunday Bloody Sunday” einleiten, bis hin zum menschlichen Herzschlag inmitten der clubartigen Elektronik von „Achtung Baby”.

Er argumentierte gegenüber Produzent Brian Eno, dass ein Klick-Track einen Bruchteil eines Beats von der Band abweiche. Nachdem der Schlagzeuger das Studio verlassen hatte, stellte Eno fest, dass er um sechs Millisekunden verschoben war. „Die Sache ist die“, sagte Eno gegenüber The New Yorker, „als wir ihn einstellten, hatte ich ihn einmal zwei Millisekunden auf der falschen Seite des Beats. Und er sagte: ‚Nein, du musst ein bisschen zurückkommen. Was ich absolut umwerfend finde.“

95. Chris Dave

„Mein schlimmster Albtraum: Chris Dave ist sein Schlagzeuger“, sagte Questlove einem Interviewer im Vorfeld von D’Angelos Live-Comeback 2012. „Man braucht den gefährlichsten Schlagzeuger, den es gibt, auf dieser Tour.“ Der bescheidene 42-jährige R&B-Spezialist, bekannt als Daddy, ist zwar kein bekannter Name. Aber unter Kennern legendär. Ähnlich wie eine Cadillac-Kühlerfigur oder ein Tiffany-Logo ist ein Chris-Dave-Credit auf einer Session ein Zeichen von purer Klasse. Er ist auf einigen der bekanntesten Alben der zeitgenössischen Popmusik zu hören. Darunter Adeles „21“ und D’Angelos „Black Messiah“.

Obwohl er Jazzgrößen wie Tony Williams verehrte – und diese Inspirationen später in seiner erstaunlichen Arbeit mit Improvisationskünstlern wie Robert Glasper umsetzte –, hat er seinen größten Einfluss als Schlagzeuger hinterlassen, der sich perfekt auf die Stottern und Aussetzer des samplebasierten Hip-Hop einstellt. Daves große Gabe ist es, ohrenbetäubende Beats zu kreieren, die er oft auf einem aufgemotzten Schlagzeug mit bis zu fünf Snare Drums realisiert. Und die sich dennoch wunderbar in die Textur des Ensembles einfügen.

94. Meg White

Meg Whites eigenwillige, ursprüngliche Art zu trommeln war grundlegend für die Anziehungskraft der White Stripes, die mit ihren bonbonfarbenen Outfits und ihrem reduzierten Blues in den frühen 2000er Jahren zum Rockstarruhm aufstiegen. Songs wie „Dead Leaves and the Dirty Ground” und „Blue Orchid” wurden durch ihren täuschend einfachen Backbeat zum Leben erweckt, der den Stomp der Stripes mitprägte.

„Ich habe sie oft auf der Bühne angesehen und gesagt: ‚Ich kann nicht glauben, dass sie hier oben steht. Ich glaube, sie hat nicht verstanden, wie wichtig sie für die Band, für mich und für die Musik war“, sagte Jack White 2014 gegenüber dem Rolling Stone. „Sie war das Gegenteil einer modernen Schlagzeugerin. So kindlich und unglaublich und inspirierend. Dass sie nicht sprach, spielte keine Rolle. Auf der Bühne? Nichts, was ich tue, kann das übertreffen.“

93. Tomas Haake

Tomas Haake, das raffinierte Fundament des dröhnenden, experimentellen Sounds der schwedischen Metal-Band Meshuggah, erzeugt ein ungewöhnliches Gefühl, indem er mit der rechten Hand einen Standard-4/4-Beat spielt und mit allen anderen Fingern polyrhythmische Trommelwirbel. Das Ergebnis sind Beats, die oft wie das mechanische Aufheulen eines Lamborghini Diablo SV klingen.

Seit Meshuggahs erstem Album „Contradictions Collapse“ aus dem Jahr 1991 hat Haake seinen Ansatz modifiziert, indem er elektronische Beats und immer raffiniertere Drum-Patterns hinzufügte, die er den Gitarristen Fredrik Thordendal und Mårten Hagström zu verdanken hat. „Die Jungs schreiben alle am Computer. Ich emuliere, was sie geschrieben haben“, sagte Haake. „ Das führt manchmal zu unbeholfenem Schlagzeugspiel. Aber gleichzeitig ist es eine große Herausforderung und ein Hindernis, das es zu überwinden gilt. Das hält mich wirklich auf Trab.“

92. Ralph Molina

Neil Young hat in den letzten 50 Jahren mit vielen Schlagzeugern gespielt. Aber er kommt immer wieder auf Ralph Molina zurück, den er während seiner Zeit bei Buffalo Springfield kennengelernt hat, als Molina Mitglied der Rockets war. Wie seine Crazy-Horse-Kollegen ist Molina das Gegenteil eines virtuosen Schlagzeugers, der immer das Gleiche spielt.

„Ich kann anfangen, Gitarre zu spielen. Ralph kann den falschen Takt aufnehmen und ihn rückwärts spielen“, erzählte Young seinem Biografen Jimmy McDonough. „Das passiert ständig. Bei professionellen Gruppen kommt das nie vor.“ Das meint er nicht als Beleidigung. Es ist diese Art von rohem, aus dem Bauch heraus gespielten Musik. Und ein Gespür für erdige Backbeats, die mit elementarer Anmut unter Youngs charakteristischen Fuzz-Tönen dahinschweben –, die Molina dabei half, den Grundstein für „Down by the River“, „Cinnamon Girl“ und andere zeitlose Klassiker zu legen.

„Wir kennen die Songs nicht, wir haben keine Noten“, sagte Molina 2011 über seine Arbeit mit Young. „Wir fangen einfach an zu spielen. Die Magie scheint einfach zu passieren …“ Der Beweis dafür ist auf jeder Crazy-Horse-Aufnahme von „Everybody Knows This Is Nowhere“ aus dem Jahr 1969 bis „Psychedelic Pill“ aus dem Jahr 2012 deutlich zu hören.

91. Brian Chippendale

„All unsere Sachen sind ein Weg, um uns zu etwas zu bringen, das vielleicht ein neuer Teil von etwas Musikalischem ist“, sagte Brian Chippendale. „Oder einfach dieses Gefühl von ‚Ich werde nicht aufhören. Ich werde so lange trommeln, wie ich kann.‘“ Chippendales langjähriges Duo Lightning Bolt behandelt Noise-Rock wie Körpermusik. Seine Bassdrum pulsiert gekonnt neben Brian Gibsons Fuzz-Gush-Bass. Und seine Hochgeschwindigkeits-Snare-Maschine feuert wie ein Maschinengewehr durch einen Day-Glo-Nebel.

Absolut ohrenbetäubend auf einem einfachen Vier-teiligen Kit, völlig konzentriert, während Fans über sein Equipment stolpern, ist er ein Beispiel für Extreme, zu denen man tanzen kann. Und der inoffizielle Botschafter einer Generation bahnbrechender Avantgarde-Rock-Percussionisten des 21. Jahrhunderts, zu denen Zach Hill (Death Grips, Hella) und Greg Saunier (Deerhoof) gehören.

„Lightning Bolt war vor ein paar Jahren in England und trat bei All Tomorrow’s Parties auf. Es gab diesen kleinen Ausschnitt, den mir, glaube ich, alle meine Freunde geschickt haben“, erzählte Björk „Pitchfork“ über die Verpflichtung von Chippendale für ihr 2007er Album Volta. „Ich habe mir das so oft angesehen. Und hätte nie im Leben gedacht, dass ich einmal mit jemandem wie ihm zusammenarbeiten würde.“

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90. Janet Weiss

„Janet hat einen Drum-Part komponiert, der so kraftvoll und solide war, dass wir praktisch mit dem Kopf dagegen schlagen konnten“, erzählte Corin Tucker Drum! darüber, wie Janet Weiss zu Sleater-Kinney kam. „Dann waren wir zu dritt.“ Seit sie sich 1996 mit Tucker und Carrie Brownstein zusammengetan hat, ist Janet Weiss das kraftvolle Fundament der Alternative-Rock-Institution. Sie bringt ihr Talent auch bei Bright Eyes, den Jicks, den Shins und anderen ein.

Am einflussreichsten ist jedoch ihre Arbeit mit Sleater-Kinney, wo sie für ein konstantes Gleichgewicht zwischen Songdienstbarkeit und ursprünglicher Aggression sorgt. „Musik ist für mich die unmittelbarste aller Kunstformen. Vielleicht weil ich körperlich bin. … Ich schlage auf Dinge ein. Unsere Musik hat etwas Körperliches. Wir nutzen jeden Teil unseres Körpers“, sagte sie in einem Interview mit Paper über ihre Supergroup Wild Flag. „Frauen dürfen oft keine Tiere sein. Und wir sind es.“

89. Bill Stevenson

Bill Stevenson lieferte den wütenden Backbeat für zwei bahnbrechende SoCal-Punk-Bands. 1977 gründete der pickelige 14-Jährige Stevenson die Descendents, deren herzzerreißende Proto-Emo-Hymnen – geprägt von Stevensons charakteristischen Maschinengewehr-Snare-Rolls und oft auch von ihm geschrieben und produziert – den Grundstein für Bands wie Green Day, Blink-182, Fall Out Boy und Weezer.

Ab Anfang der 80er Jahre war er Schlagzeuger der legendären L.A.-Punkband Black Flag während ihrer wohl kreativsten Phase. Wie auf Alben wie My War und Slip It In zu hören ist, beflügelte sein gleichmäßiger und doch wandelbarer Puls Gitarrist Greg Ginns Erkundung aller Stilrichtungen. Von monolithischem Art Metal bis hin zu Punk-gone-Jazz. Stevenson, der mit Descendents, ihrer Ablegerband All und dem Black-Flag-Tributprojekt Flag viel auf Tour ist, führt den hyperaktiven Charakter seines Spiels auf einen alltäglichen Einfluss zurück. Koffein.

„In unserer Band tranken wir vor dem Spielen jede Menge Kaffee, oder ich aß 50 Snickers-Riegel“, sagte er 2014.

88. Jon Theodore

Jon Theodore ist der bekannteste Super-Schlagzeuger der zeitgenössischen Rockwelt. Ein Musiker, der die Stile der wichtigsten Vorbilder der 70er Jahre verinnerlicht hat. Die überirdische Leichtigkeit von Billy Cobham, die elefantenhafte Kraft von John Bonham. Und der ihre Ansätze aktualisiert hat, um sie den Anforderungen moderner Arena-Shows anzupassen.

Theodore machte erstmals Anfang der 2000er Jahre auf sich aufmerksam, als er mit The Mars Volta umwerfenden, von Latin-Einflüssen geprägten Prog spielte. „Ich habe einige seiner ersten Auftritte als Mitglied von The Mars Volta gesehen“, sagte Zack de la Rocha von Rage Against the Machine, der später mit Theodore in der kraftvollen Guerilla-Funk-Band One Day as a Lion spielte. „Es war klar, dass die Musikszene in L.A. nie mehr dieselbe sein würde, jetzt, wo er hier war.“ Aber es war eine Empfehlung von Dave Grohl, die Theodore zu seiner bislang prominentesten Rolle verhalf. „Dave meinte so etwas wie: ‚Weißt du, der Typ, der mich wirklich umhaut, ist Jon Theodore‘“, erinnert sich Josh Homme, Frontmann von Queens of the Stone Age, der Theodore 2013 zu QOTSA holte.

Der Auftritt ist offenbar kein Einzelfall. Als Skrillex, Diplo und Justin Bieber bei den Grammys 2016 „Where Are Ü Now“ mit einer Live-Band neu interpretierten, saß Jon Theodore hinter dem Schlagzeug.

87. George Hurley

Als das bahnbrechende Trio The Minutemen aus San Pedro, Kalifornien, 1980 sein Debütalbum veröffentlichte, gab es Hardcore-Punk noch kaum. Aber die Band hatte dieses Genre bereits hinter sich gelassen und fusionierte Funk, Avant-Rock und Folk zu wunderschön verkürzten Explosionen komplexer Offenbarungen. Die frenetische und kontraintuitive – und doch seltsam natürlich klingende – Musik der Band wäre ohne George Hurley, einen Jazzfan, dessen unglaubliche Geschwindigkeit, Vielseitigkeit und Nuancen ihn zum innovativsten Schlagzeuger der amerikanischen Indie-Rock-Szene der 1980er Jahre machten, vielleicht im Chaos versunken.

Hier nur einige Beispiele von Dutzenden. Der bissige Swing in „Search” und „The Big Foist”, die flinke Synkopierung in „I Felt Like a Gringo”, der zerklüftete Jazz-Sturz in „Split Red” und der Hämmernde Rhythmus in „East Wind/Faith”, der mit einem der seltenen Drum-Soli des Punkrocks aufwartet. „Ich mag R&B-Musik”, sagte er. „Ich mag den Raum und die Entspannung, die sie bietet. Gleichzeitig mag ich auch abgehackte und fragmentarische Dinge. Also versuche ich, beides miteinander zu verbinden. Ich schätze, es ist so etwas wie eine Corn-Nuts-Suppe!“

86. Phil Rudd

Der langjährige AC/DC-Schlagzeuger Phil Rudd hat in letzter Zeit mehr Schlagzeilen gemacht, weil er einem ehemaligen Mitarbeiter mit dem Tod gedroht und Meth und Gras besessen hat, als in seinen 29 Jahren als einfacher, rockiger Schlagzeuger mit makellosem Timing. Das ist schade, denn Rudds ökonomischer Stil und sein monströser Groove haben den Weg für den Ruhm der legendären Band geebnet.

Als einer der konsequentesten Minimalisten im Hardrock-Schlagzeugspiel beeinflusste Rudd eine ganze Reihe internationaler Musiker. Von Christoph Schneider von Rammstein bis Eric Singer von Kiss. „Er spielt auf die ökonomischste und dennoch effektivste Art und Weise“, sagte Singer. „Sein Gefühl ist wirklich das Herz und die Seele der Band.“ Rudd kam 1975 zu AC/DC, wo er Peter Clark ersetzte. Er spielte auf sieben Studioalben, bevor Sänger Bon Scott durch einen „Unfalltod“ ums Leben kam.

Nach einer Phase des Drogenmissbrauchs und einer körperlichen Auseinandersetzung mit Rhythmusgitarrist Malcolm Young wurde Rudd 1983 entlassen. Ende 1993 kehrte er zu AC/DC zurück und spielte auf weiteren vier Alben. Sein schlankes, knallhartes Markenzeichen blieb auf „Rock or Bust“ aus dem Jahr 2014 glorreich intakt –bevor er durch seinen jüngsten Skandal aus der Bahn geworfen wurde.

85. Tommy Lee

Tommy Lees der Schwerkraft trotzende Schlagzeugsoli und seine Vorliebe, so wenig Kleidung wie möglich zu tragen, machten ihn zu einem Star. Aber sein Schlagzeugspiel bei Mötley Crüe war genauso wichtig wie seine Starpower. Lees frenetisches Getrommel trug dazu bei, den Glam-Punk-Reiz von Mötleys Debütalbum Too Fast for Love zu definieren, während der erderschütternde Beat, der den Titelsong von Dr. Feelgood antrieb, so bedrohlich und überwältigend klang wie die Geschichten des Songs über die drogengetriebene Dekadenz der Achtzigerjahre.

Sein „Traum-Schlagzeug“, das er 2015 auf der letzten Tournee von Mötley Crüe mitnahm, entspricht seiner reduzierten Ästhetik. „Ich habe jetzt ein komplett durchsichtiges Schlagzeug, damit die Leute genau sehen können, was ich mache“, sagte er. „Die meisten Schlagzeuger sind mit einer Million Trommeln bedeckt. Und alle fragen sich: ‚Was machst du da hinten?‘“

84. John Stanier

„Wenn man mit Loops spielt, ist der Loop eigentlich der Schlagzeuger“, sagte John Stanier 2011 in einem Interview über den Hightech-Ansatz seiner Band Battles. „Indirekt ist das eigentlich die treibende Kraft hinter der Show.“ Dennoch steht außer Frage, dass Stanier auf der Bühne derjenige ist, der das Sagen hat. Und die Performance mit schlanken, pulverisierenden, furios tanzbaren Beats vorantreibt.

Als die Alt-Metal-Größen der Neunziger, Helmet, 1992 mit ihrem Millionen-Seller-Album Meantime den Mainstream eroberten, definierten sie den Sound des Heavy Rock neu. Ihr Aufstieg war zu einem großen Teil Stanier zu verdanken, dessen kraftvoller und dennoch mathematischer Ansatz am Schlagzeug die ausgefeilten Riffs von Page Hamilton in eine neue Dimension präziser Schlagkraft hob. Aufgewachsen mit Neil Peart und geschult in Drum-Corps-Techniken, reduzierte Stanier das Rock-Schlagzeugspiel auf das Wesentliche. Ein Trend, der bei Battles seinen Höhepunkt erreichte.

„Es war eine Reaktion auf die Multi-Instrumentalität und Komplexität der anderen Jungs“, sagte er über sein reduziertes Schlagzeug, das mit einem einzigen hoch aufragenden Crash-Becken ausgestattet war. „Aber auch auf das, was ich zuvor gemacht hatte und was die Schlagzeuger der damaligen Zeit machten. “ Staniers Gabe besteht darin, das Minimale monolithisch wirken zu lassen.

83. Ronald Shannon Jackson

Hätte Ronald Shannon Jackson zwischen 1966 und 1978 lediglich mit den Avantgarde-Jazz-Ikonen Albert Ayler, Ornette Coleman und Cecil Taylor gespielt, wäre sein Ansehen bereits gesichert gewesen. Aber Jackson, der Parade-Drumming-Patterns, afrikanische Rhythmen und Funk in einen einzigartigen, sofort erkennbaren Stil integrierte, gründete anschließend seine von der Kritik gefeierte Decoding Society, aus der der Living Colour-Gitarrist Vernon Reid und der Rollins Band-Bassist Melvin Gibbs hervorgingen.

„Er verband Blues-Shuffles mit afrikanischen Synkopen durch die Linse eines Menschen, der allen möglichen Emotionen freien Lauf ließ“, sagte Reid 2003 in einem Artikel der Fort Worth Weekly über den verstorbenen Schlagzeuger und Komponisten. „Ich finde, dass die Kollision der Werte in seiner Musik wirklich die amerikanische Kultur repräsentiert.“

Jacksons seismisches Dröhnen prägte auch Sessions unter der Leitung von John Zorn und Bill Laswell. Und erreichte seinen Höhepunkt in Last Exit, einem kompromisslosen Punk-Jazz-Quartett mit Laswell, dem Saxophonisten Peter Brötzmann und dem Gitarristen Sonny Sharrock.

82. Glenn Kotche

Umgeben von dem, was Bandleader Jeff Tweedy als seine „In-Glenn-tions” bezeichnet, bringt Glenn Kotche Wilco die Sensibilität eines Orchesterpercussionisten, den Experimentierdrang eines Indie-Rockers und solide Dad-Rock-Fähigkeiten ein. Kotche, der rechtzeitig zum bahnbrechenden Album „Yankee Hotel Foxtrot“ zur Band stieß, hat sein Schlagzeug ausgestattet mit einem Vibraphon, MIDI-Effekten, Gongs, einer Radkappe, gestimmten antiken Becken, mit Pellets gefüllten Tischtennisbällen und einem Luftschlauch, der mit seiner Floor Tom verbunden ist.

Manchmal „bereitet“ er sein Schlagzeug vor, indem er Ketten darauf legt oder Perlen und Reis über die Felle streut. In seinen eigenen Kompositionen erforscht Kotche zufällige und koinzidente Rhythmen (d. h. unbeabsichtigte Polyrhythmen) in Zusammenarbeit mit So Percussion und anderen experimentierfreudigen Ensembles für zeitgenössische Musik. „Ich halte ihn für einen der besten Schlagzeuger der Welt“, sagt Tweedy. „Wir haben ein unglaubliches musikalisches Vertrauensverhältnis.“ Darauf würde der Jim-Keltner-John-Cage-Hybrid antworten: „Ich bin da, um den Songs zu dienen.“

81. JR Robinson

John „JR“ Robinson bezeichnet sich selbst als den „meistaufgenommenen Schlagzeuger der Geschichte“, was einen Eindruck von der umfangreichen Diskografie eines der gefragtesten Schlagzeuger der Popmusik vermittelt. „I’m So Excited“ von den Pointer Sisters. „Higher Love“ von Steve Winwood. „Ain’t Nobody“ von Rufus und Chaka Khan. Ein Großteil von Daft Punks „Random Access Memories“. Und kein weniger titanischer Song als „We Are the World“.

Vor allem aber legte Robinson den Disco-Rock-Funk-Pop-Grundstein für Michael Jacksons bahnbrechendes Album „Off the Wall“. Robinsons Auffassung von Schlagzeugern als Zeitnehmern unterstützt nur seine angeborene Fähigkeit, Songs mit subtilen Gesten zu bereichern. „Er ist der einzige Schlagzeuger, den ich jemals in meinem Leben bitten könnte, eine Bar-Einleitung zu Michael Jacksons ‚Rock With You‘ zu spielen“, sagte Quincy Jones beim Montreux Jazz Festival anlässlich seines 75. Geburtstags. „Ich sagte: ‚Ich möchte einen Drum-Lick, den die ganze Welt mitsingen kann‘ … und sie sangen ihn.“

80. Steve Jordan

Aufgewachsen in einer starken Tradition von R&B und Soul, begann Steve Jordan als Teenager mit Stevie Wonder zu spielen. Er entwickelte sich bald zu einem vielseitigen Musiker, der sich gleichermaßen in improvisiertem Jazz-Fusion und sparsamem, geradlinigem, gefühlvollem Rock auskannte. Ein Jahrzehnt jünger als die meisten Rockgrößen der Sechzigerjahre, war er der Mann, der für neuen Schwung sorgte.

Er ist Mitglied von Keith Richards and the X-Pensive Winos. Spielte für Neil Young in den Achtzigern. Tourte ausgiebig mit Eric Clapton. Und war sogar Teil der fiktiven Reunion-Band The Blues Brothers. (Er hat auch enge Beziehungen zur jüngeren Generation geknüpft und ist das Rückgrat von John Mayers charakteristischem Trio. )

Locker und selbstbewusst wurde Jordan zu einem Meister aller Disziplinen. Der alles, was er spielte, mit seinem unverwechselbaren Swing erfüllte. „Wenn man ein starrer Mensch ist, kann man meiner Meinung nach weder selbst swingen noch andere zum Swingen bringen“, sagte er über seine Technik. „Ich würde jederzeit einen Schlagzeuger ohne Technik einem effizienteren Schlagzeuger vorziehen, wenn er besser swingt.“

79. Mick Avory

„Wenn es nie über die harten Sachen hinausgegangen wäre, wäre ich nicht sehr geeignet gewesen“, sagte Kinks-Schlagzeuger Mick Avory. Das könnte ein Grund dafür sein, dass die Kinks für ihren Proto-Metal-Hit „You Really Got Me“ einen Session-Schlagzeuger engagierten (obwohl Avory Tamburin spielte). Aber als Kinks-Frontmann Ray Davies als Songwriter reifer wurde, entwickelte sich Avory zu einem der stilleren innovativen Schlagzeuger der Sechzigerjahre.

„Ich weiß nicht, ob sich Rays Songwriting meinem Spielstil anpasste oder ob ich mich seinem Songwriting anpasste.“ Mit seiner durch Jazz geprägten Vielseitigkeit und seinen witzigen Drum-Kadenzierungen war Avory, der 1962 von den Rolling Stones umworben worden war, in der Tat der ideale rhythmische Gegenpart zu Ray Davies‘ sarkastischem, ausgereiftem Stil.

Während Avorys Spiel raffiniert und zurückhaltend war, waren seine Bühnenstreitereien mit dem Gitarristen Dave Davies legendär. Als Dave 1965 am Ende eines Konzerts in Cardiff Avorys Schlagzeug zerstörte, bekam er dafür ein Drum-Pedal an den Kopf geworfen. Dennoch gelang es Avory irgendwie, bis 1984 nicht aus der Band geworfen zu werden.

78. Micky Waller

Waller, ein jazzgeschulter Fixpunkt der Londoner Blues-Szene, kam 1967 zu seinem Durchbruch, als er sich der Jeff Beck Group anschloss. Sein unverwechselbarer „Waller Wallop” prägte einen Großteil von Becks Truth, dem fehlenden Bindeglied zwischen Hard Blues und Heavy Metal. Waller spielte auch auf Rod Stewarts frühesten Soloalben Schlagzeug. Wobei sein größter Moment aus einer Session im Jahr 1971 stammt, zu der er ohne Becken erschien.

Rod konnte es sich nicht leisten, die Studiozeit zu verschwenden. Also nahm er „Maggie May” trotzdem auf, mit Wallers so heftigen und gleichmäßigen Schlägen, dass Kritiker Greil Marcus witzelte, er verdiene den Nobelpreis für Physik. „Wir haben die Becken später überlagert, sodass man sie nur noch leise hört”, erinnert sich Stewart. „Dass Micky vergessen hatte, seine Becken mitzubringen, gab ‚Maggie May’ tatsächlich einen schärferen Beat.”

77. Moe Tucker

Ihr ungewöhnlicher Schlagzeugstil inspirierte Millionen von Bands. So einflussreich war der scheinbar primitive, aber kunstvoll raffinierte Stil von Maureen „Moe“ Tucker in der klassischen Besetzung von Velvet Underground. Sie beeinflusste Künstler von Patti Smith über R.E.M. bis hin zu Nirvana. Tatsächlich konnte Tucker sich neben den Velvet-Frontmännern Lou Reed und John Cale behaupten, wenn es um den avantgardistischen Klang-Ikonoklasmus der Sechzigerjahre ging.

Sie stand statt zu sitzen hinter ihrem Schlagzeug. Spielte mit Schlägeln statt mit Sticks. Und vermied Becken, sofern sie nicht unbedingt notwendig oder unerwartet waren.

Bei VU-Klassikern wie „Heroin“ “ scheint Tucker ganz auf das Halten des Taktes zu verzichten und schwillt und stottert mit den emotionalen Höhen und Tiefen des Songs. „Ich halte Maureen Tucker für eine geniale Schlagzeugerin“, sagte Lou Reed 2003. „Ihr Schlagzeugstil, den sie selbst erfunden hat, ist unglaublich.“

76. Earl Young

1973 erfand Earl Young für Harold Melvin and the Blue Notes‘ Nummer-1-R&B-Hit „The Love I Lost“ den Disco-Beat. Alle vier Schläge eines Takts werden auf der Kick-Drum gespielt. Dieses unendlich anpassungsfähige rhythmische Muster war der Puls eines Jahrzehnts und ist auch heute noch allgegenwärtig, wo immer Tänzer sich austoben.

Als Teil der Session-Crew MFSB legte Young auch den musikalischen Grundstein für Philly Soul. Er wirkte an Platten der O’Jays, der Spinners und seiner eigenen Band The Trammps mit. Aber sein einzigartiger Beitrag lebt am lautesten weiter und nahm mehr als 30 Jahre House-Musik vorweg, die noch immer Festivals füllt. „Ich habe keine Drum Machine“, sagte er. „Damals war ich die Drum Machine.“

75. Earl Hudson

Die wilde D.C.-Hardcore-Band Bad Brains begann als Jazz-Fusion-Crew, und Earl Hudson behielt seine hervorragenden Fähigkeiten, als das Tempo auf Lichtgeschwindigkeit erhöht und gegen eine Wand geschleudert wurde. Dave Grohl von Nirvana gibt zu, dass er seine Moves für das Intro zu „Smells Like Teen Spirit“ geklaut hat. Er sagte gegenüber Modern Drummer: „Ich habe alle [seine] Licks wortwörtlich gelernt.“

Als der Hardrock-Schlagzeuger Chad Smith zu den punkigen Red Hot Chili Peppers kam, sagte ihm Frontmann Anthony Kiedis, er solle sich damit vertraut machen. Schließlich wurden Bad Brains langsamer, weiteten sich auf Metal, Reggae und Funk aus und gaben Hudson mehr Raum, seine geschmeidige Vielseitigkeit zu zeigen. Aber er wird immer als der Hauptarchitekt des amerikanischen Hardcore bekannt bleiben.

74. Michael Shrieve

Als Santana am zweiten Tag des Woodstock-Festivals zwischen Country Joe McDonald und John Sebastian auf die Bühne kam, standen sie vor einem Meer von Zuhörern, die noch nie einen Ton ihrer Musik gehört hatten, da das Debütalbum der Gruppe noch nicht in den Läden erhältlich war. Aber schon ab den ersten Tönen von „Waiting“ war das Publikum von der einzigartigen Fusion aus mitreißenden Latin-Rhythmen und explosivem Psychedelic Rock der Band fasziniert.

Zusammengehalten wurde das Ganze vom 20-jährigen Schlagzeuger Michael Shrieve, dem jüngsten Performer des gesamten Festivals. Mit dem Conga-Spieler Michael Carabello auf der einen Seite und dem Timbales-Spieler Jose „Chepito“ Areas auf der anderen Seite legte Shrieve in der Mitte von „Soul Sacrifice“ ein rasantes, jazziges Solo hin, das auch nach fast 50 Jahren noch absolut atemberaubend ist. Santana trennte sich nur zwei Jahre später von fast allen seinen ursprünglichen Bandkollegen, als er sich der Fusion und anderen nicht-kommerziellen Stilen zuwandte. Aber Shrieve blieb an seiner Seite. Er war sogar Co-Produzent der Alben Welcome (1973) und Borboletta (1974).

Der Schlagzeuger arbeitete anschließend mit allen von der Pat Travers Band bis zu den Rolling Stones zusammen. Und stellte dabei sein beeindruckendes Spektrum unter Beweis. „Michael Shrieve hat mich auf Miles Davis und John Coltrane gebracht“, sagte Carlos Santana 2013. „Er hat meinem Herzen eine ganz neue Dimension eröffnet.“

73. Pete Thomas

In weniger als einem Jahr entwickelte sich Elvis Costello vom drahtigen Pub-Rock von My Aim Is True zum galligen Punk-Rausch von This Year’s Model. Ohne Mitch Mitchell-Fan Pete Thomas am Schlagzeug hätte er diesen großen Sprung nach vorne nicht geschafft. Auf den frühesten Alben von The Attractions spielte Thomas so, wie Elvis sang. Mit aufgestauter, dann hervorbrechender Wut, einem zögerlichen Stottern von Kick oder Snare, das an einen gescheiterten Versuch erinnerte, eine unvermeidliche Explosion zurückzuhalten. (Man denke nur an das mitreißende Intro zu „(I Don’t Want to Go to) Chelsea”.)

Als Costellos Songwriting immer mehr Nuancen erforderte, blieb Thomas sein idealer rhythmischer Komplize. Er spielte mit einem intuitiven Gespür, das aus der langjährigen Zusammenarbeit resultierte. „Pete Thomas ist mit Abstand der Rock-’n‘-Roll-Schlagzeuger seiner Generation“, twitterte Costello letztes Jahr. „Und dass man das in Umfragen nie liest, sagt alles, was man über ‚Umfragen‘ wissen muss, und nichts über Schlagzeuger.“

72. James „Diamond“ Williams

James Williams, der eine Jazzausbildung genossen hatte und beidhändig war, spielte bereits als Teenager in Barbands in Dayton. Als er 1974 zu den Ohio Players kam, gab es die Gruppe bereits seit anderthalb Jahrzehnten. Aber ihre Serie von Dance-Hits für Mercury Records stand erst am Anfang. Williams‘ schnörkelloses, aber zeitweise explosives Schlagzeugspiel trieb diese Tracks voran – sein stetiger Funk-Beat konnte selbst in Balladen wie „I Want to Be Free“ unerwartet in ausgelassene Fills ausbrechen. Obwohl er seinen Anteil an kniffligen Rhythmen beisteuerte, landete Williams beim Refrain eines Songs mit einem tanzbaren Rhythmus auf der Snare, der selten subtil oder verhandelbar war.

71. Butch Trucks und Jaimoe

Die Schlagzeuger Butch Trucks und Jai Johanny „Jaimoe” Johanson der Allman Brothers Band sind seit der Gründung der Gruppe unzertrennlich. Sie treiben alles voran, von den komplexen Rhythmen des legendären „Whipping Post” bis hin zu subtilen Stücken wie ihrer Interpretation von Muddy Waters‘ „Trouble No More”.

Jaimoes Stammbaum als Soul-Schlagzeuger der Sechzigerjahre mit Otis Redding und anderen verschmilzt mit Trucks‘ bluesigem, rockigem Puls zu einer ganz eigenen synkopischen Beat-Logik. Wie Jaimoe gegenüber Relix erzählte, versuchten er und Trucks 1974, Schlagzeugunterricht bei Elvin Jones zu nehmen, doch die Jazzlegende sagte ihnen nur: „Was wollt ihr denn? Ich weiß, wer ihr seid. Was soll ich euch denn beibringen?“

70. Tommy Ramone

„Er gab dem Punkrock seinen Puls“. So lautete die Überschrift des Nachrufs in der New York Times anlässlich des Todes von Tamás Erdélyi – besser bekannt unter seinem Künstlernamen Tommy Ramone – im Jahr 2014. Mit seinen rasanten Achtelnoten und seinen tribalartigen Floor-Tom-Bomben sorgte er für den Speed-Freak-Beat auf den bahnbrechenden ersten drei Alben der Ramones. Er passte sich damit dem Tempo von Johnny Ramones kreischender Gitarre an. („Nicht unähnlich einem schnellen Bohrer an einem Backenzahn“, so beschrieb Erdélyi seinen Stil.)

Er leistete auch wichtige Beiträge zum Songwriting des unsterblichen Kanons der Band. Er schrieb sogar „Blitzkrieg Bop“, das Joey Ramone als „Aufruf an alle, ihre eigenen Bands zu gründen“ bezeichnete. Dazu gehören Künstler von The Clash und Metallica bis hin zu so ziemlich jeder Band, die jemals auf der Warped Tour gespielt hat. Tatsächlich hallt Erdélyis charakteristischer Schlag immer noch so laut wie eh und je nach.

69. Dale Crover

„Bei einem Schlagzeuger wie Dale Crover merkt man sofort, wenn er bei Nirvana spielt. Denn er ist der beste Schlagzeuger der Welt“, sagte kein Geringerer als Nirvana-Schlagzeuger Dave Grohl. „Ich habe immer gedacht, wenn es [mit mir] nicht klappen sollte, könnten sie immer noch Dale holen.“

Obwohl man ihn auf neun offiziell veröffentlichten Nirvana-Tracks von „Bleach“ und B-Seiten hören kann, ist Crovers Hauptbeschäftigung seine seit über 30 Jahren andauernde Tätigkeit bei der unaufhaltsamen Art-Sludge-Institution The Melvins – zu gleichen Teilen Erdbebenmaschine, hartnäckiger Showman und Ad-hoc-Mathematiker, der den Ebbe-und-Flut-Riffs von Buzz Osborne im Stil von Beefheart folgt.

Angetrieben von seiner Liebe zu Kiss und Zeppelin, entsteht Crovers unverwechselbarer Sound durch Tom-Toms, die wie Kanonen explodieren, zischende Metallstreifen, stotternde Double Kicks und einen schweißtreibenden Angriff, der immer noch härter zuschlägt als dein Lieblings-Teenager-Punk.

68. Jerome „Bigfoot“ Brailey

Als George Clinton 1975 zum ersten Mal David Bowies „Fame“ im Radio hörte, wandte er sich an seinen neuen Schlagzeuger und sagte: „Merke dir diesen Beat für mich.“ Jerome Brailey, der Neuzugang bei Parliament-Funkadelic, filterte daraufhin den Stil von JB-Schlagzeuger Jabo Starks durch Bowies verschwommenen kosmischen Jive in „Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker)“.

Brailey blieb bis 1978 an Bord des Mutterschiffs. Er trieb viele der größten Hits von P-Funk mit seiner gleichmäßigen Kick-Drum, seiner wechselhaften Hi-Hat-Action und seinem komplexen, unvorhersehbaren Snare-Pattern voran, bevor ihn das Misstrauen gegenüber Clintons Buchhaltungstechniken dazu veranlasste, Mutiny zu gründen. Eine Gruppe, deren Funk so hart war, dass man sofort verstand, warum sie ihn Bigfoot nannten.

„Funk zu machen ist wirklich einfach”, sagte Brailey 2010 in einem Interview. „Es geht um den Nervenkitzel des Augenblicks. Funk kommt von innen. … Ich habe Shows mit Parliament gemacht, bei denen ich so funky war, dass ich es in meinen Knochen spüren konnte. Und dann kann es auch das Publikum spüren.”

67. Greg Errico

Greg Errico war gerade einmal 17 Jahre alt, als Sylvester Stewart den gebürtigen San Franciscaner einlud, seiner neuen Band Sly and the Family Stone beizutreten. Errico sollte eine der wichtigsten Rhythmusgruppen der Funkmusik von ihren ersten Aufnahmen bis zum epochalen Album „There’s a Riot Goin‘ On” mitgestalten.

Im Jahr 2015 erzählte Errico dem ROLLING STONE, dass ihm das Spielen mit den Family Stone auf dem Höhepunkt ihrer Karriere „die Haare zu Berge stehen ließ. Als würde die Bühne wie eine 747 abheben und davonfliegen”. Als die Family Stone 1971 in Unordnung geriet, war Errico der erste, der sich abwandte und schließlich mit Lee Oskar, Betty Davis und Funkadelic zusammenarbeitete. Nicht nur als Schlagzeuger, sondern auch als Produzent und Arrangeur.

66. Kenny Aronoff

Kenny Aronoff, der vor allem als John Mellencamps hart schlagender Schlagzeuger von 1980 bis 1996 bekannt ist, ist durchaus in der Lage, auffällige Fills zu spielen. Vergessen wir nicht den Tumble, der in die Bridge von „Jack and Diane“ überleitet. Aber er fühlt sich genauso wohl, wenn er im Pocket sitzt und einen soliden Beat hält. „[Als Schlagzeuger] bin ich der Angestellte”, sagte er gegenüber Esquire. „Meine Aufgabe ist es, zuzuhören. Zu lernen. Zu führen. Und ich verstehe, dass ich nicht der Boss bin.“

Mit seinem sechsten Sinn für das, was Musik zum Pop macht, und seiner Geduld, Anweisungen entgegenzunehmen, ist er zum gefragten Studio-Beatsmith für die Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Eric Clapton, John Fogerty, Sting, die Smashing Pumpkins, Lady Gaga und viele andere geworden.

65. Sly Dunbar

Der fast allgegenwärtige Reggae-Schlagzeuger Lowell Fillmore Dunbar spielte mit allen zusammen und ist aufgrund der Häufigkeit, mit der seine Riddims gesampelt wurden, wahrscheinlich der weltweit am häufigsten aufgenommene Musiker. Dunbar, der seinen Spitznamen aufgrund seiner Verehrung für Sly Stone erhielt, nahm im Alter von 15 Jahren seinen ersten Titel „Night Doctor” mit den Upsetters auf.

Seine Begegnung mit dem Bassisten Robbie Shakespeare im Jahr 1972 führte zu einer lebenslangen Zusammenarbeit. Insbesondere in den Bands von Peter Tosh und Black Uhuru sowie auf der „Some Girls”-Tournee der Rolling Stones 1978. Sly und Robbie brachten Dub-Reggae besser als jeder andere auf die Bühne. „Robbie und ich haben erst gemerkt, was wir da machten, als die jamaikanische Musik dubwise wurde und Bass und Schlagzeug einem direkt ins Gesicht sprangen”, erklärte er. Die Distanz zwischen Carlton Barretts entspanntem Swing und Dunbars wildem, metronomischem Spiel markiert den Punkt, an dem sich Roots-Reggae zu seinem Dancehall-Nachfolger entwickelte.

64. Chad Smith

Seit seinem Debüt mit den Red Hot Chili Peppers im Jahr 1989 hat Chad Smith konsequent die Schnelligkeit des klassischen Funk mit der Kraft und Lautstärke eines Arena-Rockers kombiniert. „Er spielt hart, Mann“, sagte Sammy Hagar, der Smith für seine Band Chickenfoot rekrutierte. „Der Typ kommt aus Detroit, um Himmels willen!“ Nachdem er zum ersten Mal mit den RHCP zusammengearbeitet hatte, war Rick Rubin so beeindruckt von Smiths Vielseitigkeit, dass er begann, die „gewaltige Kraft und großartige Ausstrahlung“ des Schlagzeugers auch für seine anderen Produktionen zu nutzen.

Der ehemalige Chili-Peppers-Schlagzeuger Cliff Martinez nennt ihn „ein Monster-Virtuose. Mit einem ausgeprägten, gut ausgeprägten Gespür dafür, was angemessen ist.“ Und Anthony Kiedis schreibt Smith zu, ihn zu seinen eigenwilligen Ganzkörperbewegungen inspiriert zu haben: „Ich muss nur meine Augen schließen und Chad zuhören. Es wäre Schauspielerei, wenn ich es nicht täte.“

63. Dennis Chambers

Aus derselben Parliament-Funkadelic-Schule stammend, die Ramon „Tiki“ Fulwood und Jerome Eugene „Bigfoot“ Brailey hervorgebracht hat, verband Dennis Chambers das Funk-Gespür dieser Musiker mit der Fusion von Tony Williams. Und inspirierte damit unzählige Gospel- und Hip-Hop-Schlagzeuger.

Als Hausschlagzeuger für das Label Sugar Hill (Chambers spielte auf „Rapper’s Delight“) und an der Seite des Funky-Jazz-Gitarristen John Scofield entwickelte der aus Baltimore stammende Musiker einen Stil, der sich um bombastische Grooves und Buddy Rich-artige Fills drehte, die der Zeit zu trotzen schienen. (Travis Barker, der Star von Blink-182, fasste seine Anziehungskraft prägnant zusammen: „Ich habe Dennis Chambers schon immer gemocht, er ist wirklich auffällig.”)

Seit den Neunzigern tourt Chambers ausgiebig mit Carlos Santana, Steely Dan und John McLaughlin und ist gleichzeitig als Bandleader beschäftigt. Chambers‘ Soloalben – wie Big City, Getting Even und Outbreak – sind leider ignorierte Beispiele für seine gewaltige Schlagkraft und sein geschicktes Kompositionsvermögen.

62. Tony Thompson

Tony Thompson legte die gnadenlosen Four-on-the-Floor-Grooves für Chic, die härteste Rockband der Disco-Ära, fest. Sein Ruf stieg in den Siebzigern sprunghaft an. Aber sein Einfluss reichte bis in die Achtzigerjahre hinein, als er auf Pop-Hits wie Robert Palmers „Addicted to Love“ und Madonnas „Like a Virgin“ spielte.

Thompson wurde sogar als Ersatz für den verstorbenen John Bonham in Betracht gezogen, als es Gerüchte über ein Comeback von Led Zeppelin gab. Und natürlich legte er den Groove für das Original von „Good Times“ fest, dem Chic-Song, der von mehreren Schlagzeugern als Grundlage für die erste Welle von Rap-Platten neu interpretiert und in „The Adventures of Grandmaster Flash on the Wheels of Steel“ geschnitten wurde.

„All die Jahre wollten die Leute mich samplen. Alle gingen immer davon aus, dass es irgendwelche speziellen Knöpfe gab, die man drehen musste“, erzählte Thompson Modern Drummer. „Im Grunde genommen war es nur ein brandneues Yamaha-Kit in einem sehr lebendigen, gemauerten Aufnahmestudio. Ich habe die Trommeln sehr hart geschlagen. Das war’s!“

61. Clem Burke

Clem Burke von Blondie brachte unerwartete Rhythmen in den rohen Punk und New Wave, der in den Clubs des New York der 70er Jahre wie dem CBGBs zu hören war. Schließlich benannte die Band ihr Durchbruchalbum „Eat to the Beat“ – und Burkes Kombination aus knackigem Backbeat und kinetischer, von Keith Moon beeinflusster Kraft half Blondie, sich von der Masse abzuheben.

Mit Burke am Schlagzeug integrierte Blondie alles von Disco-Grooves und Reggae bis hin zu Hip-Hop-Beats in die Smash-Hits der Gruppe. Und er hatte eine Präsenz und Ausstrahlung, die über die eines typischen Schlagzeugers hinausging. „Er sprang ziemlich regelmäßig über sein Schlagzeug“, erzählte Leadsängerin Deborah Harry der Chicago Tribune. „Clem tauchte auf und war ein echter Star. Er konnte spielen. Und man merkte, dass das sein Leben war.“

60. Mick Fleetwood

Zusammen mit seinem zuverlässigen Rhythmus-Partner John McVie ist Mick Fleetwood eine Konstante geblieben. Trotz der vielen stilistischen Veränderungen seiner gleichnamigen Band, vom Blues-Rock der späten Sechzigerjahre mit Peter Green bis zum erwachsenen Pop der aktuellen Besetzung mit Stevie Nicks und Lindsey Buckingham.

Fleetwoods rhythmische Persönlichkeit kommt in jedem Titel des klassischen Bestsellers Rumours der Band zum Ausdruck. Der stilvolle Fill, der „Dreams“ einleitet, ist so eingängig wie jeder Refrain. Und der kraftvolle Tom-Tom-Kontrapunkt, den er zu Buckinghams Rhythmusgitarre liefert, ist ein wesentlicher Bestandteil von „Go Your Own Way“.

Buckingham lobt Fleetwoods „instinktiven“ Stil und erzählt eine Geschichte über den unverwechselbaren Cowbell-Break, den der Schlagzeuger zur ersten Single der Band, „Oh Well“, hinzufügte. „Mick hat das spontan gemacht. Und als er es dann wiederholen wollte, schaffte er es nicht mehr! Er brauchte eine Woche Proben, um zu lernen, was er in einem Augenblick geschafft hatte.” Als Performer sind Fleetwoods instinktives Gespür und seine kindliche Freude hinter dem Schlagzeug bis heute ungebrochen.

59. Jim Gordon

Hal Blaine’s Schützling gehörte zu den besten Session-Musikern der Sechzigerjahre. Er spielte Schlagzeug auf Alben wie „Pet Sounds“ und „Classical Gas“. Während einer Tournee mit Delaney & Bonnie lernte Gordon Eric Clapton kennen, der den Schlagzeuger (und mehrere seiner Bandkollegen) für die Gründung von Derek and the Dominoes engagierte.

Gordons Kombination aus bluesigem Feeling und professioneller Finesse prägte das klassische Doppelalbum Layla and Other Assorted Love Songs. Gordon nahm anschließend mit Größen wie Randy Newman und Steely Dan auf. Und wurde zu einer unerwarteten Figur im Aufstieg des Hip-Hop, als DJ Kool Herc begann, die Tänzer im Bronx mit Gordons Drum-Break aus „Apache“ von der Incredible Bongo Band zu inspirieren. „Alle suchten nach dem perfekten Beat. Sie versuchten, diesen Rekord zu schlagen“, erinnert sich Herc. „Bis heute haben sie diesen Rekord noch nicht geschlagen.“

58. Sheila E.

Sheila E., geboren als Sheila Escovedo, Tochter des Percussionisten Pete Escovedo, war ein Schlagzeug-Wunderkind, das schon in jungen Jahren mit Größen wie Marvin Gaye und Herbie Hancock spielte. Bekannt wurde sie Ende der 80er Jahre durch ihren klaren, makellosen, polyrhythmischen Stil in Princes Post-Revolution-Band, mit der sie den Rock, Pop und R&B dieses Jahrzehnts mitprägte.

Natürlich sang sie auch eigene Solo-Hits wie „The Glamorous Life” aus dem Jahr 1984. Aber es ist ihre Bedeutung als nach wie vor gefragte Schlagzeugerin, die ihr musikalisches Vermächtnis gesichert hat. „Es ist ziemlich interessant, dass alle sagen, wie sehr [Prince] mich beeinflusst hat. Aber eigentlich habe ich ihn zuerst beeinflusst”, sagte sie gegenüber Fox News. „

Als ich mich vorstellte, wusste er bereits, wer ich war. Was mich schockierte. Und er sagte: ‚Ich weiß bereits, wer Du bist. Ich verfolge deiner Karriere schon seit langer Zeit. Du bist fantastisch und ich würde mich freuen, wenn Du in meiner Band spielen würdest.‘”

57. Manu Katché

Künstler wie Peter Gabriel und Sting weigerten sich Ende der 80er und Anfang der 90er Jahre, rhythmisch still zu sitzen. Sie holten den wild-dynamischen französischen Schlagzeuger Manu Katché aus der Elfenbeinküste, um ihre weitreichenden Worldbeat-Visionen umzusetzen. Dank seiner nuancierten Splash-Becken-Arbeit und seinen stotternden Beats ist er sofort erkennbar und verleiht Gabriels „In Your Eyes” den westafrikanischen Puls und dem Singer-Songwriter-Song „Digging in the Dirt” den Trip-Hop-Groove.

Bei Stings schizophrenem „Englishman in New York” schwankt er zwischen Reggae Lite, einem Jazz-Break und etwas Mid-80s-Hip-Hop-Boom ’n‘ Pound mit der Geschmeidigkeit eines DJs. „Als wir die Amnesty-Tour [1986] machten, fragte ich Manu Katché, ob ich mich hinter ihn setzen und zuschauen dürfte”, sagte Larry Mullen Jr. von U2. „Er war total erschrocken und wusste nicht, was ich vorhatte. .Aber ich wollte einfach nur sehen, was echte Schlagzeuger so machen!”

56. Richie Hayward

Als Schlagzeuger der surrealistischen Boogie-Band Little Feat neigte Richie Hayward dazu, über, unter und um den Beat herum zu spielen. Nachdem er auf Lowell Georges Anzeige in der L.A. Free Press („Schlagzeuger gesucht – muss freakig sein“) geantwortet hatte, hielt Hayward den kritischen Erfolg und die kommerziellen Misserfolge der Feat durch.

Als treibende Kraft der Band machte er Little Feat zu einer farbenfrohen, swingenden und unterhaltsamen Dancehall-Version der ernsten, sepiafarbenen Proto-Americana der Band. Laut Phish-Schlagzeuger Jon Fishman „war der einfachste Weg, vorherzusagen, was er zu einem bestimmten Zeitpunkt im Set spielen würde, sich die Phrasierung der Texte anzuhören“.

Hayward navigierte mit seinem Schlagzeug durch den chaotischen Prog-Boogie und die unorthodoxen Songstrukturen der Feat. Er fügte dabei hohe Gesangsharmonien hinzu. Er brachte einen sumpfigen Louisiana-Slide in ihren Sound ein. Und initiierte den Second-Line-Funk, der Fans zukünftiger Arbeitgeber wie Robert Plant und Bob Dylan begeistern sollte.

55. Max Weinberg

Im Frühjahr 1974 sah Max Weinberg in der Village Voice eine Anzeige, dass Bruce Springsteen und die E Street Band einen neuen Schlagzeuger suchten, wobei potenzielle Bewerber darauf hingewiesen wurden, dass sie keine „Junior Ginger Bakers” wollten. Weinberg war ein Profi mit ruhiger Hand, der in den Gruben der Broadway-Shows geschult worden war. Mit anderen Worten, das genaue Gegenteil des wilden Schlagzeugers von Cream.

Er beeindruckte Springsteen bei einem Vorspielen und wurde gerade zu Beginn der Arbeiten an „Born to Run“ engagiert. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, wie dieses Album ohne Weinbergs straffen Puls geklungen hätte – der eher den Studio-Königen der Sechziger als den Arena-Giganten der Siebziger ähnelte. Nach dem Erfolg des Albums arbeitete der Schlagzeuger mit allen möglichen Künstlern zusammen. Von Meat Loaf bis Bonnie Tyler. Als sich die E Street Band 1989 auflöste, fand er Arbeit als Bandleader von Conan O’Brien. Doch als sich die Band 1999 wieder zusammenfand, schaffte er es, beide Jobs in seinen vollen Terminkalender unterzubringen.

„Max hat einen Ort gefunden, an dem Bernard Purdie, Buddy Rich und Keith Moon sich kreuzten, und er hat ihn sich zu eigen gemacht“, sagte Bruce Springsteen 1999 in seiner Dankesrede bei der Aufnahme in die Rock and Roll Hall of Fame. „Ich bitte ihn darum. Und er liefert mir Nacht für Nacht.“

54. Ahmir „Questlove“ Thompson

Ahmir Thompson hat viele Rollen übernommen. Neo-Soul-Superproduzent, vielseitiger Autor/Geschichtenerzähler, Bandleader in Talkshows, Berater für Broadway-Musicals, Superfan von Prominenten. Aber diese Möglichkeiten ergaben sich, weil er in erster Linie ein unglaublich vielseitiger Schlagzeuger ist, dessen Spiel immer wieder die Erwartungen übertrifft.

Die Kiefer, die zuvor skeptisch gegenüber „Live-Band-Hip-Hop“ waren, fielen in diesem Moment bei „You Got Me“ von The Roots zum ersten Mal herunter, als Thompsons gleichmäßiger Puls in eine Simulation der hektischen Breakbeats überging, die Drum-’n‘-Bass-Produzenten elektronisch zusammengesetzt hatten.

The Tonight Show With Jimmy Fallon könnte ein leicht verdientes Geld sein. Aber er nimmt es als nächtliche Herausforderung an, seinem ständig wachsenden Rhythmus-Wissensschatz neue Seiten hinzuzufügen und sich nahtlos an den Stil jedes Gastes anzupassen. „Das ist das Coole an Ahmir”, sagte Gitarrist Charlie Hunter, der mit Thompson an D’Angelos klassischem Album „Voodoo” gearbeitet hat, gegenüber „The New Yorker”. „Er kann sich in diese Nische setzen, sie vorantreiben. Und dabei in größeren Zusammenhängen denken.”

53. Jimmy Chamberlin

Laut Billy Corgan, dem Frontmann der Smashing Pumpkins, erschien Jimmy Chamberlin zu seiner ersten Probe „in einem rosa T-Shirt, stonewashed Jeans und mit Vokuhila-Frisur. … Wir dachten: ‚Das ist nicht der Richtige.‘ [Aber] er hatte alle unsere Songs gelernt. Und nach nur einer Probe waren wir bereit zu spielen. Er ist einfach so gut.“

Im Gegensatz zu Grunge-Zeppelin-Anhängern wie Dave Grohl von Nirvana oder Matt Cameron von Soundgarden spielte Chamberlin wie ein todernster, vom Jazz beeinflusster Musiker, der sich bestens mit Fusoin-Größen wie Dennis Chambers und Lenny White von Return to Forever auskannte. Er füllte 1993 „Siamese Dream“ mit knackigen Snare-Rolls und 1995 „Mellon Collie and the Infinite Sadness“ mit orchestraler Leidenschaft. Und wurde so unverzichtbar für den Sound der Band wie Billy Corgans Pedalkette.

„Man kann nicht einfach jemanden nehmen und sagen: ‚Spiel Schlagzeug auf diesem Smashing-Pumpkins-Song‘“, sagte Corgan gegenüber „USA Today“. „Jimmys Drum-Parts sind so unglaublich technisch und nuanciert, dass es nur sehr wenige Leute gibt, die einspringen und spielen können.“

52. Matt Cameron

Mehr als jeder andere Schlagzeuger legte Matt Cameron den rhythmischen Grundstein für die Rockrevolution der Neunzigerjahre, indem er progressive Techniken mit überwältigender Kraft in Einklang brachte. Er charakterisierte seine rotierenden Rhythmen auf dem Soundgarden-Track „Jesus Christ Pose“ aus dem Jahr 1991 treffend als „reinen Angriff auf die Sinne“. Aber diese effiziente Brutalität war nicht unbedingt charakteristisch für Camerons Arbeit mit der Band. Sein Schlagzeugspiel auf Superunknown ist ebenso durchdacht wie heavy, von der fließenden Asymmetrie von „Spoonman” bis zum unerschütterlichen Backbeat von „Fell on Black Days”. “

Zwanzig Jahre nach der Veröffentlichung schwärmte Dave Grohl immer noch: „Niemand spielte Schlagzeug wie Matt.“ Als sich Soundgarden 1997 plötzlich auflöste, war Cameron nicht lange arbeitslos. Pearl Jam lud ihn im folgenden Jahr auf Tournee ein. „Sie haben überhaupt nicht versucht, mich zu zügeln“, erzählte er einem Interviewer zu Beginn seiner Zusammenarbeit mit der Band. „Ich bin dafür bekannt, seltsame, verrückte Fills zu spielen. Und manchmal Dinge zu spielen, die ich nicht spielen sollte. Aber sie liebten es. Zumindest haben sie mir das gesagt.“

51. Alex Van Halen

Alex Van Halens arena-große Ambitionen und seine vom Jazz beeinflusste Gewandtheit machten Van Halen zu einer der dynamischsten Rockbands. Millionen junger Schlagzeuger in ganz Amerika versuchten in den Achtzigern verzweifelt, seine Tom-Tom-Technik und seinen galoppierenden Swing in „Hot for Teacher“ oder den kniffligen Groove zu Beginn von „Finish What You Start“ nachzuahmen.

Auch seine Hingabe und Zähigkeit waren beeindruckend: Ein 1984 erschienener Artikel im Rolling Stone beschrieb einen Auftritt als Vorband der Rolling Stones, bei dem Alex mit einer an vier Stellen gebrochenen Hand spielte. „Er konnte nicht einmal einen Drumstick halten”, schrieb die Journalistin Debby Miller. „Also band er den Stick mit einem Schnürsenkel an sein Handgelenk und spielte weiter.” Van Halen führte seine Berufswahl auf seine Kindheit zurück. „[Mein Vater] war Musiker, und es ist schwer in Worte zu fassen, aber Musiker sind anders als die 9-to-5-Arbeiter“,

50. Cozy Powell

Seit seinem Durchbruch als Mitglied der Jeff Beck Group im Jahr 1970 erwarb sich Colin Trevor „Cozy” Powell einen Ruf als gefragter Schlagzeuger und Session-Musiker. Und als kraftvoller Power-Player, der für die Entwicklung des englischen Hardrock und Heavy Metal von entscheidender Bedeutung war. Obwohl er regelmäßig seine eigenen Projekte vorantrieb, ist Powell vor allem als Bereicherung für Gruppen wie Rainbow und Whitesnake, als ein Drittel der kurzlebigen Emerson, Lake & Powell und als treibende Kraft in der von Kritikern geschmähten, aber unbestreitbar heavy Black Sabbath der späteren Jahre in Erinnerung geblieben.

In einem Interview aus dem Jahr 1999 erzählte Emerson von einer Probe, bei der Powell sein riesiges Schlagzeug aufgebaut hatte. Dann aber feststellte, dass er seine Sticks vergessen hatte. „ Er überlegte, einige heruntergefallene Äste aus meinem Obstgarten zu verwenden, bis ein örtlicher Bauer in die Stadt fuhr, um richtige Sticks zu besorgen. Diese hatten zwar nicht das richtige Gewicht. Reichten aber aus, wenn er sie mit dem dicken Ende nach unten hielt. Dann spielte er sein Schlagzeugsolo. Und es war, als wäre der Dritte Weltkrieg ausgebrochen.“

49. Vinnie Colaiuta

„Bevor ich ihn sah, konnte ich mir alles vorstellen“, erzählte Devo-Schlagzeuger Josh Freese dem Magazin „Drum!“ „Er war der erste, den ich aus der Nähe sah und bei dem ich einfach nicht verstand, was er tat.“ Laut dem unendlich anspruchsvollen Frank Zappa gewann Vinnie Colaiuta den „ersten Preis“, wenn es darum ging, seine Gitarrensoli „im Moment“ mit komplementären Polyrhythmen zu untermalen. Man muss sich nur die komplexen Gitarren-Schlagzeug-Konfabulationen von „Shut Up ’n Play Yer Guitar“ anhören, um sich davon zu überzeugen.

Colaiuta ist aber auch ein Meister der zurückhaltenden Finesse, der von Herbie Hancock über Joni Mitchell bis hin zu Sting von allen nachgefragt wird. „Man ist nicht da, um irgendwelchen Mist zu zeigen oder im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit zu stehen“, sagt er über seinen Job. „Man ist da, um sich einzufügen. Und ein Teil des Ganzen zu sein.“

48. John „Drumbo“ French

John „Drumbo” French schloss sich 1966 Captain Beefhearts Magic Band an. Er brachte einen tomlastigen, polyrhythmischen Stil mit, der für die Gruppe ebenso unverzichtbar werden sollte wie Don Van Vliets modernistischer Blues-Gesang. French war Musikdirektor für das avantgardistische Meisterwerk Trout Mask Replica der Magic Band, obwohl er verbittert davonkam.

„Noch nie haben so viele so hart für so wenig [Geld] gearbeitet“, sagte French über die Sessions, aus denen das Album hervorging. Und fügte hinzu: „Ich habe nie einen Cent dafür bekommen.“ Während der Aufnahmen zu „Replica“ veränderte ein Gruppenbesuch einer Salvador-Dali-Ausstellung „sein Konzept des Schlagzeugspiels“ und inspirierte French zu seiner Begabung für rhythmische Überlagerungen.

Drumbos Stil wurde auf dem 1970 erschienenen Nachfolgealbum „Lick My Decals Off“ von noch weiterentwickelt. „Baby“, das vielleicht beste Beispiel für seinen klappernden und chaotischen, aber dennoch streng kontrollierten Ansatz. Später leitete French seine eigene Magic Band und kanalisierte den Gesang des Captains in einer seltsamen Art von karmischer Vergeltung für seine schwierige Anfangszeit.

47. Dave Lombardo

Der in Kuba geborene Speed-Demon Dave Lombardo erhielt von seinen Slayer-Bandkollegen den Spitznamen „A.D.Dave“, nachdem er mühelos das Tempo bei rasanten Songs wie „Angel of Death“ – der mit 210 b.p.m. seinen Höhepunkt erreicht und einen der beeindruckendsten Drum-Breaks im Metal enthält – und „War Ensemble“ hielt und dabei Anklänge an swingenden Latin Jazz einfließen ließ.

Interne Spannungen innerhalb der Band zwangen ihn mehrmals zum Ausstieg. Aber diese Schwankungen ermöglichten es ihm, sein Können bei den Art-Metal-Experimentatoren Fantômas, dem renommierten Komponisten und Provokateur John Zorn, dem Trip-Hop-Vorreiter DJ Spooky und dem bildenden Künstler Matthew Barney unter Beweis zu stellen. „Er ist ein Koffein-Junkie”, sagte Lombardos ehemaliger Slayer-Bandkollege Kerry King einmal. „Er ist immer aufgedreht. Er kann einfach nicht stillsitzen.“

46. Dave Garibaldi

Mit Tower of Power trug David Garibaldis raffinierte Perkussion dazu bei, das Publikum für James Browns rhythmische Experimente zu Beginn der 70er Jahre zu erweitern. Seine rhythmische Intelligenz war ein Schlüsselelement bei der Entstehung des Hits „What Is Hip?“ der Soul-Funk-Band aus der Bay Area.

„Es war seine Idee, Rocko [Prestia] diese Sechzehntelnoten auf dem Bass spielen zu lassen“, sagte Tower-of-Power-Bandleader Emilio Castillo. „Das hat den Song so mitreißend gemacht.” Dass Garibaldis Drum-Parts genauso eingängig waren wie der jazzige Horn-Stil und der R&B-Gesang von Tower of Power, bestätigte sich, als Hip-Hop in den Achtzigern begann, seine Breaks wiederzuentdecken. Allein auf dem Album „Paul’s Boutique” der Beastie Boys taucht er immer wieder auf.

Garibaldi hatte auch einen prägenden Einfluss auf Chad Smith, den Schlagzeuger der Red Hot Chili Peppers. Er sagte: „Sein Schlagzeugspiel … hat mich auf eine neue Ebene gebracht.“ „Funky Drummer“ Clyde Stubblefield selbst bezeichnete Garibaldi einmal als „meinen Favoriten“. Er rief aus: „Der Typ war funky!“

45. Billy Cobham

In den frühen Siebzigern setzte Billy Cobham neue Maßstäbe für das Fusion-Schlagzeugspiel, indem er atemberaubende, durch Jazz geschulte Fingerfertigkeit mit pulverisierender Rock-Power verband. Der in Panama geborene Schlagzeuger war auf Miles Davis‘ bahnbrechendem Album „Bitches Brew“ zu hören. Aber noch eindrucksvoller auf „A Tribute to Jack Johnson“, wo sein Zusammenspiel mit dem Gitarristen John McLaughlin den Ton für das angab, was die beiden gemeinsam im Mahavishnu Orchestra erreichen würden.

Cobhams Einfluss reichte weit über den Jazz hinaus. Prog-Zeitgenossen wie Bill Bruford von King Crimson hörten genau zu, was er tat. Jüngere Schlagzeuger wie Danny Carey von Tool lernten von ihm. Sogar Prince spielte eine Version von Cobhams „Stratus“ in seinen Konzerten. Der vielleicht größte Fan ist Phil Collins, der Mahavishnus „Inner Mounting Flame“ als einen wichtigen Einfluss auf seinen frühen Stil bezeichnet hat. „Billy Cobham hat auf dieser Platte einige der besten Drum-Parts gespielt, die ich je gehört habe“, sagte er

44. Jerry Allison

Jerry Allison war Buddy Hollys erster Mitstreiter. Einer der beständigsten Rock-Künstler, der als Gitarren- und Schlagzeug-Duo begann. Der Schlagzeuger der Crickets war nicht nur Co-Autor von „That’ll Be the Day“. Sondern überzeugte seinen Kumpel auch, den Titel von „Cindy Lou“ in „Peggy Sue“ zu ändern, den Namen einer Frau, die Allison damals beeindrucken wollte.

Der wichtigste Beitrag des Schlagzeugers zu letzterem war jedoch rhythmischer Natur. Der ursprüngliche Cha-Cha-Beat funktionierte nicht. Aber zwischen den Takes hörte Produzent Norman Petty, wie Allison den klassischen Schlagzeugrudiment namens Paradiddle spielte, und bat den Schlagzeuger, stattdessen diesen zu spielen. Buddy Holly und die Crickets waren die erste Rock-’n‘-Roll-Band, die das Aufnahmestudio „als eine Kombination aus Labor und Spielplatz“ nutzte, wie es Fan Marshall Crenshaw formulierte. Und Allison war bereit, alles auszuprobieren. Bei „Everyday“ schlägt er einfach mit den Händen auf seinen Schoß. Als Hommage an diese subtile Genialität trommelte Ringo Starr auf einem Koffer, als die Beatles Hollys „Words of Love“ aufnahmen.

43. Phil Collins

Bevor Phil Collins zu einem der erfolgreichsten Popsänger der 1980er Jahre wurde, war er einer der experimentierfreudigsten Schlagzeuger der 1970er Jahre und arbeitete mit bahnbrechenden Acts wie Brian Eno, dem Jazz-Fusion-Kollektiv Brand X und natürlich der virtuosen, von Peter Gabriel angeführten Besetzung von Genesis zusammen. Während einer Solo-Session mit Gabriel Ende 1979 entwickelte Collins seinen charakteristischen „Gated Snare”-Drum-Sound, der schnell in der gesamten Popwelt Nachahmer fand und zu einem wichtigen Bestandteil unzähliger Platten der 1980er Jahre wurde.

Er verwendete ihn erneut in „In the Air Tonight”, einem Song, der mit dem vielleicht berühmtesten Drum-Fill des Jahrzehnts seinen Höhepunkt erreicht. Nach dem Erfolg dieses Songs holten Robert Plant, Eric Clapton und viele andere Superstars ihn ins Studio, um auf ihren Alben Schlagzeug zu spielen. Nach der Reunion-Tournee von Genesis im Jahr 2007 erlitt er schwere Nervenschäden an den Händen, die es ihm fast unmöglich machten, die Drumsticks zu halten. Geschweige denn das Instrument zu spielen. Ein grausames Schicksal für einen innovativen und einflussreichen Musiker.

„Ich liebe sein Schlagzeugspiel und ich scheue mich nicht, das zuzugeben”, sagte Mastodon-Schlagzeuger Brann Dailor. „Als Schlagzeuger von Genesis finde ich ihn phänomenal. Und ich finde, dass nicht genug über ihn gesprochen wird. Er ist einfach ein großartiger, vielseitiger Schlagzeuger.“

42. Bill Ward

Angesichts seines Status als Schlagzeuger der Band, die unbestritten den Heavy Metal erfunden hat, ist es überraschend, wie geschickt Bill Ward schon immer gespielt hat. Der Mitbegründer von Black Sabbath, der bei Jazzgrößen wie Joe Morello und Gene Krupa gelernt hatte, brachte eine stilvolle Elastizität in den bedrohlichen Marschrhythmus, der die frühen Werke der Band prägte („Black Sabbath”, „Iron Man”).

Anstatt die ikonischen Riffs von Gitarrist Tony Iommi nachzuahmen, tanzte er um sie herum. Siehe den vom Bebop inspirierten Shimmy, den er in der Mitte von „Electric Funeral” zum Besten gibt, oder seine stotternden Tom-Tom-Breaks in „Rat Salad”. Und wenn er wollte – wie beim prahlerischen Vers-Groove in „Hand of Doom“ – war Ward so funky wie jeder R&B-Schlagzeuger. „Bill Ward könnte tagelang auf Hip-Hop-Platten gesampelt werden“, bemerkte Brad Wilk, Schlagzeuger von Rage Against the Machine und Bewunderer von Ward, der ihn 2013 auf dem Comeback-Album der Band, „13“, widerwillig vertrat.

Spätere Sabbath-Schlagzeuger wie der bombastischere Vinny Appice und der auffälligere Cozy Powell brachten eine arena-taugliche Professionalität in die Band. Sie konnten aber niemals Wards erdiges Ballett hinter dem Schlagzeug reproduzieren. Einer von vielen Gründen, warum seine anhaltenden Streitigkeiten mit den anderen Gründungsmitgliedern von Sabbath so enttäuschend sind.

41. Carter Beauford

Carter Beauford, Gründungsmitglied der Dave Matthews Band, ist ein technisch versierter Jazz-Schlagzeuger und Tony-Williams-Fan mit Pop-Sensibilität. Obwohl seine Band auf Groove setzt, füllt er selbst ihre beliebtesten Stücke mit wild komplizierten, unglaublich geschäftigen Licks. Zum Beispiel gibt er „Ants Marching” ein ungewöhnliches Hi-Hat-Muster, bevor er Matthews‘ Gesang orchestral akzentuiert. Er fügt „So Much to Say” knifflige Bassdrum-Arbeit hinzu, behandelt „Dancing Nancies” wie eine Second Line, die bei Stewart Copeland Halt macht, oder verwendet zwei Snares in „Two Step”.

Und natürlich gibt es die Live-Shows, bei denen seine monströsen Schlagzeugsoli in Double-Kick-Rasereien explodieren und sich die Songs von Abend zu Abend weiterentwickeln. „Jedes Publikum ist anders. Deshalb wollen wir versuchen, jedes Mal, wenn wir spielen, direkt mit diesem Publikum zu kommunizieren oder eine andere Botschaft zu vermitteln“, sagte Beauford gegenüber „Guitar Center“. „Wenn man jedes Mal das Gleiche spielt, spricht sich das herum.“

40. Jack DeJohnette

Jack DeJohnette, der seit seinem vierten Lebensjahr Klavier spielt, begann erst mit 18 Jahren mit dem Schlagzeugspielen. Dieser relativ späte Einstieg hielt ihn jedoch nicht zurück. Eine frühe Zusammenarbeit mit der Chicagoer Avantgarde-Institution „Association for Advancement of Creative Musicians” führte zu Live-Auftritten mit John Coltrane, einer Position in Charles Lloyds Chart-Quartett und schließlich zu einem Gig mit Miles Davis, als der Trompeter sich auf sein bahnbrechendes Fusion-Album „Bitches Brew” von 1970 vorbereitete.

„Es war großartig, mit Miles zu spielen. Denn Miles liebte das Schlagzeug”, erklärte DeJohnette 2009 gegenüber Jazz.com. „Alles kam vom Schlagzeug. Er mochte Boxen, er war ein großer Boxfan. Und er sah im Jazz-Schlagzeug ähnliche Aspekte.“ Als Bandleader und Komponist verbindet DeJohnette alles, was er gelernt hat – die bei der A.A.C.M. verfeinerte Experimentierfreudigkeit, Coltranes Integrität, Davis‘ kämpferischen Groove – mit seinem eigenen angeborenen Talent, unvergessliche Melodien zu komponieren.

39. Ramon „Tiki“ Fullwood

„Mann, das war der härteste Fuß-Schlagzeuger, den ich je gehört habe“, sagte Grady Thomas, Sänger in George Clintons Doo-Wop-Crew The Parliaments, über Ramon „Tiki“ Fulwood. Der Legende nach musste sich Fulwood im zarten Alter von 17 Jahren in Clubs einschleichen, um aufzutreten. Clinton musste schließlich seine Mutter anflehen, ihn mit auf Tour zu nehmen. Sein kraftvoller Stil – zusammen mit Eddie Hazels freizügiger Gitarre – läutete das Ende der Band in Anzügen ein. Und leitete eine Wende hin zu einem psychedelischen Potpourri ein, das die Welt verändern sollte.

Was man in drogenberauschten Hymnen wie „Maggot Brain“ hört, sind seine einzigartigen, kraftvollen Takes – eine ekstatische, extrovertierte Darbietung, die später zum Sample-Futter für Hip-Hop-Produzenten werden sollte. „ Tiki war der Inbegriff dieser Showtime-Scheiße, mit Power”, sagte Hazels Mutter Grace. „Ich meine, er spielte diese Scheiße, als würden dort hinten alle möglichen Bomben explodieren.”

38. Jim Keltner

Jim Keltner ist einer der angesehensten Session-Schlagzeuger aller Zeiten. Er hat Tausende von Platten mitgestaltet. Darunter John Lennons „Imagine“, „Photograph“ von Ringo Starr, einen Großteil der Soloalben von George Harrison, beide LPs der Traveling Wilburys, „Full Moon Fever“ von Tom Petty, „Knockin‘ on Heaven’s Door“ von Bob Dylan und „Josie“ von Steely Dan. Ganz zu schweigen von seiner Zusammenarbeit mit Harry Nilsson, den Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, den Pretenders, Fiona Apple und Oasis.

Geboren in Oklahoma, wuchs er in Pasadena, Kalifornien, auf. Er begann in den Sechzigern als Studiomusiker zu arbeiten, womit er eine Karriere startete, die so ziemlich jedes Pop- und Rockgenre berührt hat. Keltner ist bekannt für sein solides Backing. Sein lockeres Feeling. Seine jazzgeschulte Subtilität und seine Vielseitigkeit.

„Er reagiert auf alles, was in der Musik vor sich geht“, sagt Leon Russell, der seit Jahrzehnten regelmäßig mit Keltner zusammenarbeitet. Ein Markenzeichen von Keltners Stil ist seine unaufdringliche Lässigkeit. „Im Laufe der Jahre haben mir viele Leute gesagt: ‚Du siehst nicht so aus, als würdest du spielen, wenn du spielst‘“, sagte er einmal und fügte hinzu: „Es gibt so viele verschiedene Arten, Schlagzeug zu spielen, genau wie bei der Gitarre.“

37. Jeff Porcaro

Toto-Schlagzeuger Jeff Porcaro war in den Siebzigern, Achtzigern und Neunzigern eine feste Größe in der Popmusik. Sein flinkes Spiel verlieh Michael Jacksons „Beat It“ einen Großteil seiner Kraft. Es trug dazu bei, dass Michael McDonalds „I Keep Forgettin’“ melancholisch vor sich hin schwelte, und prägte den „Rosanna Shuffle“ im gleichnamigen Megahit seiner eigenen Band. „Jeff spielte immer eine große Rolle dabei, einen Song zu einer Platte zu machen”, erzählte Porcaros Bruder und Bandkollege Steve Rhythm im Jahr 2013.

„Man hatte das Gefühl, im Studio einen Blitz einzufangen. Es war nie langweilig. … Er fand immer sofort die besten Parts. Als hätte er den Song schon seit Jahren gespielt.” Porcaro verstarb 1992, kurz nachdem Totos achtes Album „Kingdom of Desire” fertiggestellt war. Er hatte auch auf Bruce Springsteens „Human Touch” gespielt und angeblich ein Millionen-Dollar-Tourangebot des Boss abgelehnt, um mit seiner Flaggschiff-Band zu arbeiten.

36. Steve Smith

Obwohl er die letzten 30 Jahre größtenteils damit verbracht hat, auf Jazz-Fusion-Tourneen zu spielen und Drum-Workshops zu leiten, hat Steve Smith von 1978 bis 1985 mit seinen übermenschlichen Fähigkeiten die Arena-Rocker Journey in ihren besten Jahren unterstützt. Arcade-Spiele und alles. Sein Part für den inspirierenden Klassiker „Don’t Stop Believin’“ ist ein kompliziertes offenes Handmuster, bei dem er die Hi-Hat mit der linken Hand spielt, während seine rechte Hand sich um das Schlagzeug bewegt.

Es ist genauso außergewöhnlich wie Perrys himmelhohe Stimme. „Ich erinnere mich an die letzte Folge von ‚The Sopranos‘, als sie ‚Don’t Stop Believin’‘ von Journey spielten“, sagte Schlagzeuger Peter Erskine gegenüber „Drum!“ „Smith ist Teil dieses wichtigen Wendepunkts in den amerikanischen Medien … Und dann ist da Smith in einer anderen Umgebung, wo er Jo Jones auf der Hi-Hat spielt! Wie viele andere könnten eine Band so antreiben und gleichzeitig die Hi-Hat spielen?”

35. Fred Below

Vor den Funk Brothers von Motown oder den M.G.’s von Stax prägten lockerere Zusammenschlüsse von Session-Musikern, die von Plattenlabels zusammengestellt wurden, den Sound des R&B in der Mitte des 20. Jahrhunderts. Darunter Musiker wie Fred Below von den Aces, dessen geschmackvolle, feinfühlig kraftvolle Arbeit für Chess Records in Chicago entscheidend dazu beitrug, die Musik von Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry und Howlin‘ Wolf zu neuen Höhen zu verhelfen.

Below begann als Jazz-Schlagzeuger und musste seinen eigenen Weg zum Blues finden. „Was mich am Blues faszinierte, war, dass es eine Musikrichtung war, mit der ich nicht vertraut war. Und die man in der Schule nicht unterrichtete!“, erinnert er sich. „Also musste ich ihn so spielen, dass er für mich Sinn ergab.“ Wenn man Muddy Waters‘ „I’m Ready“ oder Chuck Berrys „School Days“ hört, werden Belows Bandbreite und sein virtuoses Spiel deutlich. Ohne viel Aufhebens oder Schnörkel trieb er den Electric-Blues-Motor von Chess an.

34. Mickey Hart und Bill Kreutzmann

Mickey Hart schloss sich 1967 dem Gründungsmitglied von Grateful Dead, Bill Kreutzmann, an und machte die Dead zu einer der ersten Rockbands mit zwei Schlagzeugern. Keine andere Rockband trieb die perkussive Symbiose weiter voran. „Die Sprache, die Bill und ich sprechen, ist keine gesprochene Sprache“, sagte Hart. „Es ist Körpersprache, Augenzwinkern und Bewegung. Eine Geheimsprache, die wir nicht beschreiben können.“ Oder wie Kreutzmann sagte: „Mickey hört eher einen geraden Sechzehntel-Stakkato, und ich füge noch ein paar punktierte Noten hinzu.“

Hart verwendet auch RAMU, sein digitales „Random Access Musical Universe“, und den berüchtigten „Beam“, ein 2,40 Meter langes, 13-saitiges „pythagoreisches Monochord“. 1979 ersetzten die Dead ihren interstellaren Hauptsong „Dark Star“ durch das, was Taper als „Drums>Space“ bezeichneten. Ein Schlagzeugduett, das sich zu einer frei improvisierten Reise in unerforschte musikalische Regionen entwickelte. Und die Avantgarde zu Rockfans auf der ganzen Welt brachte.

33. Tony Allen

„Es ist unglaublich“, zitiert Tony Allen den Mitbegründer des Afrobeat, Fela Kuti. „So wie du spielst, braucht man gar keinen Percussionisten mehr.“ Als radikal polyrhythmische Groove-Maschine fügte dieser nigerianisch-ghanaische Innovator Jazz und Funk zu lokalen westafrikanischen Genres wie Highlife, Apala und Nigerian Mambo hinzu.

Allen spielte Jazz in Lagos, als er Fela traf, der ihn als Schlagzeuger und Bandleader engagierte – zuerst bei Koola Lobitos und dann bei Africa 70 – von 1965 bis 1979, als Allen aufgrund von Felas „Diktatorideologie“ und ablenkender Politik ausstieg. Fela hat zugegeben, dass es ohne Allen keinen Afrobeat geben würde, dessen Einfluss sich bis zu Talking Heads, Gorillaz und unzähligen Afro-Fusion-Bands erstreckte. Nachdem er Fela verlassen hatte, setzte Allen seine innovativen Kooperationen und hybriden Solo-Synthesen fort, die er Afrofunk nennt.

„Ich bin ein cooler Typ”, gibt er zu. „Ich spiele Schlagzeug so, wie ich mich im Leben verhalte.”

32. James Gadson

Obwohl er ursprünglich aus Kansas City stammt, ist es schwer, sich einen wichtigeren Schlagzeuger in der Musikgeschichte von Los Angeles vorzustellen als James Gadson. Er wurde erstmals Ende der 1960er Jahre als Kernmitglied der Watts 103rd St. Rhythm Band (bekannt durch „Express Yourself”) und dann in Bill Withers’ Band, während er gleichzeitig als einer der produktivsten Session-Musiker der Stadt tätig war.

Seine ruhige Hand prägte alles von „Dancing Machine” der Jackson 5 über „Happy People” der Temptations bis hin zu „I Want You” von Marvin Gaye. „Ich meine, er hat bei ‚Let’s Get It On’ mitgespielt. … Gadson ist dieser Sound”, sagte Jamie Lidell zu „Pitchfork“. „Immer wenn ich mit ihm spiele, entsteht eine verrückte Verbindung, die ich mit keinem anderen Musiker je erlebt habe. Er schaut einfach rüber. Lächelt und trifft diesen verdammten Beat. Und wenn er den Track fertig hat, sagt er: ‚Das habe ich von dir!’ Er hat verdammt noch mal kein Ego.”

31. Roger Hawkins

Jerry Wexler, der Produzent, der den Begriff „Rhythm & Blues“ geprägt hat, bezeichnete Roger Hawkins als „den besten Schlagzeuger der Welt“. Wie alle Swampers, wie er und seine Kollegen in der Muscle Shoals Rhythm Section liebevoll genannt wurden, war Hawkins ein Meister darin, seinen persönlichen Stil an die Anforderungen einer Session anzupassen.

Wilson Pickett klopfte den gewünschten Beat für „Land of 1000 Dances“ auf sein Bein. Hawkins übernahm ihn von dort. Paul Simon suchte nach einem bestimmten Rhythmus für „Kodachrome“ und der Schlagzeuger fand ihn, indem er auf eine Kassettenbox klopfte. Das komplexe Beckenmuster, das Hawkins in Arethas „Chain of Fools“ aufbaut, die ironischen Funk-Patterns, die er in „I’ll Take You There“ von den Staple Singers spielt, das subtile Drama, das er in Percy Sledges „When a Man Loves a Woman“ entfaltet – all das macht es schwer, Wexler zu widersprechen.

30. Clifton James

„Als ich 1955 die Platte ‚Bo Diddley‘ aufnahm, veränderte das die gesamte Musikszene“, sagte der gleichnamige Gitarrist. „Weiße Kids warfen Beethoven in den Mülleimer.“ Während das tomlastige Muster, das den Song prägt, als „Bo Diddley Beat“ bezeichnet wird, verdient Schlagzeuger Clifton James ebenso viel Anerkennung für die Entstehung dieses ikonischen Proto-Rock-Rumpelns.

James wurde in Chicago als eines von 13 Geschwistern geboren. Er lernte das Spielen auf Stühlen und Blechdosen. Er spielte auf Platten für die Crème de la Crème der Chicagoer Blueslegenden – Muddy Waters, Howlin‘ Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson. Aber sein größter Beitrag war seine Rolle als Diddleys Schlagzeuger von 1954 bis 1970.

„Das war eigentlich eher Clifton James‘ Idee für einen Beat als die von Bo Diddley zu dieser Zeit“, behauptete Dixon. „Von all den verschiedenen Schlagzeugern, die Bo Diddley jemals hatte, gefiel ihm keiner so gut wie Clifton James. Durch die Kombination der beiden entstand etwas so Schönes, dass der eine ohne den anderen eigentlich nichts taugte.“

29.

Nichts klingt so eindeutig nach Reggae wie Carlton „Carlie“ Barretts rollende Tom-Toms. Gefolgt von der hohen, peitschenden Snare, die tausende von Tracks geprägt hat. Barrett, der wohl einflussreichste Musiker in der Geschichte des Reggae, machte den charakteristischen „One Drop”-Rhythmus in den Wailers und Bob Marleys Solo-Band populär.

Der „Field Marshal” und sein Bruder Aston „Family Man” Barrett, Bassist, verlangsamten den Rocksteady-Rhythmus zu den festen, langsamen Grooves, die den klassischen Roots-Reggae prägten. Sein trockener Drum-Sound – zu hören in Tracks wie „Duppy Conqueror”, „Soul Rebel” und „Small Axe” – und sein Hi-Hat-Spiel im Triolen-Feeling zogen die Skanking-Fans in ihren Bann. Bis er 1987 im Alter von 36 Jahren ermordet wurde.

„Da Trommeln aus der Zeit der Sklaverei und aus Afrika stammen, haben sie eine lange Geschichte“, sagte er gegenüber Modern Drummer. „Gute Reggae-Trommler machen das Spielen zu einer spirituellen Erfahrung.“

28. Carmine Appice

Carmine Appice war ein wertvoller Teamplayer und ein kraftvoller Schlagzeuger mit einem unverwechselbaren Stil. Er hat buchstäblich das Standardwerk zum Thema Rock-Schlagzeug geschrieben. Sein 1972 erschienenes Buch „The Realistic Rock Drum Method“ ist seit seiner Veröffentlichung ein Klassiker. Appice machte sich Ende der 60er Jahre mit der exzentrischen Psychedelic-Rock-Band Vanilla Fudge einen Namen. Er beeinflusste den jungen John Bonham mit seinen wilden, aggressiv funkigen Grooves.

Ende der 70er Jahre stellte er sein Können in der Rod Stewart Band unter Beweis, wo er freche Backbeats beisteuerte und maßgeblich an Hits wie „Da Ya Think I’m Sexy” mitwirkte. (Stewart soll Appice wegen seiner seiner Meinung nach „zu vielen Fill-Ins” den Spitznamen „The Dentist” gegeben haben.) In jüngerer Zeit war er mit „Drum Wars“-Shows mit seinem jüngeren Bruder und ebenfalls elitären Hardrock-Beatschmied Vinny (Dio, Black Sabbath) beschäftigt.

Laut Appice entstanden einige seiner wichtigsten Innovationen aus den Einschränkungen, die das Spielen von Live-Rockmusik in seinen prägenden Jahren mit sich brachte. „All das, was wir gemacht haben – das, was mir zugeschrieben wird, habe ich einfach aus der Not heraus gemacht“, sagte Appice 2011 gegenüber dem „Drum Magazine“. „Ich war ein Pionier beim Einsatz großer Schlagzeuge. Und habe schon früh mit dem hinteren Ende der Sticks gespielt. Ich habe das gemacht, weil es keine PA-Anlagen gab.“

27. Dave Grohl

Dave Grohls unerbittliches, kraftvolles Schlagzeugspiel – geprägt von der Punk-Szene der 1980er Jahre in Washington, D.C. – war genau der richtige Schub, den Nirvana aus Seattle brauchte, um sich von einer unabhängigen Grunge-Band zu Multi-Platin-Ikonen zu entwickeln. „Kurt rief mich an und sagte: ‚Ich habe jetzt den besten Schlagzeuger der Welt. Er spielt lauter und härter als jeder andere, den ich je getroffen habe‘“, erzählte Butch Vig, Produzent von „Nevermind“, Grohls Biograf Martin James.

„Und ich dachte: ‚Ja, klar.‘ Aber sie hatten vollkommen recht. … In diesem Raum gab es keine Mikrofone am Schlagzeug. Und sie waren genauso laut wie die Gitarren.“ Und ich sagte: ‚Ja, klar.‘ Aber sie hatten vollkommen recht. … In diesem Raum gab es keine Mikrofone [für das Schlagzeug]. Und akustisch waren sie genauso laut wie die Verstärker!“

Grohl verfeinerte seinen einzigartigen Stil in den Vororten von D.C., wo er mit dicken Snare-Sticks für Blaskapellen auf Kissen spielte. „Deshalb habe ich angefangen, so hart auf das Schlagzeug zu schlagen“, erzählte er „Spin“ 1997. „Auf Kissen zu spielen, mit diesen verdammten Schlägeln nach unten zu drücken und nach oben zu ziehen, während ich ‚Violent Pacification‘ von D.R.I. hörte. Ich habe das so lange gemacht, bis die Fenster in meinem Schlafzimmer vor Schweiß tropfen nass waren. Es war wie ein Trainingsvideo.“

26. Danny Carey

Nach einer wenig vielversprechenden Zeit als Schlagzeuger in der Novelty-Band Green Jellÿ (unter dem Pseudonym Danny Longlegs) in den späten Achtzigern schloss sich Danny Carey 1990 der späteren Alt-Metal-Sensation Tool an. In den Jahren seitdem hat sich der 1,95 m große gebürtige Kansaser als natürlicher Erbe von Prog-Giganten der 70er Jahre wie Neil Peart und Bill Bruford und als einer der meistbewunderten Rock-Schlagzeuger seiner Generation etabliert.

Careys Stil verbindet intellektuellen Ehrgeiz – und ein Gespür für Polyrhythmen und ungerade Taktarten – mit kompromissloser Kraft und einem flüssigen Gefühl. Seine Gabe ist es, das Experimentelle natürlich klingen zu lassen. „Es bedeutet nichts, wenn man nur hört, wie das Schlagzeug komplizierte Dinge macht“, sagt er. „Ich möchte nicht, dass die Leute sagen: ‚Der Typ ist der Hammer.‘ Ich möchte lieber hören, wie sie sagen: ‚Das erinnert mich an die Moors, die den Hügel hinunterrennen. Oder an Schotten, die mit brennenden Köpfen angreifen. Splitternackt mitten im Winter.‘“

25. Earl Palmer

Earl Palmer, einer der meistaufgenommenen Schlagzeuger der Geschichte, war ein Künstler und Handwerker, der die Rolle des Sideman definierte. Der in New Orleans lebende Palmer war ein Experte im Notenlesen, Improvisieren, Pocket-Spiel und Begleiten. Er spielte auf regional prägenden Songs wie Little Richards „Good Golly, Miss Molly”, Fats Dominos „I’m Walkin’” und Professor Longhairs „Tipitina”. Nach seinem Umzug nach Kalifornien wurde er schnell zu einem der gefragtesten Session-Musiker der Region. Wie seine Kollegin Carol Kaye von der Wrecking Crew sagte: „Earl übernahm. Er war der beste Schlagzeuger, den ich je gehört hatte. “

Die schiere Menge seiner Aufnahmen bedeutet, dass seine Rhythmen den Beat Amerikas mitgeprägt haben. Richie Valens‘ „La Bamba“, Eddie Cochrans „Summertime Blues“, „You’ve Lost That Lovin‘ Feeling“ von den Righteous Brothers und Sam Cookes „You Send Me“ sind nur die Spitze des Eisbergs, zu dem sogar Neuheiten wie die Titelmelodie der Flintstones gehören. „Wenn dich der Puls des Rock ‚n‘ Roll packt und nicht mehr loslässt, wird er zum Big Beat“, sagte Max Weinberg. „So war es, als Earl Palmer sich in Little Richards ‚Lucille‘ hineinlegte. Er klang, als würde er Baseballschläger benutzen und eine 30-Fuß-Bassdrum treten.“

24. Steve Gadd

Der britische Jazz-Schlagzeuger Pete Fairclough sagte, dass Steve Gadd „keinen Groove spielt. Sondern einen Graben aushebt“. Auf dem Höhepunkt seiner Karriere in der New Yorker Session-Szene in den 1970er Jahren spielte er nach eigenen Angaben drei Sessions pro Tag. Er verlieh einem Jahrzehnt der Rockmusik einen tiefen und sanften Funk-Charakter.

Seine bekanntesten Werke sind die verwirrenden Synkopen in Paul Simons „50 Ways to Leave Your Lover“ und die schlürfenden Hi-Hats und Monster-Fills in Steely Dans „Aja“. Aber Gadd hat Hunderten von Aufnahmen einen schwindelerregenden Groove verliehen. Darunter Van McCoy’s Nummer-Eins-Disco-Hit „The Hustle“. „Jeder Schlagzeuger möchte wie Gadd spielen, weil er perfekt spielt“, sagte Chick Corea. „Er hat orchestrales und kompositorisches Denken in das Schlagzeug gebracht und verfügt gleichzeitig über eine große Vorstellungskraft und eine großartige Fähigkeit zu swingen.“

23. Elvin Jones

Elvin Jones wurde 1927 in eine musikalische Familie in Pontiac, Michigan, geboren und gehörte zu den wenigen Musikern, die während seiner fünfjährigen Tätigkeit beim John Coltrane Quartet die Definition der Rolle eines Schlagzeugers grundlegend veränderten. Jones, ein makelloser Taktgeber mit enormer Feinfühligkeit, ist vor allem dafür bekannt, dass er Coltrane mit seiner elementaren Kraft in die Stratosphäre katapultierte, den Beat auf alle vier Gliedmaßen zu verteilen und zu verlagern.

„Das Timing ist nichts Neues. Es ist nur so, dass manche Menschen das Timing besser beherrschen als andere“, sagte Jones 1977 gegenüber „Down Beat“. „Manche Menschen sind sensibler für rhythmische Impulse. Und je sensibler man ist, desto besser kann man die Feinheiten des Timings nutzen.“

Die frühen Hardrock-Schlagzeuger, die er beeinflusst hat – Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham – würden dem sicherlich zustimmen.

22. Levon Helm

In seinem 1984 erschienenen Buch „The Big Beat“ würdigte Max Weinberg Levon Helm, den legendären singenden Schlagzeuger der Band, mit folgenden Worten. „Die gedämpfte Kadenz von ‚The Night They Drove Old Dixie Down‘, die stürmischen Tom-Toms von ‚Up on Cripple Creek‘ und der müde, aber entschlossene Backbeat von ‚The Weight‘ zeigen, dass Levon zu den seltenen Schlagzeugern gehört, die nicht nur den Takt vorgeben, sondern auch die Szene der Geschichte eines Songs.“

Helm wurde im winzigen Marvell in Arkansas geboren und spielte Ende der 50er und Anfang der 60er Jahre als Mitglied der Begleitband von Ronnie Hawkins in kleinen Clubs in ganz Nordamerika. 1965 begleiteten Helm und seine Hawks Bob Dylan auf seiner ersten elektrischen Tournee. 1968 nannten sie sich fortan „The Band“. Sie begannen, eigene Songs aufzunehmen, die oft von Helms unnachahmlichem, tiefen Groove und seinem stolz-drawlenden Gesangsstil geprägt waren. Trotz seiner Verbitterung über Robbie Robertsons Entscheidung, die Gruppe 1976 mit „The Last Waltz“ in San Francisco aufzulösen, ist Martin Scorseses Film über diese All-Star-Thanksgiving-Show ein Denkmal für Helms Charisma und rhythmische Autorität.

In seinen späteren Jahren, als seine Gesundheit und seine Finanzen nachließen, gab der Schlagzeuger Konzerte in einer Scheune auf seinem eigenen Grundstück in Woodstock. Nacht für Nacht spielte er, selbst als die Behandlung seines Kehlkopfkrebses seine Stimme zu einem leisen Krächzen machte, fröhlich alte und neue Stücke. Und hielt so den Geist der Band bei diesen sogenannten Midnight Rambles am Leben. „Er war bis zum Ende mein Busenfreund“, sagte Dylan nach Helms Tod. „Einer der letzten wirklich großen Geister meiner oder jeder anderen Generation.“

21. Ian Paice

Ohne Ian Paice, das einzige Mitglied, das seit Beginn bei Deep Purple dabei ist, gäbe es kein Heavy-Metal-Schlagzeug. Eine epische Rocklegende, die „nie mit Ohrstöpseln gespielt hat“. Er ist ein Profi der alten Schule, der schnell, wild und mit voller Kraft spielt.

Als Fan von Frank Sinatra, Ringo Starr und dem Count Basie-Schlagzeuger Sonny Payne verlieh Paice Hits wie „Hush“ und „Smoke on the Water“ einen ausgefeilten, mitreißenden Swing. Deep-Purple-Gitarrist Steve Morse sagte gegenüber „Drum!“: „Er hat einen Swing, der sich genau richtig anfühlt. Und seine Dynamik ist großartig. Der Schlagzeuger meines Trios, Van Romaine, nennt ihn den „Steve Gadd des Rock“. … Es ist wie eine gigantische Lokomotive, die mit allem perfekt synchron über die Gleise donnert.“

20. Bernard Purdie

Obwohl Bernard „Pretty“ Purdie den Spitznamen „Mississippi Bigfoot“ trug, wuchs dieser produktive Studiomusiker in Maryland auf, bevor er Anfang der 1960er Jahre nach New York zog, wo er seine Karriere mit Sessions mit Jazzkünstlern wie Nina Simone und Gabor Szabo begann.

Purdue, der für seine komplexen Hi-Hat-„Ghost Notes“ bekannt war, wurde bald zu einem der gefragtesten Schlagzeuger der gesamten Branche. Er war mehrere Jahre lang als musikalischer Leiter von Aretha Franklin tätig, wenn er nicht gerade mit Künstlern wie Steely Dan, Mongo Santamaria oder Bob Marley im Studio stand.

Die Frage ist nicht, mit wem Pretty Purdie gespielt hat. Sondern mit wem er nicht gespielt hat. „Bernard hatte immer einen einzigartigen Stil, den man sich vorher nie hätte vorstellen können und den sonst niemand hatte“, erinnert sich Walter Becker von Steely Dan.

19. Tony Williams

Das Debüt des 17-jährigen Tony Williams mit Miles Davis im Jahr 1963 gilt als eines der schockierendsten Ereignisse in der Musikgeschichte des 20. „Mann, allein schon diesen kleinen Mistkerl zu hören, hat mich wieder total begeistert“, schrieb der Trompeter in seiner Autobiografie „Miles“. „Ich habe sofort erkannt, dass dies einer der besten Schlagzeuger werden würde, die je ein Schlagzeug gespielt haben.“ Als er zu Miles kam, hatte er bereits zusammen mit dem Saxophonisten Jackie McLean und anderen bedeutende Beiträge zur Jazz-Avantgarde geleistet. Aber seine Rolle in Davis‘ sogenanntem Second Great Quintet machte ihn zur Legende.

Davis liebte es, mit Sidemen zu arbeiten, die keine Angst hatten, ihn herumzuschubsen. Und Williams war mit seinen schwindelerregenden Ride-Becken-Patterns, seinen explosiven Akzenten und radikalen Tempowechseln mehr als glücklich, ihm diesen Wunsch zu erfüllen. Es ist nur passend, dass er, als er Miles 1969 verließ, dem Trompeter den Jazz-Rock-Punch vorwegnahm und mit dem späteren Mahavishnu-Orchestra-Gitarristen John McLaughlin und dem Organisten Larry Young die glorreiche Band Lifetime gründete.

In den zehn Jahren vor seinem frühen Tod 1997 widmete sich Williams wieder dem akustischen Jazz. Er spielte wie immer mit gnadenloser Intensität. Seine Inspiration reicht über Genregrenzen hinaus. „Für mich war er nicht nur ein Meister seines Fachs. Ein Meister-Schlagzeuger, der Innovator seiner Zeit. Sondern auch ein Klanginnovator“, sagte Cindy Blackman über Williams. „Er hatte so viele Dinge, die den Klang und das erforderliche Können, um diese Art von Musik zu spielen, auf ein neues Niveau gehoben haben.“

18. Joseph „Zigaboo“ Modeliste

ROLLING-STONE-Reporter Joe McEwen beschrieb Zigaboo Modelistes Schlagzeugtechnik einmal als „die Standardtechnik über Bord werfen. Ausgelassene Rhythmen mit steifen Armen herausschlagen“. Dieser boxerähnliche Stil, ein markantes Merkmal von Modelistes Arbeit mit den Meters in den frühen 1970er Jahren, festigte seinen Status als einer der lyrischsten Funk-Schlagzeuger aller Zeiten.

Modelistes Stil war geprägt von der Second-Line-Tradition seiner Heimatstadt New Orleans. Wo Generationen von Schlagzeugern einen linearen, fast melodischen Synkopenstil entwickelt hatten. In Songs der Meters wie „Cissy Strut“ und „Just Kissed My Baby“ bringt Modelistes Stickwork das Schlagzeug geradezu zum Singen. Nachdem er die Meters Mitte der 1970er Jahre verlassen hatte, stellte er sein Talent, einen heimischen Ansatz in die breitere Musikwelt zu bringen, durch die Zusammenarbeit mit Rockgrößen wie Keith Richards und Ron Wood weiterhin unter Beweis.

17. Terry Bozzio

„Ich interessiere mich überhaupt nicht für den Zirkus-Aspekt“, sagte Terry Bozzio gegenüber ROLLING STONe während einer Solo-Tournee mit dem, was er als „das weltweit größte gestimmte Schlagzeug- und Percussion-Set“ bezeichnete. Diese Aussage mag angesichts der Tatsache, dass Bozzio sich Mitte bis Ende der 70er Jahre durch seine Zusammenarbeit mit Frank Zappa einen Namen gemacht und unter anderem das teuflisch schwierige, perkussionslastige Werk „The Black Page“ des Komponisten gemeistert hat, widersprüchlich erscheinen. Aber dieser erfahrene Schlagzeuger war schon immer viel mehr als ein technikverrückter Virtuose.

Nach seiner Zeit bei Zappa wurde Bozzio ein fester Bestandteil der Post -Prog-Supergroup U.K. und später, zusammen mit seiner damaligen Frau Dale, Mitbegründer der bahnbrechenden New-Wave-Band Missing Persons, in der er seine mitreißenden Fähigkeiten an ein stromlinienförmiges Pop-Konzept anpasste. Obwohl er in den letzten Jahren vor allem als Dozent und Solokünstler oder mit einer Vielzahl von exklusiven Supergroups zu hören war, sind seine Engagements bei Bands wie Korn oder Mike Pattons ausgefallener Band Fantômas ein Beweis für sein überraschendes Spektrum.

16. Bill Bruford

Als Percussionist mit der technischen Brillanz eines klassischen Musikers, der Subtilität und Spontaneität eines Jazz-Improvisators und der emphatischen Kraft eines Rock-Schlagzeugers Bill Bruford war bereits ein vollendeter Künstler, als er mit den ersten fünf Alben von Yes erstmals in der Öffentlichkeit bekannt wurde. 1972, als die Band kurz vor dem weltweiten Durchbruch stand, wechselte Bruford zu King Crimson. Er zeigte in den folgenden zwei Jahren, wie ein Rock-Schlagzeuger Nacht für Nacht neue Perspektiven in den Standard-Setlists finden und gleichzeitig aus dem Nichts neue Musik zaubern konnte.

In zwei weiteren Engagements bei King Crimson – „meiner spirituellen Heimat, wenn auch auf einem Nagelbett, für ein Vierteljahrhundert“, wie er in seiner Autobiografie von 2009 schrieb – erfand sich Bruford als polymetrischer Funk-Experte (1981–84) und als Chaos-Agent in einer Besetzung mit zwei Schlagzeugern (1994–96) neu, während er sich viel Zeit für sein Postbop-Passion-Projekt Earthworks nahm. Seit 2009 hat er sich von der Bühne zurückgezogen und seinen Doktortitel erworben. Man kann ihn nun Doktor Bruford nennen.

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15. Buddy Rich

Als autodidaktischer Vaudeville-Star seiner Kindheit ermöglichten Richs unvergleichliche Technik und unübertroffene Handgeschwindigkeit ihm, den amtierenden Bigband-Schlagzeuger Gene Krupa, der ihn als „den größten Schlagzeuger, der je gelebt hat” bezeichnete, schnell zu überholen. Und einen karrierefördernden Auftritt bei Tommy Dorsey zu ergattern, wo er seinen Rivalen/Freund/Gönner Frank Sinatra traf, der vier Jahrzehnte später seine Grabrede hielt.

Aber Richs Einfluss reichte weit über die Big-Band-Ära und sogar über den Jazz hinaus. Er war der erste amerikanische Schlagzeuger, den viele der frühesten britischen Rocker jemals gehört hatten. Er brachte Fans wie John Bonham und Bill Ward bei, über einfache Backbeats hinaus zu hart schlagenden Improvisationsmustern zu gelangen. Er ermutigte Phil Collins, das Setup mit zwei Bassdrums aufzugeben und sich auf seine Hi-Hat-Arbeit zu konzentrieren. Und er beeindruckte Roger Taylor einfach nur. „ Ich würde sagen, rein technisch gesehen ist er der Beste, den ich je gesehen habe“, erinnert sich der Queen-Schlagzeuger.

„Ich erinnere mich, dass er eine Art Press-Roll spielte, die etwa fünf Minuten lang dauerte. Es begann wie ein Flüstern, das man kaum hören konnte. Und wurde dann so laut, dass es den ganzen Raum mit etwa 3.500 Menschen erfüllte und wie Donner klang.“

14. Ringo Starr

„Ich erinnere mich an den Moment, als ich dort stand und John ansah und dann George. Und der Ausdruck auf unseren Gesichtern war wie: ‚Fuck you. Was soll das?‘“, sagte Paul McCartney, als er auf das erste Mal zurückblickte, als die Beatles mit Ringo Starr spielten. „Und das war der Moment, das war wirklich der Beginn der Beatles.“

Obwohl er in den extravaganten späten Sechzigern, in denen Keith Moon und Mitch Mitchell groß herauskamen, oft unterschätzt wurde, war Ringo nicht nur das Fundament der größten Band aller Zeiten. Sondern trug auch dazu bei, ihrer Musik Form und Fokus zu verleihen. Man höre sich nur die ekstatischen Trommelwirbel an, die „ „She Loves You“ einleiten. Die knackige Leichtigkeit von „Ticket to Ride“. Die flinken Becken und die träge Prägnanz von „Rain“. Oder die Art und Weise, wie er viele weitere beliebte Beatles-Songs mit niedlichen, einprägsamen „rhythmischen Hooks“ versah.

Persönlich machte ihn seine gutmütige Freundlichkeit zum zugänglichsten Mitglied der Band. „John hatte seine Höhen und Tiefen“, sagte Yoko Ono. „Aber Ringo war immer sehr sanftmütig. Und er glaubte wirklich an Frieden und Liebe.“ Als linkshändiger Schlagzeuger, der ein rechtshändiges Kit spielte, entwickelte Starr seinen eigenen einzigartigen Stil, mit dem er knackige, überschwängliche „lustige Fills“ schuf. Seine beständige Zuverlässigkeit wurde zu einem frühen Goldstandard für schnörkellose Rockmusiker, die jeden Song mit Gefühl, Swing und unerschütterlicher Zuverlässigkeit spielten. „Ringo war der König des Feeling“, sagte Dave Grohl. Jim Keltner meint: „Er war der Typ, den wir alle im Studio zu imitieren versuchten.“

13. D.J. Fontana

Auf Hunderten von frühen Elvis-Presley-Aufnahmen war Dominic Joseph „D.J.“ Fontana der Vorreiter des Rock-‚n‘-Roll-Schlagzeugs. Er brachte Hillbilly-Musik zum Swingen, zu einer Zeit, als Country- und Bluegrass-Gruppen das Schlagzeug noch gänzlich mieden. Er war der Pionier einer ganzen Reihe oft imitierter Licks. Von den sprunghaften Snare-Schlägen in „Blue Suede Shoes“ bis zu den Wellen von Punchlines, die „Hound Dog“ zum Heulen brachten.

„Er hatte eine unglaubliche Technik und schnelle Hände, sodass er diese Buddy-Rich-Press-Rolls einsetzen konnte, wann immer er wollte. Er spielte wie ein Big-Band-Schlagzeuger. Mit Vollgas”, sagte Levon Helm einmal. „Jetzt hatte Elvis eine echte Grundlage. Eine gewisse Architektur. Und er machte das Beste daraus. D.J. befreite Elvis.”

12. Charlie Watts

Keith Richards sagte einmal, dass sie sich bei der Gründung der Rolling Stones den Schlagzeuger Charlie Watts „nicht leisten konnten“, der bereits der zuverlässige Schlagzeuger von Alexis Korners etablierterer Blues Incorporated war. Schließlich konnten die Stones ihn für sich gewinnen. Und er bat darum, mitmachen zu dürfen.

„Du bist großartig, Mann”, sagte er zu Richards. „Aber du brauchst einen verdammt guten Schlagzeuger.” Abgesehen von gelegentlichen Ausflügen in Jazz-Nebenprojekte hat Watts Jagger, Richards und den Rest der Band seit mehr als 50 Jahren perfekt mit swingenden Grooves („Brown Sugar“), straffen Four-on-the-Floor-Rhythmen („Satisfaction“) und zurückhaltendem Impressionismus („Sympathy for the Devil“) ergänzt. Ohne dabei jemals anzugeben.

„Als wir Charlie bekamen, war das für uns der Durchbruch“, sagte Richards. „Charlie kann wie verrückt loslegen und es trotzdem großartig klingen lassen. Das ist sein Stil“, erzählte Jim Keltner „Drum!“ „Er kann es nicht erklären. Und ich möchte auch nicht unbedingt mit ihm zu sehr ins Detail gehen. Ich bewundere es einfach nur.“

11. Benny Benjamin

Jahrelang weigerte sich Berry Gordy, Aufnahmen zu machen, wenn der hart swingende Benny Benjamin nicht im Studio war. „Er hatte eine besondere Begabung dafür, verschiedene Rhythmen gleichzeitig zu spielen“, sagte der Motown-Gründer über den wichtigsten Session-Schlagzeuger seines Labels. „Er hatte einen Puls. Eine Beständigkeit, die das Tempo besser hielt als ein Metronom.“

Benjamin war an unzähligen Motown-Hits beteiligt. Von Barrett Strongs „Money (That’s What I Want)“ bis zu „My Girl“ von The Temptations, zusammen mit seinen Session-Kollegen, die er Funk Brothers nannte und die ihn „Papa Zita“ nannte. Seine Sucht hielt ihn häufig vom Studio fern, bevor er 1969 an einem Schlaganfall starb. Aber Benjamin war Mentor des jungen Stevie Wonder, der seinen eigenen Schlagzeugstil dem älteren Musiker zuschreibt.

„Ich habe einfach durch Zuhören von ihm gelernt“, sagte Wonder 1973. „Mann, er war eine der wichtigsten Kräfte im Motown-Sound. Benny hätte sehr wohl der Böseste sein können.“

10. Stewart Copeland

Es mögen Stings Melodien sein, die allgegenwärtig geworden sind. Aber The Police klingen so, wie sie klingen, weil Stewart Copeland Raum, Subtilität und Aggression einsetzt. Er ist sicherlich der bedeutendste Schlagzeuger, der am wenigsten daran interessiert ist, die Snare zu spielen (die dennoch ungewöhnlich hell und scharf ist). Seine charakteristischen Parts beinhalten oft komplizierte Hi-Hat-Patterns (das ist seine Hi-Hat-Arbeit auf Peter Gabriels „Red Rain“).

Sein Vater Miles war Diplomat und zog mit seiner Familie an verschiedene Orte im Nahen Osten. Diese einzigartige Erziehung verlieh The Police rhythmische Akzente, die weit von ihrer englischen Heimat entfernt waren. Trotz ihrer anhaltenden Feindseligkeiten räumte Sting ein, dass das „erste Album der Band eine Hommage an Stewarts Energie und Konzentration war”.

„All die Jahre habe ich versucht, diesen Stewart-Copeland-Snare-Drum-Sound oder diesen Stewart-Copeland-Hi-Hat-Sound hinzubekommen”, sagte Les Claypool von Primus, der seit 2000 mit ihm jammt. „Und er setzte sich an dieses [Schlagzeug], das mit alten Fellen darauf herumstand. Plötzlich war da dieser Stewart-Copeland-Snare-Drum-Sound. Da wurde mir klar, dass es nur darauf ankommt, wie er seine Trommeln anschlägt. Wie er spielt.“

9. Al Jackson Jr.

Al Jackson Jr., der Session-Schlagzeuger des legendären Soul-Labels Stax, war bis zu seinem Tod im Jahr 1975 im Alter von 40 Jahren als „the Human Timekeeper“ bekannt. In dieser Zeit trieben Jacksons unverwechselbare, swingende, aber knackige Grooves legendäre Songs von Wilson Pickett, Otis Redding und Al Green (mit dem Jackson den Hit „Let’s Stay Together” co-komponierte) voran. Und als sein Ruf wuchs, begannen auch Superstars außerhalb der R&B-Welt wie Eric Clapton, Jacksons perkussives Genie zu fordern.

Als Mitbegründer und wichtiges Mitglied von Booker T. & the MGs trug Jackson dazu bei, die rhythmische Zukunft sowohl des Funk als auch des Hip-Hop zu ebnen. „Ich stelle ihn auf eine Stufe mit Ray Charles oder Billy Preston. Er ist eine Klasse für sich“, sagte Sam Moore von Sam & Dave über Jackson, der auf Klassikern wie „Soul Man“ und „Hold On, I’m Coming“ spielte. „Ich sage es Ihnen ganz offen. Er konnte sogar Scheiße gut riechen lassen.“

8. Mitch Mitchell

„Er spielte das Schlagzeug wie ein Lied. Es war einfach wunderbar“, sagte Roger Taylor von Queen und lobte Mitch Mitchells „Fusion aus Jazztechnik und wunderbaren Riffs. Aber mit diesem rollenden, wilden Angriff auf das gesamte Schlagzeug. Vollständige Integration in den Song. Nicht nur, um den Takt zu halten.“

Und Stewart Copeland von The Police hat zugegeben: „All diese Dinge, auf die ich ziemlich stolz war, dachte ich, hätte ich mir ausgedacht. Aber nein, ich habe sie von Mitch.“ Als es jedoch 1966 darum ging, einen Schlagzeuger für die Jimi Hendrix Experience auszuwählen, fiel die Entscheidung buchstäblich durch einen Münzwurf. Man warf eine Münze, um zwischen Mitch Mitchell und Aynsley Dunbar zu wählen.

Mitchell gewann. Dieser hart schlagende Schüler von Elvin Jones brachte eine starke Improvisationsqualität in Hendrix‘ Power-Trio ein, indem er typischerweise einen spannungsgeladenen, schweren Groove aufbaute. Und dann in einen flüssigen, aber strukturierten Kontrapunkt zu Jimi’s Gitarre überging.

7. Gene Krupa

„Er war in vielerlei Hinsicht der erste Rock-Schlagzeuger“, sagte Neil Peart 2015 gegenüber „NPR“ über Gene Krupa. „Er war der erste Schlagzeuger, der im Rampenlicht stand. Und der erste Schlagzeuger, der für seine Soli gefeiert wurde. Er machte im Grunde einfache Dinge. Aber er ließ sie immer spektakulär aussehen.“

Krupas wildes Spiel, sein Four-on-the-Floor-Bassdrum-Tattoo und sein manisch funkiges Cowbell-Spiel – beeinflusst von den New Orleans-Schlagzeugern Baby Dodds und Zutty Singleton – trieben Benny Goodmans innovative Big Band der 30er Jahre zu neuen Höhen. Sie inspirierten dabei eine Generation zukünftiger Rockgrößen. Darunter Keith Moon und John Bonham. Zusammen mit Buddy Rich, seinem Gegner in epischen Schlagzeugduellen, die die heutigen „Gospel Chops“-Schlagzeugvideos inspirierten, ist Krupa der Pate der Schlagzeugkunst als Sport und Spektakel. Die nach wie vor blühende Tradition der atemberaubenden, arena-großen Schlagzeuger-Starauftritte, von Bonhams „Moby Dick“ bis zu Pearts „The Rhythm Method“, wäre ohne ihn undenkbar.

6. Clyde Stubblefield und John „Jabo“ Starks

Auf dem Höhepunkt der rhythmischen Revolutionen seiner Band wurde Browns Percussion-Sektion nicht nur von einem, sondern von zwei Meister-Schlagzeugern getragen. Dem leider unterschätzten John „Jabo“ Starks und Mr. Funky Drummer höchstpersönlich, Clyde Stubblefield.

Starks begann seine Karriere als Begleitmusiker für Jazz- und Blues-Musiker, Stubblefield war ein R&B-Mann. Durch Zufall begannen beide nur wenige Wochen nacheinander bei Browns Band. Jeder brachte einen unverwechselbaren Stil mit, der den anderen ergänzte. Ahmir „Questlove“ Thompson sagte einmal gegenüber ROLLING STONE: „Starks war die Beatles zu Clydes Stones. Ein sauberer Shuffle-Schlagzeuger zu Clydes Free-Jazz-Linker.“

Zusammen prägten sie einige von Browns größten Songs. Darunter „Cold Sweat“, „Superbad“ und natürlich „Funky Drummer“. Ihre Innovationen sollten sich erneut bemerkbar machen, als sie das gesamte Gefühl der Goldenen Ära des Hip-Hop prägten.

5. Hal Blaine

„Hätte Hal Blaine nur bei „Be My Baby“ von den Ronettes Schlagzeug gespielt, würde sein Name dennoch mit Ehrfurcht ausgesprochen werden“, sagte Max Weinberg einmal. Aber der Schlagzeuger, geboren als Harold Simon Belsky, leistete noch viel mehr. Er nahm unter anderem mit Sinatra, den Beach Boys, Elvis und den Supremes auf.

Als Leiter der Wrecking Crew, einer Gruppe von Session-Musikern aus L.A., die in den 60er- und 70er-Jahren die Studioszene dominierte, ist Blaine der meistaufgenommene Schlagzeuger der Geschichte. (Bei etwa 35.000 Titeln hat er den Überblick verloren. Aber darunter sind 150 Top-10-Hits und 40 Nummer-1-Hits.) Als Percussionist hinter Phil Spectors „Wall Of Sound” schuf Blaine einen der bekanntesten Beats der Popmusik. Aber Blaines wahres Vermächtnis ist seine chamäleonartige Anpassungsfähigkeit an jede Session. Und das nicht nur hinter einem herkömmlichen Schlagzeug.

Für „Caroline, No” von den Beach Boys schlug er auf Sparkletts-Wasserkanister. Bei „Bridge Over Troubled Water” von Simon & Garfunkel zog er Reifenkettchen über einen Betonboden. „Ich bin kein auffälliger Schlagzeuger“, reflektierte er. „Ich wollte ein großartiger Begleiter sein.“ Mission erfüllt.

4. Neil Peart

Als Neil Peart 1974 für Rush vorspielte, sahen seine Bandkollegen in ihm eine Chance, ihre leidenschaftliche Begeisterung für The Who auszuleben. „Wir waren von Neils Spiel total begeistert“, erinnerte sich Gitarrist Alex Lifeson in einem Interview. „Es war sehr Keith-Moon-ähnlich. Sehr aktiv, und er schlug so hart auf seine Trommeln.“ Ironischerweise sollte sich Pearts großer Beitrag zum Rock-Schlagzeugspiel als das genaue ästhetische Gegenteil von Moons Stil herausstellen. Die präziseste und akribischste Percussion, die das Genre je gesehen hat.

Als Rushs hochgesteckte Prog-Ambitionen Mitte bis Ende der 70er Jahre aufblühten, entpuppte sich Peart als obsessiver Handwerker und wild ambitionierter Künstler. Eigenschaften, die auch in seinen fantastischen Texten zum Vorschein kamen. Er setzte esoterische Instrumente wie Orchesterglocken, Tempelblöcke und Pauken ein, um seine barocken Parts für Songs wie „Xanadu“ und „The Trees“ auszuarbeiten.  Als sich die Musik der Band in den Achtzigern durch Übergangsmeisterwerke wie Moving Pictures zu einem eher poporientierten Sound entwickelte, tat dies auch Pearts Spiel.Eer begann, geschmackvoll elektronische Percussion einzubauen. Und suchte Inspiration bei Mainstream-Innovatoren wie Stewart Copeland.

Rushs jüngste Werke, wie beispielsweise „Clockwork Angels“ aus dem Jahr 2012, enthalten einige von Pearts besten Aufnahmen. Eine atemberaubende Einheit von Verstand und Muskelkraft. Obwohl er sich bis zu seinem Tod aus dem Tournee-Geschäft zurückgezogen hatte, bleibt Peart wohl der am meisten verehrte – und am häufigsten nachgespielte – Live-Schlagzeuger im gesamten Rock. Berühmt als Architekt von buchstäblich atemberaubenden Soli.

3. Ginger Baker

Mit immensem Talent gesegnet und mit einem ebenso großen Temperament gestraft. Ginger Baker kombinierte seine Jazzausbildung mit einem kraftvollen polyrhythmischen Stil im weltweit ersten und besten Power-Trio. Während er sich ständig mit seinen Cream-Bandkollegen Jack Bruce und Eric Clapton stritt, führte der in London geborene Schlagzeuger mit seiner Doppelbass-Virtuosität und seinen ausgedehnten Soli die Showmanship in die Rockwelt ein.

Nach der Auflösung der kurzlebigen Band Blind Faith zog Baker in den 70er Jahren für mehrere Jahre nach Nigeria. „Er versteht den afrikanischen Beat besser als jeder andere Westler“, erklärte Tony Allen, Mitbegründer des Afrobeat. In den Jahren seitdem war Baker mit einer beeindruckenden Reihe von Projekten beschäftigt, bei denen er seine charakteristische Bravour und seine komplex verwobenen Grooves zur Schau stellte. Darunter das unterschätzte Projekt Baker Gurvitz Army aus der Mitte der 70er Jahre, Jazz-Combos mit Star-Solisten wie Bill Frisell und überzeugende Kollaborationen mit Public Image Ltd und Masters of Reality.

2. Keith Moon

Der „größte Keith-Moon-artige Schlagzeuger der Welt“, wie er sich selbst beschrieb, verabscheute die Wiederholung von routinemäßigem Rock-Schlagzeugspiel. Ebenso wie die Wiederholung im Leben allgemein. Moon, die Inspiration für die Muppets-Figur Animal, zerschlug Schlagzeuge und Hotelzimmer mit einer Wildheit, die darauf hindeutete, dass er eher ein Performancekünstler als ein bloßer Rock-„Sticksman“ war.

Er weigerte sich bekanntlich, Schlagzeugsoli zu spielen. Er behandelte das Schlagzeug stattdessen als das Leitinstrument von The Who. „Seine Breaks waren melodisch“, sagte Bassist John Entwistle gegenüber ROLLING STONE. „Weil er versuchte, mit allen Bandmitgliedern gleichzeitig zu spielen.“ Moon the Loon fügte Trommelwirbel an Stellen ein, an denen sie eigentlich nicht vorgesehen waren. Nur die Synthesizer-Tracks auf „Who’s Next“ stabilisierten sein ständig schwankendes Tempo.

„Keith Moon hat wirklich orchestriert, wie ein Paukenspieler oder ein Beckenspieler in einem Orchester“, sagte Stephen Perkins von Jane’s Addiction. „Er macht dir klar, dass dies ein wichtiger Teil ist. Auch wenn es vielleicht nicht genau am Ende der vier Takte ist. Ich liebe dieses Drama. Dieses Theater. Und ich liebe die Emotionen.“ Moons Lieblingsstreich war es jedoch, starke Sprengstoffe in Hoteltoiletten herunterzuspülen. Ein Trick, den er bis 1978 anwandte, als er im Alter von 31 Jahren an einer Überdosis Drogen starb.

1. John Bonham

Mit dem allerersten Titel der allerersten LP von Led Zeppelin veränderte John Bonham das Rock-Schlagzeugspiel für immer. Noch Jahre später amüsierte sich Jimmy Page über die verwirrende Wirkung, die „Good Times Bad Times” mit seinen atemberaubenden Bassdrum-Hiccups auf die Zuhörer hatte. „Alle wetteten darauf, dass Bonzo zwei Bassdrums benutzte. Aber er hatte nur eine.”

Kraftvoll, lebhaft, virtuos und bewusst legte dieser Auftritt den Grundstein für Bonhams kunstvolles Trommeln, das er bis zu seinem frühen Tod im Jahr 1980 perfektionierte. Selbst in seinen brutalsten Momenten schlug er nie dumpf zu. Selbst in seinen rhythmisch atemberaubendsten Momenten verfiel er nie in unnötige Selbstgefälligkeit.

Jeden Abend auf Tournee umging er beide Fallstricke mit seiner glorreichen Stampede durch „Moby Dick“. „Ich habe Jahre in meinem Schlafzimmer verbracht – buchstäblich verdammte Jahre –, Bonhams Schlagzeug gehört und versucht, seinen Swing oder seine hinter dem Beat liegende Prahlerei oder seine Geschwindigkeit oder Kraft nachzuahmen“, schrieb Dave Grohl einmal im ROLLING STONE. „Nicht nur, um mir zu merken, was er auf diesen Alben gemacht hat, sondern um mich in eine Lage zu versetzen, in der ich die gleiche instinktive Ausrichtung hätte wie er.“

Das war ein Weg, den fast jeder Rock-Schlagzeuger nach Bonham irgendwann einmal gegangen ist. Eine Suche, die es den Größten schließlich ermöglichte, ihren eigenen Groove zu finden.