Die 200 besten Country-Songs aller Zeiten
Von Johnny Cash bis Beyoncé: Das sind die 200 besten Country-Songs aller Zeiten.
160 David Allan Coe, „You Never Even Called Me by My Name“ (1975)
Von allen Orten, an denen man „den perfekten Country & Western-Song“ schreiben könnte, wie es im Text dieses Liedes heißt, ist es schwer, sich einen unwahrscheinlicheren Ort als Paul Ankas persönliche Suite im Waldorf Astoria vorzustellen. Und doch war es der Ort, an dem Steve Goodman und John Prine zum ersten Mal den Stift zu Papier brachten, um diese Parodie auf die Klischees der Country-Musik zu schreiben und zu zelebrieren. „Ich fühlte mich ziemlich gut“, sagte Prine und bezog sich dabei auf einen erfolgreichen Überfall auf Ankas Schnapsschrank, „also sprang ich auf das Bett und tat so, als hätte ich eine imaginäre Fiedel und sagte: ’Aber du musst mich nicht Darlin’ nennen, Darlin’.’“ Die meisten Künstler wären vor der Frechheit des Songs davongelaufen. David Allan Coe jedoch spielte damit und fügte eine Bridge hinzu, in der Goodman selbst als Figur auftritt, und schrieb absichtlich mehr Klischees in den Text.
159 The Mavericks, „All You Ever Do Is Bring Me Down“ (1995)
Billboard hatte einen guten Ausdruck, um die Position der Mavericks gegenüber dem Nashville-Firmament Mitte der neunziger Jahre zu beschreiben: „Unorthodox, aber Platin“. Ihr größter Hit in den Billboard-Country-Charts - er erreichte 1996 Platz 13 - ist ein unwiderstehlich flotter Tex-Mex-Groover: Orgelspritzer auf der Zwei und der Vier, eindringliche Shaker und Hi-Hats im ganzen Stück, Raul Malos schön heiserer Tenor, der die Zeit seines Lebens hat. All das ist eine Bühne für das Akkordeon von Flaco Jiménez, das das Geschehen ständig kommentiert und einen bequemen Platz vor der Musik einnimmt, wann immer es in Hörweite aufflackert.
158 Jim Reeves, „He’ll Have to Go“ (1959)
Dieses verträumte, schwärmerische Liebesgespräch war der größte Gesangshit des Jahres 1960. Der vibraphonlastige Walzer, ein Klassiker des frühen Nashville-Sounds, spiegelte absichtlich das Arrangement wider, das der Rockabilly-Interpret Billy Brown im selben Jahr veröffentlicht hatte. Es war jedoch der tiefe, samtweiche Bariton von Gentleman Jim Reeves, der dem Song den letzten Schliff gab. „Ich kann Ihnen nicht wirklich sagen, was der Grund für die Popularität dieses Liedes war, außer dass ich das sehr pathetische Bild des alten Mannes habe, der in der Telefonzelle steht, halb besoffen, und mit seinem Mädchen spricht und sie bittet, den anderen Kerl zu verjagen“, sagte Reeves. „Ich denke, das ist ein ziemlich gutes Hörerlebnis.“
157 Kenny Chesney, „The Good Stuff“ (2003)
Ein frisch verheiratetes Paar hat seinen ersten Streit, woraufhin der Mann in eine Bar geht. Aber anstatt sich zu betrinken und sich mit dem Barkeeper zu trösten, bekommt er ein Glas Milch serviert. Chesney wendet mehrere Bedeutungen auf den Titel an: „The Good Stuff“ könnte ein steifer Drink sein, aber es bedeutet auch bedeutungsvolle Momente im Leben. Am Ende stellt sich heraus, dass der Barkeeper seine Frau durch Krebs verloren hat und die Erinnerung an sie stärker ist als alles, was Whiskey bieten kann. Die Songwriter Craig Wiseman und Jim Collins schrieben den Song, nachdem ihr Freund seine Ehefrau durch eine Krankheit verloren hatte. „Wir sprachen darüber, was wäre, wenn du einfach nur dasitzt und zusiehst, wie deine Frau stirbt?“ erinnerte sich Wiseman später. „Wir saßen beide einfach nur da und waren für eine Minute wie betäubt. Wir sagten: ’OK, lass uns eine Tasse Kaffee trinken und einen Song schreiben!’“
156 Barbara Mandrell, „(If Loving You Is Wrong) I Don’t Want to Be Right“ (1979)
Dies war zwar nicht die früheste Adaption des patentierten Boom-Swish-Beats der Disco, aber abgesehen von Dolly Partons „Nine to Five“ war es vielleicht die einfallsreichste Nummer dieser Ära, bei der Schlagzeuger Hayward Bishop diese clubtauglichen Akzente einsetzte, während er entschlossen an einem schwungvollen Two-Step-Rhythmus festhielt. Das Stück schwebt wie Philly Soul (die Streicher sind eher Barry White als Billy Sherrill) und bleibt doch eindeutig Nashville - aber der Song selbst stammt aus Memphis, ein Soul-Hit von 1972 auf Stax Records für Luther Ingram. Barbara Mandrell, die nach acht Alben bereit für die große Bühne war, nahm diesen schmerzhaften, schuldbeladenen, überwältigend geilen Text und lieferte einen Showstopper, der gleichzeitig subtil und aufbrausend war. Es war ihr größter Crossover-Moment und erreichte die Billboard Pop Top 40, ihr einziger Auftritt dort.
155 Florida Georgia Line, „Cruise“ (2012)
Es gab eine Zeit, noch gar nicht so lange her, da galt die Kombination von Country und Hip-Hop als blasphemisch, problematisch, gauche und vielleicht sogar als avantgardistisch. „Cruise“ war all das und noch mehr, ein Hochsommer-Liebeslied, in dem Trucks, Mädchen und die FGL-Jungs selbst abwechselnd zum Objekt der Zuneigung werden. Wie einige der anderen Platten auf dieser Liste wurde auch diese anfangs beschuldigt, die Country-Musik zu ruinieren. („Es gibt kein Label, das unsere Gefühle wirklich verletzen kann“, sagte Brian Kelley von FGL, als er in *60 Minutes* zum „Bro-Country“ befragt wurde.) Ein Jahrzehnt später jedoch klingt das zuckende Banjo, das während der Strophen gespielt wird, fast altmodisch - so wie der aufgebockte Silverado im Musikvideo fast klein aussieht.
154 Mickey Guyton, „Black Like Me“ (2020)
Mickey Guyton erfreut sich an der Tradition der Country-Musik; sie ist zufällig eine schwarze Frau, und sie hat ihre Erfahrungen in dieser bahnbrechenden Ballade festgehalten. „Wenn du glaubst, dass wir im Land der Freiheit leben, solltest du versuchen, so schwarz zu sein wie ich“, sang sie über Pedal-Steel-Schreie in dem Stück und kitzelte die Stränge von R&B und schwarzer Kirchenmusik heraus, die so wichtig für die DNA des Country im 21. Jahrhundert sind. Der Song lag in ihrem Regal, bis die Morde an Ahmaud Aubrey und George Floyd sie dazu brachten, Fragmente davon in den sozialen Medien zu posten. Die Reaktion kam schnell, und innerhalb eines Jahres sang sie den Song bei den Grammys - bemerkenswerterweise als erste schwarze Frau, die jemals für die beste Country-Solodarbietung nominiert wurde. Guyton hat nicht gewonnen. Aber ihr Song veränderte den Dialog über schwarze Country-Künstler und half, einer neuen Generation von Stimmen die Türen zu öffnen.
153 Emmylou Harris, „Boulder to Birmingham“ (1975)
Emmylou Harris stand an der Schwelle zum Ruhm und war eine der gefragtesten Sängerinnen in Nashville, als sie 1975 ihr zweites Album *Pieces of the Sky* veröffentlichte, aber sie war von Trauer geplagt. Ihr Gesangspartner, Mentor und enger Freund Gram Parsons war etwas mehr als ein Jahr zuvor an einer Überdosis Drogen gestorben. Harris kanalisierte diesen Herzschmerz in einen Song, der ihr Markenzeichen wurde. „Worte können so mächtig sein und einem helfen, etwas auszudrücken, das man sonst nicht ausdrücken kann“, sagte sie Jahre später. „Und jeder hat einen Verlust erlebt.“ Nur wenige Menschen konnten es jedoch so schön klingen lassen, ein rohes Geständnis der Trauer, das von ihrem schimmernden Sopran erhellt wurde, der dazu bestimmt war, eine der unverwechselbarsten Stimmen der Country-Musik zu werden.
152 Joe Diffie, „John Deere Green“ (1993)
Der Sänger Joe Diffie aus Oklahoma sang in „John Deere Green“ des legendären Songwriters Dennis Linde die ultimative Kleinstadtromanze. Es ist ein Juwel der Country-Geschichte, in dem Billy Bob seine Liebe zu Charlene erklärt, indem er ihre Namen in ein 10 Fuß hohes Herz am Wasserturm malt. Die Farbe des Traktors ist das entscheidende Detail, mit dem Aufhänger: „Die ganze Stadt sagte, er hätte Rot nehmen sollen, aber Charlene gefiel es, in John-Deere-Grün.“ Im März 2020 wurde Diffie tragischerweise eines der ersten Opfer der Covid-19-Pandemie, nur 61 Jahre alt, aber er hinterließ ein Leben voller Klassiker wie „Honky Tonk Attitude“, „Pickup Man“ und „Bigger Than the Beatles“.
151 Conway Twitty, „You’ve Never Been This Far Before“ (1973)
Conway Twitty war ein Rock’n’Roller, der in den sechziger und siebziger Jahren dazu beitrug, Balladen im Stile von Elvis Presley in den Country-Mainstream zu bringen, und der so offen und routiniert über Sex sang wie kein Country-Sänger vor ihm. „You’ve Never Been This Far Before“, in dem Twitty säuselt, dass seine zitternden Finger „verbotene Orte berühren“, wurde sogar, wenn auch nur kurz, von einigen großen Sendern boykottiert. Was diese Platte so gut macht, ist, wie unaufdringlich, ja sogar nackt sie klingt - das einzige Instrument, das die meiste Zeit über zu hören ist, ist ein pochender E-Bass - und die Art und Weise, wie Twittys wiederholtes „buh-buh-buh“ gleichzeitig Herzschlag und Hook ist.
150 The Chicks, „Travelin’ Soldier“
„Travelin’ Soldier“ spielt während des Vietnamkriegs und wurde während des Irakkriegs veröffentlicht, aber eigentlich handelt der Song von einem anderen Krieg. 1990 begann Bruce Robison seine Songwriting-Karriere und arbeitete als Frittierkoch, als ein Kollege in den Golfkrieg zog. Jahre später, als Country-Künstler wie Toby Keith und Darryl Worley Pro-Kriegs-Songs veröffentlichten, brachten die Chicks dieses herzzerreißende Porträt von Liebe, Jugend und tragischem Verlust heraus. Nach umstrittenen Kommentaren der Leadsängerin Natalie Maines über Präsident George W. Bush wurde der Song von Radiosendern verbannt und aus den Charts geworfen. Aber sein Erbe ist offensichtlicher denn je – man muss nur eine Live-Performance ansehen und die Tränen und Schreie des Publikums beweisen es.
149 Merle Haggard, „I Take a Lot of Pride in What I Am“
Merle Haggard verbrachte die späten Sechziger damit, die Schattenseiten der amerikanischen Kultur zu erkunden, mit seinem zornigen, arbeiterklassenhaften Zorn, von „Hungry Eyes“ bis „Okie From Muskogee“. Aber „I Take a Lot of Pride in What I Am“ könnte die Geschichte sein, die im Laufe der Jahre am härtesten und wahrsten klingt. Er singt mit der Stimme eines umherziehenden Vagabunden, der von Ort zu Ort driftet und immer auf der Flucht ist. „I keep thumbin’ through the phone books/Lookin’ for my daddy’s name in every town“ – die Art, wie Hagg diese Zeile trifft, ist der Inbegriff seiner harten, kochenden vokalen Genialität. Es ist der Song, der bei der Beerdigung von Lynyrd Skynyrd’s Ronnie Van Zant gespielt wurde. Nur Haggard konnte einen so uramerikanischen Ton von Außenseiter-Defiance und Underdog-Resilienz einfangen.
148 Jerry Reed, „East Bound and Down“
Ob man nun am Steuer eines großen LKWs oder eines Volvos sitzt, es ist unmöglich, nicht das Gaspedal durchzudrücken, wenn „East Bound and Down“ über die Lautsprecher läuft. Jerry Reeds Titelsong zum 1977er Kultklassiker Smokey and the Bandit (in dem Reed als Schmuggler und LKW-Fahrer Snowman mitspielte) war gemacht, um Temposünder zu verführen. Während die Texte im Wesentlichen nur die Handlung des Films zusammenfassen, macht das den Song nicht weniger großartig. Angetrieben von einer schwungvollen Banjo-Linie, liefert Reed seine Vocals mit einem breiten Grinsen und legt ein chicken-pickin’ Gitarrensolo hin, bevor das Ganze in weniger als drei Minuten endet.
147 Patty Loveless, „Blame It on Your Heart“
Ein Klassiker der Neunziger, der thematisch Dolly Partons „Jolene“ mit Carrie Underwoods „Before He Cheats“ verbindet, dieser Country-Pop-Abschiedsgruß sprengt eine Trennungsbombe auf das „lügende, betrügende, kalte, tote schlagende, zweifach spielende, doppelt dealende, gemein behandelnde, liebende Herz“ eines Ehebrechers. Das Patty Loveless-Team lehnte den von den erfahrenen Songwritern Harland Howard („I Fall to Pieces“) und Kostas Lazarides geschriebenen Song zunächst ab, aber als er von Deborah Allen in dem Peter Bogdanovich-Film The Thing Called Love gesungen werden sollte, änderten sie ihre Meinung. Der Song wurde ein absoluter Sensationserfolg.
146 Marty Stuart and Travis Tritt, „This One’s Gonna Hurt You (For a Long, Long Time)“
Marty Stuart war ein virtuoser Musiker und Bindeglied zur Bluegrass-Ära, da er in Lester Flatt’s Band gespielt hatte, während Travis Tritt der soulvollere, radiofreundliche Newcomer war. Zusammen klangen sie wie ein paar alte Freunde im Gespräch. Ein gemütlicher Honky-Tonk-Song, der von Stuart geschrieben wurde, „This One’s Gonna Hurt You“ kam mit einem augenzwinkernden Sinn für Humor über eine Beziehung auf den Felsen. „You can’t walk away from true love, leave all your feelings behind/This one’s gonna hurt you for a long, long time“, singen sie abwechselnd und verbergen dabei kaum ihre eigenen verletzten Gefühle. In einer Zeit, in der sich Country-Musik größer und weiter ausdehnte als je zuvor, trafen Stuart und Tritt Gold, indem sie sich an die Grundlagen hielten.
145 Steve Earle, „Guitar Town“
Angetrieben von Drogen, Alkohol und einer bösen Scheidung von seiner dritten Frau, lieferte Steve Earle diese Road-Hymne mit einem Knurren und Bellen ab, indem er seine Art als Rock & Roll-Rebell mit der Autorität eines Mannes, der mit 31 Jahren schon alles gesehen (und geschnupft) hatte, durch Zeilen über Geschwindigkeitsfallen und Raststätten schnarrte. Jahre des harten Lebens forderten schließlich ihren Tribut an Earle, der drei Nachfolger zu Guitar Town veröffentlichte, bevor er die erste Hälfte der Neunziger in einem Heroinnebel verbrachte. Als er 1995 seinen Akt säuberte, war die Alt-Country-Bewegung in vollem Gange, und Earle schloss sich einer neuen Generation von Musikern an – viele von ihnen hatten zu einer Guitar Town-Kassette mitgesungen – im Bemühen, die Grenzen zwischen Country und Rock abzubauen.
144 Clint Black, „Killin’ Time“
Clint Black verbrachte Jahre damit, in leeren Bars in Houston zu spielen, verdiente seinen Lebensunterhalt mit Bauarbeiten und Köder-Schneiden, bis er schließlich mit seinem 1989er Album Killin’ Time durchbrach. Mit seinem frechen Grinsen und schwarzem Hut debütierte Black im selben Jahr wie sein Kollege und Neo-Traditionalist Garth Brooks, beide setzten das Tempo für die bevorstehende Country-Explosion der Neunziger. „Killin’ Time“ ist ein klassisches Honky-Tonk-Melodrama, geschrieben von Black mit seinem langjährigen Mitarbeiter Hayden Nicholas. Er singt davon, seine Sorgen auf dem Boden des Barrooms zu ertränken, in einem trunken-existentialistischen Showdown mit dem Tod. Es war der zweitgrößte Country-Hit von 1989 – direkt hinter einem weiteren Black-Hit, „A Better Man“.
143 Pistol Annies, „Got My Name Changed Back“
Supergroup-Projekte sind oft inspirationsarme Einmal-Cashgrabs. Nicht die Pistol Annies, die ihr drittes scharfes Album mit dieser urkomischen, frechen Hymne des neu gefundenen Singledaseins krönten, ein Kandidat für ihren bisher besten Track. Er wurde von Miranda Lambert geschrieben, die nach ihrer hochkarätigen Scheidung von Blake Shelton im Jahr 2015 und ihrem seelensuchenden 2016er Album The Weight of These Wings, einem der kraftvollsten Trennungsalben aller Zeiten, bereit war, ein wenig zu lachen. Aber Lamberts Co-Annies, Angaleena Presley und Ashley Monroe, wussten auch eine Menge über Scheidungen – Presley aus erster Hand – und gemeinsam verwandelte das Trio den Track in einen campy Roadhouse-Rocker mit einem Tennessee-Two-Rhythmus, der seinen Höhepunkt in ihrem freudigen unisono Schrei findet: „I broke his heart and I took his money!“ Dass der Song effektiv die Gelübde einer Partnerschaft erneuerte, die zwei ihrer Ehen überdauerte, machte die badass Schwesternschaft noch süßer.
142 Sturgill Simpson, „Turtles All the Way Down“
Als Sturgill Simpson 2014 Metamodern Sounds in Country Music veröffentlichte, machte sein widerspenstiger Sinn für Unabhängigkeit ihn zum perfekten Antihelden in der Ära des Bro-Country. Aber er war kein Standard-Outlaw. „Turtles All the Way Down“ landete irgendwo zwischen klassischem Country und Psychedelia, nahm seinen Titel von einem Sprichwort über die Bedeutungslosigkeit am Grund der Existenz. Simpson brachte seine Botschaft mit säuregetränkten Gitarren, Visionen von Jesus in Flammen und einem Bariton rüber, der gleichzeitig die Furcht und die Liebe Gottes in dich hineinbringen konnte. „Es ist immer noch eine schöne Idee“, sagte Simpson damals gegenüber Rolling Stone, „dass alles von einem Punkt ausgeht und dass wir alle ein universelles, geteiltes Bewusstsein sind.“
141 Deana Carter, „Strawberry Wine“
Deana Carters Coming-of-Age-Ballade über eine Sommerromanze auf einer Farm war 1996 ein Hit, hat sich aber im Laufe der Zeit zu einem Country-Standard entwickelt, zu deinem Karaoke-Song, bei dem du bei der Zeile „I still remember when 30 was old“ zusammenzuckst. Der Song wurde von Matraca Berg und Gary Harrison geschrieben und nach dem Wein-Cooler Boone’s Farm Strawberry Hill benannt. „‘Strawberry Wine’ war meine Geschichte“, sagte Carter 2016 gegenüber Rolling Stone. „Es ist ihre Geschichte, es ist meine Geschichte, es ist die Geschichte aller Fans. Wir haben ihn aufgenommen und sie haben die Steel-Gitarre vorne draufgelegt, um ihn ein wenig country-mäßiger zu machen. Sie wollten die Brücke herausnehmen und das war ein riesiger Kampf, weil sie dachten, es wäre zu Beatles-haft und zu riskant, aber ich habe nicht nachgegeben.“ Wir sind froh, dass sie es nicht getan hat.
