Die 50 besten Bassisten aller Zeiten

„Der Bass ist das Fundament“, sagte die Session-Legende Carol Kaye einmal, „und zusammen mit dem Schlagzeuger schafft man den Beat. Was auch immer man spielt, es bildet den Rahmen für den Rest der Musik.“

Eine großartige Basslinie, sei es Paul McCartneys hypnotischer „Come Together“-Riff, Bootsy Collins‘ raffinierter Vamp aus James Browns „Sex Machine“ oder Tina Weymouths minimalistischer Puls in Talking Heads‘ „Psycho Killer“, ist wie ein Mantra. Sie klingt, als könnte sie ewig weitergehen. Und je öfter man sie hört, desto tiefgründiger wirkt sie. Gitarristen, Sänger und Bläser beanspruchen in der Regel die auffälligsten Momente eines Songs für sich, während Schlagzeuger den größten Teil der kinetischen Energie kanalisieren. Aber was der Bassist einbringt, ist etwas Elementares. Der Teil, der noch lange nach dem Ende der Musik endlos in deinem Kopf nachhallt.

Bassisten werden oft übersehen und unterschätzt. Sogar innerhalb ihrer eigenen Bands. „Es war nicht der wichtigste Job“, sagte McCartney einmal, als er über den schicksalhaften Moment nachdachte, als er nach dem Ausscheiden von Stu Sutcliffe aus den Beatles den Vier-Saiter übernahm. „Niemand wollte Bass spielen. Alle wollten vorne stehen.“

Tiefe Töne im Mittelpunkt des Universums

Und doch hat das Instrument seine eigene stolze Tradition in der Popmusik, die von Jimmy Blantons kraftvollem Kontrabassspiel in Duke Ellingtons Orchester und Bebop-Pionieren wie Oscar Pettiford bis hin zu Jazzgenies wie Charles Mingus und Ron Carter reicht; Studio-Champions wie Kaye und James Jamerson. Rock-Krieger wie Jack Bruce von Cream und John Entwistle von The Who. Funk-Meister wie Bootsy und Sly und Larry Graham von The Family Stone. Prog-Wunderkinder wie Chris Squire von Yes und Geddy Lee von Rush. Fusion-Götter wie Stanley Clarke und Jaco Pastorius. Und Punk- und Postpunk-Meister wie Weymouth und Mike Watt von The Minutemen.

Die Alternative-Ära brachte neue Helden auf diesem Instrument hervor. Von der intuitiven Kim Gordon von Sonic Youth bis zum exzentrischen Les Claypool von Primus. In jüngerer Zeit hat eine neue Generation von Bass-Ikonen – darunter Esperanza Spalding und der allgegenwärtige Thundercat – die tiefen Töne in den Mittelpunkt ihres musikalischen Universums gestellt.

Bassisten, die die Welt verändert haben

Wie bei unserer Liste der 100 größten Schlagzeuger feiert auch diese Übersicht der 50 größten Bassisten aller Zeiten das gesamte Spektrum. Sie ist ausdrücklich nicht als Rangliste objektiver Fähigkeiten gedacht. Sie legt auch keine bestimmten Kriterien als Maßstab für Größe fest. Stattdessen handelt es sich um eine Bestandsaufnahme der Bassisten, die den direktesten und sichtbarsten Einfluss auf die Schaffung der, um Kayes Begriff zu verwenden, die Grundlage der Popmusik geschaffen haben. Von Rock über Funk, Country, R&B und Disco bis hin zu Hip-Hop und darüber hinaus. Hier finden Sie offensichtliche Virtuosen, aber auch Musiker, deren minimalistischerer Ansatz hinsichtlich der Rolle ihres Instruments alles um sie herum auf ein höheres Niveau gehoben hat.

„Man greift es, gleitet darauf herum und spürt es mit den Händen“, sagte Flea von den Red Hot Chili Peppers einmal über sein charakteristisches Instrument. „Man schlägt. Zieht. Klopft. Zupft und knallt. Und wenn man Glück hat, versetzt man sich in einen hypnotischen Zustand, jenseits aller Gedanken, in dem man nicht mehr denkt, weil man nur noch ein Kanal für diesen Rhythmus ist, woher auch immer er kommt, von Gott zu dir und diesem Instrument, durch eine Schnur und einen Lautsprecher.“

Hier würdigen wir 50 Musiker, die denselben erhabenen Zustand durch den Bass gefunden und dabei die Welt verändert haben.

50. Thundercat

Wenn man sich die Klänge ansieht, die in den letzten mehr als zehn Jahren die Avantgarde von Hip-Hop, Jazz, R&B, Electronica und darüber hinaus geprägt haben – darunter Alben von Kendrick Lamar, Janelle Monáe, Flying Lotus, Kamasi Washington, Erykah Badu, Childish Gambino und anderen –, stößt man immer wieder auf einen Namen. Thundercat. Der Bassist, geboren als Stephen Bruner, wuchs in einer musikalischen Familie auf und bekam schon früh einen Auftritt bei den Thrash-Punk-Veteranen Suicidal Tendencies.

Von da an entwickelte er sich zu einem überlebensgroßen musikalischen Superhelden. Einem erstaunlich versierten Musiker, der seine tiefe Liebe zum klassischen Funk und Fusion mit Einflüssen von Yacht Rock über Nu-Metal bis hin zu Neosoul verbindet. Ob in seinen eigenen verspielten, exzentrischen Songs oder in einem seiner unzähligen Gastauftritte – sein charakteristischer Sechs-Saiten-Sound, fett und butterweich, aber mit viel Biss, kommt immer zum Vorschein. „Man kann mit seinem Instrument alle möglichen Dinge machen, die über seinen eigentlichen Zweck hinausgehen“, sagte er Interview im Jahr 2013. „Mein Bass ist meine Krücke. Aber die beste Krücke, die ich haben könnte.“

49. Duff McKagan

Bevor er zu Guns N’ Roses kam, hatte Duff McKagan kaum jemals einen Bass in der Hand gehabt. Er war ein ehemaliger Gitarrist und Schlagzeuger, der in der Punk-Szene des Seattle der frühen 80er Jahre groß geworden war. Die Kombination aus seinem Hintergrund und seiner rohen Spielweise verlieh Songs von Guns N’ Roses wie „It’s So Easy“ und „You Could Be Mine“ eine raue Note.

Um das Instrument zu erlernen, hörte McKagan sich intensiv die Basslinien von Prince („Ich liebte diesen R&B-Rhythmus“, sagte er einmal), John Paul Jones von Led Zeppelin, Paul Simonon von The Clash, Lemmy Kilmister von Motörhead und, am überraschendsten, Barry Adamson von der Postpunk-Gruppe Magazine an. „ Bei Magazine waren diese Basslinien so ausgeprägt, dass er das Chorus-Pedal am Bass hatte”, sagte McKagan einmal. Er bezog sich dabei auf ein Gerät, das dem Instrument einen gläsernen, fast hohlen Klang verleiht. „Und genau deshalb habe ich das Chorus-Pedal für Guns genommen.“

Diese Geheimwaffe half McKagan, seinen Bass auf den Alben Appetite for Destruction und Use Your Illusion in den Vordergrund zu rücken, wodurch er der Musikalität von Slash und der Kraft von Axl Rose ebenbürtig wurde und zu einem integralen Bestandteil des Sounds der Band und des Hardrock der Achtziger und Neunziger Jahre wurde. Auch wenn er sich seiner Einflussnahme nicht bewusst ist. „Ich weiß nicht, wo ich eingestuft werde“, sagte er einmal. „Darauf achte ich nicht. Ich bin wirklich nur auf mein Handwerk konzentriert.“

48. Kim Deal

Kim Deal arbeitete 1986 als Empfangsdame in einer Arztpraxis, als sie in der Zeitung „Boston Phoenix“ eine Anzeige las, in der eine Band einen „Bassist, der auf Hüsker Dü und Peter, Paul und Mary steht“ suchte. Sie war vielleicht die Einzige, die sich meldete. Aber ihre zuckersüße Singstimme und ihre Punkrock-Basskünste machten sie zur perfekten Besetzung für die Pixies.

Versuchen Sie sich einmal den Eröffnungstrack „Debaser“ von „Doolittle“ ohne ihren pulsierenden Basspart am Anfang vorzustellen, oder „Gigantic“ (einer der wenigen Pixies-Songs, die sie geschrieben hat) ohne ihre hypnotisch einfache Linie. Sie treibt den ganzen Song voran. Deal führt ihre Effektivität als Bassistin auf ihren ausgeprägten Verzicht auf unnötige Effekthascherei zurück. „Manche Leute können das nicht und wollen es auch nicht, vor allem ‚echte‘ Bassisten“, sagte sie einmal. Sie dachte dabei an die Einfachheit ihres Parts in „Where Is My Mind?“ „Sie wollen jeden kleinen Moment mitgestalten, sie wollen involviert sein. Sie spielen nicht einfach nur irgendetwas herunter.“

47. Leland Sklar

Die Singer-Songwriter-Bewegung der 70er Jahre verlangte nach Begleitmusikern, die Balladen und Midtempo-Rocknummern untermalen konnten, ohne jemals vom Sänger oder dem Song abzulenken. Um dieses Ziel zu erreichen, riefen James Taylor, Jackson Browne, Carole King, David Crosby und Graham Nash regelmäßig Leland Sklar an. „Wir verstanden, dass wir sie unterstützten und begleiteten“, sagt Sklar über die Studiomusiker der damaligen Zeit in L.A. „Wir haben uns nicht hinter ihnen versteckt. Aber wir haben dennoch eine eigene Identität entwickelt.“

Sklars zurückhaltender, unauffälliger, aber melodischer Bass ist auf vielen Klassikern von Taylor („You’ve Got a Friend“, „Handy Man“, „Your Smiling Face“) sowie auf Brownes „Doctor My Eyes“ und dem gesamten Album Running on Empty und Gene Clarks Kultklassiker No Other zu hören. In den Achtzigern wurde sein Bass zu einem festen Bestandteil der Platten von Phil Collins. Unter anderem zu hören in „Don’t Lose My Number“. Sklar funkte sogar in der Dance-Club-Hymne „It’s Raining Men“ der Weather Girls mit. Kein Wunder, dass Crosby ihn als „den besten Spieler der Welt“ bezeichnet hat.

46. Peter Hook

Obwohl sie aus unterschiedlichen Szenen und Generationen stammen, war Peter Hook schon immer der Keith Richards des Basses. Ein Groove-Meister, der die definitiven Riffs seiner Ära hervorbrachte und dabei jede Menge Outlaw-Mystik versprühte. In Joy Division und New Order definierte er das Instrument für die Postpunk-Ära der 70er und 80er Jahre neu. Generationen von kunstinteressierten Jugendlichen versuchten, seinen melodischen Puls in „She’s Lost Control“ zu kopieren. Ganz zu schweigen von seiner coolen Haltung.

Wie so viele Musiker aus Manchester sah Hook die Sex Pistols und beschloss sofort, eine Punkband zu gründen. Sein Bass wurde zum Leitinstrument bei Joy Division und trieb düstere Klassiker wie „Transmission“ und „No Love Lost“ an. Er schreibt Sänger Ian Curtis zu, dass er ihn dazu gebracht hat, hoch auf dem Hals zu spielen, um seinen unverwechselbaren Ton zu erzielen: „Meine Ausrede dafür, hoch zu spielen, war, dass ich den Bass nicht hören konnte, wenn ich tief spielte. Unsere Verstärker waren so schlecht. Aber Ian gefiel es.”

Als sich Joy Division zu New Order entwickelte, mit Dancefloor-Hits wie „Age of Consent”, wurde er zum meistimitierten Bassisten seiner Zeit. Colin Greenwood von Radiohead sagte dazu: „Hooky spielte viel im hohen Bereich und erzielte dort großartige Töne. Deshalb habe ich mich immer viel auf dem Hals auf und ab bewegt.“ Hook, der schon immer eine überlebensgroße Persönlichkeit war, hat drei urkomische Memoiren geschrieben und – was vielleicht nicht ganz unabhängig davon ist – keinen Kontakt mehr zum Rest von New Order.

45.

Wenn Sie sich eine beliebige Performance von Esperanza Spalding anhören, hören Sie wahrscheinlich nur einen Bruchteil dessen, was sie kann. Von croonenden Old-School-Standards bis hin zu kühnen futuristischen Originalen, die gleichermaßen von smoothem R& B und knorriger Prog-Rock zeugen. Ihr virtuoses und äußerst vielseitiges Bassspiel ist der Motor, der alles antreibt. Sie ist eine der wenigen Musikerinnen, die eine super-funkige Coverversion eines Songs ihres verstorbenen Freundes Prince spielen, eine Band mit ihren geschmeidigen E-Bass-Linien zusammenhalten oder sich auf der Bühne neben Meisterimprovisatoren wie Wayne Shorter, Terri Lyne Carrington, Jack DeJohnette und Joe Lovano behaupten kann.

Spalding begann als Violinenwunderkind und fand in der High School zufällig zum Bass. („Es ist, als würde man eines Tages aufwachen und feststellen, dass man in einen Kollegen verliebt ist“, sagte sie einmal über den Einstieg in das Instrument. ) Seitdem hat sie sich zu einer der bekanntesten Botschafterinnen des Basses im 21. Jahrhundert entwickelt. Und dabei vier Grammy-Auszeichnungen gewonnen.

In einem Interview aus dem Jahr 2018 reflektierte Carrington, Schlagzeugerin und Spaldings Kollaborateurin, darüber, warum es unfair sei, Esperanza mit Jazz-Bass-Virtuosen der Vergangenheit zu vergleichen. „Es ist mittlerweile unerlässlich, eine femininere Ästhetik in die Musik einzubringen. Denn [die Jazzlegende der 50er und 60er Jahre] Paul Chambers hat das Instrument nicht so beherrscht wie sie“, sagte Carrington über Spalding. „Sie spielt also nicht so hart. Was ihr eine Art flüchtige Emotion verleiht, die wunderschön ist.“

44. Joseph Makwela

Joseph Makwela hat den südafrikanischen Bass praktisch erfunden. Er war das Herzstück der Makgona Tshole Band, die in Johannesburg das Pendant zu den Funk Brothers von Motown oder der Wrecking Crew aus L.A. war. Die Hausband, die in den Sechziger- und Siebzigerjahren unzählige Hits spielte und den Sound des Mbaqanga prägte.

Makwela besaß den ersten E-Bass in Südafrika. Er kaufte ihn von einem Weißen, der ihn importiert hatte, nachdem er die Shadows live gesehen hatte. In der rassistischen Unterdrückung der Apartheid-Ära nahm Makwela diesen gebrauchten Bass und gestaltete die südafrikanische Musik völlig neu. Er inspirierte Musiker wie Bakithi Kumalo, der Paul Simons Graceland mitprägte. „Joseph Makwela war der erste Mensch, den ich E-Bass spielen sah“, erzählte Kumalo Bass Player im Jahr 2016. „Er spielte Melodien in hohen Tonlagen. Was einen großen Einfluss auf mich hatte, als ich mit dem Fretless-Bass anfing.“

Sein aggressiver und dennoch beschwingter Stil prägte den Mbaqanga-Groove in Klassikern wie „Umculo Kawupheli“ von den Mahotella Queens und „Ngicabange Ngaqeda“ von Mahlathini. Die Makgona Tshole Band kam in den Achtzigern wieder zusammen, als die Welt durch „Graceland“ und die wegweisende Compilation „The Indestructible Beat of Soweto“ endlich Mbaqanga entdeckte.

43. Mike Watt

Nur wenige Musiker aller Genres haben radikale Theorien so konsequent in die musikalische Praxis umgesetzt wie Mike Watt, der Ende der 70er Jahre zusammen mit dem Sänger und Gitarristen D. Boon und dem Schlagzeuger George Hurley die Band Minuteman in San Pedro, Kalifornien, gründete. „Er wollte, dass der Bass ganz vorne steht. Und das Schlagzeug auch“, sagte Watt über Boon. „Er wollte eine Art Umverteilung des Reichtums. Das gefiel mir. Außerdem festigte es meine Überzeugung, dass man, wenn mehr als eine Person in einem Ensemble zusammen spielt, versuchen sollte, ein Gespräch zu führen. Und zwar ein interessantes.“

Watt nahm sich diese demokratische Maxime zu Herzen. Er half dabei, die Punkmusik von Grund auf neu zu denken, indem er kurze, knackige Songs schuf, die Funk, Jazz, Folk, Blues und sogar Rap in ihren Sound integrierten. Watt konnte sich mit jedem Schläger der Hardcore-Szene messen. Man höre sich nur den donnernden Angriff an, mit dem 1982 „Bob Dylan Wrote Propaganda Songs“ zu hören ist. Nicht nur bei den Minutemen, sondern auch bei Watt und Hurleys nächster Band Firehose, bei Dos, einem nachdenklichen Duo mit seiner Mitstreiterin und ehemaligen Ehefrau Kira Roessler, den wiedervereinigten Stooges und seinen eigenen straffen Bands bis heute.

Watt war immer dann am besten, wenn er den Bass in den Vordergrund stellte. Ähnlich wie einer seiner frühen Helden, Jack Bruce von Cream. Immer dann, wenn er fröhliche, frenetische Parts spielte, die die hyper-geschwätzige Persönlichkeit eines der unermüdlichsten lebenslangen Evangelisten des Punk widerspiegelten.

42. Tony Levin

Tony Levin hat mit seinem unverwechselbaren Stil zu jedem beigetragen, von John Lennon über David Bowie bis hin zu Cher. Am bekanntesten ist er jedoch für seine Arbeit mit King Crimson und Peter Gabriel, der ihn als „Emperor of the Bottom End” bezeichnet. Levin hat mehr als jeder andere dazu beigetragen, den Chapman Stick berühmt zu machen, indem er die elegante, auf Tapping ausgerichtete Gitarre in Gabriel-Hits wie „Shock the Monkey“ spielte.

Der Emperor begann seine Karriere in den 1970er Jahren als Session-Musiker. Er ist auf Paul Simons Nummer-1-Hit „50 Ways to Leave Your Lover“ zu hören. Er schloss sich Gabriel an, sobald dieser Genesis verlassen hatte, und ist seitdem ein wichtiger Teil seiner Musik geblieben. „Big Time“ oder „Sledgehammer“ sind ohne ihn nicht vorstellbar. Als Robert Fripp King Crimson nach einer siebenjährigen Pause wiederbelebte, holte er Levin für die klassische Achtziger-Besetzung, die Discipline aufnahm. (Er hält den Rekord als Crimsons dienstältester Bassist.) Levin spielt gefühlvoll auf zwei von Bowies größten späten Balladen, „Slip Away“ und „Where Are We Now?“.

Er erfand „Funk Fingers“, ein Gadget für seinen perkussiven Ansatz. Außerdem erforscht er mit seinem Projekt Stick Men weiterhin den Stick, beispielsweise in Titeln wie „Not Just Another Pretty Bass“. „Ich würde sagen, dass die Art und Weise, wie ich Oscar Pettiford beim Jazzbassspielen gehört habe, der Art und Weise ähnelt, wie ich viel später versucht habe, Rock- und Pop-Bassparts zu formulieren“, sagte Levin 2013, als er über die Ursprünge seines ungewöhnlichen Stils nachdachte. „Es ist nicht so einfach, genau zu beschreiben, was es ist. Aber vereinfacht gesagt geht es darum, genau die richtigen Noten zu finden und sie mit genau dem richtigen Gefühl zu spielen.“

41. George Porter Jr.

Nichts verkörpert Groove so sehr wie das rhythmische Zusammenspiel zwischen Meters-Bassist George Porter Jr. und Schlagzeuger Zigaboo Modeliste, eine Beziehung, die extreme Präzision erforderte, um die entspannte Partyatmosphäre ihrer Heimatstadt New Orleans zu evozieren. Dank seiner langjährigen Tätigkeit in einer der funkigsten Gruppen der Popmusik hielt Porter den Low End in Klassikern wie „Cissy Strut“, „Funky Miracle“, „Just Kissed My Baby“ und „Hand Clapping Song“. Er lieferte runde, flüssige Riffs, die wie eine Second-Line-Parade dahinschritten und mit ihrer Schwere die Lautsprecher zum Vibrieren brachten.

Hören Sie sich an, wie er seinen eigenen synkopierten Weg durch die kleinsten Zwischenräume in „Pungee“ webt, aus dem nahezu perfekten zweiten Album der Band, Look-A Py Py. Porters Arbeit mit den Meters wurde zu einem wichtigen Baustein für den Hip-Hop, da zahlreiche Künstler wie A Tribe Called Quest, Cypress Hill, N.W.A und Public Enemy die Tracks der Gruppe sampelten. Aber er ist auch auf zahlreichen populären Aufnahmen anderer Künstler wie Labelle, Dr. John, Robert Palmer, Lee Dorsey und Ernie K-Doe, da er einer der ersten Studiomusiker des Produzenten Allen Toussaint war.

Porter führte seinen einzigartigen Stil auf seinen vielfältigen musikalischen Hintergrund zurück. „Da ich klassische Gitarre gelernt hatte, kannte ich die Bassformel, obwohl ich im Unterricht Country- und Westernsongs spielte“, sagte er kürzlich. „Aber ich lernte gleichzeitig, wie man Basslinien und Akkorde spielt. Es war also ganz natürlich, dass ich mich, als die Zeit gekommen war, von der Gitarre zum Bass hinbewegte.“

Hier geht’s weiter: