Die 50 besten Bassisten aller Zeiten
Die 50 größten Bassisten aller Zeiten: Von Funk bis Prog – Musiker, die das Fundament der Popmusik geprägt und revolutioniert haben.
„Der Bass ist das Fundament“, sagte die Session-Legende Carol Kaye einmal, „und zusammen mit dem Schlagzeuger schafft man den Beat. Was auch immer man spielt, es bildet den Rahmen für den Rest der Musik.“
Eine großartige Basslinie, sei es Paul McCartneys hypnotischer „Come Together“-Riff, Bootsy Collins‘ raffinierter Vamp aus James Browns „Sex Machine“ oder Tina Weymouths minimalistischer Puls in Talking Heads‘ „Psycho Killer“, ist wie ein Mantra. Sie klingt, als könnte sie ewig weitergehen. Und je öfter man sie hört, desto tiefgründiger wirkt sie. Gitarristen, Sänger und Bläser beanspruchen in der Regel die auffälligsten Momente eines Songs für sich, während Schlagzeuger den größten Teil der kinetischen Energie kanalisieren. Aber was der Bassist einbringt, ist etwas Elementares. Der Teil, der noch lange nach dem Ende der Musik endlos in deinem Kopf nachhallt.
Bassisten werden oft übersehen und unterschätzt. Sogar innerhalb ihrer eigenen Bands. „Es war nicht der wichtigste Job“, sagte McCartney einmal, als er über den schicksalhaften Moment nachdachte, als er nach dem Ausscheiden von Stu Sutcliffe aus den Beatles den Vier-Saiter übernahm. „Niemand wollte Bass spielen. Alle wollten vorne stehen.“
Tiefe Töne im Mittelpunkt des Universums
Und doch hat das Instrument seine eigene stolze Tradition in der Popmusik, die von Jimmy Blantons kraftvollem Kontrabassspiel in Duke Ellingtons Orchester und Bebop-Pionieren wie Oscar Pettiford bis hin zu Jazzgenies wie Charles Mingus und Ron Carter reicht; Studio-Champions wie Kaye und James Jamerson. Rock-Krieger wie Jack Bruce von Cream und John Entwistle von The Who. Funk-Meister wie Bootsy und Sly und Larry Graham von The Family Stone. Prog-Wunderkinder wie Chris Squire von Yes und Geddy Lee von Rush. Fusion-Götter wie Stanley Clarke und Jaco Pastorius. Und Punk- und Postpunk-Meister wie Weymouth und Mike Watt von The Minutemen.
Die Alternative-Ära brachte neue Helden auf diesem Instrument hervor. Von der intuitiven Kim Gordon von Sonic Youth bis zum exzentrischen Les Claypool von Primus. In jüngerer Zeit hat eine neue Generation von Bass-Ikonen – darunter Esperanza Spalding und der allgegenwärtige Thundercat – die tiefen Töne in den Mittelpunkt ihres musikalischen Universums gestellt.
Bassisten, die die Welt verändert haben
Wie bei unserer Liste der 100 größten Schlagzeuger feiert auch diese Übersicht der 50 größten Bassisten aller Zeiten das gesamte Spektrum. Sie ist ausdrücklich nicht als Rangliste objektiver Fähigkeiten gedacht. Sie legt auch keine bestimmten Kriterien als Maßstab für Größe fest. Stattdessen handelt es sich um eine Bestandsaufnahme der Bassisten, die den direktesten und sichtbarsten Einfluss auf die Schaffung der, um Kayes Begriff zu verwenden, die Grundlage der Popmusik geschaffen haben. Von Rock über Funk, Country, R&B und Disco bis hin zu Hip-Hop und darüber hinaus. Hier finden Sie offensichtliche Virtuosen, aber auch Musiker, deren minimalistischerer Ansatz hinsichtlich der Rolle ihres Instruments alles um sie herum auf ein höheres Niveau gehoben hat.
„Man greift es, gleitet darauf herum und spürt es mit den Händen“, sagte Flea von den Red Hot Chili Peppers einmal über sein charakteristisches Instrument. „Man schlägt. Zieht. Klopft. Zupft und knallt. Und wenn man Glück hat, versetzt man sich in einen hypnotischen Zustand, jenseits aller Gedanken, in dem man nicht mehr denkt, weil man nur noch ein Kanal für diesen Rhythmus ist, woher auch immer er kommt, von Gott zu dir und diesem Instrument, durch eine Schnur und einen Lautsprecher.“
Hier würdigen wir 50 Musiker, die denselben erhabenen Zustand durch den Bass gefunden und dabei die Welt verändert haben.
50. Thundercat
Wenn man sich die Klänge ansieht, die in den letzten mehr als zehn Jahren die Avantgarde von Hip-Hop, Jazz, R&B, Electronica und darüber hinaus geprägt haben – darunter Alben von Kendrick Lamar, Janelle Monáe, Flying Lotus, Kamasi Washington, Erykah Badu, Childish Gambino und anderen –, stößt man immer wieder auf einen Namen. Thundercat. Der Bassist, geboren als Stephen Bruner, wuchs in einer musikalischen Familie auf und bekam schon früh einen Auftritt bei den Thrash-Punk-Veteranen Suicidal Tendencies.
Von da an entwickelte er sich zu einem überlebensgroßen musikalischen Superhelden. Einem erstaunlich versierten Musiker, der seine tiefe Liebe zum klassischen Funk und Fusion mit Einflüssen von Yacht Rock über Nu-Metal bis hin zu Neosoul verbindet. Ob in seinen eigenen
49. Duff McKagan
Bevor er zu Guns N’ Roses kam, hatte Duff McKagan kaum jemals einen Bass in der Hand gehabt. Er war ein ehemaliger Gitarrist und Schlagzeuger, der in der Punk-Szene des Seattle der frühen 80er Jahre groß geworden war. Die Kombination aus seinem Hintergrund und seiner rohen Spielweise verlieh Songs von Guns N’ Roses wie „It’s So Easy“ und „You Could Be Mine“ eine raue Note.
Um das Instrument zu erlernen, hörte McKagan sich intensiv die Basslinien von Prince („Ich liebte diesen R&B-Rhythmus“, sagte er einmal), John Paul Jones von Led Zeppelin, Paul Simonon von The Clash, Lemmy Kilmister von Motörhead und, am überraschendsten, Barry Adamson von der Postpunk-Gruppe Magazine an. „ Bei Magazine waren diese Basslinien so ausgeprägt, dass er das Chorus-Pedal am Bass hatte”, sagte McKagan einmal. Er bezog sich dabei auf ein Gerät, das dem Instrument einen gläsernen, fast hohlen Klang verleiht. „Und genau deshalb habe ich das Chorus-Pedal für Guns genommen.“
Diese Geheimwaffe half McKagan, seinen Bass auf den Alben Appetite for Destruction und Use Your Illusion in den Vordergrund zu rücken, wodurch er der Musikalität von Slash und der Kraft von Axl Rose ebenbürtig wurde und zu einem integralen Bestandteil des Sounds der Band und des Hardrock der Achtziger und Neunziger Jahre wurde. Auch wenn er sich seiner Einflussnahme nicht bewusst ist. „Ich weiß nicht, wo ich eingestuft werde“, sagte er einmal. „Darauf achte ich nicht. Ich bin wirklich nur auf mein Handwerk konzentriert.“
48. Kim Deal
Kim Deal arbeitete 1986 als Empfangsdame in einer Arztpraxis, als sie in der Zeitung „Boston Phoenix“ eine Anzeige las, in der eine Band einen „Bassist, der auf Hüsker Dü und Peter, Paul und Mary steht“ suchte. Sie war vielleicht die Einzige, die sich meldete. Aber ihre zuckersüße Singstimme und ihre Punkrock-Basskünste machten sie zur perfekten Besetzung für die Pixies.
Versuchen Sie sich einmal den Eröffnungstrack „Debaser“ von „Doolittle“ ohne ihren pulsierenden Basspart am Anfang vorzustellen, oder „Gigantic“ (einer der wenigen Pixies-Songs, die sie geschrieben hat) ohne ihre hypnotisch einfache Linie. Sie treibt den ganzen Song voran. Deal führt ihre Effektivität als Bassistin auf ihren ausgeprägten Verzicht auf unnötige Effekthascherei zurück. „Manche Leute können das nicht und wollen es auch nicht, vor allem ‚echte‘ Bassisten“, sagte sie einmal. Sie dachte dabei an die Einfachheit ihres Parts in „Where Is My Mind?“ „Sie wollen jeden kleinen Moment mitgestalten, sie wollen involviert sein. Sie spielen nicht einfach nur irgendetwas herunter.“
47. Leland Sklar
Die Singer-Songwriter-Bewegung der 70er Jahre verlangte nach Begleitmusikern, die Balladen und Midtempo-Rocknummern untermalen konnten, ohne jemals vom Sänger oder dem Song abzulenken. Um dieses Ziel zu erreichen, riefen James Taylor, Jackson Browne, Carole King, David Crosby und Graham Nash regelmäßig Leland Sklar an. „Wir verstanden, dass wir sie unterstützten und begleiteten“, sagt Sklar über die Studiomusiker der damaligen Zeit in L.A. „Wir haben uns nicht hinter ihnen versteckt. Aber wir haben dennoch eine eigene Identität entwickelt.“
Sklars zurückhaltender, unauffälliger, aber melodischer Bass ist auf vielen Klassikern von Taylor („You’ve Got a Friend“, „Handy Man“, „Your Smiling Face“) sowie auf Brownes „Doctor My Eyes“ und dem gesamten Album Running on Empty und Gene Clarks Kultklassiker No Other zu hören. In den Achtzigern wurde sein Bass zu einem festen Bestandteil der Platten von Phil Collins. Unter anderem zu hören in „Don’t Lose My Number“. Sklar funkte sogar in der Dance-Club-Hymne „It’s Raining Men“ der Weather Girls mit. Kein Wunder, dass Crosby ihn als „den besten Spieler der Welt“ bezeichnet hat.
46. Peter Hook
Obwohl sie aus unterschiedlichen Szenen und Generationen stammen, war Peter Hook schon immer der Keith Richards des Basses. Ein Groove-Meister, der die definitiven Riffs seiner Ära hervorbrachte und dabei jede Menge Outlaw-Mystik versprühte. In Joy Division und New Order definierte er das Instrument für die Postpunk-Ära der 70er und 80er Jahre neu. Generationen von kunstinteressierten Jugendlichen versuchten, seinen melodischen Puls in
Wie so viele Musiker aus Manchester sah Hook die Sex Pistols und beschloss sofort, eine Punkband zu gründen. Sein Bass wurde zum Leitinstrument bei Joy Division und trieb düstere Klassiker wie „Transmission“ und „No Love Lost“ an. Er schreibt Sänger Ian Curtis zu, dass er ihn dazu gebracht hat, hoch auf dem Hals zu spielen, um seinen unverwechselbaren Ton zu erzielen: „Meine Ausrede dafür, hoch zu spielen, war, dass ich den Bass nicht hören konnte, wenn ich tief spielte. Unsere Verstärker waren so schlecht. Aber Ian gefiel es.”
Als sich Joy Division zu New Order entwickelte, mit Dancefloor-Hits wie „Age of Consent”, wurde er zum meistimitierten Bassisten seiner Zeit. Colin Greenwood von Radiohead sagte dazu: „Hooky spielte viel im hohen Bereich und erzielte dort großartige Töne. Deshalb habe ich mich immer viel auf dem Hals auf und ab bewegt.“ Hook, der schon immer eine überlebensgroße Persönlichkeit war, hat drei urkomische Memoiren geschrieben und – was vielleicht nicht ganz unabhängig davon ist – keinen Kontakt mehr zum Rest von New Order.
45. Esperanza Spalding
Wenn Sie sich eine beliebige Performance von Esperanza Spalding anhören, hören Sie wahrscheinlich nur einen Bruchteil dessen, was sie kann. Von
Spalding begann als Violinenwunderkind und fand in der High School zufällig zum Bass. („Es ist, als würde man eines Tages aufwachen und feststellen, dass man in einen Kollegen verliebt ist“, sagte sie einmal über den Einstieg in das Instrument. ) Seitdem hat sie sich zu einer der bekanntesten Botschafterinnen des Basses im 21. Jahrhundert entwickelt. Und dabei vier Grammy-Auszeichnungen gewonnen.
In einem Interview aus dem Jahr 2018 reflektierte Carrington, Schlagzeugerin und Spaldings Kollaborateurin, darüber, warum es unfair sei, Esperanza mit Jazz-Bass-Virtuosen der Vergangenheit zu vergleichen. „Es ist mittlerweile unerlässlich, eine femininere Ästhetik in die Musik einzubringen. Denn [die Jazzlegende der 50er und 60er Jahre] Paul Chambers hat das Instrument nicht so beherrscht wie sie“, sagte Carrington über Spalding. „Sie spielt also nicht so hart. Was ihr eine Art flüchtige Emotion verleiht, die wunderschön ist.“
44. Joseph Makwela
Joseph Makwela hat den südafrikanischen Bass praktisch erfunden. Er war das Herzstück der
Makwela besaß den ersten E-Bass in Südafrika. Er kaufte ihn von einem Weißen, der ihn importiert hatte, nachdem er die Shadows live gesehen hatte. In der rassistischen Unterdrückung der Apartheid-Ära nahm Makwela diesen gebrauchten Bass und gestaltete die südafrikanische Musik völlig neu. Er inspirierte Musiker wie Bakithi Kumalo, der Paul Simons Graceland mitprägte. „Joseph Makwela war der erste Mensch, den ich E-Bass spielen sah“, erzählte Kumalo Bass Player im Jahr 2016. „Er spielte Melodien in hohen Tonlagen. Was einen großen Einfluss auf mich hatte, als ich mit dem Fretless-Bass anfing.“
Sein aggressiver und dennoch beschwingter Stil prägte den Mbaqanga-Groove in Klassikern wie „Umculo Kawupheli“ von den Mahotella Queens
43. Mike Watt
Nur wenige Musiker aller Genres haben radikale Theorien so konsequent in die musikalische Praxis umgesetzt wie Mike Watt, der Ende der 70er Jahre zusammen mit dem Sänger und Gitarristen D. Boon und dem Schlagzeuger George Hurley die Band Minuteman in San Pedro, Kalifornien, gründete. „Er wollte, dass der Bass ganz vorne steht. Und das Schlagzeug auch“, sagte Watt über Boon. „Er wollte eine Art Umverteilung des Reichtums. Das gefiel mir. Außerdem festigte es meine Überzeugung, dass man, wenn mehr als eine Person in einem Ensemble zusammen spielt, versuchen sollte, ein Gespräch zu führen. Und zwar ein interessantes.“
Watt nahm sich diese demokratische Maxime zu Herzen. Er half dabei, die Punkmusik von Grund auf neu zu denken, indem er kurze, knackige Songs schuf, die Funk, Jazz, Folk, Blues und sogar Rap in ihren Sound integrierten. Watt konnte sich mit jedem Schläger der Hardcore-Szene messen. Man höre sich nur den donnernden Angriff an, mit dem 1982 „Bob Dylan Wrote Propaganda Songs“ zu hören ist. Nicht nur bei den Minutemen, sondern auch bei Watt und Hurleys nächster Band Firehose, bei Dos, einem nachdenklichen Duo mit seiner Mitstreiterin und ehemaligen Ehefrau Kira Roessler, den wiedervereinigten Stooges und seinen eigenen straffen Bands bis heute.
Watt war immer dann am besten, wenn er den Bass in den Vordergrund stellte. Ähnlich wie einer seiner frühen Helden, Jack Bruce von Cream. Immer dann, wenn er fröhliche, frenetische Parts spielte, die die hyper-geschwätzige Persönlichkeit eines der unermüdlichsten lebenslangen Evangelisten des Punk widerspiegelten.
42. Tony Levin
Tony Levin hat mit seinem unverwechselbaren Stil zu jedem beigetragen, von John Lennon über David Bowie bis hin zu Cher. Am bekanntesten ist er jedoch für seine Arbeit mit King Crimson und Peter Gabriel, der ihn als „Emperor of the Bottom End” bezeichnet. Levin hat mehr als jeder andere dazu beigetragen, den Chapman Stick berühmt zu machen, indem er die elegante, auf Tapping ausgerichtete Gitarre in Gabriel-Hits wie „Shock the Monkey“ spielte.
Der Emperor begann seine Karriere in den 1970er Jahren als Session-Musiker. Er ist auf Paul Simons Nummer-1-Hit „50 Ways to Leave Your Lover“ zu hören. Er schloss sich Gabriel an, sobald dieser Genesis verlassen hatte, und ist seitdem ein wichtiger Teil seiner Musik geblieben. „Big Time“ oder „Sledgehammer“ sind ohne ihn nicht vorstellbar. Als Robert Fripp King Crimson nach einer siebenjährigen Pause wiederbelebte, holte er Levin für die
Er erfand
41. George Porter Jr.
Nichts verkörpert Groove so sehr wie das rhythmische Zusammenspiel zwischen Meters-Bassist George Porter Jr. und Schlagzeuger Zigaboo Modeliste, eine Beziehung, die extreme Präzision erforderte, um die entspannte Partyatmosphäre ihrer Heimatstadt New Orleans zu evozieren. Dank seiner langjährigen Tätigkeit in einer der funkigsten Gruppen der Popmusik hielt Porter den Low End in Klassikern wie „Cissy Strut“, „Funky Miracle“, „Just Kissed My Baby“ und „Hand Clapping Song“. Er lieferte runde, flüssige Riffs, die wie eine Second-Line-Parade dahinschritten und mit ihrer Schwere die Lautsprecher zum Vibrieren brachten.
Hören Sie sich an, wie er seinen eigenen synkopierten Weg durch die kleinsten Zwischenräume in „Pungee“ webt, aus dem nahezu perfekten zweiten Album der Band, Look-A Py Py. Porters Arbeit mit den Meters wurde zu einem wichtigen Baustein für den Hip-Hop, da zahlreiche Künstler wie A Tribe Called Quest, Cypress Hill, N.W.A und Public Enemy die Tracks der Gruppe sampelten. Aber er ist auch auf zahlreichen populären Aufnahmen anderer Künstler wie Labelle, Dr. John, Robert Palmer, Lee Dorsey und Ernie K-Doe, da er einer der ersten Studiomusiker des Produzenten Allen Toussaint war.
Porter führte seinen einzigartigen Stil auf seinen vielfältigen musikalischen Hintergrund zurück. „Da ich klassische Gitarre gelernt hatte, kannte ich die Bassformel, obwohl ich im Unterricht Country- und Westernsongs spielte“, sagte er kürzlich. „Aber ich lernte gleichzeitig, wie man Basslinien und Akkorde spielt. Es war also ganz natürlich, dass ich mich, als die Zeit gekommen war, von der Gitarre zum Bass hinbewegte.“
40. Bill Black
Bill Black – Elvis Presleys früher Bassist und Mitglied der Blue Moon Boys, dem berühmten Trio des Sängers mit dem Gitarristen Scotty Moore – war nie als einer der auffälligsten Instrumentalisten seiner Zeit bekannt. Aber seine innovative Slap-Bass-Technik war ein Eckpfeiler von Presleys revolutionärem Rock ‚n‘ Roll. „Bill war einer der schlechtesten Bassisten der Welt“, sagte Sam Phillips, der Besitzer von Sun Records, einmal. „Aber Mann, konnte der das Ding slappen!“
Blacks treibender Sound auf dem Kontrabass verlieh Presleys frühesten Stücken wie „Heartbreak Hotel“ und „That’s All Right“ den mitreißenden Drive einer kompletten Rhythmusgruppe. Obwohl überhaupt keine Drums zu hören waren. Paul McCartney war insbesondere von Blacks Spiel in „Heartbreak Hotel“ so begeistert, dass seine Frau Linda McCartney Blacks Original-Kontrabass aus dieser Session aufspürte und ihm in den 70er Jahren schenkte.
Moore erinnerte sich an Blacks Rolle bei Presleys Aufnahme des Country-Favoriten „Blue Moon of Kentucky“, der Presleys erste B-Seite wurde. „Bill sprang auf, schnappte sich seinen Bass. Er begann, ihn zu slappen, während er ‚Blue Moon of Kentucky‘ mit hoher Falsettstimme sang“, sagte Moore. „Das war Bill, wie er am besten war. Der Song wurde als Ballade aufgenommen. Aber Bill sang ihn uptempo, während seine Basslinien in rasendem Tempo hämmerten. Elvis war begeistert.“
39. Kim Gordon
Während ihrer Blütezeit als Pioniere des Indie- und Alternative-Rock war nichts an Sonic Youth standardmäßig. Von ihren kunstvollen Videos über ihre bevorzugten Schichten seltsam gestimmter Gitarrenklänge bis hin zu Kim Gordons Bassparts. Gordon hatte das Instrument noch nie zuvor gespielt, als sie die Band Anfang der 80er Jahre mitbegründete. Nach eigener Aussage erreichte ihr Können nie das Niveau einer Virtuosin. Aber ihr primitiver Stil passte perfekt zu einer Band, die vor allem das Unkonventionelle schätzte, bis hin zu den kaputten und umgebauten Gitarren, die sie spielten.
„Mein Bassspiel hat immer sehr gut funktioniert, weil es minimalistisch war“, sagt sie. „Es gab einige Songs, bei denen Thurston [Moore] eine Melodie für den Song hatte, sodass er wollte, dass ich Grundtöne spiele. Ich hatte das Gefühl, dass es nicht meine Aufgabe war, eine gute Bassistin zu werden. “
Gordons charakteristischer Sound – ein kehliges Groove, das wie eine heranfahrende U-Bahn klingt – ist in der gesamten Diskografie der Band zu hören. Von frühen, dunklen Rumpeln wie „Brave Men Run (In My Family)“ über Tracks aus ihrem kommerziellen Höhepunkt der Neunziger, Dirty („Youth Against Fascism“, „Sugar Kane“), bis hin zu späteren, eher trägen Statements wie „Jams Run Free“.
38. Pino Palladino
Als John Entwistle 2002 plötzlich verstarb, hätten The Who so ziemlich jeden Bassisten der Welt anrufen können, um ihn zu ersetzen. Sie entschieden sich für Pino Palladino. Zu diesem Zeitpunkt hatte der walisische Musiker bereits mit allen gespielt. Von Jeff Beck und Elton John bis hin zu John Mayer, Don Henley und B.B. King. Aber seine wahre Stärke lag im R&B. Viele seiner besten Arbeiten finden sich auf Alben wie D’Angelos Meisterwerk „Voodoo“ aus dem Jahr 2000 und Erykah Badus „Mama’s Gun“ aus demselben Jahr.
Auf beiden Alben spielte Palladino sanfte, synkopierte Grooves. Ähnlich wie James Jamerson, einer seiner Helden, es in den 60er Jahren auf Motown-Platten getan hatte. Seine Rolle bei The Who verschaffte ihm die größte Plattform seiner Karriere. Er tourte anschließend mit Nine Inch Nails und Simon and Garfunkel. „Als der Anruf kam, mit The Who zu spielen, arbeitete ich gerade mit Erykah Badu und D’Angelo zusammen und musste meinen gesamten Stil ändern“, sagte er. „Der Manager sagte: ‚John [Entwistle] ist tot. Kannst du in drei Tagen einen Gig im Hollywood Bowl spielen?‘ So etwas lehnt man nicht ab. Erst hinterher habe ich über die Konsequenzen nachgedacht. Pete Townshends Anweisung lautete: ‚Spiel, was du willst. Solange du nur laut spielst!‘“
37. John McVie
Im Zentrum des emotionalen Sturms namens Fleetwood Mac steht der robuste, einfühlsame John McVie, der die Solidität des Old-School-Rock mit kalifornischer Gelassenheit verbindet und seit fünf Jahrzehnten den Sound der Band prägt. McVie begann seine Karriere Mitte der 60er Jahre bei John Mayall and the Bluesbreakers. Er übertrug diesen grundlegenden Antrieb auf Fleetwood Mac (eine Band, die nach ihm benannt ist).
Er bildete eine unerschütterliche Verbindung mit seinem Bandkollegen Mick Fleetwood in ihrer jam-lastigen Peter-Green-Ära, die sich bis in die hochfliegende Buckingham-Nicks-Ära fortsetzte. Hits wie „Go Your Own Way” und „Rhiannon” haben eine subtile Härte, die sich von den entspannten L.A.-Kollegen der Band abhebt. „Du bist ein Monster, John”, rief Fleetwood aus, als er sich McVies „Go Your Own Way”-Zeilen in der Dokumentation Classic Albums über Rumours anhörte, Und es ist unmöglich, an „The Chain” zu denken, ohne dass einem dieser ikonische McVie-Bassbreak im Kopf hängen bleibt.
„Ich versuche immer, mit der Kick-Drum einzusteigen”, sagte McVie einmal. „Mick [Fleetwood] weiß, wohin ich gehe, und ich weiß, wohin er geht, also passt der Song – hoffentlich jedenfalls.“
36. Les Claypool
In der Bay Area konnte man Ende der Achtzigerjahre einen Stein werfen und traf garantiert einen Thrash-Funk-Bassist. Aber Les Claypool stach sofort aus der Legion aggressiver Slap-Popper heraus. Der schlaksige Primus-Kapitän behandelte den Bass eher wie ein Lead- als wie ein Rhythmusinstrument. Er trieb die Songs mit allem voran. Vom hyperaktiven Tapping mit der linken Hand auf dem Griffbrett (das morsezeichenartige Intro zu „Jerry Was a Race Car Driver“) bis zum blitzschnellen Strumming („Pudding Time“). „Eine der wichtigsten Entscheidungen, die ich zu Beginn meiner Karriere getroffen habe, war, mit drei Fingern zu spielen“, sagte er einmal. „Viele spielen mit zwei Fingern. Also dachte ich mir, wenn ich mit drei spiele, könnte ich schneller sein.“
Und obwohl der Mann einen wirklich donnernden Daumen hat, ist sein Spiel ebenso von Captain Beefheart wie von Bootsy Collins inspiriert. Mit einem eklektischen Sound, der seine selbsternannten „Piratenlieder“ über Alpha-Männchen, mythische Fischer und mörderische Hinterwäldler ergänzt. Er hat alles von Metal-Riffs – man beachte die gedämpften Triolen in „The Toys Go Winding Down“ – bis hin zu Ragas aus dem Nahen Osten in sein Spiel integriert. Seine Nebenprojekte in Jam-Band-Supergroups wie Oysterhead und Colonel Claypool’s Bucket of Bernie Brains haben seine Improvisationsfähigkeiten geschärft. Und seine Zusammenarbeit mit Sean Lennon ermöglichte ihm einige prog-psychedelische Abstecher in die Phil Zone.
Vor allem aber hat Claypool den Bass davon befreit, nur den Grundton zu halten. „Es hat mich wirklich begeistert, zu sehen, wie er sich dem Instrument näherte”, sagt Geddy Lee von Rush, der in den Neunzigern mit Claypool auf Tournee war. „Er sagte mir immer: ‚Du hast einen großen Einfluss auf mich’. Aber … er hat seinen eigenen Stil. Er hat ein Rhythmusgefühl, das ich sehr ansprechend finde. “
35. Louis Johnson
Selbst wenn Louis Johnson nichts anderes getan hätte, als die unerbittliche, shuffelnde Basslinie zu spielen, die Michael Jacksons „Billie Jean“ prägt und vorantreibt, hätte er es wahrscheinlich trotzdem verdient, in diese Liste aufgenommen zu werden. Aber als einer der bevorzugten Session-Bassisten von Quincy Jones spielte Johnson auf einer Reihe von Hits der späten Siebziger und frühen Achtziger Jahre. Und trug so dazu bei, einige der raffiniertesten und treibendsten Pop-Songs der Geschichte zu schaffen.
Er war ein Meister der melodischen Innovation von James Jamerson. Hören Sie sich den Refrain von Jacksons „Off the Wall“, wenn Johnson eine gleitende Linie spielt, die so schwungvoll und präzise ist wie Jacksons spritziger Gesang. Aber Johnson verstand auch den Wert von Larry Grahams „thumpin‘ and pluckin’“-Technik, die die Fenster zum Klappern bringt. Da ist er wieder, auf Michael McDonalds „I Keep Forgettin‘ (Every Time You’re Near)“. Diesmal mit tiefen, hartnäckigen Parts – wie viele Noten quetscht er in den Riff um die 10-Sekunden-Marke? –, die eine ganze Generation von Hip-Hop-Produzenten inspirieren sollten.
„Ich setzte mich mit ihm zusammen und brachte ihm bei, wie man damit umgeht. Nach bestem Wissen und Gewissen, basierend auf dem, was ich bis dahin gehört hatte”, sagte einmal Johnsons Bruder und Bandkollege George, der den Spitznamen „Lightnin’ Licks” zu Louis’ „Thunder Thumbs” trug, über die Einführung seines Bruders in den Bass. „Es war, als wäre man ein Star-Quarterback und würde den Ball werfen. Louis war total begeistert davon. Er nahm den Ball. Und lief jedes Mal damit zum Touchdown.“
34. Richard Davis
Richard Davis’ Lebenslauf aus den Sechzigern liest sich wie eine Übersicht über einige der anspruchsvollsten und nachhaltigsten musikalischen Statements dieses Jahrzehnts. Von Meilensteinen des Progressive Jazz wie Eric Dolphys Out to Lunch! und Andrew Hills Point of Departure bis hin zu Van Morrisons Free-Folk-Meisterwerk Astral Weeks. Aber das ist nur ein Bruchteil seines Gesamtwerks. In den letzten mehr als 60 Jahren hat er auch die Bands, Sessions und Auftritte von Größen wie Sarah Vaughan, Paul Simon und Igor Strawinsky bereichert.
Davis ist in intimen Umgebungen am besten, wo sein zutiefst einfühlsames Spiel zur Geltung kommt. Sei es, wenn er in einem Duett mit Dolphy in Duke Ellingtons „Come Sunday“ mitreißende Arco-Linien spielt. Wenn er in „Meeting Across the River“ eine warme rhythmische Grundlage für Bruce Springsteens Geschichte über einen Kleinkriminellen liefert. Oder wenn er in Stücken wie „Beside You“ unmöglich ergreifende Phrasen zaubert, die Morrisons Poesie ergänzen. „ Für mich war es die ganze Zeit Richard”, sagte Astral Weeks-Produzent Lewis Merenstein, als er 40 Jahre später über die Platte reflektierte. „Richard war die Seele des Albums.”
33. Lemmy
Motörheads bekanntester Song, „Ace of Spades“, beginnt mit einer tap-tanzenden Basslinie von Lemmy Kilmister, bevor er in eine Melodie übergeht, die klingt, als würde seine Rickenbacker direkt in die Hölle fahren, während er davon singt, „zum Verlieren geboren“ zu sein. Sowohl in seinen Texten als auch in seinem Bassspiel drehte sich Kilmisters Ästhetik um rücksichtsloses Loslassen. Vor Motörhead war er Rhythmusgitarrist. Er wechselte dann aber zum Bass, um bei den Space-Rockern Hawkwind zu spielen.
„[Bass] ist wie Gitarre spielen ohne die beiden obersten Saiten“, sagte Kilmister einmal. „Ich habe einfach Akkorde aus den Saiten gemacht, die mir noch blieben. Das ist unorthodox. Aber für uns funktioniert es.“ Nachdem er wegen seiner Vorliebe für Aufputschmittel aus dieser Band ausgeschlossen worden war, entwickelte er seinen eigenen rauen Stil. „Lemmy hat mich in seiner Art, Verzerrung einzusetzen, beeinflusst. Das war anders, neu und aufregend“, sagte der verstorbene Bassist von Metallica, Cliff Burton, einmal.
Kilmisters Ansatz passte perfekt zu seiner rauen Stimme und seinem Underdog-Witz und machte ihn einzigartig. Eine Besonderheit, auf die er stolz war. „Ich glaube, ich spiele wie kein anderer“, sagte er einmal. „Ich wollte immer John Entwistle sein. Aber da dieser Platz schon besetzt war, wurde ich eine schlechtere Version davon.“
32. Sting
Sting hat im Laufe der Jahre so viel Aufmerksamkeit für seine Songwriting-Fähigkeiten und sein Gesangstalent erhalten, dass seine Technik als Bassist manchmal übersehen wird. Der ehemalige Frontmann von The Police lernte, gleichzeitig zu singen und zu spielen, indem er Platten mit 78 Umdrehungen pro Minute hörte, damit er die Bassparts deutlicher hören konnte. „Ich war Gitarrist und habe in Clubs gespielt. Dann hat mir jemand einen selbstgebauten Bass geliehen, und ich habe mich sofort in ihn verliebt. In seine Größe, seine Ästhetik. Und mir wurde klar, dass ich Bass spielen und singen konnte“, erzählte er Bass Player. „Ich habe gelernt, Paul McCartneys Parts in Beatles-Songs zu spielen und gleichzeitig zu singen.“
Bei The Police trug er mit seinen pulsierenden, melodischen Linien dazu bei, den ikonischen Mix aus New Wave und Reggae der Band zu festigen. Sein Bass ist besonders deutlich in „Every Breath You Take“ und „Roxanne“ zu hören, wo er Andy Summers‘ Gitarrenriffs unterstützt, ohne sie zu übertönen. Er hat seinen kreativen Horizont weiter ausgebaut, wie zum Beispiel auf 44/876, seinem 2018 erschienenen Album mit Shaggy, auf dem seine geschmackvollen, dubartigen Darbietungen den entspannten Groove der Songs untermalen.
„Es gab einen goldenen Sonnenstrahl, der vom Himmel herabkam, durch das Dach des Gebäudes, durch die Decke und auf diesen Bassisten fiel“, sagte Police-Schlagzeuger Stewart Copeland über das erste Mal, als er Sting 1976 auf der Bühne sah. „Und als Schlagzeuger in einer Band habe ich damals nicht einmal bemerkt, dass er gesungen hat.“
31. Bernard Edwards
„Hört mal, ihr könnt zu Hause haben, was ihr wollt. Aber jeder braucht ein bisschen Freitagabend“, sagte Bernard Edwards von Chic 1979. Edwards baute auf seinem intensiven Studium des Jazz und der Klassik auf, um der einflussreichste Bassist des Disco zu werden. Mit seinem Bandkollegen und langjährigen Freund Nile Rodgers verwandelte er jede Minute in einen Freitagabend. Und lieferte den Soundtrack für Tausende von Tanzflächen in den späten Siebzigern und darüber hinaus.
Hätte er „Good Times“ allein aufgenommen – eine der meistgesampelten Basslinien der Geschichte und Inspiration für den ersten Mainstream-Hit des Hip-Hop „Rapper’s Delight“ –, wäre er auf dieser Liste gelandet. Aber als Co-Songwriter, Produzent und Bassist von Chic-Titeln wie „Le Freak“, „I Want Your Love“ und „Everybody Dance“ sowie von Hits von Sister Sledge („We Are Family“), Diana Ross („I’m Coming Out“) und Madonna („Like a Virgin“, „Material Girl“) verwandelte Edwards sofort mitreißende Riffs in Dance- und Pop-Klassiker.
Während sich die meisten Bassisten im Hintergrund hielten, trat der mühelos und stets stilvolle Edwards in den Vordergrund. Er starb 1996 im Alter von 43 Jahren. Aber solange es Hochzeiten, Partys oder andere Anlässe gibt, um buchstäblich alles zu feiern, wird sein Werk unsterblich bleiben.
30. Bob Moore
Als wichtiges Mitglied des berühmten A-Teams von Nashville ist Bob Moores Kontrabassspiel auf Hits von George Jones bis Bob Dylan zu hören. Zusammen mit anderen legendären Session-Musikern wie Charlie McCoy, Buddy Harman, Ray Edenton und Hargus „Pig“ Robbins trug Moores raffinierter Stil dazu bei, Nashville zu einem der musikalischen Zentren der Nation zu machen, als Künstler wie Patsy Cline, Chet Atkins und Brenda Lee in den 50er- und 60er-Jahren begannen, Country mit pianogetriebenem Pop und Jazz zu verbinden.
„Ich saß immer direkt neben Pig und beobachtete seine linke Hand“,
Moores Ansatz trug dazu bei, die Rolle des Instruments in Country-Sessions für immer zu verändern. „Damals war ein Bassist der Komiker in der Band“, sagte Moore einmal über seine Anfänge in den 1940er-Jahren in Nashville. „Ich war etwas Neues. Ich war ein Musiker.“
29. Tina Weymouth
Die bahnbrechende Single „Psycho Killer“ der Talking Heads aus dem Jahr 1977 schafft eine bedrohliche Stimmung, noch bevor Frontmann David Byrne auch nur ein Wort singt. Das liegt daran, dass sie mit Tina Weymouth beginnt, die einen der eindringlichsten Bassparts der Rockgeschichte spielt.
In den ersten acht Sekunden spielt sie ohne Begleitung und bereitet damit die Bühne für eine Geschichte voller Wahnsinn und Angst, die eine der größten Bands der Geschichte ins Leben rief. Und es ist eine große Ungerechtigkeit, dass Byrne immer den Löwenanteil der Anerkennung für ihre Erfolge erhalten hat. Weymouth war ein wichtiger Teil des Songwriting-Teams von Talking Heads. Auch wenn sie nicht immer namentlich genannt wurde. Sie brachte eine mühelose Coolness in alles, was sie taten. „Ohne Tina Weymouth bei Talking Heads“, sagte der Schlagzeuger der Band und seit 40 Jahren Ehemann von Weymouth, Chris Frantz, „wären wir nur eine weitere Band.“
28. Aston „Family Man“ Barrett
Als Teil der Rhythmusgruppe von Bob Marleys Wailers spielten Aston Barrett und sein jüngerer Bruder Carlton eine wichtige Rolle dabei, den One-Drop-Rhythmus des Reggae einem internationalen Publikum bekannt zu machen. Der Einfluss des selbsternannten „Architekten des Reggae“ reichte jedoch weit über dieses Genre hinaus. Er erstreckte sich auch auf Pop, R&B und Funk.
Seine schwungvolle Basslinie auf dem Instrumentalstück „The Liquidator“ von Harry J. All Stars aus dem Jahr 1969 diente drei Jahre später als direkte Vorlage für den Hit „I’ll Take You There“ der Staples Singers. „Die Trommel ist der Herzschlag. Der Bass ist das Rückgrat“, sagte Barrett einmal. „Wenn der Bass nicht stimmt, hat die Musik einen schlechten Rücken und ist wie verkrüppelt.“ Barrett war tief mit dem Storytelling seines Wailers-Bandleaders verbunden. Und achtete genau auf Marleys Songwriting, bevor er seine eigenen Basslinien komponierte. „Es ist, als würde ich Bariton singen“, sagte er einmal über seine Bassarbeit. „Ich schaffe jedes Mal eine melodische Linie.“
27. David Hood
Einige der funkigsten Platten der Sechziger und Siebziger – „I’ll Take You There“ von den Staple Singers, „Tell Mama“ von Etta James, „Oh No Not My Baby“ von Aretha Franklin „Take a Letter, Maria“ von R.B. Greaves – hatten eines gemeinsam. Den Bassisten David Hood. Er arbeitete zunächst im Fame Studio in Muscle Shoals, Alabama, bevor er 1969 Teil der legendären Rhythmusgruppe der Stadt bei ihrem eigenen Muscle Shoals Sound wurde.
Hood wurde wegen seiner Größe „Little David“ genannt. Man kann hören, wie Mavis Staples ihn in „I’ll Take You There“ während seines geschmeidigen Solos so nennt. Aber seine tiefen, pulsierenden Basslinien machten ihn zu einem Teil „einer Rhythmusgruppe, für die man sterben würde“, sagte Staples. In Zusammenarbeit mit seinen Kollegen aus Muscle Shoals, wie dem Keyboarder Barry Beckett und dem Schlagzeuger Roger Hawkins, war Hoods Bass gleichermaßen in Pop (Paul Simons „Kodachrome”, Rod Stewarts „The First Cut Is the Deepest”), Blues (Boz Scaggs‘ „Loan Me a Dime”) und Rock-R&B-Fusionen (Bob Segers „Old Time Rock and Roll”) gleichermaßen zu Hause.
Sein weiteres Vermächtnis: sein Sohn Patterson, Sänger und Songwriter der Drive-By Truckers. Hood bleibt bescheiden, was seine Leistungen angeht. Mit Bezug auf einen weiteren Klassiker der Staple Singers, „Respect Yourself“, sagt er: „Da ist auch ein kleines Basssolo drin. Es sind nur ein paar Takte am Anfang und in der Mitte. Aber das sind nur melodische Hooks. Wir haben einfach versucht, Popmusik zu machen.“
26. Israel Cachao López
Obwohl Israel Cachao López seine wichtigsten Innovationen in den 1930er Jahren schuf, hat er bis heute einen Einfluss auf die Popmusik ausgeübt, der überall zu hören ist. In Zusammenarbeit mit seinem Bruder, dem Pianisten und Cellisten Orestes López, verband er die stattliche Havanna-Ballsaal-Musik mit dem Mambo. Eine afro-kubanischen Fusion, die Salsa, kubanischen Jazz, R&B, Rock ‚n‘ Roll und damit auch die gesamte Konstellation der lateinamerikanisch geprägten modernen Popmusik beeinflussen sollte.
„Was kubanischen Ursprungs ist, ist auch afrikanisch“, sagte er Jahre später. „Die Afrikaner hatten ebenso viel Einfluss auf das Kubanische wie die Konquistadoren. Da dies natürlich im Blut liegt, sind viele Dinge immer mit afrikanischem Einfluss entstanden.“ Sein Spiel – ein üppiges Gewirr sich überschneidender Linien, forschend und doch elegant, das mit entspannter Präzision neben den anderen Instrumenten glitt – schuf den perfekten Hintergrund für die reichhaltige, freizügige Improvisation, die dank einer weiteren Innovation Cachaos aus den 1950er Jahren, der Descarga, einer vom Jazz beeinflussten Jam-Session, zum zentralen Bestandteil der kubanischen Musik werden sollte.
Cachao zog in den 1960er Jahren in die USA, fand hier jedoch erst in den 1990er Jahren mit der Veröffentlichung der unverzichtbaren zweiteiligen Serie Master Sessions breite Anerkennung.
25. Cliff Burton
Als Metallica gegründet wurde, wollten James Hetfield, Dave Mustaine und Lars Ulrich nichts anderes als wütenden Thrash Metal spielen. Bis sie Cliff Burton trafen. Der Bassist hatte zuvor in einer rivalisierenden Metal-Band gespielt. Als sie ihn ein atemberaubendes Bass-Solo spielen sahen, wollten sie ihn so sehr in Metallica haben, dass sie auf seinen Wunsch hin von Los Angeles in seine Heimat Bay Area umzogen. Als er einmal in der Band war, stellte Burton den Jungs R.E.M., die Misfits und Bach vor. Und eröffnete ihnen damit eine neue Musikalität, indem er einige ihrer härtesten Songs mit orchestralen Elementen und Bassvirtuosität bereicherte.
Sein Basssolo „(Anesthesia) – Pulling Teeth” auf ihrem Debütalbum „Kill ‘Em All” aus dem Jahr 1983 ist ein aggressives Beispiel für klassische Musikimprovisation und Wah-Wah-Lyrik, während sein filigranes Intro zu „Damage Inc.” und die Mitte von „Orion” zeigten, wie schön Thrash sein kann. Seine Konzepte fanden auch nach seinem Tod bei einem Busunfall im Jahr 1986 weiterhin Anklang bei der Band. „Ohne anderen zu nahe zu treten. Aber er war einfach auf einem anderen Niveau“, sagte Ulrich einmal über Burton.
„Als es darum ging, [‚Anesthesia‘] auf eine Platte zu bringen, haben wir daraus statt eines einfachen Bass-Solos eher eine Komposition gemacht. Das verleiht dem Stück eine andere Dynamik, fast wie verschiedene Akte. Wie Akt Eins, Akt Zwei und Akt Drei.“ Diese Sensibilität war so treffend, dass der Solobassist des Orchesters, als Metallica 2019 mit dem San Francisco Symphony Orchestra zusammenarbeitete, „Anesthesia“ als Hommage an Burton aufführen wollte.
24. Geddy Lee
Auf der Bühne mit Rush war Geddy Lee immer ein Meister des Multitasking.: Er spielte Keyboard und fußgesteuerte Synthesizer und meisterte gleichzeitig waghalsige Gesangsparts. Aber sein Bassspiel, hart und kraftvoll, dennoch wunderschön flink und mit genau der richtigen Portion waghalsiger Brillanz, machte ihn zu einer Legende für Fans von progressivem Rock und zu einem wichtigen Bindeglied zwischen Pionieren der Sechziger wie Jack Bruce und John Entwistle und Innovatoren der Neunziger wie Les Claypool und Tim Commerford von Rage Against the Machine.
Lees Spiel verlieh jeder Ära der Band mehr Biss, Flair und überraschende Funkiness. Von hochprogressiven Meilensteinen der Siebziger wie A Farewell to Kings über New-Wave-beeinflusste Juwelen der Achtziger wie Grace Under Pressure bis hin zu stromlinienförmigen, knallharten Werken der Neunziger wie Counterparts. Und seine fantasievollen Parts – der
„Er war derjenige, von dem ich als 14-Jähriger dachte: ‚Mann, solche Sounds würde ich auch gerne machen‘“, sagte Claypool einmal über Lee. „Ich versuche immer noch, das zu erreichen.“
23. Bill Wyman
„Es muss Hunderte von Bassisten geben, die besser sind als ich“, sagte Bill Wyman 1974 gegenüber Rolling Stone. „Ich meine, ich könnte niemals so spielen wie Jack Bruce. Wenn ich in dieser Richtung ehrgeizig wäre, würde ich üben, [aber] das tue ich nicht.“ Doch während er sein Talent herunterspielt, sind seine Kollegen von den Rolling Stones anderer Meinung. „Bill Wyman ist ein unglaublicher Bassist“,
Wyman verdiente sich Richards‘ Lob, indem er unter dem legendären „Satisfaction“-Riff des Gitarristen clevere Harmonien spielte (eine Melodie, die nach unten geht, während die Gitarre nach oben geht). Ein sanftes Rumpeln unter „Jumpin‘ Jack Flash“ und Rhythmen, die unter dem Boogie-Woogie von „Rocks Off“ wackeln. „Ich bin kein vielbeschäftigter Bassist“, sagte Wyman einmal. „Ich bin kein Stanley Clarke oder jemand in dieser Art. Meiner Meinung nach sollten sie Gitarre spielen, nicht Bass. … Man braucht etwas Power im Hintergrund. … Man lässt Platz für andere. Man füllt ihn nicht mit dem Bass aus. Und man lässt viel Raum und lässt den Track von unten atmen.“
22. Flea
Die Red Hot Chili Peppers haben seit ihrer Gründung im Jahr 1983 viele Schlagzeuger und Gitarristen kommen und gehen sehen. Aber Flea ist ihr einziger Bassist geblieben. Ein Musiker, dessen charakteristischer Sound – eine erdige, wild charismatische Mischung aus Punk, Funk und Psychedelia – das Rückgrat der Band bildet. Der mit bürgerlichem Namen Michael Balzary geborene Flea wurde in seiner Kindheit stark von seinem Stiefvater, einem Jazzmusiker, beeinflusst. „
Mein Ziel war es, Jazz-Trompeter zu werden. Aber dann kam ich in die Pubertät und musste gegen meine Eltern rebellieren“, sagte er 2006. „Ich wollte nur Punkrocker werden und Bass spielen.“ Außerhalb der Peppers spielte er 2003 auf dem Debütalbum „De-Loused in the Comatorium“ von The Mars Volta und in der Spin-off-Band Antemasque. 2009 gründete er zusammen mit Thom Yorke die Band Atoms for Peace und zeigte seine Vielseitigkeit in Songs wie „Before Your Very Eyes…“ und dem schizophrenen „Reverse Running“.
Aber es ist sein Spiel mit den Peppers, das ihn so beliebt gemacht hat. Von seinem von Bootsy Collins inspirierten Slapping („Higher Ground“, „Sir Psycho Sexy“) bis zu seinen ergreifenden melodischen Momenten („Soul to Squeeze“, „By the Way“). „Die Red Hot Chili Peppers sind Flea“, sagte Anthony Kiedis Rolling Stone 1994. „Er ist ein so wesentlicher Teil dieses Ganzen, dass es unmöglich ist, sich die Band ohne ihn vorzustellen.“
21. Geezer Butler
Kurz nachdem er zu Black Sabbath gekommen war, wechselte Geezer Butler von der Rhythmusgitarre zum Bass und entwickelte seinen eigenen freizügigen Stil. Da er nie den für den Rock der Sechzigerjahre typischen Four-on-the-Floor-Bass gespielt hatte, näherte er sich dem Instrument mit der Sensibilität eines Gitarristen und ergänzte die Parts von Gitarrist Tony Iommi mit Harmonien und kunstvollen Verzierungen. Das Geheimnis der Wirkung von Black Sabbath liegt darin, wie Butler und Iommi ihre Instrumente zu einem großen, wuchtigen Sound kombinierten.
In „War Pigs“ spielte Butler eine bluesige Melodie unter Iommis langgezogenen Riffs. In der Mitte des Songs, wenn Iommi sein Solo spielt, spielt Butler sein eigenes jazziges, von Jack Bruce inspiriertes Fingerpicking-Solo, wann immer der Gitarrist eine Note hält. Seine Spielweise vermittelt auch ein Gefühl der Befreiung, wie zum Beispiel in „Slipping Away“ aus dem Jahr 1981, wo er
Aber trotz seines offensichtlichen Könnens hat Butler seine Fähigkeiten immer heruntergespielt. „Da ich Rhythmusgitarrist war, füllte ich die Lücken, die der Leadgitarrist hinterließ“, sagte er einmal. „Das habe ich mit dem Bass fortgesetzt. Ich war der Rhythmusgitarrist. Und ich habe mich nie als Bassist gesehen. Ich habe einfach gespielt, was ich für jeden Song für notwendig hielt.“
