Die 50 besten Live-Alben aller Zeiten
ROLLING STONE kürt die 50 besten Live-Alben aller Zeiten – von Hendrix in Monterey bis Cash in Folsom. Rangliste.
Es ist unmöglich, die Raserei einer Live-Show auf einer Platte einzufangen, aber es liegt nicht daran, dass man es nicht versucht hätte. Hier sind 50 der besten Versuche, von Jimi Hendrix‚ historischer Gitarrenverbrennung beim Monterey Pop Festival bis zu weniger als 200 Menschen, die sich für Fela Kuti und Ginger Baker in die Abbey Road drängten. Von Johnny Cash im Folsom Prison bis zu Cheap Trick im Budokan. Wir haben versucht, Alben zu vermeiden, die größtenteils aus Overdubs bestehen (siehe Neil Young Rust Never Sleeps) oder komplett gefälschten (das dennoch unverzichtbare Cheap Thrills von Big Brother and the Holding Company) und haben uns auf bahnbrechende Momente, karriereprägende Alben und epische Jams konzentriert.
50. The Replacements, „The Shit Hits the Fans” (1985)
Paul Westerberg, Chris Mars und Bob und Tommy Stinson, die noch nicht trocken waren, wechseln sich auf der Kassette „The Shit Hits the Fans” von Twin/Tone „The Shit Hits the Fans“ von Twin/Tone. Aufgenommen mit zwei hängenden Mikrofonen in der umgebauten Kirche The Bowery in Oklahoma City im Jahr 1984, sind diese 24 Songs (von denen 19 Coverversionen sind) eine geschmierte Mischung aus Blues, Metal, Soul und verschüttetem Bier.
„Ich fragte Paul oder jemanden anderen, ob es ihm etwas ausmachen würde, wenn ich die Show aufnehme“, erinnert sich Bowery-Manager und DJ Roscoe Shoemaker in der mündlichen Überlieferung der Replacements „All Over But the Shouting“. „‚Warum? Wir sind doch scheiße.‘ Eine typische Antwort von Westy.“
Zwischen den komischen Zusammenbrüchen zeigen die Mats das ramponierte Slack-Rock-Modell der „Let It Be“-Ära, das schließlich Nirvana, Wilco und Tausende anderer popbegeisterter Punks inspirierte. Die originalgetreuen und furiosen Versionen von „Sixteen Blue“ und „Can’t Hardly Wait“ werden durch ausgesprochen unaufrichtige Coverversionen von „I’ll Be There“ von den Jackson 5 und „Misty Mountain Hop“ von Led Zeppelin ausgeglichen. „I’ll Be There“ und Led Zeppelins „Misty Mountain Hop“. Am Ende haben sie R.E.M., U2, Thin Lizzy und die Rolling Stones kunstvoll zerlegt. Reed Fischer
49. Little Feat, „Waiting for Columbus” (1978)
Das Album, das Little Feat zurück zu ihrem, nun ja, Sie wissen schon, „Waiting for Columbus” brachte, wurde im August 1977 in London und Washington D.C. aufgenommen. Es wurde sechs Monate später veröffentlicht und wurde zum meistverkauften Album der Band, wodurch die Glaubwürdigkeit der Feats wiederhergestellt wurde.
Die Idee, ein Live-Album aufzunehmen, wurde von ihrem Produzenten Lowell George vorangetrieben, dessen nachlassende Songwriting-Fähigkeiten seine Bandkollegen verärgert hatten. Columbus bewies jedoch, dass die Band immer noch ein New Orleans-Funk-Kraftpaket war, mit Energie und Improvisationsfähigkeiten im Überfluss, wie „Dixie Chicken” und „Tripe Faced Boogie” zeigen. Lowell überlagerte später die meisten seiner Lead-Vocals und viele Gitarrensoli mit großartigem Effekt und verlieh dem Album so eine fesselnde, druckvolle Detailtreue.
Tatsächlich ist der Ruf von „Columbus“ im Laufe der Zeit stetig gewachsen, und Phish würdigte es mit einer Live-Coverversion an Halloween 2010. Richard Gehr
48. Donny Hathaway, „Live” (1972)
Unterstützt von einer Combo, zu der erfahrene Chicagoer Session-Musiker wie der Gitarrist Philip Upchurch, der Bassist Willie Weeks und der Schlagzeuger Fred White (der später zu Earth, Wind & Fire kam) gehörten, swingt Donny Hathaway auf diesem brillanten Live-Album mit lebhafter Energie, und das Publikum reagiert ekstatisch. Als er eine 12-minütige Version von „The Ghetto“ spielt und dabei intensiv auf dem Rhodes-E-Piano spielt, klatschen seine Fans im Takt mit. Eine Frau schreit vor Freude, als er Carole Kings „You’ve Got a Friend“ einen Gospel-Touch verleiht.
Unterdessen erhält „Little Ghetto Boy“, das im folgenden Jahr als klassische Single aus dem Quincy-Jones-Soundtrack „Come Back, Charleston Blue, veröffentlicht wurde, erhält eine lebensbejahende Vorschau. Live schaffte es in die Top 20 und wurde Hathaways erstes Goldalbum, aber der bekannte Perfektionist war wie üblich selbstkritisch. „Ich bin natürlich zufrieden mit den Verkaufszahlen, aber das Album selbst ist nicht so gut, wie ich es mir gewünscht hätte“, sagte er dem Magazin Blues & Soul. „Ich muss mich für das nächste Album noch verbessern.“
Leider bekam er nie die Chance dazu: Das Album endet mit einer 13-minütigen Interpretation von „Voices Inside (Everything is Everything)“, einem Song, der ungewollt seine Kämpfe mit Schizophrenie und seinen späteren Selbstmord im Jahr 1979 im Alter von 33 Jahren vorhersagte. Mosi Reeves
47. Boogie Down Productions, „Live Hardcore Worldwide“ (1991)
Zwischen seiner Entstehung im Jahr 1973 und der Veröffentlichung von „Rapper’s Delight“ im Jahr 1979 war Hip-Hop ausschließlich eine Live-Angelegenheit. Bis zum Zeitalter des Internets wurde diese Zeit hauptsächlich durch den Tausch von Kassetten und Bootlegs archiviert. Überlassen wir es also dem Hip-Hop-Historiker KRS-One von Boogie Down Productions, nicht nur die lebendigste Nacherzählung der Live-Ära zu liefern (die Single „South Bronx” von 1986 ), sondern auch die bombastischste Neuauflage mit diesem bahnbrechenden Album von 1991.
Aufgenommen in New York, Paris und London, verbindet KRS die Punkte zwischen der Spoken-Word-Poesie von Vorreitern wie den Last Poets, den Einwürfen von Reggae-Toastern und, wenn „I’m Still #1“ auseinanderfällt, den publikumswirksamen Freestyles der frühesten Tage des Rap. Christopher R. Weingarten
46. Thin Lizzy, „Live and Dangerous” (1978)
1978 beschlossen die damals brandheißen Thin Lizzy, dass sie mit dem Produzenten Tony Visconti zusammenarbeiten wollten, der sich durch seine Zusammenarbeit mit den Glam-Kollegen David Bowie und T. Rex einen Namen gemacht hatte. Die Zeit war knapp, also war ein Live-Album angesagt: „Live And Dangerous“ war das knurrende Ergebnis. Ein Dokument einer Band, die selbst bei sanfteren Stücken wie „Dancing In The Moonlight“ keine Gefangenen machte.
Wie genau es dazu kam, dass die irische Band so effektiv eingefangen wurde, ist nach wie vor umstritten. Visconti behauptet, dass 75 Prozent von „Dangerous“ im Studio aufgenommen wurden, um die Ecken und Kanten zu glätten, aber die Band widerspricht dem vehement. „Wir sind eine sehr laute Band“, ”, sagte Gitarrist Brian Robertson 2012 gegenüber Guitar Player, „und ich bin der Lauteste von uns allen. Wie willst du also meine Gitarre ersetzen, wenn sie so laut ist, dass sie das ganze verdammte Schlagzeug überlagert?” Maura Johnston
45. Motörhead, „No Sleep ‘Til Hammersmith” (1981)
Wenn Motörhead die „ursprünglichste Ausdrucksform“ des Heavy Metal sind, wie Rolling Stone sie einmal beschrieb, dann ist No Sleep ‚Til Hammersmith Lemmy Kilmister und Co. in ihrer ursprünglichsten Form. Die Songs der britischen Bomber sind in ihren Original-Studioversionen im Allgemeinen böse und brutal, aber die Band spielte sie auf ihrer Short, Sharp Pain in the Neck-Tournee 1981 – benannt nach dem Vorfall, bei dem sich Schlagzeuger Phil „Philthy Animal“ Taylor während eines betrunkenen Streichs das Genick brach – unmöglich schneller und härter, auf der alle bis auf einen der Tracks von No Sleep aufgenommen wurden.
Das Ergebnis ist Motörheads definitives Statement, die besten Versionen ihrer besten Songs, der Sound und die Wut der legendärsten Besetzung der Band auf dem Höhepunkt ihrer Schaffenskraft. Kein Wunder, dass Metallica ihr Demo „No Life ‚Til Leather“ danach benannten, die Beastie Boys mit „No Sleep Till Brooklyn“ darauf anspielten und die Platte trotz ihrer rohen, gnadenlosen Kraft als Motörheads kommerziell erfolgreichste Veröffentlichung gilt.
„Wenn man den Höhepunkt erreicht hat, kann es natürlich nur noch bergab gehen“, witzelte Kilmister in seiner Autobiografie „White Line Fever“ über die Platte. „Aber damals wussten wir nicht, dass wir den Höhepunkt erreicht hatten. Wir wussten gar nichts.” Brandon Geist
44. U2, „Under a Blood Red Sky” (1983)
Eine Live-Aufnahme, die echte Gefahr beinhaltet. Als U2 am 5. Juni 1983 im Red Rocks Amphitheatre außerhalb von Denver auftraten, war das Wetter so schlecht, dass weniger als die Hälfte der ausverkauften Zuschauerzahl erschien und beide Vorgruppen (The Alarm und Divinyls) sagten aus Sicherheitsgründen ab. Das schreckte U2 und insbesondere Bono jedoch nicht ab.
2004 erzählte Gitarrist The Edge dem ROLLING STONE, dass Bono ihm „eine Heidenangst einjagte“, als er während „The Electric Co.“ auf eine Lichtanlage kletterte, um eine weiße Flagge zu schwenken und sich dabei stromführenden Kabeln näherte. Aber der wahre Blitz kam von diesem Live-Album, dem Konzertfilm und dem nebelverhangenen Musikvideo zu „Sunday Bloody Sunday”.
Auch wenn die meisten Titel des Albums „Under a Blood Red Sky“ aus Konzerten in Boston und Deutschland stammen, stehen die Bilder aus Red Rocks für den letzten Moment jugendlicher, rauer Herrlichkeit von U2, bevor sie zu Megastars wurden. „Es war ein Meilenstein“, sagte Adam Clayton. „Wir konnten jetzt sagen: ‚Okay, wir sind an einem Punkt angelangt, an dem wir zu den Großen gehören. Wir stehen am Start.‘“ David Menconi
43. Neil Young & Crazy Horse, „Arc-Weld“ (1991)
Neil Young befand sich mitten in einer Renaissance seiner Karriere, als er Anfang 1991 mit Crazy Horse auf Tour ging. Ihr neues Album „Ragged Glory“ wurde als ihr bestes Album seit einem Jahrzehnt gefeiert. Die Gruppe spielte alte und neue Songs mit einer atemberaubenden Energie und Leidenschaft.
Das Live-Album „Weld“ hielt die besten Momente auf zwei CDs fest. Die 14-minütige Interpretation von „Like A Hurricane“ ist nach wie vor eine der besten Versionen des Songs, während die Konzertklassiker „Cortez The Killer“, „Powderfinger“ und „Hey Hey, My My (In The Black)“ noch nie so lebendig geklungen haben. Es ist schwer, einen Live-Höhepunkt für Crazy Horse zu bestimmen, aber dies könnte sehr wohl einer sein. Das Album enthielt ursprünglich „Arc”, einen 35-minütigen Track mit verschiedenen, von Feedback durchtränkten Anfängen und Enden von Songs.
„Jetzt bin ich 45 Jahre alt, und das ist die Essenz dessen, was in meinem Kopf vor sich geht”, sagte Young über die ausgedehnte Noise-Suite. „ Ich habe „Arc“ wirklich für Leute gemacht, die in Jeeps mit großen Lautsprechern herumfahren. Wenn man neben jemandem auf der Straße hält und „das“ spielt, ist das eine verdammt deutliche Aussage.“ Andy Greene
42. Phish, „New Year’s Eve 1995 – Live at Madison Square Garden“ (2005)
Vielleicht mehr als jede andere Show setzte Phishs Silvester-Spektakel 1995 (bis 1996) im Madison Square Garden die kommerziellen und künstlerischen Maßstäbe für die Jam-Legionen, die folgten. Die drei Sets, die an ein Musiktheater mit vier langhaarigen Nerds grenzten, waren voller Überraschungen.
Aber wie immer waren die beeindruckendsten Tricks der Band ihre Improvisationen, darunter ein filigranes Delay-Loop-Motiv am Ende des zweiten Sets, das später in Trey Anastasios selbst produziertem Nebenprojekt One Man’s Trash als „That Dream Machine“ auftauchte. „ Es fühlte sich an, als würde eine Ära zu Ende gehen”, sagte Anastasio zu Parke Puterbaugh über die ausgedehnte Herbsttournee 1995 der Band, die einige der lautesten Ausflüge des Quartetts aus Vermont aller Zeiten beinhaltete.
Das Neujahrsfest 1995 sollte sich als erneuerbare Ressource erweisen und brachte eine sofortige Klassiker-Kassette, monatelange Fan-Debatten („Hat Trey in ‚Drowned‘ einen Teaser zu ‚Fire on the Mountain‘ gespielt?“), ein Dreifach-CD-Set und zuletzt eine Sechs-LP-Ausgabe zum Record Store Day hervor. Jesse Jarnow
41. Peter Frampton, „Frampton Comes Alive!“ (1976)
Im Sommer 1976 gab es nichts Vergleichbares zu „Frampton Comes Alive!“, dem ultimativen Beispiel für ein Doppel-Live-Album mit Gatefold-Cover – eigentlich sollte es nur ein einzelnes Album werden, bis A&M Records den ungewöhnlichen Schritt unternahm, auf einer zweiten CD zu bestehen. Frampton, ein erfahrener Gitarrist von Humble Pie, der sich als Solokünstler versuchte, willigte gerne ein.
„Baby, I Love Your Way“, „Show Me the Way“ und vor allem „Do You Feel Like We Do“ wurden in der Live-Version (die insgesamt 14 Minuten lang ist) zum Leben erweckt. Selbst die Geräusche des Publikums klingen sensationell. „Frampton Comes Alive!“ wurde schnell zum meistverkauften Album aller Zeiten, bis es vom Soundtrack zu „Saturday Night Fever“ übertroffen wurde. „Ein Jahr vor „Frampton Comes Alive!“ hatten wir die Studioversion von „Show Me The Way“ als Single veröffentlicht … und sie floppte total“, erzählte Frampton MusicRadar.
„Es war ziemlich seltsam, die Live-Version herauszubringen und zu sehen, wie sie durch die Decke ging. Es war immer noch derselbe Song. Was hatte sich geändert? AOR war damals das große Radioformat. Und die spielten Frampton Comes Alive! wie verrückt. Wenn man einen AOR-Sender einschaltete – egal welchen –, hörte man so ziemlich alle Songs von dieser Platte.“ David Menconi
