Die 200 besten Country-Songs aller Zeiten
Von Johnny Cash bis Beyoncé: Das sind die 200 besten Country-Songs aller Zeiten.
100 Lucinda Williams, „Passionate Kisses“
Nach der Aufnahme eines Paar akustischer Blues-Alben für Folkways fand Lucinda Williams ihr rechtmäßiges Publikum mit ihrem gleichnamigen Debütalbum bei Rough Trade von 1988. Es enthielt diese heiser gesungene Pop-Rock-Hymne über das Verlangen nach und das Verdienen von einem komfortablen Bett, Bad und emotionalem Überfluss. Williams war pleite und näherte sich den 40, als Mary Chapin Carpenter die Kanten des Songs weicher machte, ein bewegendes Gitarrenarrangement hinzufügte und „Passionate Kisses“ 1993 nahe an die Spitze der Billboard-Country-Charts brachte, was beiden Grammys einbrachte.
99 Bobby Bare, „The Streets of Baltimore“
Diese tragische Geschichte eines Mannes, der sein gesamtes Leben aufgibt, um seine Frau in Baltimore glücklich zu machen (und der dort daraufhin verlassen wird), wurde ursprünglich von Bobby Bare aufgenommen, einem Sänger, der vor allem dafür bekannt ist, mit einem jungen Kris Kristofferson zusammengearbeitet zu haben. Aber wie Bare 1980 gegenüber Rolling Stone sagte: „Die meisten meiner Hits wären für jeden ein Hit gewesen, ich war nur der Erste, der sie bekam.“ So war es auch mit „The Streets of Baltimore“, geschrieben von Tompall Glaser und Harlan Howard, die die Single im September 1966 selbst veröffentlichen wollten. Unglücklicherweise für sie kam Bare ihnen zuvor (im Juni) und erzielte einen Hit, der Platz sieben der Country-Charts erreichte. Der Witz endete jedoch bei Bare: Für viele gilt die 1973er Version von Gram Parsons als die wesentlichste Inkarnation des Songs.
98 Toby Keith, „I Love This Bar“
Toby Keiths ideale Trinkstätte beherbergt alle möglichen Leute – Yuppies, Biker, Veteranen mit Kampfnarben – die ihre Unterschiede beiseitelegen, um ein paar kalte Biere zu genießen. „I Love This Bar“ ist der Eröffnungstrack von „Shock’n Y’all“ von 2003, co-geschrieben von Keiths Mitarbeiter Scotty Emerick. Wie bei so vielen großartigen Country-Songs nahmen das Duo ein einfaches Konzept und verwandelten es in eine geliebte Hymne, die Keith tatsächlich dazu inspirierte, seine eigene Kette von „I Love This Bar“-Restaurants zu eröffnen. Über seine 30-jährige Karriere hinweg veröffentlichte der verstorbene Country-Sänger viele Songs über das Trinken („Beer for My Horses“, „Whiskey Girl“, „Red Solo Cup“), aber „I Love This Bar“ hat einen besonderen Platz in unseren Herzen. Das Video ist auch ein Muss. Sammy Hagar, der den Song 2006 coverte, performte ihn liebevoll bei einer CMT Awards Toby Keith Tribute.
97 Donna Fargo, „The Happiest Girl in the Whole U.S.A.“
Triumphal, hoffnungsvoll und so kitschig wie Kansas im August, brachte die aus North Carolina stammende Donna Fargo diese selbstkomponierte Hymne an die junge Hochzeitsfreude an die Spitze der Country-Charts. Für Fargo gibt es keine gequälten, düsteren Straßensentimente – sie scheint jeden einzelnen „skippidy do da“ ernst zu meinen. All dieses honky-tonk Schurkentum über Trinken und Betrügen und Unfug treiben? Das ist was für das mittlere Alter. Für die zweieinhalb Minuten, die diese Liebeshymne dauert, kann das warten.
96 Kris Kristofferson, „Sunday Mornin’ Coming Down“
Kris Kristofferson – der Rugby spielende, Filmstar, Rhodes-Stipendiat, Armee-Pilot und Studio-Hausmeister der Country-Musik – hatte eine der lächerlich beeindruckendsten Lebensläufe in der Musikgeschichte bereits vorzuweisen, bevor Johnny Cash 1970 zustimmte, „Sunday Morning Coming Down“ aufzunehmen. Während Cash diese Meditation über den physischen und existenziellen Absturz nach einer Samstagabendparty standhaft und entschlossen singt, verleiht Kristofferson dem Song ein viel dunkleres Gefühl, indem er die Texte mit einem deutlich trostlosen Bedauern stöhnt, als ob das einzige, was ihn an diesem Morgen aus dem Bett lockt, das seltsame, insistierende Hi-Hat-Rhythmus ist. Vielleicht kam Johnny einfach besser mit Kater zurecht.
95 Jerry Lee Lewis, „What Made Milwaukee Famous (Has Made a Loser Out of Me)“
Jerry Lee Lewis’ Karriere stagnierte seit Jahren, als der Country-Produzent Eddie Kilroy ihn überredete, in Nashville aufzunehmen. Es war eine Entscheidung, die sich auszahlte. Mit „What Made Milwaukee Famous“ erzielte er seinen größten Hit seit „Great Balls of Fire“ und verkaufte einen der besten Titel-Parentheticals in der Geschichte der Music Row perfekt. Obwohl er später Erfolg mit weiteren düsteren Liedern wie „She Still Comes Around (To Love What’s Left of Me)“, „One Has My Name (The Other Has My Heart)“ und „When He Walks on You (Like You Have Walked on Me)“ hatte, erreichte er nie wieder einen so tiefen Tiefpunkt wie der Typ in diesem Song, der Schlitz-Bier seiner schönen Frau vorzog.
94 John Denver, „Take Me Home, Country Roads“
„Take Me Home, Country Roads“ wurde 2014 zum offiziellen Song des Bundesstaates West Virginia ernannt, etwa 43 Jahre nachdem John Denvers entspannte Stimme und eingängiger Refrain ihn zu einer Hymne der Siebziger machten (er beginnt mit „Almost heaven, West Virginia“). Weder Denver noch der Song hatten etwas mit dem Ort zu tun. Geschrieben von dem aus New England stammenden Bill Danoff, seiner aus Washington D.C. stammenden Partnerin Taffy Nivert und Denver (der aus Roswell, New Mexico, stammte), entstand „Take Me Home…“ während einer Autofahrt von Danoff und Nivert auf der Clopper Road in Maryland, was Danoff an seinen Heimatstaat erinnerte. Aber West Virginia schien besser zum Song zu passen.
93 Maren Morris, „My Church“
Maren Morris’ Debütsingle von 2016 ist ein weltliches Gospel-Juwel, das „heilige Erlösung“ in Open-Highway-Autoradio-Mitsingen findet – eine Vorstellung, die auf den ersten Blick klischeehaft erscheinen mag, mit ihren Erwähnungen von Hank Williams und Johnny Cash. Aber Morris verkauft es wie die hungrige Singer-Songwriterin, die sie war, und das Ergebnis ist bewegend und unwiderstehlich. Co-geschrieben und produziert von ihrem brillanten Polymath-Partner Busbee (der 2019 im Alter von 43 Jahren an einem Glioblastom starb), zeigt der Song sein Talent, Country-Rock zu überdimensionieren, mit seinen abgehackten Drums und AM-Radio-ähnlicher Vokalkompression. Aber es ist seine Partnerin, die den Chor leitet, und es brachte ihr zu Recht einen Grammy ein – für die Beste Country-Solo-Performance – gleich beim ersten Versuch. Und sie hat seitdem nicht nachgelassen.
92 Emmett Miller, „Lovesick Blues“
Offensichtlich wird der Blackface-Aspekt von Emmett Millers Darbietung für immer sein Erbe überschatten, aber Coverversionen von Künstlern wie Little Richard, Etta James, Ryan Adams und LeAnn Rimes halten „Lovesick“ am Leben. Hank Williams lernte nicht alles von Miller, aber der süß singende Minstrel-Performer der 1920er Jahre spielte eine bedeutende Rolle bei der Inspiration des Gründervaters der Country-Musik. Ein paar Jahrzehnte bevor „Lovesick Blues“ 1949 Williams’ erster Nummer-Eins-Hit wurde, war auch Miller und sein melancholisches Jodeln in eine schöne Frau verliebt. Millers Version kommt mit einer gesprochenen Einleitung, in der er erklärt, dass er „jede bekannte Anzeichen dafür hat, in diesem Zustand zu sein“, bevor er den Showtune aus dem Tin Pan Alley Musical „Oh, Ernest“ von 1922 mit ein paar Oktavsprüngen verziert.
91 Vince Gill, „When I Call Your Name“
Ein freundlicher Oklahomaner mit einer engelsgleichen Stimme, Vince Gill hatte als Leadsänger bei Pure Prairie Leagues Top-10-Hit „Let Me Love You Tonight“ von 1980 mit Pop-Erfolg geflirtet. Und obwohl er zu einem der gefragtesten Harmonie-Sänger in Nashville geworden war, verging ein Jahrzehnt, bevor er seinen charakteristischen Country-Hit erzielte, der bei den CMA Awards als Single des Jahres ausgezeichnet wurde und ihm den ersten von 22 Grammys einbrachte. „When I Call Your Name“ ist dunkel und einsam genug mit Gills klagendem Tenor, aber ironischerweise verwandelt Patty Loveless’ eindringliche Harmonie eine einfache Geschichte des Verlassenwerdens in exquisit ausgedrückte Qual.
90 Chris Stapleton, „Tennessee Whiskey“
Einer der großartigen Country-Soul-Auftritte des 21. Jahrhunderts, Chris Stapletons Durchbruchssingle aus „Traveler“, ist ein Lehrstück darüber, wie R&B und Country-Musik Klang und Geist austauschen. David Allan Coe machte den Song 1974 zu einem kleinen Hit, indem er ihn als Honky-Tonk-Weeper darstellte, und George Jones hatte 1983 einen seiner größten späten Hits damit. Aber es war ein noch größerer Hit für Stapleton, der das Arrangement und die Melodie in ein fast spiegelbildliches Abbild von Etta James
89 The Flatlanders, „Dallas“
Die Flatlanders, ein Trio aus Lubbock, Texas, das nie den verdienten Ruhm erlangte, klangen wie – nun, da war Jimmie Dale Gilmores flache, twangige Stimme; das Summen einer singenden Säge; die Texte, die Sutras von psychedelischer Komplexität wie etwas erscheinen ließen, das Oma in ein Kissen gestickt hat. Kleinstadt, aber vor allem sensibel genug, um sich selbst den alltäglichsten Beleidigungen des Lebens im 20. Jahrhundert zu stellen. Die Großstadt stieß sie nicht ab, aber sie machte ihnen Angst. Und doch sind sie im Lied immer das Auge des Sturms: unverändert, unwissend, glücklich, tief durchzuatmen und einfach zuzusehen, wie sich die Show entfaltet. Würde es Sie überraschen, zu erfahren, dass sie wie ein Stein untergingen?
88 Lynn Anderson, „Rose Garden“
Bereits als Teenager-Hitmacherin und fester Bestandteil der Lawrence Welk Show, bevor sie 1970 bei Columbia Records unterschrieb, wusste Lynn Anderson den Wert eines guten Songs zu schätzen: Ihre Mutter Liz schrieb Hits für Merle Haggard und Conway Twitty. Als Anderson Joe Souths Aufnahme seines eigenen „Rose Garden“ hörte, wusste sie, dass sie ihn selbst aufnehmen musste – auch wenn ihr Produzent und damaliger Ehemann Glenn Sutton dagegen war. „Es war ein Männersong, und ich wollte ihn nicht machen, aber sie brachte ihn immer wieder mit“, sagte Sutton. Der Song wurde Andersons erster Nummer-eins-Hit und startete ein Jahrzehnt der Crossover-Hits für weibliche Country-Sängerinnen.
87 The Louvin Brothers, „I Don’t Believe You’ve Met My Baby“
Die in Alabama geborenen Brüder Ira und Charlie Louvin (geboren als Loudermilk) waren bekannt für ihren Close-Harmony-Gesangsstil, eine Technik, die sie als Kinder in ihrer ländlichen Sand Mountain Kirche lernten. Ihre unheimlich perfekten Mischungen – die einen großen Einfluss auf die Everly Brothers, die Byrds und Generationen von Harmonisierern hatten – wurden oft in düsteren, Feuer-und-Schwefel-Country-Liedern verwendet. Aber ihre beste Aufnahme ist eine süße kleine Nummer über die Liebe in Gefahr. Das Arrangement des Duos ist einfach, mit Iras metallischen Mandolinenriffs, die eine Gegenmelodie über Charlies rhythmischer Akustikgitarre liefern. Wie immer sind es ihre Stimmen, die im Mittelpunkt stehen, mit Iras unheimlich hohem Tenor, unterstützt von Charlies solider Melodie. Zum ersten Mal endet eine Geschichte nicht mit einer Kombination aus Mord oder Verdammnis.
86 Linda Martell, „Color Him Father“
Mit einer Karriere, die mit dem Singen von R&B in einer Mädchenband namens Linda Martell and the Anglos begann, wechselte diese unterschätzte Pionierin in den frühen Siebzigern zur Country-Musik mit „Color Him Father“, einem kindlichen Liebesbekenntnis, das Martells beweglichen Dionne-Warwick-Alt über einen Two-Step-Beat und Stahlgitarren-Schleier schweben lässt. Der Song war 1969 ein kleiner Hit. Doch aufgrund von Pech, Managementfehlern und alltäglichem Rassismus/Sexismus in der Branche war Martells markantes Country-Album ihr letztes, obwohl es sich gut in den Charts schlug. Die Sängerin erhielt 2024 verspätete Anerkennung, als Beyoncé sie erwähnte und ihre Perspektive auf die Launen der Musikgenres in Cowboy Carter einbrachte.
85 John Anderson, „Wild and Blue“
Inspiriert von einem Mädchen, das „härter feiern und rocken konnte als jeder, den ich kannte“, schrieb John Scott Sherrill diesen Song während seiner Trennung von seiner Frau. „Wild and Blue“ war der erste Nummer-eins-Hit sowohl für den Sänger John Anderson als auch für Sherrill und erzählt auf wunderschön traurige Weise von einer betrügenden Frau aus der Perspektive ihres gehörnten Mannes. Andersons sirupartiger Singsang und klagender Schrei wird durch das Hill-Country-Harmonisieren seiner Schwester Donna verstärkt. Lloyd Greens Pedal-Steel-Gitarre und die Zwillinge-Geigen malen einen langen, düsteren Abend des Wartens darauf, dass sein Schatz nach Hause kommt, aber am Ende ist die resignierte Vergebung des Sängers kaum ein Grund zur Feier. Die stimmgewaltige Sally Timms gab Andersons Hit von 1982 eine direkte, starke Interpretation, als die britischen Country-Punks The Mekons ihn auf „Curse of the Mekons“ von 1991 coverten.
84 The Judds, „Why Not Me“
„Ich wurde in die Bluegrass-Musik eingeführt ... mit den durchdringenden, klagenden Harmonien, seit ich in Kentucky lebte, und als ich nach Marin County in Kalifornien zog, begann ich, Bonnie Raitt, Karla Bonoff und Emmylou Harris zu hören“, sagte Wynonna Judd 1984 gegenüber Cash Box. „Wir haben irgendwie alles zusammengebracht.“ Nichts brachte es so perfekt zusammen wie der zweite Country-Nummer-eins-Hit der Judds, „Why Not Me“, der die Formel der Judds perfekt einfing. Wynonnas Kombination aus Singer-Songwriter-Offenheit und rustikalen akustischen Instrumenten, mit den unterstützenden Harmonien ihrer Mutter Naomi im Hintergrund, half dabei, den New-Traditionalist-Boom in Nashville Mitte der Achtzigerjahre anzuführen.
83 Hank Williams Jr., „Family Tradition“
Es gibt Persönliches, es gibt Autobiografisches und dann gibt es diesen unglaublichen offenen Brief in Form eines Songs. Hank Jr., der mit acht Jahren auftrat, fünf Jahre nachdem sein Vater gestorben war, hatte sich von seiner Vergangenheit abgewandt und begann Mitte der Siebziger, verstärkt Southern Rock zu spielen. Dies war seine Antwort auf die Nörgeleien langjähriger Country-Puristen. „Warum trinkst du? / Warum rauchst du? / Warum musst du ausleben / Die Lieder, die du geschrieben hast?“, fragt er im sofort einprägsamen Refrain des Songs, übernimmt die Stimme seiner Kritiker und antwortet dann: „Ich trage nur eine alte Familientradition weiter“ in einer Stimme, die die Definition von ausgelassener Geschwätzigkeit ist.
82 Osborne Brothers, „Rocky Top“
Ziehen Sie Ihr leuchtendstes Orange an, heben Sie ein Glas Schnaps und bereiten Sie sich darauf vor, mitzusingen. „Rocky Top“, geschrieben von dem berühmten Songwriting-Duo Felice und Boudleaux Bryant, war ursprünglich nicht als Schlachtruf für die University of Tennessee Volunteers gedacht. Aber seine hemmungslose Feier von „home sweet home“ in East Tennessee inspirierte die „Pride of the Southland“-Marschkapelle der Schule dazu, den Song in den frühen Siebzigern bei Sportveranstaltungen zu spielen. Es ist auch einer von Tennessees zehn Staatssongs und hat seit seiner Veröffentlichung vor fast einem halben Jahrhundert eine Vielzahl von Coverversionen inspiriert. Die Osborne Brothers machten den Song mit ihrer ausgelassenen Bluegrass-Version von 1957 berühmt, und ihr „Rocky Top“ hält immer noch den Gipfel des Berges.
81 John Prine, „Angel From Montgomery“
Als John Prine „Angel“ schrieb, arbeitete er als Postbote in den Vororten von Chicago, skizzierte Ideen während seiner Runde und spielte an Wochenenden bei offenen Bühnen. Zu der Zeit vermischte sich Country mit den deutlich un-countryhaften Klängen von Pop und Soft Rock, aber Prine präsentierte sich als etwas viel Bodenständigeres: ein normaler Typ mit einer einfachen Stimme, der einfache Musik spielt, ohne Schulterpolster. Aber es war sein Gespür für Details – die Fliegen, die um die Spüle summen, das Rodeo-Poster, das eine Frau in einen Tagtraum versetzt, von dem sie weiß, dass er nie erfüllt wird –, das seine Songs leise komplex machte. Country-Musik, dargestellt mit dem geschärften Auge eines Autors.
