Die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten
Das sind die besten Alben des liebenswerten und liebeskummergeplagten Punk-Ablegers.
Bouncing Souls, „Hopeless Romantic“ (1999)
Auf ihrem vierten Album vereinfachten Bouncing Souls den nervösen Antrieb ihrer früheren Werke zu klaren, mitreißenden Songs, die dennoch die raue Ausgelassenheit einer überfüllten Keller-Show einfingen. In dem albernen Mitsing-Song „Bullying the Jukebox“ scheinen die Lieblinge ihrer Heimatstadt New Brunswick in New Jersey ihre eigene Punk-Ethik zu beschreiben, wenn sie davon singen, eine Playlist voller „Songs of punk and songs of joy/Love songs about girls and boys/Songs of metal and English stuff/And some hardcore songs to make us feel tough“ zu erstellen. Als Frontmann Greg Attonito mit Alternative Press über den chantlastigen Klassiker „Ole“ sprach, sagte er: „Der Text ist total albern. Wir haben uns einfach darauf eingelassen. Vielleicht hätte etwas anderes daraus werden können, aber warum sich die Mühe machen? Es ging einfach darum, ‚Ole‘ zu schreien und glücklich zu sein.“ L.G.
Screeching Weasel, „My Brain Hurts“ (1991)
Es gab eine Zeit, lange bevor Green Day berühmt wurde und noch länger bevor Ben Weasel Twitter nutzte, um seine politisch unkorrekten Meinungen zu äußern oder Frauen bei seinen Konzerten zu attackieren, in der man kein Punkkonzert besuchen konnte, ohne mindestens ein Screeching Weasel-Tattoo auf einem Arm im Publikum zu sehen. Es gab auch eine Zeit, in der jeder versuchen wollte, mit der Aggressivität und Geschwindigkeit der Band mitzuhalten, darunter auch Blink-182, die Screeching Weasel in ihren Anfängen coverten.
Der von den Ramones beeinflusste Sound, der später tausende Nachahmer inspirieren sollte, klang nie besser als auf dem dritten Album der Band, „My Brain Hurts“. Weasel ist hier in seiner misanthropischen Höchstform und singt über seltsame Teenager, ein Mädchen, das von den Drogen losgekommen ist, und darüber, wie nette Menschen ihn anwidern, und wirft sogar eine ausgefallene Coverversion von Johnny Nashs „I Can See Clearly Now“ ein. J.D.
Yellowcard, „Ocean Avenue“ (2003)
Es stellte sich heraus, dass Streicher das dringend benötigte letzte Puzzleteil des Pop-Punk waren, wie Yellowcards Violinist Sean Mackin bewies, der Tracks wie „Only One“ und „Twentythree“ mit cineastischer Dramatik versah. Das vierte Album der Band aus Jacksonville, Florida, traf direkt ins jugendliche Herz des Pop-Punk der frühen 2000er Jahre und konzentrierte sich auf die endlosen Nächte und die intensive Schönheit der Teenagerliebe und das ewige Jungbleiben – Themen, die dazu beitrugen, dass die nostalgische, stadiontaugliche Single „Ocean Avenue“ zu einem geschätzten Klassiker wurde. „Es ist lustig, dass gerade ‚Ocean Avenue‘ die Band so richtig ins Rampenlicht gebracht hat“, erinnerte sich Sänger Ryan Key in einem Interview aus dem Jahr 2012. „Der Song hätte es fast nicht auf das Album geschafft, weil ich den Refrain nicht fertig schreiben konnte.“ B.S.
The Undertones, „The Undertones“ (1979)
Nach dem Ende der Pistols im Jahr 1979 rief das London der Clash die Zombies des Todes, und Gang of Four suchten nach dem Schmutz hinter den Tagträumen. Die Undertones lebten zufällig mitten im Nordirlandkonflikt, nur einen Katzensprung über das Meer entfernt, aber stattdessen entschieden sie sich dafür, sonnig und weinerlich zu sein und sich wie echte Bubblegum-Helden sowohl in Vorstadtangst als auch in Pop-Kunstgriffen zu suhlen. „Es war eine positive Möglichkeit, unsere Zeit zu füllen, anstatt uns den Unruhen anzuschließen“, erklärte Gitarrist John O’Neil gegenüber Noisey. „Ich war auch ein sehr naiver, schüchterner Teenager. Ich hatte nicht das Selbstvertrauen, über die politische Situation zu schreiben und ihr gerecht zu werden.“ Stattdessen nahmen sie die Lehren von Phil Spector, dem Brill Building, den „Nuggets“-Compilations und den Ramones auf und sangen mit den straffen New-Wave-Hooks, die ihre Friendzone-Hymnen melancholisch und unterhaltsam zugleich machten, über Liebeskummer („Get Over You“) und sexuelle Frustration („Girls Don’t Like It“) und schlugen damit eine Brücke zwischen Jonathan Richman und den Descendents. Der von Unzufriedenheit geprägte Rocker „Teenage Kicks“ wurde zu einem modernen Klassiker, der von Green Day bis One Direction gecovert wurde. C.R.W.
Saves the Day, „Through Being Cool“ (1999)
Auf ihrem zweiten Album perfektionierten der Singer-Songwriter Chris Conley und der Rest der langjährigen Crew aus Princeton, New Jersey, ihren Pop-Punk-Ansatz, bei dem sie ihr Herz auf der Zunge tragen (oder, wie in „Rocks Tonic Juice Magic“, auf dem Boden). „Wenn man sich die Texte anhört, ist es wie mit einem einsamen Mann, der sich nach etwas mehr sehnt“, erklärte Conley gegenüber Alternative Press im Jahr 2014. „Das Album ist sehr melancholisch, was sich in den folgenden Jahren noch verstärken sollte. Aber die Songs sind alle sehr mitreißend und voller Leben.“ Die Songs reichen von Herzschmerz bis Wut, aber es ist die Art und Weise, wie Conley diese Emotionen miteinander verwebt, die das Album so wirkungsvoll macht: In einem Moment vermisst er seine Ex-Freundin sehr („Holly Hox, Forget Me Nots“), im nächsten attackiert er einen schlechten Freund („Through Being Cool“). P.V.
Pennywise, „Unknown Road“ (1993)
1993 wurden die Pop-Punk-Urgesteine Bad Religion aus Südkalifornien langsam müde und diversifizierten ihren Sound, und es war an einer neuen Generation, die Fackel weiterzutragen. Mit ihrem unverhohlenen sozialen Gewissen und ihrem Talent für schnelle, melodische Ohrwürmer waren Pennywise aus Hermosa Beach die natürlichen Nachfolger. Ihr zweites Album, „Unknown Road“, verkörpert eine bestimmte Art von West-Coast-Pop-Punk der Neunziger, angetrieben von skatefreundlichen, fast thrashigen Riffs und einem klaren, postadoleszenten Optimismus, der direkt von Bad Brains‘ „Positive Mental Attitude“-Ethos abstammt.
Der von den Unruhen in L.A. inspirierte Song „City Is Burning“, der nonkonformistische Titelsong und das nachdenkliche „Dying to Know“ erinnern eindringlich an die ernsthafteste Phase des Pop-Punk, bevor Green Day das Genre in eine albernerere Richtung lenkte. „Für manche mag das pedantisch klingen, als würden wir den Leuten Predigten halten“, erklärte Frontmann Jim Lindberg gegenüber der Los Angeles Times im Jahr 1994. „Obwohl wir ein leichtes Ziel für Zyniker sind, glaube ich nicht, dass es genug Bands gibt, die eine positive Einstellung haben.“ H.S.
The Ergs!, „dorkrockcorkrod“ (2004)
Das Trio The Ergs! aus New Jersey ging mit geringen Erwartungen in die Aufnahmen zu seinem Debütalbum: „Wir dachten einfach: ‚Lasst uns das Ding machen, warum nicht‘“, erzählte Schlagzeuger und Sänger Mike Yannich, alias Mikey Erg, Noisey. „Es gab keinen richtigen Denkprozess, nur: ‚Bands machen Alben, also machen wir auch Alben‘.“ Trotz ihrer lockeren Einstellung schuf die Band ein drängendes, mitreißendes Pop-Punk-Meisterwerk, ein Album, das Lust macht, zu pogen und dabei über Liebeskummer zu schreien.
„I’m in love, I’m in trouble!“, ruft Erg in dem treffend benannten „First Song Side One“, in Anlehnung an die Replacements, und kündigt damit ein 16 Songs umfassendes Album an, das nur 32 Minuten dauert. Dabei berühren Yannich & Co. alles von Hardcore über Hip-Hop bis hin zu Doo-Wop (ganz zu schweigen von Anspielungen auf „Die Simpsons“ und Henry Rollins‘ Buch „Get in the Van“). Aber das Album entfernt sich nie weit von seinen schnellen, melodischen Wurzeln und festigt damit den Kultstatus der Band unter den Pop-Punk-Fans. P.V.
Simple Plan, „No Pads, No Helmets … Just Balls“ (2002)
Der Boom der Teenager-Komödien Ende der 90er und Anfang der 2000er Jahre trug dazu bei, Pop-Punk einem größeren Publikum bekannt zu machen, und die kanadische Band Simple Plan zeichnete sich durch eingängige, mitreißende, süße Melodien aus, die sich wie die großen Szenen anfühlten, die sie in Filmen wie „The New Guy“, „The Hot Chick“ und „Confessions of a Teenage Drama Queen“ begleiteten. Die dramatische Niedergeschlagenheit von „I’m Just a Kid“, die mitreißende Romantik von „I’d Do Anything“ und das düstere Familiendrama von ‚Perfect‘ fingen die für das Genre typische Stimmung der Siebzehnjährigen ein.
„Bis zu meinem Tod verspreche ich, dass ich mich nicht ändern werde, also gib besser auf / Ich möchte nicht aufgefordert werden, erwachsen zu werden“, singt Pierre Bouvier in dem treffend benannten „Grow Up“, einem Song, in dem auch Good Charlotte, Sum-41, Blink-182 und MxPx erwähnt werden. Um den klassischen Pop-Punk-Charakter des Albums zu unterstreichen, holte sich Simple Plan sogar Mark Hoppus von Blink und Joel Madden von Good Charlotte für zwei Songs als Gastsänger. B.S.
Lifetime, „Jersey‘s Best Dancers“ (1997)
Lifetime mischte Hardcore und Pop-Punk, als wäre es das Natürlichste der Welt. „Ich hatte null Selbstwertgefühl und dachte, ich sollte einfach zu Hause bleiben und mir überlegen, wie ich einen Job finde“, erzählte Frontmann Ari Katz 2016 dem Magazin „Noisey“ über diese Zeit.
Doch Katz‘ Ängste verstärkten nur seine poetischen Texte auf „Jersey’s Best Dancers“: „Du saßt auf diesem Stuhl wie eine Königin in der Küche“, singt er in „Turnpike Gates“, „Ich habe mir die Linien gemerkt, die deine Augen bildeten, als du mich jedes Mal schief angesehen hast.“ Ihre Oden an jugendliche Indiskretionen und Keller-Romantik gaben Lifetime’s Heimatstadt New Brunswick, New Jersey, ihr ganz eigenes Underground-Opus. L.G.
Tsunami Bomb, „The Ultimate Escape“ (2002)
„Tsunami Bomb entstand zu einer Zeit, als Punk sehr populär war“, erinnerte sich Sängerin Emily „Agent M“ Whitehurst 2015, „aber die Zahl der Sängerinnen in diesem Genre war ziemlich gering. Wir hoben uns einfach von den anderen ab.“
Rückblickend bleibt die Geschlechterzusammensetzung der Band aus der Bay Area eine Anomalie in diesem Genre, aber noch außergewöhnlicher waren die Songs von Tsunami Bomb selbst: melancholische Wutausbrüche, angetrieben von Whitehursts jazzigen, zuckersüßen Tonfällen. Nach der Veröffentlichung ihrer EP „The Invasion From Within!“ im Jahr 2000 wurden Tsunami Bomb schnell zu einem festen Bestandteil der Warped Tour und veröffentlichten ihr erstes Album „The Ultimate Escape“ auf dem Label Kung Fu Records der Vandals.
Inspiriert vom brutalen Youth-Crew-Sound und der Ethik der Achtzigerjahre, handelt das kraftvolle Debüt von Tsunami Bomb nicht von jugendlicher Leichtsinnigkeit, sondern von den Folgen ihres Absturzes: „Unabhängigkeit beginnt nicht, wenn man von zu Hause auszieht“, singt Whitehurst nüchtern in „Take the Reins“ und ermahnt alternde Punks in „20 Going On“, „das zu sein, was ihr werdet, und nicht das, was ihr wart“. „The Ultimate Escape“ ist ein Schlag ins Gesicht für Boys‘ Clubs, die Trinkkultur und alle Opfer des Peter-Pan-Syndroms. S.E.
