Die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten

10

Misfits, „Walk Among Us“ (1982)

Für manche ging es beim Hardcore um Sozialkritik oder emotionale Entladung, aber Misfits-Frontmann Glenn Danzig wollte einfach nur Spaß haben.

„Die Band hat jetzt mehr Fans, aber wir werden immer noch missverstanden, vor allem von den politischen Punks“, sagte der in New Jersey geborene Sänger 1983 dem Magazin „Flesh and Blood“. „Sie betrachten die Musik als Mittel, um ihre politischen Überzeugungen zu fördern, während wir einfach nur Spaß haben wollen.“ Wenn das das Ziel der Band war, haben Danzig & Co. es nie besser erreicht als auf „Walk Among Us“, einem Album, das aggressive Drei-Akkord-Riffs, Bubblegum-Pop-Hooks (komplett mit „Whoa-oh“-Refrains) und Texte voller B-Horrorfilm-Bilder und magenumdrehender Gewalt miteinander verband. Das rasante Tempo der Songs und die rauen Backing Vocals konnten Danzigs außergewöhnlich geschmeidige, von Elvis inspirierte Stimme nicht übertönen, die selbst den antisozialsten Momenten von „Walk“ – „Skulls“ („Hack the heads off little girls/And put ‚em on my wall“), „Astro Zombies“ („And your face drops in a pile of flesh/And then your heart, heart pounds/Till it pumps in death“) und ‚Hatebreeders‘ („Murder one inborn into your every cell/It’s in your blood and you can’t shake it“) – einen zeitlosen Teenager-Idol-Charme.

Die Blütezeit des Pop-Punk lag noch ein Jahrzehnt in der Zukunft, als sich die Misfits 1983 trennten, aber der Einfluss der Band ist nach wie vor groß: Keine Band dieses Genres, die etwas auf sich hält, kommt ohne ein oder drei Coverversionen von „Walk Among Us“ in ihrem Repertoire aus. „Wir können fast jeden Song der Misfits spielen“, sagte Matt Skiba von Alkaline Trio gegenüber dem „Dallas Observer“. „Ich liebe die Misfits, aber das ist keine Raketenwissenschaft.“ H.S.

9

Paramore, „Riot!“ (2007)

Obwohl die Mehrheit der Pop-Punk-Fans weiblich ist (51 Prozent der Besucher der Warped Tour sind Frauen), war das Genre schon immer eine Welt der weinerlichen Jungs, eine Szene, die sich oft damit beschäftigte, unerwiderte Schwärmereien zu verteufeln. Doch das Aufkommen von Paramore trug dazu bei, das Blatt zu wenden: Die vier Oktaven umfassende Sopranstimme von Frontfrau Hayley Williams erweiterte die Grenzen dessen, was Pop-Punk klingen kann. In ähnlicher Weise stellte die Lead-Single „Misery Business“, eine Hymne über den Diebstahl eines Freundes, die in Arenen gespielt werden kann, die Geschlechterrollen des Genres auf den Kopf. Riot! ist bis heute ein Meilenstein seiner Zeit, nicht nur, weil es dem Pop-Punk die dringend benötigte neue weibliche Energie verlieh, sondern auch, weil die Songs einfach besser waren als das meiste, was Paramores Zeitgenossen zu bieten hatten – und genauso bitter. „Es gab eine Aufregung, von der wir wussten, dass sie anders war als alles, was wir bis dahin erlebt hatten“, sagte Williams über Track 7 von Riot! „Es war ein Moment, wie ein Blitz aus heiterem Himmel.“
M.S.

8

Blink-182, „Dude Ranch“ (1997)

1997 waren Pop-Punk-Fans weitgehend allergisch gegen die Idee von Major-Label-Deals, aber Blink-182 glaubte an ihr Massenmarktpotenzial, bevor der Rest der Welt es tat. Sie unterschrieben bei MCA und machten sich an die Arbeit an ihrem zweiten Album „Dude Ranch“, das noch immer den DIY-Spirit ihrer frühen Veröffentlichungen widerspiegelte. Bassist Mark Hoppus schrieb „Dammit“, die Hymne der Verlierer, die das Album bekannt machen sollte, nachdem er auf einer Akustikgitarre herumgeklimpert hatte, der zwei Saiten fehlten. Dennoch verbargen sich hinter den jugendlichen Anklängen des Albums oft echte Emotionen: „Dick Lips“ ist eine einfühlsame Ode an einen Teenager, der sein Leben vermasselt hat („Remember I’m a kid/I know not what I did“), während ‚Josie‘ ein süßes Lied über eine rücksichtsvolle Freundin ist, die ihrem Freund seinen Burrito zurückholt.

Die entwaffnende Kombination aus Humor und roher Pop-Intelligenz verhalf „Dude Ranch“ zu Platin und ebnete Blink den Weg zum späteren Megastar-Status. Aber die Band verlor nie die hier zum Ausdruck kommende Unbekümmertheit. „Das größte Kompliment ist, wenn ein Kind sagt, wir hätten ihm die Augen für einen neuen Musikstil geöffnet“, erklärte Hoppus später gegenüber Rolling Stone. „Wir sind so etwas wie Fisher-Price: Meine erste Punkband.“ M.S.

7

Generation X, „Generation X“ (1978)

Obwohl Billy Idol seinen größten kommerziellen Erfolg in den Achtzigern hatte, finden sich einige seiner besten Werke auf dem selbstbetitelten Debütalbum der Londoner Punkband Generation X aus dem Jahr 1978. Vollgepackt mit flotten Akkordfolgen, sofort eingängigen Refrains und jeder Menge Streetwise-Attitüde – der typische Idol-Spott war bereits in vollem Gange – wurden Songs wie „Ready Steady Go“, „Youth Youth Youth“ „One Hundred Punks“ und das dramatische „Kiss Me Deadly“ galten damals allgemein als zu poppig und oberflächlich, um ernst genommen zu werden, aber sie sind bemerkenswert gut gealtert. „Wir versuchten, unsere Erfahrungen auf romantische, aber dennoch realistische Weise zu vermitteln, anstatt nur unsere Beschwerden herauszuschreien, wie es damals Mode war“, schrieb Idol in seiner 2015 erschienenen Autobiografie „Dancing With Myself“.

„Diese neue Richtung entfernte uns vom alten Punk und ermöglichte es uns, dessen Aggression und Haltung beizubehalten und uns musikalisch weiterzuentwickeln, indem wir andere, komplexere Emotionen und Gefühle erforschten.“ Dieser Ansatz prägte auch zahlreiche nachfolgende Pop-Punk-Musiker. Billie Joe Armstrong drückte es 1994 gegenüber dem Rolling Stone so aus, als er gefragt wurde, ob er eine Ikone für Twens sei: „Das Einzige, was ich über die Generation X weiß, ist, dass mir ihr erstes Album sehr gut gefallen hat.“ D.E.

6

Buzzcocks, „Singles Going Steady“ (1979)

Buzzcocks wurden im selben Jahr gegründet, in dem Paul McCartney „Silly Love Songs“ sang, und trennten sich zwei Jahre bevor Johnny Rotten erklärte: „Liebe ist zwei Minuten und 52 Sekunden quetschende Geräusche.“ In dieser Zeit erkundeten sie die Gemeinsamkeiten zwischen poppiger Romantik und punkiger Aggression mit einer Reihe kurzer, lustvoller Ausbrüche melodischer Spannung (und übrigens dauert einer ihrer größten Songs überhaupt, „What Do I Get?“, 2:52 Minuten, um maximale Quetschigkeit zu erzielen). Obwohl die Crew aus Manchester, die sich nach einem Sex-Pistols-Konzert gegründet hatte, eine Reihe brillanter Langspielplatten veröffentlichte, erreichte keines ihrer Alben die Compilation „Singles Going Steady“, die die Ursprünge des Pop-Punk anhand von 45er-Singles nachzeichnet und so unterschiedliche Künstler wie The Offspring und Fine Young Cannibals beeinflusst hat. Beginnend mit dem bekennenden, urkomischen „Orgasm Addict“ („Butchers‘ assistants and bellhops/You’ve had them all here and there“) aus dem Jahr 1977 beherrschten sie es, skurrile Hooks mit elektrisierenden Gitarrenriffs zu verbinden.

Nachdem der ursprüngliche Frontmann Howard DeVoto die Band verlassen hatte, um Magazine zu gründen, übernahm Gitarrist Pete Shelley und schrieb einen eingängigen, vernichtenden, sexuell ambivalenten Song nach dem anderen über verwirrte Liebe: „Ever Fallen in Love … (With Someone You Shouldn’t’ve)“, „What Do I Get?“ und ‚Promises‘. Textlich beklagten die Songs, dass das Glück immer unerreichbar ist (im wahrsten Sinne des Wortes im Fall des ausgesprochen funkigen „Why Can’t I Touch It?“). Musikalisch waren sie eine Mischung aus der Melodiosität der Kinks und David Bowie und der Härte der Ramones. „Für mich war es genau das, womit ich in den Sechzigern aufgewachsen war, wie With the Beatles“, sagte Shelley 2015 über seine frühen Songs. „Wir wollten intelligent sein, aber nicht intellektuell. Wir wollten unterhaltsam sein, aber keine Entertainer.“ K.G.

5

Fall Out Boy, „Take This to Your Grave“ (2003)

In den 2000er Jahren wurden Green Day und Blink-182 erwachsen und Pop-Punk war allgegenwärtig, lieferte den Soundtrack zu Teenagerfilmen und füllte Arenen. Das Debüt von Fall Out Boy läutete eine völlig neue, genreübergreifende Szene ein, in der sich harte Riffs und eine Screamo-Ästhetik mit altmodischem Teenager-Herzschmerz vermischten.

Das Album ist voller Sehnsucht, wenn Patrick Stump fragt, wo der Freund eines Mädchens heute Nacht ist, und hofft, dass er ein Gentleman ist („Grand Theft Autumn/Where Is Your Boy“), und in die Zukunft blickt, während er die Freundschaft und die Freiheit des Wochenendes feiert („Saturday“). Das Album, das als Demo begann, sicherte Fall Out Boy die Zukunft, noch bevor ihr zweites Album sie zu ungeahnten Höhen des Rockerfolgs führen sollte. „Bis zu diesem Zeitpunkt in der Geschichte der Band waren wir nur etwas, das wir machten, bevor wir uns dem Druck des echten Lebens beugen mussten“, schrieb Sänger Patrick Stump in einem Blogbeitrag zum 10-jährigen Jubiläum des Albums. „Wir sahen uns als ziemlich coole Ausrede für ein Semester Pause vom College.“ B.S.

4

Descendents, „Milo Goes to College“ (1982)

Stellen Sie sich „Milo Goes to College“ als den Big Bang des Pop-Punk à la „Die Rache der Eierköpfe“ vor. Die klassische Besetzung von Descendents kam Ende der 70er Jahre zusammen, als der Gitarrist Frank Navetta und der Schlagzeuger Bill Stevenson, die sich als Teenager beim Angeln in Hermosa Beach angefreundet hatten, den lokalen Bassisten Tony Lombardo trafen, der bereits über 30 war. Der bebrillte Fan Milo Aukerman, der zum Frontmann wurde, verlieh der Band nicht nur ihre charakteristische melodische Brillanz, sondern auch ihr liebenswertes Nerd-Image. „In meinen ersten Highschool-Jahren habe ich versucht, nicht anders zu sein und nicht verprügelt zu werden, aber dann hat irgendwann ein Schalter umgelegt und ich habe einfach gesagt: ‚Scheiß drauf, es ist mir egal. Ich werde einfach der nerdigste, geekigste Typ sein, der ich sein kann‘“, erinnerte sich Aukerman 2016. Diese Einstellung fand bald Eingang in die frühen Descendents-Hits wie die liebeskranke Hymne „Hope“, den Aufruf zum Ausreißen ‚Catalina‘ und die Cool-Kid-Abrechnung „I’m Not a Loser“, zu denen Lombardo das ironische Meisterwerk „Suburban Home“ mit dem Refrain „I want to be stereotyped/I want to be classified“ beisteuerte.

Obwohl die Band ernsthafte Hardcore-Qualitäten an den Tag legte und mit Black Flag auftrat, machten unverschämte Albernheiten wie „Weinerschnitzel“ (eine rasante Fast-Food-Bestellung, vertont) und „I Like Food“ deutlich, dass sie keine Geduld für theatralische Punk-Angst hatten. Getreu dem Titel ihres Debüts verließ Aukerman die Band tatsächlich, um seine Ausbildung fortzusetzen – bevor er Mitte der Neunzigerjahre für das herausragende „Everything Sucks“ zurückkehrte und seitdem immer wieder mal dabei ist –, aber die für „Milo Goes to College“ typische Mischung aus Albernheit und Sentimentalität wurde zum Vorbild für den Pop-Punk, wie wir ihn kennen. „Sie waren wie die Beach Boys des Punkrock“, sagte Mark Hoppus von Blink-182 gegenüber SiriusXM über ihre Vorfahren. „Der gesamte Punkrock, den ich bis dahin gehört hatte, war sehr wütend und politisch und laut und nicht wirklich mein Ding. … Ich mochte die Melodien und die Harmonien der Descendents sehr; man konnte sie mitsingen. Es ging um Dinge, die mir wichtig waren, wie Essen und Freunde und rumhängen und Mädchen und wütend auf die Eltern sein.“ H.S.

3

The Ramones, „Rocket to Russia“ (1977)

„Die Band wollte unbedingt einen Hit, alle wollten einen Hit“, erzählte der Toningenieur Ed Stasium Music Radar. „Also haben wir beim dritten Album, Rocket To Russia, angefangen, mehr Overdubs zu machen, um den Sound ein bisschen weicher zu machen. Ich erinnere mich, dass Steve Miller erwähnt wurde, als wir einige dieser Songs aufgenommen haben.“

Hinter den Kettensägen-Gitarren, zerrissenen Blue Jeans, halsbrecherischen Tempi und desillusionierten „Ich will nicht“-Attitüden waren die Ramones im Herzen immer eine Popband, Fans von Gesangsgruppen wie den Shangri-Las, den Ronettes und den Crystals. Und „Rocket to Russia“ war vielleicht ihr poppigster Moment. Zumindest war es das aus rein quantitativer Sicht, denn es enthielt die einzigen drei Songs der Band, die es in die Billboard Hot 100 schafften: „Sheena Is a Punk Rocker“, „Rockaway Beach“ und ihre Coverversion von Bobby Freemans „Do You Wanna Dance?“. „Mit diesem Album sind wir zu uns selbst gefunden. Wir hatten ein etwas höheres Budget und nutzten wirklich gute Aufnahmestudios„, erklärte Tommy Ramone The Huffington Post im Jahr 2012. “Zu dieser Zeit war unser Zusammenspiel wirklich gut. Wir dachten, wir wären nur noch einen Schritt vom Erfolg entfernt, wissen Sie, also waren wir sehr enthusiastisch.„ C.R.W.

2

Blink-182, „Enema of the State“ (1999)

Blink-182 bot einer neuen Generation alle Hooks des Teenager-Pop ohne Kitsch – sogar rockige weiße Overalls im Stil der Backstreet Boys im Video zur herausragenden Single „All the Small Things“ aus dem Album „Enema of the State“. „Enema“ war das Album, das die Erfolgsformel von Blink-182 definierte: palm-gemutete Power-Akkorde, nasale Vocals, Ohrwurm-Refrains, das präzise Schlagzeugspiel des damals neu hinzugekommenen Travis Barker und jede Menge jugendliche Lyrik gemischt mit erwachsener Skepsis. Die unverblümten, widersprüchlichen Botschaften des Albums – von R-rated-Tracks wie „Dysentery Gary“ und der Ode an die Unreife „What’s My Age Again?“ bis hin zum düsteren, von Selbstmord thematisierten „Adam’s Song“ – fanden eindeutig Anklang, denn das Album verkaufte sich allein in den USA mehr als 4 Millionen Mal. „Jeder, der eine Band gründet, träumt davon, erfolgreich zu sein“, erklärte Tom DeLonge gegenüber Rolling Stone in der Titelstory über Blink aus dem Jahr 2000, „aber davon träumt man nie.“ M.S.

1

Green Day, „Dookie“ (1994)

Natürlich würde eine Band, die nach einem Tag namens „Dookie“ benannt ist, an dem sie Gras geraucht hat, die Desillusionierung der Jugend perfekt verkörpern und auf ihrem Major-Label-Debüt Mega-Hits über Masturbation (‚Longview‘), Angst („Basket Case“) und das Verlassen der Vorstadt („Welcome to Paradise“) landen. Das dritte Album von Green Day ist ein Pop-Punk-Punch, der straffe Melodien mit einer „Get-bent“-Mentalität perfekt verbindet. Nach den von Grunge dominierten frühen Neunzigern war diese Respektlosigkeit ein Hauch frischer Luft. „Damals gab es viel Gejammer im Rock“, erklärte Billie Joe Armstrong gegenüber Rolling Stone 20 Jahre nach der Veröffentlichung des Albums. „Wir sind von Natur aus extrovertiert. Das kam auch in unseren Songs zum Ausdruck. Wir wussten, dass wir uns in eine Arena voller Bands begaben, die wir nicht mochten.“

Trotz seines Underdog-Charakters war „Dookie“ ein großer Erfolg. Es war das erste Pop-Punk-Album, das bewies, dass der ‚Pop‘-Teil des Subgenre-Labels durchaus zutreffend war, auch weil „Dookie“ ein Album war, das sich direkt an Teenager richtete: entweder an echte Teenager oder an diejenigen, die diese Phase ihres Lebens nie ganz hinter sich gelassen hatten. Die LP brachte eine ganz neue Generation von Punks hervor und ließ das Genre jünger und zugänglicher denn je erscheinen. „Es ist mir völlig egal, ob die Leute mich für unbedeutend halten, weil ich 22 Jahre alt bin“, sagte Armstrong Rolling Stone in einem Interview von 1995. „Das ist großartig. Wir haben eine Generationskluft verursacht.“ B.S.

Dieser Artikel wurde von Kristina Baum aus dem Englischen übersetzt und angepasst. Das Original finden Sie hier.

Mitwirkende: Christopher R. Weingarten, Leor Galil, Hank Shteamer, Brittany Spanos, Suzy Exposito, Maria Sherman, Kory Grow, Dan Epstein, Jason Diamond, Pilot Viruet

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