Die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten

In einem Tweet aus dem Jahr 2016 erklärte Billie Joe Armstrong von Green Day dem Pop-Punk den Krieg. „Ich habe diesen Begriff schon immer abgelehnt“, erklärte er später in Kerrang! „Ich finde, es ist ein Widerspruch in sich. Entweder man ist Punk oder man ist es nicht.“ Aber in gewisser Weise gab es diesen Widerspruch – die Idee einer streng undergroundigen Kunstform mit ernstzunehmender Mainstream-Anziehungskraft – schon immer.

Von den eingängigen Stars der 70er Jahre (The Buzzcocks, The Undertones) über die Hardcore-Helden der 80er (Misfits, Descendents) bis hin zu den Hitmachern der 90er (Green Day, Blink-182) und darüber hinaus haben Punkbands neben ihrer antiautoritären Haltung immer auch großartiges Songwriting gepflegt. Und der Fokus des Punk auf Geschwindigkeit, Prägnanz und dreistimmige Einfachheit passt perfekt zu den Grundwerten des Pop.

Im Laufe der Jahre hat sich das, was wir heute als Pop-Punk kennen, rasant verändert und sich mit der Zeit und den Trends weiterentwickelt. Während New Wave und College Rock, gefolgt von Ska, Rap, Emo und sogar Boyband-Ästhetik ihren Weg in den Mix gefunden haben, ist eines gleich geblieben: Pop-Punk ist für Teenager – oder zumindest für Junggebliebene. Er ist von Natur aus frech, angstbesetzt, selbstironisch und generationsübergreifend. Er ist aber auch zart und romantisch und lebt von nostalgischen, schwärmerischen Szenen erster Lieben, lebensverändernden Küssen und tragischen Liebeskummer. Er ist „The OC“, „One Tree Hill“, die Teenager-Seifenoper des zeitgenössischen Rock. Die frühen Songs von herausragenden Acts wie Blink-182, Simple Plan, Sum-41 und sogar Green Day handelten immer von Entwicklungsstörungen und dem hartnäckigen Wunsch, niemals erwachsen zu werden. Und Fans, die sich 10, 15, 20 Jahre später wieder diesen klassischen Alben zuwenden, haben vielleicht das Gefühl, dass sie nie erwachsen geworden sind – ein Zustand der Glückseligkeit, der sich in „What’s My Age Again?“ widerspiegelt.

„Das gesamte Spektrum menschlicher Erfahrungen, all diese Sehnsüchte und Selbstzweifel, wird in diesen prägenden Jahren perfekt skizziert“, schrieb Amanda Petrusich von The New Yorker 2016 über die Kraft jugendlicher Emotionen, während sie über das Comeback von Blink-182 reflektierte. „Das ist es, was Pop-Punk ausmacht. Seine Rohheit liegt nicht in der Musik, sondern in der berauschenden Neuheit dieser Gefühle.“

Zur Feier dieser langlebigen, leidenschaftlich geliebten Bewegung zählen wir die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten herunter.

50

Discount, „Half-Fiction“ (1997)

Lange bevor sie zu bluesigen Vamp-Acts wie The Kills und The Dead Weather wechselte, war Alison Mosshart während ihrer sechsjährigen Zeit bei Discount als raunende Sopranistin tätig. Die aus Vero Beach stammende Band veröffentlichte eines der ersten Alben des produktiven Labels Fueled By Ramen und war noch nicht einmal mit der Highschool fertig, als sie zu einem festen Bestandteil des Pop-Punk-Erbes Floridas wurde.

Als Nachfolger ihres fulminanten Debüts „Ataxia’s Alright Tonight“ aus dem Jahr 1996 ist „Half Fiction“ ein herrlich schlampiges, bekennendes Opus, das New Found Glory-Gitarrist Chad Gilbert einmal als „größeren Einfluss [auf uns] als sogar der West Coast Punk“ lobte. Geschrieben in der Abenddämmerung ihrer Teenagerzeit – nachdem die Band bereits mit J Church und Less Than Jake auf Tour gewesen war – wurden jangly Songs wie „Clap and Cough“ und „Pocket Bomb“ so zerschnitten, geklebt und zusammengenäht, wie sich ein Aaron-Cometbus-Tour-Zine anhören würde, wenn man es durch ein paar Marshall-Verstärker laufen lassen würde.

Mosshart erzählte Lenny 2016: „Als ich etwa 13 war, dachten die Kids, mit denen ich skatete: ‚Scheiß drauf, lasst uns Instrumente besorgen und eine Band gründen‘, denn das macht man eben, wenn man Skateboarder ist. Als ich 14 war, waren wir bereits auf Tour. Es hörte einfach nicht auf … Ich habe die Welt in sehr jungen Jahren gesehen. Meine Eltern haben ein paar Mal versucht, mich davon abzubringen, aber ich war sehr eigensinnig. Ich sagte einfach: ‚Das ist genau das, was ich tun muss.‘„ S.E.

49

RVIVR, “RVIVR" (2010)

RVIVR erinnern nicht unbedingt an den Sound ihrer Olympiaschwestern Bikini Kill, aber diese wilden feministischen Punks spiegeln den Geist der Riot-Grrrl-Bewegung wider – sie wirken kraftvoll, ohne dabei machistisch zu sein. Die spannungsgeladenen, wechselnden Vocals von Erica Freas und Mattie Jo Canino – von einer weiteren beliebten Pop-Punk-Band, Latterman aus Long Island – liefern mitreißende Refrains über die Suche nach etwas, an das man glauben kann („Alter Freund, halte durch/Wenn schon nichts anderes, dann wenigstens dieser Song“, singt Canino in „Edge of Living“) und die unvermeidlichen Verluste, die das Erwachsenwerden mit sich bringt („Wir müssen uns die Träume ausdenken, die wir verpasst haben, denn nichts im Leben ist für immer“, Freas schreit über einen wütenden Hardcore-Beat in „Grandma“). „Ja, es gibt ein Gefühl der Hoffnungslosigkeit“, sagte Canino Unbelievably Bad Mag über den Sound von RVIVR im Jahr 2017. „Aber es ist ein Pendelschwung mit Momenten der Unbesiegbarkeit.“ M.S.

48

5 Seconds of Summer, „5 Seconds of Summer“ (2014)

Mit ihrem selbstbetitelten Debüt präsentierten sich 5 Seconds of Summer als perfekte Verbindung von Boyband und Rockgruppe – und schafften damit, was so viele Pop-Punk-Acts immer angestrebt, aber nie ganz erreicht haben. Die Lead-Single und naiv-pheromonreiche Teenager-Hymne „She Looks So Perfect“ fasst den cleveren Mix aus One Direction und All Time Low des australischen Quartetts zusammen.

Man kann sich 5SOS als die politisch korrekteren Kinder von Blink-182 vorstellen, als eine der wenigen Bands auf dieser Liste, die aus einer authentischen Teenager-Perspektive über die Probleme der Highschool schreiben („Good Girls“, „Social Casualty“, „End Up Here“ und praktisch jeder andere Track auf „5 Seconds of Summer“). Ihre jugendliche Unbekümmertheit drückt sich in zuckersüßen Melodien, vierstimmigen Harmonien und natürlich ihren traumhaften Haaren aus: Wie Leadgitarrist Michael Clifford in der Coverstory der Band im Rolling Stone mit selbstbewusster Anspielung auf den späteren Pop-Punk scherzte: „Seien wir ehrlich, beim Pop-Punk geht es zur Hälfte nur um die Haare.“ M.S.

47

Joyce Manor, „Never Hungover Again“ (2014)

Joyce Manor verbrachte seine frühen Jahre zwischen frenetischem Punk und Pop, der direkt aus dem Herzen kommt. „Das erste, was wir gemacht haben, war Pop-Punk, weil wir Hardcore sein wollten, und das ist uns gelungen“, erzählte Gitarrist und Sänger Barry Johnson dem Magazin „L.A. Record“, nachdem seine Band ihr drittes Album „Never Hungover Again“ veröffentlicht hatte. „Das hat uns das Selbstvertrauen gegeben, uns mehr auf Pop-Sachen zu konzentrieren, zu denen wir vorher nicht den Mut hatten – wirklich Pop-Songs schreiben zu wollen.“
Record, nachdem seine Band ihr drittes Album „Never Hungover Again“ veröffentlicht hatte. „Das gab uns das Selbstvertrauen, uns mehr auf Pop zu konzentrieren, wozu wir vorher nicht den Mut gehabt hätten – wirklich Pop-Songs zu schreiben, egal ob gut oder schlecht.“ Es war eine gute Entscheidung: „Never Hungover Again“ ist ein gewaltiger Schlag voller Sehnsucht, mit eingängigen, poporientierten Songs, die in effizienten 19 Minuten präsentiert werden. Hier haben Joyce Manor die Ecken und Kanten ihrer Songs geglättet, ihren Melodien Raum zum Atmen gegeben und Platz geschaffen, damit ihre Hooks direkt ins Herz treffen. Johnsons nachdenkliche Stimme und seine einfühlsamen Texte über jugendliche Fehler („Heart Tattoo“) und postadoleszente Unzufriedenheit („Catalina Fight Song“) haben dazu beigetragen, dass „Never Hungover Again“ ein Pop-Punk-Album geworden ist, an dem sogar Leute Freude finden können, die Pop-Punk eigentlich nicht mögen. L.G.

46

Good Charlotte, „Good Charlotte“ (2000)

„Dieser Song ist allen Kindern gewidmet, die in der Sportstunde immer als Letzte ausgewählt wurden“, beginnt „Little Things“, der Eröffnungstrack auf Good Charlottes selbstbetiteltem Album. Die Einleitung ist die These des gesamten Albums: 14 Tracks für die Underdogs, die unpopulären Kinder, für alle, die jemals davon geträumt haben, ihre kleine Heimatstadt zu verlassen.

Good Charlotte ist ein Album, das weiß, dass Teenager Pop-Punk brauchen; die meisten Songs spielen in den Fluren der Highschool, in der sich die vier Freunde kennengelernt haben. Die Songs von Benji und Joel Madden drehen sich um ehrliche Texte wie „Ich weiß, dass ich nicht zu dir und deinen hochnäsigen Freunden passe“ oder „Motiviere mich/Ich will aus diesem Bett raus“. „Als wir unser erstes Album aufgenommen haben, war ich noch in der Highschool“, erinnerte sich Gitarrist Billy Martin einmal an das Album. „Wir waren sehr jung und das Album war einfach.“ P.V.

45

All, „Breaking Things“ (1993)

Nachdem der intelligente Frontmann der Descendents, Milo Aukerman, sich 1987 schließlich entschied, der Wissenschaft den Vorzug vor dem Punk zu geben, änderten die verbleibenden Mitglieder ihren Namen in All – den Titel des letzten Albums der Descendents aus den Achtzigern – und machten weiter. In den folgenden Jahren tourten sie unermüdlich und nahmen mit den talentierten Sängern Dave Smalley und Scott Reynolds Alben auf, hatten jedoch Schwierigkeiten, das Publikum zu begeistern, das ihrem alten Sound verbunden blieb. („Wir alle wissen, dass All die Band ist, die schuldig ist, nicht die Descendents zu sein“, scherzte Schlagzeuger und Songwriter Bill Stevenson 2014 in der Descendents/All-Dokumentation ‚Filmage‘). Musikalisch, wenn auch nicht kommerziell, passte 1987 mit „Breaking Things“ alles zusammen, wo die raue Stimme des neuen Sängers Chad Price einige der aggressivsten Songs, die Stevenson & Co. je geschrieben hatten, perfekt ergänzte.

Auf Tracks wie „Original Me“ und „Right“ kombinierte die Band die rasante Energie und die mitreißenden Melodien der Descendents in Bestform mit kraftvollem Rock. Und auf brutal kathartischen Tracks wie ‚Guilty‘ und „Birthday I.O.U.“ tauschten sie die jugendliche Sehnsucht ihrer alten Band gegen eine dunklere, erwachsenere Art von Herzschmerz ein. Es folgten weitere starke Alben – darunter ein einziges Major-Label-Album, Pummel aus dem Jahr 1995 –, aber Breaking Things bleibt ein Höhepunkt für diese brillante, unterschätzte Band, die im Schatten des Milo-Mythos lebt. H.S.

44

The Distillers, „Sing Sing Death House“ (2002)

Distillers-Frontfrau Brody Dalle war gerade einmal 18 Jahre alt, als sie ein Frauenhaus in Australien verließ, Tim Armstrong von Rancid in den Vereinigten Staaten heiratete und bei seinem Label Hellcat Records unterschrieb. Doch erst 2002 erreichte sie den Status einer globalen Halbgöttin, nachdem ihre Gossenpunk-Ballade „The Young Crazed Peeling“, die von ihrem Aufstieg aus der Armut erzählt, erstmals auf MTV zu hören war – und eine Welle junger Frauen mit Liberty Spikes und einem Durst nach Freiheit inspirierte. „Es sollten mehr Mädchen Rock spielen“, sagte Dalle 2002 gegenüber Safety Pin Girl , „und nicht darüber predigen, dass sie weiblich sind.

Das ist natürlich ein Teil davon, wenn man auf der Bühne steht, aber man muss einfach verdammt hart arbeiten.„ Nur eine so unerschrockene Band wie The Distillers konnte einen Song über die Seneca Falls Convention in “Tony Hawk’s Pro Skater 4„ einschleichen oder in “City of Angels“ Pop-Gold aus den rauen Untiefen von L.A. fördern. Später erklärte sie den Albumtitel in einem Interview für Sink Hole Zine, das 2002 vor einer Toilette in New Haven geführt wurde. „Ich habe eine Dokumentation über das Sing Sing Death House, das Gefängnis, gesehen“, erinnert sie sich. „Der Titel hat mir als Bezug zu einer Person sehr gut gefallen. Wie in Traumdeutungsbüchern steht ein Haus für dich selbst, für deinen Körper. Daher kommt der Titel. Sing Sing Death House ist keine Katharsis, sondern nur eine Darstellung davon, wie man mit Schwierigkeiten umgeht.„ S.E.

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The Ataris, “Blue Skies, Broken Hearts … Next 12 Exits" (1999)

Lange bevor sie die Top 40 knackten, rockten The Ataris in Anderson, Indiana, schauten sich 80er-Jahre-Filme an und schrieben rasante Trennungslieder à la Descendents. Auf „Blue Skies, Broken Hearts … Next 12 Exits“, ihrem zweiten Album, würzen diese Romantiker aus dem Mittleren Westen ihren Teenager-Herzschmerz mit einer Prise Selbstbewusstsein („My Hotel Year“) und positiven Liebesliedern („San Dimas High School Football Rules“). Frontmann Kris Roe wird regelrecht sentimental, als er in dem langsamen Jammer „I Won’t Spend Another Night Alone“ verspricht, für seine Angebetete einen Kwik-E-Mart auszurauben – so gut, dass der Song später auf dem Mainstream-Crossover-Album „So Long, Astoria“ der Band aus dem Jahr 2003 wieder auftauchte.

Was „Blue Skies“ so besonders macht, ist die echte, ungefilterte Sentimentalität seiner Inhalte – Songs, die so kitschig sind, dass man fast die augenrollenden Jugendlichkeiten von „This Is the Last Song I Will Ever Write About a Girl“ vergisst. Wie Roe 11 Jahre später über den Song sagte: „Angst ist nur gut, wenn man 19 ist und voller leerer Ideale. Wenn man 33 ist, zwei Ehen hinter sich hat und versucht, sich selbst zu finden, blickt man zurück und lacht über die Angst.“ S.E.

42

Lagwagon, „Let‘s Talk About Feelings“ (1998)

Wenn NOFXs „Punk in Drublic“ ein lallender Crust-Punk ist, der auf einer Parkbank ohnmächtig geworden ist, dann ist Lagwagons melodisches Punk-Meisterwerk „Let’s Talk About Feelings“ sein sensibler kleiner Bruder, der Vermisstenanzeigen verteilt. Mit Material aus schwarzen Komödien wie „Welcome to the Dollhouse“ und „Swimming with Sharks“ umging Lagwagon weitgehend den Toilettenhumor und den wütenden Sexismus ihrer Skate-Punk-Kollegen und widmete sich düstereren Themen. „Ich werde nicht zusehen, wie du dich umbringst, um zu leben“, singt Joey Cape in „The Gun in Your Hand“; in „Love Story“ kritisiert er einen Narzissten und seufzt: „Drama ist anstrengend, ich bin lieber allein.“ Auf dem gesamten Album ergänzen messerscharfe Metal-Licks und raffinierte Rhythmen Capes trockenen Gesang, eine Mischung, die die kalifornische Band in „May 16“ perfektioniert hat, einem Song, der davon handelt, wie Cape von der Hochzeit eines Freundes ausgeladen wurde. Es sollte der bis heute beliebteste Song der Band werden, der es in „Tony Hawk Pro-Skater 2“ schaffte und „Feelings“ zu einem unverzichtbaren Teil des Fat Wreck Chords-Repertoires machte. „Die Band hatte es wirklich satt, dieses alberne Pop-Image zu haben, das wir anscheinend hatten“, erklärte Cape gegenüber Noisey im Jahr 2014. „Aber ich liebe den Sound von [Feelings]. Ich mag ihn klanglich und er ist auch sehr poppig. Ich mag Popmusik.“ S.E.

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The Wonder Years, „The Greatest Generation“ (2013)

Wonder-Years-Frontmann Dan „Soupy“ Campbell erzählte dem Musikblog Mind Equals Blown, dass die Mitglieder der „Greatest Generation“ Amerikas ihm bewusst gemacht hätten, dass er mutig sein wolle: „Ich habe mein ganzes Leben lang, mein ganzes Leben lang, mich mit Mittelmäßigkeit zufrieden gegeben“, sagte er. „Ich hatte Angst vor Größe, weil ich Angst vor dem Scheitern hatte, und ich versteckte mich hinter allem, was ich konnte.“ Für Campbell und seine Band bedeutete die Überwindung dieser Denkweise, dass sie stolz ihre Kindheit in einem Vorort von Philadelphia und ihre tiefe Zuneigung zum zuckersüßen Pop-Punk ihrer Jugend – die verdichtete Euphorie von Motion City Soundtrack, die melodische Kraft von The Starting Line, die energiegeladenen Hooks von Blink-182 – auf diesem Album aus dem Jahr 2013 zur Schau stellten. Songs wie das mitreißende, kraftvolle „We Could Die Like This“ lassen die Herkunft aus einer Nachbarschaft mit gepflegten Rasenflächen wie ein Ehrenabzeichen erscheinen. L.G.