Die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten
Das sind die besten Alben des liebenswerten und liebeskummergeplagten Punk-Ablegers.
All Time Low, „So Wrong, It‘s Right“ (2007)
All Time Low sind die Könige einer neuen Pop-Punk-Welle – oder die Helden der späten „TRL“-Generation. Angeführt von den albernen Jungs Alex Gaskarth und Jack Barakat wurde die Band aus Maryland zu Ikonen für ihre jugendliche Lebenseinstellung, die sie auf ihrem zweiten Album „So Wrong, It’s Right“ zum Ausdruck brachte: ‚Shameless‘ beschreibt das bittersüße Gefühl, in ein cooles Mädchen verliebt zu sein; „Stay Awake“ ist der Moment, in dem sie endlich in deine Richtung schaut. Das Album als Ganzes schwelgt in der Teenager-Fantasie, eine Nacht, einen Tanz, eine Beziehung für immer andauern zu lassen.
Die Figuren der Songs träumen von „Vegas“ anstelle ihrer üblichen Vorstadt-Treffpunkte oder von „Poppin‘ Champagne“ anstelle von 40er-Drinks auf dem Schulparkplatz. In vielerlei Hinsicht ist der vielfältige Sound des Albums – abgesehen vom unerwarteten „California!“ in „Let It Roll“, der traurigen Akustikballade „Remembering Sunday“ und der ekstatischen Lebhaftigkeit des vierfach mit Platin ausgezeichneten „Dear Maria, Count Me In“ – die perfekte Vorlage für den Pop-Punk der späten 2000er Jahre insgesamt. „Alles, was wir machen, ist ein bisschen seltsam und ein bisschen falsch, aber anscheinend gefällt es allen“, erklärte Gaskarth 2008 gegenüber BuzzNet. M.S.
Good Charlotte, „The Young and the Hopeless“ (2002)
Im Jahr 2002 war Pop-Punk Teil des Mainstreams, und junge Bands verfolgten ungeniert ihr Streben nach Ruhm. „Joel und ich wollten schon immer in einer großen Band sein“, erklärte Benji Madden gegenüber Rock Sound über die Ambitionen der Zwillingsbrüder. „Wir wollten nie eine coole Underground-Band sein, die nur die Elite hört: Wir wollten überall auf der Welt auftreten, für jeden, der uns hören wollte.“ Und genau das taten sie auch, während sie mit Songs wie „Lifestyles of the Rich and Famous“ und „The Anthem“ die elitären Gatekeeper einen Dämpfer verpassten und traditionelle Pop-Punk-Abfertigungen mit leichten Hip-Hop-Breakbeats und Geschichten über zerbrochene Familien, Riot Grrrls und blutige Valentinstage vermischten. B.S.
Bad Religion, „Stranger Than Fiction“ (1994)
Bad Religion wurden 1980 gegründet und waren 1993 bereits die Grand Daddies des SoCal-Pop-Punk, als sie die Punkwelt schockierten, indem sie Epitaph Records – das Label von BR-Gitarrist und Mitbegründer Brett Gurewitz – zugunsten von Atlantic verließen. Doch „Stranger Than Fiction“ (ihr Major-Label-Debüt und insgesamt achtes Album) war in Wirklichkeit eine mitreißende Bestätigung der scheinbar angeborenen Fähigkeit von Bad Religion, messerscharfe melodische Hooks und pointierte Sozialkritik mit einem schlanken und kraftvollen Gitarrensound zu verbinden. „Ich denke, viele unserer treuen Fans fragen sich, ob wir unseren Musikstil ändern werden, um beispielsweise das KROQ-Publikum oder Pearl-Jam-Fans anzusprechen, da wir jetzt bei einem Major-Label sind“, erklärte Gurewitz 1994 gegenüber „The Big Takeover“. „Ich wollte ihnen zeigen, dass dies ein Album ist, hinter dem unsere treuen Fans stehen können, weil es verdammt punkig ist.“ Stranger Than Fiction war das erste und einzige Album von Bad Religion, das Goldstatus erreichte, während ‚Incomplete‘, „The Handshake“,
„Stranger Than Fiction“ und eine selbstbewusste Neuaufnahme von „21st Century (Digital Boy)“ aus dem Album „Against the Grain“ von 1990 gehören bis heute zu den beliebtesten Songs aus dem umfangreichen Repertoire der Band. D.E.
Rancid, „…And Out Come the Wolves“ (1995)
Nach einer erfolgreichen Zeit als sozialkritische Ska-Punk-Helden von Operation Ivy gründeten Tim Armstrong und Matt Freeman 1991 gemeinsam Rancid. Interessanterweise war die Band trotz des Grunge-Booms der 90er Jahre kommerziell sehr erfolgreich; ihr mitreißendes Album „Let’s Go“ aus dem Jahr 1994 stieg in die Billboard 200 auf, nachdem sie von ihren Berkeley-Punk-Kollegen Green Day und ihren Labelkollegen von Epitaph, The Offspring, unterstützt worden waren. Zu ihrer großen Bestürzung löste der plötzliche Markterfolg von Rancid eine Flut von Angeboten großer Plattenlabels aus, darunter auch eines von Madonnas Maverick Records.
„Sie kamen zu unseren Konzerten. … Wir haben sie nicht darum gebeten“, erklärte Gitarrist Lars Frederiksen gegenüber Rolling Stone im Jahr 1995 – und prägte damit den Titel des dritten Albums der Band, …And Out Come the Wolves. Was Rancid an Pop-Ambitionen fehlte, machten sie mit ihrer brillanten Storytelling-Kunst wett. Mit traditionellen Songstrukturen spezialisierten sich Rancid auf Street-Punk-Geschichten aus ihrem realen, turbulenten Leben auf Tour, von der Skinhead-Vignette „Time Bomb“ bis zu „Olympia, WA“, einer Rock-‚n‘-Roll-Elegie auf Armstrongs gescheiterte Beziehung mit Bikini Kill-Schlagzeugerin Tobi Vail. Das 2004 mit Platin ausgezeichnete Album „Out Come the Wolves“ klingt immer noch mehr nach Punk als nach Pop – aber es bleibt ein zeitloser Meilenstein für junge Rebellen aller Generationen. S.E.
Green Day, „American Idiot“ (2004)
Pop-Punk sollte theoretisch nie erwachsen werden, aber mit „American Idiot“ fanden Green Day eine brillante politische Lücke. Als direkte Reaktion auf die Präsidentschaft von George W. Bush schufen die drei Musiker eine eindringliche, drängende Rockoper, die von Wut und Liebe angetrieben war und aus der Perspektive eines niedergeschlagenen jungen Jesus aus der Vorstadt erzählt wurde, der unbedingt seine trostlose Stadt verlassen wollte. „Wir haben alles getan, um die Leute zu verärgern“, erklärte Billie Joe Armstrong gegenüber „Rolling Stone“ im Jahr 2005. Es war ein ambitionierter, anti-pop-punkiger Schritt für die Band, ausufernde, stadiontaugliche Songs mit einer Länge von neun Minuten zu schreiben, die voller Charaktere, Handlungsstränge und einer erschreckenden Reflexion der Realität waren. Aber es funktionierte: „American Idiot“ war das große Comeback der ehemaligen frechen Newcomer. „Ich hatte das Gefühl, dass ich zu alt war, um noch wütend zu sein“, fuhr Armstrong fort. „Es ist attraktiv, ein wütender junger Mann zu sein, aber ein verbitterter alter Kerl zu sein, ist etwas ganz anderes.“ B.S.
Sum-41, „All Killer No Filler“ (2001)
Die kanadische Pop-Punk-Band Sum-41 tauchte in den 2000er Jahren auf, als der Pop-Punk-Markt überfüllt, aber hungrig nach mehr war. Ihr Debütalbum „All Killer No Filler“ war ein sofortiger Erfolg – vor allem dank ihrer Zusammenarbeit mit dem außergewöhnlichen Pop-Punk-Produzenten Jerry Finn, aber auch dank ihres Respekts für das Genre und ihrer Motivation, es weiterzuentwickeln. Während das Album in jugendlicher Unsicherheit („Motivation“) und dem klischeehaften Pop-Punk-Wunsch, aus der Heimatstadt auszubrechen („Crazy Amanda Bunkface“), versinkt, bedient es sich auch Emo-Pop-Hooks, Jahre bevor diese zur Norm wurden (‚Rhythms‘ und „Handle This“). Und wie nur wenige andere Pop-Punk-Acts experimentierte Sum-41 mit Rap, beispielsweise in der Teenager-Angst-Hymne „Fat Lip“, einem Schlachtruf gegen Konformität und gesellschaftlichen Druck. „Weiße Rockbands sind wirklich lahm geworden – sie haben gebrochene Herzen und all diesen Mist. Aber die Hip-Hop-Typen wie DMX sind knallharte Typen mit Stripclubs und Alkohol“, sagte Schlagzeuger Steve Jocz Rolling Stone im Jahr 2001. „Das ist es, was wir machen wollen.“ M.S.
New Found Glory, „New Found Glory“ (2000)
Das selbstbetitelte zweite Album von New Found Glory ist genau das, was man von einer Gruppe babygesichtiger Punks erwartet, die in ihrem Van einen Altar für Britney Spears hatten. Doch abgesehen von ihrer Verehrung für die Diva waren diese Jungs keine Mouseketeers. Die aus der Hardcore-Szene Südfloridas stammende Gruppe ließ sich von den benachbarten Punks Discount und sogar der Metalcore-Band Earth Crisis inspirieren, um explosive Hymnen wie den spritzigen Opener „Better Off Dead“ oder zerbrochene Rock-Bonbons wie die einsame Tourballade „Dressed To Kill“ zu schreiben. Ihre Durchbruchssingle „Hit or Miss“ sollte zum Glücksbringer der Band werden: Der Legende nach nahm Drive-Thru Records die Band unter Vertrag, nachdem NFG-Tourkollegen Midtown den Song der Mitinhaberin Stephanie Reines in einem Schneesturm vorgespielt hatten. Unvergesslich gemacht durch den durchdringenden Triller von Frontmann Jordan Pundik – „Die Nadel auf meinem Plattenspieler ist schon ganz abgenutzt“, singt er.
„Diese Platte läuft seit dem Tag, an dem du mit ihm zusammen bist!“ – Ihr Pop-Melodram war ansteckend. „Es war eine dieser CDs, die nie aus meinem CD-Player kamen“, erklärte Mark Hoppus gegenüber Alternative Press im Jahr 2010. „New Found Glory hatte einfach etwas Besonderes und Einzigartiges.“ Gitarrist Chad Gilbert erklärte gegenüber Chorus.fm: „Als New Found Glory anfing, gab es unser Genre noch nicht wirklich. Es gab Blink und West Coast Punk, die groß waren, aber das war ein anderer Stil. [NFG] und Saves the Day mischten emotionalere Texte mit Punk/Hardcore-Einflüssen. Als wir anfingen, Songs zu schreiben, kam das einfach so. Wir haben nicht lange darüber nachgedacht. Ist das Punk? Ist das nicht Punk? Ist das egal?„ Diese genreübergreifende und dennoch sehr zugängliche Formel sicherte New Found Glory 21 Wochen lang einen Platz in den Billboard 200 und zahlte sich auch auf ihrem Major-Label-Debütalbum “Sticks and Stones„ aus dem Jahr 2002 aus. S.E.
The Offspring, „Smash“ (1994)
Während Green Day die Aushängeschilder des Punk-Booms der Neunziger waren, trugen The Offspring maßgeblich dazu bei, dem Genre einen zusätzlichen Mainstream-Schub zu verleihen. 1994 schaffte das dritte Album der Band aus Orange County, „Smash“, den Sprung in die Top Five der Billboard-Charts und wurde zum bis dato meistverkauften Independent-Album. Die Band landete mehrere Mega-Hits – darunter den eigenwilligen, von Bandenkriminalität inspirierten Song „Come Out and Play“ und die sarkastische Hymne an die Verlierer „Self-Esteem“ –, ohne ihren charakteristischen harten Sound zu verwässern. Natürlich hatte die Pop-Attraktivität der Band ihren Preis: Punk-Puristen schrien Zeter und Mordio, als sie nach der Veröffentlichung von „Smash“ den Durchbruch schafften und bei Columbia unterschrieben. „Ist das nicht ironisch?“, reflektierte Frontmann Dexter Holland gegenüber Rolling Stone zum 20-jährigen Jubiläum des Albums. „Man gründet eine Punkband, weil man sich ausgegrenzt fühlt. Dann wird die Punkband groß und man wird wieder ausgegrenzt.“ B.S.
Jawbreaker, „24 Hour Revenge Therapy“ (1994)
Die Bay Area, Heimat von Größen wie Green Day und Rancid, war in den frühen bis mittleren Neunzigern das Epizentrum des Underground-Punk – und keine Band verkörperte den Geist dieser Zeit und dieses Ortes besser als Jawbreaker.
Ihr drittes Album, „24 Hour Revenge Therapy“, fängt das Gefühl der Rebellion ein, das verschiedene Punk-Fraktionen in Jawbreakers Wahlheimatstadt vereinte. Obwohl das Trio an der NYU gegründet wurde, wagte es 1987 den ambitionierten Schritt nach Kalifornien, wo es genauso begeistert aufgenommen wurde wie jede Band, die in Oakland gegründet wurde. Die Zuhörer mussten nichts über die Szene um den beliebten Non-Profit-Club 924 Gilman Street wissen, um sich mit der Straßenklugheit und melodischen Euphorie des zeitlosen Punk-Kampflieds „Boxcar“ oder dem erlösenden, mitreißenden „Condition Oakland“ identifizieren zu können, das, wie Sänger und Gitarrist Blake Schwarzenbach gegenüber Pitchfork erklärte, das Album zusammenfasste. „Es thematisierte die Einsamkeit und den Kampf, als Künstler in einer rauen Umgebung zu bestehen“, sagte er. „Es steckt viel unmittelbare Wahrheit darin.“ L.G.
NOFX, „Punk in Drublic“ (1994)
Das fünfte Album von NOFX zeigt am besten die Mischung aus derbem Humor und Songwriting-Talent, die die Band seit über drei Jahrzehnten zu einer festen Größe im Pop-Punk gemacht hat. „Für mich war das unser bestes Album“, erklärte Gitarrist El Hefe gegenüber Associated Press im Jahr 2014. „Ich hatte keine Ahnung, dass es sich so gut verkaufen würde. Gold? Das war wahrscheinlich das Letzte, woran wir gedacht haben. Ich dachte: ‚Wow, das ist großartig, aber okay, es ist Punkmusik, und wie viel Geld kann man in der Punkszene wirklich verdienen?‘ Von da an war es wie eine Achterbahnfahrt.“
Angetrieben von Frontmann Fat Mikes schriller Spottstimme und Hefes extravaganten Gitarrenriffs jongliert das Album mit knallhartem Punk, albernem Ska und präzise komponierten Rocksongs über Straßenmusik und den Kampf gegen Nazis. Kim Shattuck von The Muffs hat einen Gastauftritt in „Lori Meyers“, einem Arbeiterlied für das Mädchen von nebenan, das zur Sexarbeiterin wurde. Die raue Melodik von „Punk in Drublic“ in Songs wie ‚Linoleum‘ und „Dig“ verleiht dem Album eine zeitlose Qualität; ihre provokante Anti-PC-Haltung hingegen weniger. Aber auch wenn Pop-Punk im Kern oft peinlich ist, ist dieses schmuddelige Manifest – eine Inspiration für unzählige Bands von Blink-182 bis Lagwagon – ein Klassiker. M.S.
