Die 50 besten Pop-Punk-Alben aller Zeiten
Das sind die besten Alben des liebenswerten und liebeskummergeplagten Punk-Ablegers.
AFI, „The Art of Drowning“ (2000)
Das fünfte Studioalbum von AFI schaffte es in die Billboard 200 und brachte die Band aus der Bay Area mit voller Wucht in den Mainstream. Ihre gotischen Texte und flirrenden NorCal-Rhythmen positionierten sie als fehlendes Bindeglied zwischen den Horror-Punk-Vorfahren Misfits und den Emo-Rebellen My Chemical Romance – am deutlichsten zu spüren in „Days of the Phoenix“, einer Hymne an die „Teenage Death Boys, Teenage Death Girls“, die ihren Lieblingsclub in ihrer Heimatstadt bevölkerten.
Im selben Jahr, nach dem Ausscheiden von Michale Graves aus den Misfits, wurde der androgyne Frontmann Davey Havok als sein Nachfolger entdeckt – doch Havok lehnte ab. Das Timing war perfekt: Nach „Art of Drowning“ stieg die Popularität von AFI in den folgenden Jahren enorm an, insbesondere bei jungen Frauen. „Wenn ich an diese Zeit zurückdenke“, sagte Havok 2017, „erinnere ich mich daran, wie sich das Verhältnis zwischen Männern und Frauen im Publikum veränderte. Früher spielten wir nur vor Männern. Es ist cool, dass es sich in Richtung Frauen verschoben hat … Nach meiner Erfahrung hatten Frauen schon immer den besseren Musikgeschmack.“ S.E.
Green Day, „Kerplunk“ (1991)
„Kerplunk“ ist die reinste Essenz von Green Day: drei freche, lustlose Punks an der Schwelle zu ihren Zwanzigern mit zu viel Energie und einer Reihe von Frustrationen und Leidenschaften, die von einer Aufmerksamkeitsdefizitstörung angetrieben werden. Das Album war der zweite Versuch der Band, ein Album in voller Länge aufzunehmen, und das erste, auf dem Tré Cool am Schlagzeug zu hören war (er schrieb und sang auch den herrlich albernen Rockabilly-Tribut an BDSM, „Dominated Love Slave“). Insgesamt fasst die von Lookout Records veröffentlichte LP zusammen, was Pop-Punk zu einem so einzigartigen Schmelztiegel der Genres macht, indem sie die Härte des klassischen Punk mit der zarten Darbietung und den Themen des College-Rock der späten Achtzigerjahre verbindet.
Im Albumopener „2000 Light Years Away“ sehnt sich Billie Joe Armstrong nach einer Fernbeziehung, während er später in einem halb reflektierenden, von „Der Fänger im Roggen“ inspirierten Song „Who Wrote Holden Caulfield?“ fragt. Passenderweise coverte die Band den Klassiker „My Generation“ von The Who als Bonustrack, um die neue Ära einzuläuten, die Green Day einläuten würde. Larry Livermore, Gründer von Lookout, sagte, er habe Green Day um ein komplettes Album bitten müssen, bevor er „Kerplunk“ zu sehen bekam. „Ich dachte, es würde gut ankommen“, sagte er in einem Interview zum 25-jährigen Jubiläum des Albums. „Tatsächlich war ‚Kerplunk‘ jedoch bereits am Tag seiner Veröffentlichung mit einer Auflage von 10.000 Exemplaren ausverkauft. Zu dieser Zeit war es mit Abstand unser erfolgreichster Start aller Zeiten. Mit Abstand.“ B.S.
The Damned, „Machine Gun Etiquette“ (1979)
Nach ihrer Auflösung im Zuge ihres katastrophalen zweiten Albums (Music for Pleasure, 1977) formierten sich die englischen Punk-Pioniere The Damned 1979 ohne ihren ursprünglichen Gitarristen und Songwriter Brian James neu und lieferten eines der großartigsten (und unwahrscheinlichsten) Comeback-Alben der Rockgeschichte ab. „Jemand meinte, wenn wir ein paar Songs schreiben könnten, würden wir einen Plattenvertrag bekommen“, erinnerte sich Mitbegründer Captain Sensible Anfang des Jahres gegenüber dem Magazin „Rolling Stone“. „Also beschlossen wir, plötzlich Songwriter zu werden. Keiner von uns hatte jemals in seinem Leben einen Song geschrieben.“
Trotz dieser offensichtlichen Behinderung gelang es Sensible (der nahtlos vom Bass zur Gitarre wechselte), Sänger Dave Vanian, Schlagzeuger Rat Scabies und dem neuen Bassisten Algy Ward, „Machine Gun Etiquette“ mit frechen, energiegeladenen Stücken wie „Love Song“, „I Just Can’t Be Happy Today“, „Plan 9 Channel 7“ und „Smash It Up (Part 2)“, die alle Punk, Pop, Psychedelia der Sechziger und Glam der Siebziger zu einer ausgelassenen, lebensbejahenden Vision verschmolzen. „Machine Gun Etiquette“ ist ein Muss für alle, die die melodische Seite des Punk lieben, und hat mehrere Bandgenerationen inspiriert – darunter auch The Offspring, die 1995 eine Coverversion von „Smash It Up“ für den Soundtrack zu „Batman Forever“ aufnahmen. D.E.
MxPx, „Life in General“ (1996)
Mit ihrer ersten Skater-Hymne „Punk Rawk Show“ wurden MxPx zu einer der wenigen christlichen Punkbands, denen der Sprung in die säkulare Welt gelang. Von Anfang an – „Emotion is my middle name“, singt Bassist und Sänger Mike Herrera in ‚Middlename‘ – ist „Life In General“ ein West-Coast-Klassiker, der mädchenverrückten Surf-Pop mit spasmodischen D-Beats verbindet. Herrera huldigt einer Schwärmerei mit süßen Doo-Wop-Träumereien in „Do Your Feet Hurt?“ und beschwört den Kitsch der Soda-Shops der 50er Jahre herauf, während er über eine Walking-Bass-Linie in „Chick Magnet“ scattet.
Doch Schlagzeuger Yuri Ruley und Gitarrist Tom Wisniewski bilden eine beeindruckende Greaser-Gang, die Herreras liebeskranke Buddy-Holly-Possen mit Minor-Threat-artigen Energieausbrüchen kontert. „Das kam sehr stark von einem Kind, das in einer Jugendgruppe war, einen bestimmten Freundeskreis hatte und bestimmte Dinge gelernt hatte“, erklärte Herrera 2008 über das Album. „Ich wusste wohl nicht wirklich viel über die Welt, verstehen Sie? 16 Jahre später wäre es mir unmöglich, so zu schreiben. Die Politik läuft derzeit nicht besonders gut und die Wirtschaft ist in einem schlechten Zustand, aber bei MxPx ging es immer darum, das Blatt zu wenden und in unserem eigenen Leben das zu tun, was wir können, um weiterzumachen.“ S.E.
The Jam, „Snap!“ (1983)
Obwohl er erst 18 Jahre alt war, als The Jam 1977 zum ersten Mal in die Charts kamen, reifte Frontmann Paul Weller schnell als Songwriter und ließ sich von Pete Townshend und Ray Davies bis hin zu den englischen Schriftstellern George Orwell und Colin MacInnes beeinflussen. Brillante Songs wie „Down in the Tube Station at Midnight“, „Going Underground“ und „Town Called Malice“ spiegelten auf eloquente Weise die Frustration und Entfremdung des Arbeiterlebens im Großbritannien der Thatcher-Ära wider. „Wenn ich all diese anderen verdammten Gruppen sehe – all die wirklich betrügerischen Bands, die es gibt –, hält mich das auf dem Boden“, sagte Weller im Mai 1982 gegenüber The Face. „Das hält mich auf dem Boden und lässt mich erkennen, was wir tun sollten – diesen Haufen von Idioten als das bloßstellen, was sie sind.“
Obwohl sich diese Intensität letztendlich als unhaltbar erwies (Weller löste die Band Ende 1982 auf), ist die unglaubliche sechsjährige Karriere der Band mit ihren Singles – von denen viele nicht auf ihren Alben enthalten waren – sind exquisit auf „Snap!“ festgehalten, einer Compilation aus dem Jahr 1983, die die klangvollen Akkorde, pointiert beobachtenden Texte, leidenschaftlichen Refrains zum Mitsingen und die wasserdichte musikalische Attacke präsentiert, die einen enormen Einfluss auf Pop-Punk-Trios wie Green Day und Alkaline Trio haben sollten. D.E.
Jimmy Eat World, „Bleed American“ (2001)
Nach dem vage experimentellen Kultklassiker „Clarity“ stellten sich Jimmy Eat World der Herausforderung, sich zu vereinfachen, und das Ergebnis war „Bleed American“, ein Album, das die Band – und eine neue Welle des Pop-Punk – dem Mainstream näherbrachte. Das Album, das nach dem 11. September 2001 unter dem Titel „Jimmy Eat World“ neu veröffentlicht wurde, ist eine Sammlung eingängiger Hymnen, die sich auf die bewährten Themen des Genres stützen: Entfremdung, Tod, Erwachsenwerden, gefundene und verlorene Liebe und den einfachen Trost, mit seinen Lieblingsbands mitsingen zu können. Und Ende 2001 gab es keinen Song, der unausweichlicher war als die zweite Single des Albums, „The Middle“, die entscheidend dazu beitrug, dass die Band überall zu hören war, von ‚TRL‘-Episoden bis hin zu Taylor Swifts Kopfhörern. „Ich wünschte, jedes Kind, das dieselben Gefühle der Einsamkeit durchmacht, könnte hören, wie Jim Adkins singt“, erklärte Swift, die den Song schließlich zusammen mit Adkins selbst coverte.
Stiff Little Fingers, „Inflammable Material“ (1979)
1979 entwickelte sich der Punk weiter: The Clash veröffentlichten ein Doppelalbum voller Ska-, Reggae- und Rockabilly-Songs, während neue Einflüsse von Dub bis Krautrock in allen Genres zu hören waren. Allein dieser Trend würde „Suspect Device“, den klangvollen, hymnischen Eröffnungstrack von „Inflammable Material“, dem Debütalbum der Band Stiff Little Fingers aus Belfast, aus der Masse herausstechen lassen. Der Track ist aber auch eine Blaupause für den Pop-Punk, der noch kommen sollte. Die Texte wettern gegen ein gleichgültiges System („They put up the wall/On each side, time and prime us/And make sure we get fuck all“), aber unter all der Geschwindigkeit und Wut verbirgt sich eine poppige Melodik, die nicht nur Green Day, sondern auch ihre amerikanischen Vorläufer Hüsker Dü und The Replacements vorwegnimmt. Das Album beeinflusste auch die Mitglieder einer anderen irischen Band: Wie Bono 2007 gegenüber The Guardian erklärte, „ging es mir mehr um Wut, und das ist eigentlich immer noch so. Mein Soundtrack war eher “Alternative Ulster„ von Stiff Little Fingers.“ J.D.
Alkaline Trio, „From Here To Infirmary“ (2001)
Kurz bevor Alkaline Trio ihr drittes Album „From Here to Infirmary“ veröffentlichten, sagte Gitarrist und Sänger Matt Skiba gegenüber „The Chicago Tribune“: „Wir schreiben definitiv gerne Songs über düstere Themen, aber wir sehen das eher als eine Feier der bösen Gedanken, die jedem durch den Kopf gehen.“ Skiba, Bassist und Sänger Daniel Andriano und Schlagzeuger Mike Felumlee (von den lokalen Pop-Punk-Helden Smoking Popes) trafen diesen Sweet Spot auf „From Here to Infirmary“ genau, insbesondere bei „Armageddon“, das Selbstzweifel, romantisches Leid und, ja, das Ende der Welt für einen geschmeidigen, raketenbetriebenen Ausbruch ausnutzt. Der Geschmack von Alkaline Trio für gothic-angehauchte Ästhetik war ebenso ein starker Aufhänger wie ihre eisernen Melodien, und mit „From Here to Infirmary“ gewannen sie neue Fans. Aber so sehr sich das Trio durch seinen Geschmack für das Düstere von allen anderen Pop-Punk-Bands aus den Vororten Chicagos unterschied, so sehr zeigte „From Here to Infirmary“ auch die Stärken des Trios als prägnante Songwriter, die den Puls des Lebens zu spüren wussten. L.G.
The Rezillos, „Can‘t Stand the Rezillos“ (1978)
Aus Edinburgh, Schottland – der Geburtsstätte der Bay City Rollers – mischten die energiegeladenen Rezillos Surfrock, Garage, Glam, Rockabilly und New-Wave-Kostüme zu einer Punkrockband, die sich anfühlt, als hätten die B-52’s mehr Cramps als Chic gehört.
Ihr einziges Studioalbum (bis zu ihrer Reunion 2015), „Can’t Stand the Rezillos“, kombiniert die schmierigen Kindereien der Science-Fiction der 50er Jahre („Flying Saucer Attack“, „2000 A.D.“), die schwindelerregenden Höhen der Beat-Gruppen der Sechziger (Covers von Dave Clark Five und Gerry and the Pacemakers) und die kunstschulgeprägte Skurrilität des Post-Punk der Siebziger (einer der eingängigsten Songs des Albums ist „(My Baby Does) Good Sculptures“).
„Wir kamen alle aus ähnlichen Verhältnissen und trafen uns an einem Ort, der uns in eine ähnliche Richtung lenkte, nämlich etwas zu machen, das sehr rockig war und von vielen künstlerischen Einflüssen aus der Popkultur geprägt und tief im Garagenrock verwurzelt war“, erklärte Co-Sängerin Fay Fife gegenüber Noisey. „Die Leute mochten das damals nicht wirklich, aber uns gefiel es.“ C.R.W.
Operation Ivy, „Operation Ivy“ (1991)
„Jeder hat seine Band“, erklärte Billie Joe Armstrong 2005 gegenüber Spin, „und ich muss sagen, dass Operation Ivy definitiv eine war, die mich verändert hat.“ Der Leadsänger von Green Day war nicht der Einzige, dessen Leben von der Band verändert wurde, zu der auch die späteren Rancid-Mitglieder Tim Armstrong und Matt Freeman gehörten. Ob zum Guten oder zum Schlechten, man kann der Band für den gesamten Ska-Punk-Sound danken, den sie hinterlassen hat. Aber auch für sich genommen pulsiert ihre gesamte Studio-Diskografie mit weniger als 30 Songs (zusammengestellt auf einer selbstbetitelten Compilation von Lookout Records aus dem Jahr 1991) vor jugendlicher Energie, Wut und Dringlichkeit, unterlegt von einem rohen, poppigen Sound, den unzählige Bands zu imitieren versuchten, aber niemand kopieren konnte. Die Band verkörperte die raue East Bay-Szene, aus der Crimpshrine, Mr. T Experience und natürlich Green Day hervorgingen, die auf ihrer zweiten 7-Zoll-Single eine Honky-Tonk-Coverversion von Op Ivys „Knowledge“ aufnahmen. J.D.
