Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
Entdecken Sie die verborgenen Songs der Art-Rock-Ikone Peter Gabriel. Von abgefahrenen B-Seiten bis hin zu ausladenden Soundtrack-Epen
Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
Innovator des Art-Rock, Meister des Soul-Pop, Botschafter der „Weltmusik“: Peter Gabriel hat sich mit jedem Album weiterentwickelt. Und dabei oft einen bequemen Stil aufgegeben, um neues kreatives Terrain zu erschließen. Und ob Peter Gabriel nun seinen gefühlvollen „Sledgehammer“ schwingt oder einen bösen „Intruder“ kanalisiert. Seine Musik zielt immer auf das Grandiose ab. Selbst seine Überbleibsel sind mit Fantasie und Verve gestaltet.
Es ist ein idealer Zeitpunkt, um die weniger bekannten Ecken seiner umfangreichen Diskografie zu erkunden. Von obskuren Soundtrack-Melodien („Party Man“) bis hin zu hymnischen B-Seiten („Don’t Break This Rhythm“). Dies sind 20 großartige Peter-Gabriel-Songs, die nur Hardcore-Fans kennen.
Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
„Humdrum“ (1977)
Gabriels Debüt-Soloalbum ist vor allem für seine triumphale Lead-Single „Solsbury Hill“ bekannt. Ein folkiger Abschied von seinen Genesis-Tagen. Mit „Humdrum“ machte er einen weiteren Schritt nach vorne. Und feierte scheinbar die Geburt seiner ersten Tochter.
„As I drove into the sun/Didn’t dare look where I had begun“, singt er über gewaltige Synthesizer-Wellen. „From the white star/Came the bright scar/Our amoeba/My little liebe schoen.“ Wie der Rest des selbstbetitelten Albums – auch bekannt als Peter Gabriel 1 oder Car – ist „Humdrum“ ein schwindelerregendes Sammelsurium, bei dem der frischgebackene Solokünstler Gabriel Klänge wie Spaghetti an die Wand wirft. Um zu sehen, was haften bleibt. Er singt in einer schrägen Phrasierung über Wurlitzer-Akkorde. Schlängelt sich um den Downbeat herum. Er schreit über Tango-Rhythmen und romantisches Akkordeon. „Hör auf mein Herz“, fleht er. „Ich brauche kein Stethoskop.“
Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
„Exposure“ (1978)
Nachdem er King Crimson 1974 aufgelöst hatte, startete der Gitarrist und Prog-Architekt Robert Fripp eine bizarre Produktionskarriere. Und leitete LPs für das Folktrio The Roches, den Philly-Soul-Handwerker Darryl Hall und den experimentierfreudigen Seelenverwandten Peter Gabriel. Die unheimliche Art-Funk-Klanglandschaft „Exposure“ ist eine gleichberechtigte Zusammenarbeit zwischen den Prog-Rock-Göttern. Mit unterschiedlichen Versionen, die sowohl auf Gabriels selbstbetiteltem Album von 1978 (auch bekannt als Scratch) als auch auf Fripps LP Exposure von 1979 zu hören sind.
Beide Versionen, die auf Tony Levins bellendem Bass und den eisigen „Frippertronics“ aufbauen, zeichnen sich durch die gegensätzlichen Gesangsdarbietungen aus. Terry Roches Slasher-Film-Schreie (in der Fripp-Version) und Gabriels tiefes, in der Tonhöhe verschobenes Stöhnen (in seiner Solo-Version). Um die Verwirrung noch zu verstärken, enthielt „Exposure“ auch eine minimalistische Neuinterpretation von Gabriels Klavierballade „Here Comes the Flood“.
Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
„And Through the Wire“ (1980)
Obwohl „And Through the Wire“ einer von Gabriels zugänglichsten Rocksongs ist, bleibt er fast vier Jahrzehnte nach seiner Veröffentlichung ein obskurer Geheimtipp. Während Melt die 1980er Jahre mit düsteren Synthesizern und minimalistischer Percussion einläutete, bot „Wire“ eine punkige Variante desselben Ansatzes. Mit einem lauten E-Gitarren-Riff, mit freundlicher Genehmigung von Paul Weller von The Jam.
Gabriel lotet hier seine gesamte stimmliche Bandbreite aus. Vom heiseren Aufjaulen bis zum Frosch-im-Hals-Grollen. Aber Marotta, der unterschätzte MVP von Melt, steuert den Track von Anfang bis Ende mit seinen resonanten Tom-Toms und der Cowbell. Allerdings ohne Becken. Gabriel verbot sie während der Sessions und bestand darauf, dass sie den Mix durcheinanderbringen würden. Mit So von 1986 änderte er den Kurs und schloss sich dem Splash-Meister Manu Katche an.
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„The Family and the Fishing Net“ (1982)
„Wir denken, wir sind Inseln. Aber wir sind alle in einer Landmasse verbunden“, sagte Gabriel 2010 zu Mojo. Und dachte über das unbeständige „The Family and the Fishing Net“ aus Security (das Pseudonym eines weiteren selbstbetitelten Albums) von 1982 nach.
„Was man über Wasser sieht, sind zwei Menschen, die heiraten. Aber unter Wasser befinden sich die Tentakel zweier größerer, dominanter Organismen. Nämlich der Familien, die durch diese beiden besonderen Tentakel eine Verbindung herstellen. Aber das beobachten und erkennen wir nie.“
Die unsichtbaren Komplexitäten der Ehe – „das Ritual der Hochzeit, der Ring und der Finger“, wie Gabriel auf der Bühne auf der Plays Live LP sagte – sind der Anker dieses siebenminütigen Mammuts. Der Track brodelt in einem ausgedehnten Aufbau. Ohne echten Refrain. Verankert durch Tony Levins spärlichen Chapman Stick. Dann, endlich, explodiert er: „Another in the mesh!“ schreit Gabriel. „The body and the flesh!“
„The Family and the Fishing Net“ ist ein Lackmustest für Hardcore-Fans. Aber Gabriel hat den Song schon immer geliebt. Und ihn sogar in die Setlist seiner „Back to Front Tour“ aufgenommen. ‚[Das ist einer], den viele Fans nie wirklich mögen werden. Aber ich will ihn spielen‘, sagte er Rolling Stone vor der Tour.
Peter Gabriel: 20 wahnsinnig großartige Songs, die nur Hardcore-Fans kennen
„Soft Dog“ (1982)
Diese B-Seite von „Shock the Monkey“ ist eher eine Klangcollage als ein echter Song. Und enthält einige von Gabriels ungewöhnlichsten Instrumentierungen. Jazzige, dissonante Klarinette, dröhnende E-Gitarre, Theremin-ähnliche Synthie-Einlagen. Es ist schwer, sich „Soft Dog“ als etwas anderes als einen Nicht-Album-Track vorzustellen. Die kurze Glossolalie des Sängers deutet darauf hin, dass er keinen Text festlegen konnte. Die mäandernde Atmosphäre des Stücks hätte den Fokus von Security ins Stocken gebracht. Es ist ein Gabriel-Gekritzel, das zu einem Mosaik verziert wurde.
„I Go Swimming“ (1983)
„I go swimming/Swimming in the water/Swimming in the pool/Swimming is cool“, singt Gabriel in diesem Art-Funk-Lied, das wie ein Seehund über Tony Levins Slap-Bass schlürft. Der Text mag wie ein erster Entwurf wirken. Aber der Groove ist erstklassig. ‚I Go Swimming‘, eines von Gabriels unbeschwertesten Liedern, hat eine verschwommene Hintergrundgeschichte. Ein nicht ganz ausgereifter, illegaler Studio-Outtake geistert seit den frühen Achtzigern herum. Eine überarbeitete Version wurde dem Soundtrack des Dramas Hard to Hold aus dem Jahr 1984 mit Rick Springfield in der Hauptrolle hinzugefügt.
Aber der Song glänzt wirklich als fröhlicher Bühnen-Gaumenspüler, wie der Ausschnitt auf Plays Live von 1983 beweist. In den Liner Notes wird zugegeben, dass durch Studio-Bearbeitung „geschummelt“ wurde. Aber wen kümmert das schon?
„Walk Through the Fire“ (1984)
Damals im Jahr 1984, als Soundtracks noch ein Ereignis mit vielen Stars waren, schmuggelte Gabriel dieses obskure Juwel auf die LP „Against All Odds“. Und „Fire“ klingt genau wie das Produkt seiner Zeit. Verspielter und unmittelbarer als „Security“. Keyboardlastiger und strukturierter als „So“. Mit einer Kombination aus bildhaften Texten, klirrenden Percussion-Elementen und Synthesizer-Horn-Emulationen.
„Die Dunkelheit lastet schwer auf meiner Schulter“, gesteht Gabriel. ‚Rieche den Rauch, der süßlich-süßlich riecht/Der Körper ist schwach, der Schatten ist stark.‘ „Against All Odds“ ist natürlich ein Kraftpaket von Phil Collins, und der Soundtrack enthält auch ein Solo von Mike Rutherford, was das Set für Genesis-Fans unverzichtbar macht. Wer hätte gedacht, dass es eines mittelmäßigen romantischen Thrillers bedarf, um 3/5 der klassischen Besetzung der Band zu vereinen?
„Don’t Break This Rhythm“ (1986)
Peter Gabriel katapultierte sich 1986 mit So in den Pop-Mainstream und verband afrikanische Rhythmen und Soulmelodien mit Art-Rock-Synthesizer-Texturen. Aber „Don’t Break This Rhythm“, seine beste Fusion dieser drei Elemente, schaffte es nicht auf die endgültige Titelliste. Und erschien nur als B-Seite der bläserlastigen Single „Sledgehammer“. Das ist eine eklatante Auslassung. „All diese Impulse dringen immer wieder durch“, schreit Gabriel, während seine Stimme von verzerrten Tasten und gedämpften, polyrhythmischen Tom-Toms abprallt.
„Curtains“ (1987)
Dieses fast instrumentale Stück, die B-Seite der übertrieben pathetischen So Single „Big Time“, erzielt mit gewöhnlichen Mitteln eine immense Wirkung. Ein statischer Kick-Drum-Puls, New-Age-Synthie-Pads und vereinzelte E-Piano-Akkorde.
„Curtains“ ist aus demselben Ambient-Stoff geschnitten wie der So-Closer „We Do What We’re Told (Milgram’s 37)“. Langsam aufbauend bis zu einem spannenden Anti-Höhepunkt. „Es gibt Engel auf unseren Vorhängen/Sie halten das Außen fern“, singt Gabriel. ‚Es gibt Löwen auf unseren Vorhängen/Sie lecken ihre Wunden; sie lecken ihre Zweifel.‘
Eine erweiterte Version, die mit dem Komponisten Jack Wall neu bearbeitet wurde, erschien während einer Übergangssequenz im Videospiel Myst IV: Revelation aus dem Jahr 2004. Aber das Original, mit seiner Weniger-ist-mehr-Melancholie, trifft einen tieferen Nerv.
„Zaar“ (1989)
Drei Jahre nachdem er sich mit „So“ in einen Pop-Schwarm verwandelt hatte, lieferte Gabriel mit „Passion“ von 1989 seinen schärfsten kreativen Curveball. Eine kunstvolle New-Age-Bricolage aus Instrumenten und Inspirationen aus aller Welt. Die mit einem Grammy ausgezeichnete LP, die aus seinem Soundtrack zu Martin Scorseses Die letzte Versuchung Christi entstand, brachte Gabriel mit Musikern aus dem Nahen Osten, Asien und Afrika zusammen.
Das beunruhigende „Zaar“ ist das zugänglichste Beispiel für diesen multikulturellen Ansatz. Der Track, der um einen treibenden ägyptischen Rhythmus herum aufgebaut ist, der böse Geister abwehren soll, verwebt sich mit L. Shankars unheimlicher Doppelgeige, Kamancheh (ein iranisches Streichinstrument) und dichten Percussion-Elementen. Darunter die Surdo (eine brasilianische Basstrommel). Während die berauschenden Texturen von Passion am besten in ihrer Gesamtheit verdaut werden, bleibt „Zaar“ der majestätische, eigenständige Moment des Albums.
„Quiet Steam“ (1992)
Das Original von „Steam“ ist eine wenig überzeugende Neufassung von „Sledgehammer“, die zwar den Soul-Groove des Songs einfängt. Ihn aber durch eine überladene Produktion abschwächt. Die „Quiet“-Version, die als B-Seite der Us-Single „Digging in the Dirt“ veröffentlicht wurde, ist das klangliche Gegenteil. Gabriel reduziert das Arrangement auf einen minimalistischen Kern aus kaum wahrnehmbarer Orgel und E-Gitarren-Pochen. Und flüstert seine Worte fast. Es kommt noch mehr Drama ins Spiel, wenn der Sänger mit bebender Stimme ein „Leben mit dem Traum des Träumers“ preist. Und auf die Hunde hinunterblickt, die an seinen Füßen schnüffeln.
„Lovetown“ (1993)
Gabriel ist einer der theatralischsten Rockmusiker. Von seinen frühen Tagen mit einem Fuchskopf bei Genesis bis hin zu seinen aufwendigen Bühnenbildern während seiner Solo-Tour Us. Daher ist seine Verehrung für die Form des Soundtracks nur angemessen. Das gefühlvolle „Lovetown“ erschien 1993 im Drama Philadelphia. Besser bekannt dafür, dass es Bruce Springsteens Oscar-prämierte Ballade „Streets of Philadelphia“ hervorbrachte. Und wurde später auf Gabriels ironischer „Miss“-CD aus dem Jahr 2003, Hit Collection, begraben.
Aber der Titel, der die gedämpfte Majestät von „Sky Blue“ aus Up vorwegnimmt, war schon immer für ein breiteres Publikum gedacht. Über Tony Levins Gummiband-Bass und David Rhodes‘ rauchiger Tremolo-Gitarre vergleicht Gabriel die romantische Liebe mit einer Stadt mit Mauern. „Im Schatten des anderen/reichen die Wurzeln in den Boden“, schwärmt er in diesem charakteristischen Jammern. „All diese Knoten so fest gebunden/wir könnten uns nicht entwirren.“
„Across the River“ (1994)
Dieses atmosphärische Kraftpaket, eine seltene Zusammenarbeit von Gabriel als Songwriter, wurde gemeinsam mit dem vertrauten Gitarristen David Rhodes, dem Schlagzeuger der Police Stewart Copeland und dem Geiger L. Shankar für die WOMAD-Compilation Music and Rhythm von 1982 geschaffen. Es ist das Markenzeichen des Gabriel der Achtziger. Ein vergessener Vorläufer von „The Rhythm of the Heat“ von Security. Voller ätherischer Synthie-Pads und multikulturellem Bombast.
Aber Gabriel erweckte das Stück auf der Bühne zum Leben. Die kathartische Version, die auf seiner zweiten Live-LP, Secret World Live von 1994, festgehalten wurde, erreicht einen dynamischeren Höhepunkt. Wobei Manu Katches Tom-Tom-Fills einen manischen rhythmischen Schub verleihen.
„Party Man“ (1995)
Diese strukturierte Ballade, die er zusammen mit den World Beaters (der zufälligen Zusammenarbeit von Tori Amos und dem Musikproduzenten George Acogny) geschrieben hat, ist eine von Gabriels obskursten Einzelstücken. Sie ist nur auf dem Soundtrack zum Thriller Virtuosity von 1995 zu hören, einem Virtual-Reality-Flop mit Denzel Washington in der Hauptrolle.
Das ist eine seltsame Endstation für eine so hochkarätige Zusammenarbeit. Aber „Party Man“ ist weit von B-Seiten-Qualität entfernt. Über üppigen Synthesizern und federleichter Nylonsaitengitarre blickt Gabriel von einer „hohen Mauer“ auf die Straßenlaternen hinunter. Die „wie ein Bankett ausgebreitet“ sind. Die Texte wirken unfertig. Aber er singt sie mit roher Angst und stürzt sich im Refrain in ein quietschendes Falsett. Weit entfernt von dem fröhlichen Toben, das der Titel vermuten lässt, zählt „Party Man“ zu Gabriels kathartischsten Titeln der Neunziger.
„The Tower That Ate People“ (2000)
Dieses pulsierende Industrial-Rock-Epos ist das Herzstück von OVO. Gabriels Multimedia-Performance und Soundtrack-LP aus dem Jahr 2000, die eine Fehde zwischen „den Menschen der Erde und den Menschen des Himmels“ thematisiert. „Tower“ ist nach wie vor eines der mitreißendsten Arrangements Gabriels nach S/O, das von verzerrter, funkiger Elektronik zu einer sehnsüchtigen Überlagerung von Gesang mutiert.
Und während das Gesamtkonzept von OVO Unsinn ist, haben die Worte hier eine umfassendere Bedeutung. ‚Sag es, wie es ist/Bis es kein Missverständnis mehr gibt‘, intoniert Gabriel. „Wenn du es ganz zurücknimmst/Mensch-Futtermaschin.; Maschine-Futter-Mensch.“
„My Head Sounds Like That“ (2002)
Während er die Klangpalette für Security entwarf, machte sich Gabriel mit seinem Aufnahmegerät auf den Weg zum Schrottplatz. Er zerschmetterte Fernseher. Atmete in Rohre. Und speiste alle Geräusche in seinen brandneuen Fairlight CMI-Sampler ein. Es war eine ideale Verbindung von Künstler und Instrument. Kein anderer Rocker hat das musikalische Potenzial abstrakter Klänge besser genutzt.
In „My Head Sounds Like That“, dem sich langsam aufbauenden Herzstück der zweiten Seite von Up, meditiert Gabriel über die rohe emotionale Kraft des Lärms. Über eiszeitlichen Klavierakkorden, digitalen Tablas und seufzenden Blechbläsern verwandelt er das Alltägliche – ausgedrückte Schwämme, Öl, das in Soßenpfannen „spuckt“, Messer, die über „verbrannten braunen Toast“ kratzen – in das Kosmische.
„Ich dachte gerade an einen depressiven Zustand. Aber wenn man plötzlich ein geschärftes Bewusstsein für Geräusche hat, ein bisschen wie wenn man sich übergeben muss und plötzlich der Geruch in 3D erscheint. Wenn Sie wissen, was ich mein“„, schrieb Gabriel über den Track. ‚Es wird zu einer Art gesteigerter Erfahrung. Und so habe ich einfach versucht, es mir vorzustellen.“
„Baby Man“ (2004)
Gabriel führte dieses elektro-orchestrale Epos neun Mal während seiner Europatournee 2004 auf. Aber die autorisierte Bootleg-Konzertversion, die in Brüssel aufgenommen wurde, zeigt die Brillanz, die in den weitläufigen Gewölben des Sängers verborgen ist. „Baby Man“, der nicht allzu entfernte Cousin des üppigen Up-Openers ‚Darkness‘ und OVOs beißendem ‚The Tower That Ate People‘, stellt das Organische (Flöte, Geigen) und Synthetische (Synth-Pads, industrielle Programmierung) mit kindlicher Unbekümmertheit gegenüber.
Warum also das Schloss und der Schlüssel? Möglicherweise hat Gabriel, der Perfektionist, nie einen endgültigen Entwurf des Liedtextes fertiggestellt, der an der Grenze zur Niedlichkeit liegt. („Fischmensch, Erdmensch, Raumfahrer, was?/Schau lieber mal nach, was der Baby-Mann hat“, singt er.) Aber Tochter Anna hat 2005 in ihrem Dokumentarfilm Growing Up on Tour: A Family Portrait zwei einminütige Studioausschnitte gezeigt. Was darauf hindeutet, dass dieser Rest vielleicht irgendwann das Licht der Welt erblicken wird.
„Whole Thing“ (2008)
In den Sommern 1991, 1992 und 1995 beherbergte Gabriel etwa 75 Musiker aus mehr als 20 Ländern. Darunter Billy Cobham, Tim Finn, Joseph Arthur, Vernon Reid und Sinéad O’Connor. Alle in seinen idyllischen Real World Studios, wo die multikulturelle Crew mehr Bänder aufnahm, als sie ordnungsgemäß aufbewahren konnte.
Mehr als ein Jahrzehnt – und zahlreiche Schnittsitzungen – später stellte Real World die Ergebnisse auf der LP Big Blue Ball zusammen. Der Höhepunkt ist der Opener „Whole Thing“. Ein verführerischer Wirbel aus E-Gitarrensplittern, pulsierender Elektronik und bearbeiteten Vokalharmonien. „One that I love I dream beside“, singt er im Refrain. Und wechselt nur Augenblicke später zu seinem Falsett. In gewisser Weise ist es schade, dass Gabriel dies nicht rechtzeitig für Up aus dem Jahr 2002 fertiggestellt hat. Es übertrumpft fast die gesamte Titelliste.
„Downside Up“ (2011)
„Downside Up“ entstand als süßes, aber leichtes New-Age-/Pop-Duett auf OVO. Aufgeführt von Elizabeth Fraser von den Cocteau Twins und Paul Buchanan von Blue Nile. Gabriel nahm den Song für seine Up Tour wieder auf und wechselte sich mit seiner Tochter Melanie beim Gesang ab. Und sang auf dem Höhepunkt verkehrt herum.
Aber die definitive Version lieferte er auf New Blood. Einer LP mit orchestralen Neubearbeitungen. John Metcalfes Arrangement – aufgebaut auf sägenden Streichern, kontrapunktischen Blechbläsern und flatternden Flöten – bringt eine instinktive Spannung ein. Eine Dunkelheit, die das Übermaß an Licht des Originals ausgleicht.
„Courage“ (2013)
Als Gabriel für die So-Box-Set-Veröffentlichung 2012 in seinen Archiven stöberte, entdeckte er eine Demoversion dieses fieberhaften Poptitels. In seiner Rohfassung war „Courage“ kaum mehr als eine Präsentation von Tony Levins umwerfendem Funk-Bass. Aber Gabriel und der Gitarrist David Rhodes fügten für die Single-Version von 2013 frische Overdubs hinzu, die mit einem ausgefeilten Tchad-Blake-Mix abgerundet wurden.
„Als So sich dem Ende zuneigte, hatte ich nicht das Gefühl, dass der Song das hielt, was ich mir erhofft hatte. Und beschloss daher, ihn nicht mit aufzunehmen“, schrieb Gabriel auf seiner Website, als er die Veröffentlichung ankündigte. „Als wir das gesamte Material aus dieser Zeit [für das Box-Set] durchgesehen haben, wollten wir einen neuen Blick darauf werfen. Und es fertigstellen. Ich mochte den Track immer und habe das Spielen darauf sehr genossen. Besonders die Energie der Drums.“
Glücklicherweise wirkt der Single-Cut authentisch für die So-Ära. Voller glitzernder Synthesizer und halllastiger Percussion-Tracks. Hätte er es in die Endauswahl geschafft, wenn er 1986 fertiggestellt worden wäre? Wahrscheinlich nicht. Aber selbst diese geringe Wahrscheinlichkeit zeigt Gabriels Beständigkeit in diesem goldenen Zeitalter.
