Die 101 besten Songs von David Bowie

08.01.2020

Die 101 besten Songs von David Bowie

Mit "Heroes", "Space Oddity", "Let's Dance" und "Rebel Rebel". Texte: Maik Brüggemeyer (MB), Sassan Niasseri (SN), Ralf Niemczyk (RN), Fabian Peltsch (FP), Arne Willander (AW) und Sebastian Zabel (SZ).

Die 101 besten Songs von David Bowie

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101. "Zion" aka "Lad In Vain". Bowie gehört zu den Musikern, die sicherstellen, dass ihr bestes Material auf den Alben erscheint, keine B-Seite wird – aber auf jeden Fall veröffentlicht wird. Hier hatte er wohl nicht aufgepasst, denn "Zion" fristet bis heute ein Dasein als Outtake. Das überwiegend instrumentale Stück ist der perfekte Showcase für Mick Ronson, der ohne Bowies Stimme im Nacken zu brachialer Höchstform aufläuft, konterkariert mit einem psychedelischen Motiv, das wie eine Ruhepause wirkt. (aus den "Aladdin Sane"-Sessions, 1973). SN
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100. "Something In The Air." Der Song, eine Art „Hotel California“ des neuen Milleniums, behandelt eine“Good Thing Gone Wrong“-Situation, hier eine Liebe, die gekippt ist. Recht prominent auf Platz zwei des „Hours …“-Albums positioniert, hatte das Stück trotzdem gegen drei starke Singles („Thursday’s Child“, „Survive“ und „Seven“) keine Chance. Christopher Nolan sollte das tragische Gefühl des Lieds erkennen und „Something In The Air“ als Abspann-Lied für sein Drama „Memento“ benutzen. Der Beginn einer Freundschaft zwischen dem Regisseur und Bowie. (aus 'hours …', 1999) SN
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99. "Cracked Actor". Mick Ronson spielt sein schönstes Riff, und Bowie findet sich in der Rolle des paranoiden, drogensüchtigen Schauspielers wieder. Bezeichnenderweise trug die Bowie-auf-Koakin-Doku von 1975 denselben Titel; bei seiner Tournee sang Bowie bei diesem Lied auf der Bühne einem Totenkopf ins Knochengesicht (aus "Aladdin Sane", 1973). SN
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98. "Underground". Wer sich über Bowie lustig machen will, landet früher oder später beim Puppenfilm des Muppet-Machers Jim Henson, in dem der Sänger, hier mit Tina-Turner-Frisur, die Hauptrolle des bösen Goblin-Königs Jareth eingenommen hat. Der „Labyrinth“-Titelsong selbst ist ein reines Vergnügen. Wir sprechen hier schließlich von einer Auftragsarbeit für einen Film, der sich an ein jüngeres Publikum richtet – wieso sollte man da den selbstzerstörerischen Thin White Duke erwarten, oder Ziggy Stardust? Das sechsminütige Lied entwickelt sich mehr und mehr zu einem Gospel, er klingt nach Arbeiten des Produzenten Trevor Horn, verantwortlich aber waren Bowie selbst und Arif Mardin (u.a. Queen). (aus "Labyrinth", 1986). SN
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97. "Survive". Mit dem "'hours' …"-Album zeigte sich Bowie reetrospektiv wenig zufrieden – schon bei der "Heathen"-Tour drie Jahre später schaffte es nur "Survive" noch in die Setlist. Eine schöne, typische Gitarrenballade des Jahres 1999. Titel und Interpret wie füreinander geschaffen (aus '…hours', 1999). SN
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96. "Goodbye, Mr. Ed". Eines der wenigen tatsächlich unprätentiösen Stücke, die aus Bowies selbst auferlegter Rückkehr zu unprätentiösem Rock mit Tin Machine hervorgingen. Die Band hält sich zurück, so dass der jetzt Drei-Tagebart tragende Duke Platz genug findet eine melancholische Melodie zu entwickeln, die, mit surrenden Gitarren unterlegt, fast schon ein Fall für die Alternative-Nation gewesen wäre. Inhaltlich verabschiedet sich Bowie in diesem assoziativen Abgesang von den Vereinigten Staaten, bzw. der Idee, die er seit seiner Jugend von dem an Popkultur so reichen Land in sich trug: Das Fernsehpferd „Mister Ed“ steht für die frühen 60er Jahre, die späten 60er werden repräsentiert durch Andy Warhols Schädel, der als Ausstellungsstück in einer Shopping-Mall in Queens sein Dasein fristet. (aus "Tin Machine II"). FP
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95. "DJ" Enthält mit "I'm Home, Lost my Job, And Incurably Ill" Bowies wohl beste Zeile (dicht gefolgt von "As they pulled you out of the oxygen tent / You asked for the latest party" aus "Diamond Dogs"). Vordergründig soll der Song von David Byrne handeln, eigentlich ist es ein Abgesang auf Disco, und wie lächerlich die Position des DJs, sein Stellenwert, schon Ende der Siebziger war. (aus "Lodger", 1979). SN
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94. "Jump They Say". Obwohl Bowie seit seiner ersten Zusammenarbeit mit Nile Rodgers (der hier erneut an den Reglern saß) nicht mehr so kommerziell klang, ist das von fiebrigen Bläsern begleitete Popstück meilenweit vom Kommerz entfernt: Im Text reflektiert er den Selbstmord seines Halb-Bruders Terry, der an Schizophrenie litt. Das aufwendige Video strotzt vor Arthouse-Zitaten, von Jean-Luc Godard bis Orson Welles. Bowies erster Versuch, sich als Elder-Statesman des Pop zu positionieren, bescherte ihm seine letzte UK-Top-Ten-Platzierung bis zur Comeback-Single „Where Are We Now?“ 2013. (aus "Black Tie White Noise", 1993). FP
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93. "If You Can See Me". Vielleicht das einzige Bowie-Stück, in dem nicht der Meister den Gesang eröffnet (die langjährige Bassistin Gail Ann Dorsey legt vor). Perkussiv treibend, stolpern, sich selbst überholend – so schnell und manisch klang Bowie nicht mehr seit seinem Live-Album "Stage" von 1978. (aus "The Next Day", 2013) SN
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92. "Slip Away". Bowies Tribut an die exzentrische Puppenshow des Komikers Floyd Vivino alias „Uncle Floyd“ (die ihm John Lennon einst empfahl) war eigentlich schon für „Toy“ geplant, das „verlorene Album“ aus dem Jahr 2001, das aufgrund von Verhandlungsschwierigkeiten mit seinem Label nie offiziell erscheinen konnte. Erst ab der Hälfte entfaltet sich die sentimentale Größe des Stückes in einem wehmütigen Refrain. Den alten roten Faden des Weltraum-Drifters wiederaufgreifend singt Bowie „Down in space it's always 1982“ und man hört seiner Stimme an, dass er jetzt nirgendwo lieber wäre als da draußen im All der Erinnerung. (aus "Heathen", 2002)
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91. "Always Crashing In The Same Car". Der Titel spielt auf Bowies Kokain-Paranoia-Episoden an, als er den Wagen eines Dealers mit seinem Auto rammte, weil ER sich in Gefahr gesehen hatte. Auf "Low", dem nicht gerade positiv gestimmtesten Album seiner Karriere, markierte dieses Stück den Tiefpunkt aller Launen. (aus "Low", 1977). SN

Foto: Redferns, Ian Dickson. All rights reserved.
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90. "Seven Years In Tibet". Das vom gleichnamigen Buch des österreichischen Abenteurers Henrich Harrer inspirierte „Seven Years In Tibet“ war zum einen eine Hommage an Bowies frühes Interesse für tibetischen Buddhismus, das soweit ging, dass er in den 60er Jahren sogar in ein Kloster eintreten wollte: „Viele Ideen begleiten mich bis heute“, erklärte er 1997 in einem Interview, „etwa dass wir an einem Punkt unseres Lebens loslassen müssen, auch die Dinge, die uns am meisten bedeuten“. Zum anderen war „Seven Years In Tibet“, das von einem tibetischen Mönch handelt, der angeschossen im Schnee liegt, auch eine Unterstützerbotschaft für die damals hippe „Free-Tibet-Bewegung“: der krachende Industrial-Pop-Song erschien sogar in einer Version auf Mandarin-Chinesisch. (aus "Earthling", 1997). FP
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89. "'Tis A Pity She Was A Whore". Es gibt zwei Aufnahmen, doch die Industrial-Version der "Nothing has Changed"-Best-Of fällt gegenüber der "Blackstar"-Version ab. Das Schlagzeug klingt verstimmt, die Bläser wie überreife Trauben beim Herunterfallen, der Chor wie ein Geist. Positioniert auf der Zwei, direkt nach dem zehnminütigen Titeltrack-Epos; man hört, wie Bowie zu Beginn Luft holt, die Jagd geht weiter. "Man, she punched me like a dude" – was für eine Zeile. (aus "Blackstar", 2016) SN
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88. "Kooks". Mit diesem verspielten, von Neil Young inspirierten Folk-Rock-Stück hieß David Bowie seinen erstgeborenen Sohn Duncan Zowie Haywood Jones in das antiautoritäre Familenumfeld willkommen (nicht ohne ihn darauf hinzuweisen, dass er sich bitte von Schlägern fernhalten solle, weil sein Vater sich nicht besonders eigne, deren Väter aufzumischen). Der später als Regisseur berühmt gewordene Sohn überbrachte der Welt im Januar 2016 auch als erster die Nachricht von David Bowies Tod, zusammen mit einem alten Foto, das ihn auf der Schulter seines Vaters zeigt. Das rührende Kinderlied dürfte nicht wenigen Fans beim Betrachten des Bildes durch den Kopf gegangen sein. (aus "Hunky Dory", 1971). FP
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87. "Valentine's Day". "The Next Day" ist Bowies Musterbeispiel für ein Album, das düstere Botschaften – Krieg, Entwurzelung, Fundamentalismus – mit wunderschönen Melodien paart. Ähnlich faszinierend pervers ist dieses "Valentinstag-Lied". Es handelt davon, wie ein Junge in seine Highschool kommt um Lehrern und Schülern, vor allem den Footballstars, seine Meinung zu sagen. Mit einer Waffe. (aus "The Next Day", 2013). SN
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86. "Sweet Thing". Angeblich ließ Bowie im Studio einen Scheinwerfer auf sich richten, um „Sweet Thing“ mit der angemessenen Grandezza einsingen zu können. Das dritte Stück der eigentlich als Musical geplanten „Diamond Dogs"-Dystopie ist großes Drama. „Will you see that I'm scared and I'm lonely?“ schluchzt Bowie, bevor er im Refrain das Tempo wieder drosselt und den Hörer gefährlich-verführerisch umschleicht. Dazu perlt das Klavier so unheilvoll, als hätten die betrunkenen Matrosen aus „Life On Mars“ endgültig die Herrschaft über die Stadt übernommen. (aus "Diamond Dogs", 1974). FP
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85. "The Wedding Song". Das „Black Tie White Noise“-Album war seiner Frau Iman gewidmet, es gilt als Bowies „Hochzeits-Platte“. Dieses Stück hatte er explizit für die frisch Angetraute geschrieben. Das Ex-Model ist somalischer Abstammung, und der „Wedding Song“ sollte ihren Wurzeln Rechnung tragen – das Saxofon klingt zwar eher orientalisch als afrikanisch, aber die Intention ist klar. Das Lied (es ist als „The Wedding“ auch in einer rein instrumentalen, mit Kirchenglocken eingeleiteten Version auf der Platte enthalten) würde tatsächlich gut als Ankündigung des Brautpaars funktionieren. Ein wippender Bass, der Blue Eyed Soul, das Paar schreitet, je mehr Instrumente dazukommen, die Treppen der Kapelle hinab, Bowie singt dazu: „Heaven is smiling down, heaven’s girl in a wedding gown / I’m gonna be so good, just like a good boy should / I’m gonna change my ways / Angel for life“. Ein deutlicheres, öffentliches Bekenntnis zu einem anderen Menschen dürfte Bowie tatsächlich nie gegeben haben. (aus "Black Tie White Noise", 1993) SN

Foto: WireImage, Ron Galella. All rights reserved.
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84. "I Can't Read". Der Song vom Tin-Machine-Debüt entfaltet seine Magie erst richtig in der vom Trockenrock bereinigten Version, die Bowie 1997 für den Soundtrack von Ang Lees „The Ice Storm“ aufgenommen hat. Zu zerbrechlicher Akustikgitarre seufzt Bowie Zeilen voll Stagnation. „Wenn Jobs schief gehen, dein Zuhause sich nicht mehr warm anfühlt und du niemanden mehr brauchst – ja nicht mal mehr so tust, als ob – endest du in diesem Zustand“, beschrieb er die Stimmung des lebensmüden Stückes. Im dazugehörigen Video ließ er sein fahles Gesicht in den Raum projizieren, ein Entfremdungs-Effekt, den er im Clip zu „Where Are We Now?“ wieder aufgreifen sollte. (aus "The Ice Storm" OST, 1997) FP
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83. "Weeping Wall". Stakkato-Töne, die tatsächlich so klingen, als würde man Schicht für Schicht eine Mauer errichten. Depeche Mode haben sich, während ihrer „Black Celebration“-Phase von 1986, stark hieran orientiert. (aus "Low", 1977). SN

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82. "Dancing Out In Space". Das Weltall war für Bowie meist etwas Mysteriöses, Todbringendes ("Space Oddity") oder eben Aufenthaltsort für Außerirdische ("Starman"). Hier bespricht der Sänger eher die Vorzüge der Atmosphärenlosigkeit des Weltraums; dem schönen Gefühl, alle viere von sich zu strecken. Ein beschwingter Soulpop, der im 21-Song-Reigen der Platte ungerechterweise unterging. (aus "The Next Day", 2013). SN
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81. "African Night Flight". Eine Reise nach Kenia inspirierte Bowie zu diesem Stück Weltmusik, das nicht als kulturverbindender Exotismus, sondern als paranoider Fieber-Ritt daherkommt. „Bent on a windfall rent a Sony/ Wonder how the dollar went down“ poltert der dürre Duke und klingt dabei wie ein psychotisch schielender Containerschiff-Kapitän, der glorreichen Kolonialzeiten nachtrauert. Auf „Life In The Bush Of Ghosts“ nahmen Brian Eno und David Byrne den Faden wieder auf. (aus "Lodger", 1979) FP
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80. "Nite Flights". Mit dem Look des gelackten Geschäftsmannes und der Pop-Politur von Nile Rodgers verlieh Bowie dem düsteren Walker-Brothers-Stück von 1978 eine neue Dynamik. In endlosen Kreisen halten die synthetischen Beat-Loops den Song in Bewegung, das Keyboard blinkt hypnotisch wie Leuchtsignale auf einer Landebahn. Tatsächlich der perfekte Soundtrack für einen nächtlichen Flug, wenn Aufregung und Anonymität einen über die Welt erheben – umso mehr, wenn man dabei einen gut geschnittenen Anzug trägt. (aus "Black Tie White Noise", 1979). FP
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79. "Beat Of Your Drum". Songs der Siebziger, „Blackout“ etwa oder „Stay“, gelten als jenes Vorzeigematerial, das Bowies damaligen Kontrollverlust und seine Bindungsunfähigkeit am besten dokumentiert. Auch wenn der Sänger 1987 längst als clean galt – hier zeigt er sich noch ein letztes Mal völlig derangiert, mit einigen der besten Zeilen seines Jahrzehnts: „Photograph king, watches you go / Fashions may change, heaven knows / but you still leave a stain on me / Supplement queen / your colours may fade / Seasons may change, weather blows, but you still leave a mark on me“. Nur zweimal liegt er leicht daneben. „I Like To Beat On You Drum“ ist als Wortspiel für Sex ähnlich schlimm wie das damals von allen benutzte „I Like To Blow Your Horn“. An anderer Stelle bezeichnet Bowie die Meute als „Disco Brats“. So redet der Onkel, wenn er nachts aus dem Fenster auf eine laute Straße schaut. (aus "Never Let Me Down", 1987). SN

Foto: WireImage, L. Busacca. All rights reserved.
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78. "Moss Garden". Bowie und Eno in Meditationshaltung: Inmitten der grauen Großtstadtverzweiflung von „Heroes“ wirkt das auf einer Koto gezupfte Instrumental wie ein allem irdischen entrückter Spaziergang durch ein Zen-Gärtchen. Drei Jahre später legte der Kabuki-und Yukio-Mishima-Verehrer Bowie für den japanischen Markt einen ätherischen Nachfolger namens „Crystal Japan“ nach. Und warb in einem Werbespot für Sake. (aus "Heroes", 1977). FP
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77. "Amazing". Mit seinem Bandprojekt Tin Machine wollte Bowie back to basics gehen: Ein Quartett formieren, losrocken wie einst mit den Spiders from Mars. Dazu ließ er sich auch einen Bart stehen. Als größten Einfluss nannte Bowie die Pixies, deren überfallartigen, kurzen Songs die Musikwelt aufmischten. Am Ende sollten „Tin Machine I“ und „Tin Machine II“ (1991) zu den unbeliebtesten Alben des Musikers zählen. Nicht ganz zu Recht, denn der damals 42-Jährige nahm sich auf beiden Platten viele Freiheiten, die er sich unter eigenem Namen selten gönnte. Dazu zählt auch diese Ballade, das beste Stück aus der kurzen Karriere von Tin Machine. (aus "Tin Machine", 1989). SN

Foto: Redferns, Rob Verhorst. All rights reserved.
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76. "Teenage Wildlife". Das längste Stück seit „Station To Station“ kam wie eine schwelgerische, ausufernde Version von „Heroes“ daher, die sich nicht für ein Tempo, ja nicht einmal für einen Refrain entscheiden wollte. Während Bowie für das Video von „Ashes To Ashes“ junge Verehrer aus der New-Romantics-Szene als Statisten verpflichtete, verpasste er hier Adepten wie Gary Numan eine aristokratische Ohrfeige mit dem Fehdehandschuh: „A broken nosed mogul are you/ One of the new wave boys/ Same old thing in brand new drag/ As ugly as a teenage millionaire“. (aus "Scary Monsters (and Super Creeps), 1980). FP

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75. "Zeroes". Keine Fortsetzung, auch keine Verballhornung seines berühmtesten Songs, „Heroes“, aber auch dieses Stück widmet sich den Losern. Eingeleitet wird es ausgerechnet mit Publikumsapplaus, im Folgenden lässt sich Bowie über Science Fiction aus, die ihn in den 1980ern faszinierte, vor allem Science Fiction und Gewalt. „You’ve arrived in the land of a thousand different names / And the fabulous sons have crashed their planes in flames / Now tomorrow is back claiming redemption is on your heels /And a toothless past is asking you how it feels“. Perfektes Setting für seine futuristische „Glass Spider“-Tour. Bemerkenswert auch der Namecheck für den ihn längst überholenden Konkurrenten Prince („And me, my little red corvette has driven by“). Der wiederum sollte ein Jahr später in seinen Song „Glam Slam“ eine Hommage an Bowies Figur des Ziggy Stardust einbauen: „Glam Slam, thank you, M’am.“ (aus "Never Let Me Down", 1987). SN

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David Bowie im Video zu „Lazarus“

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73. "Right". Als "Plastic Soul" verkaufte Bowie "Young Americans" in einem seltenen Fall von Unsicherheit unter Wert. Dieser in der Mitte der Platte zentrierte, zurückhaltende Soul-Song war das Herzstück. Nie sang Bowie im Chor mit anderen besser, die Akzentuierungen, die Silben, die Einsätze und Pausierungen der vier Stimmen sind wahnsinnig schön (aus "Young Americans", 1975). SN

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72. "Little Wonder". Bowie entdeckt auf „Earthling“ Drum n’ Bass und saugt für seine Videos die Psychokiller-Keller-Ästhetik von Trent Reznor und Marilyn Manson in sich auf. Unter der endzeitlichen Dissonanz folgte der damals 50-Jährige zum Glück weiter seinem Gespür für Melodien. „Little Wonder“ ist ein luftig kesselndes Jungle-Pop-Stück, dem es gelang, die Untergrundmusik in die oberen Chartsregionen zu katapultieren. Nur der Anschluss an die hippe Jugend muss mit Kinnbart, barocken Gewändern und Augenklappe als gescheitert betrachtet werden - sogar Thomas Gottschalk suchte in einer Sendung von „Wetten Dass...?“den Schulterschluss: „Es beruhigt mich, dass es noch andere Männer um die 50 gibt, die nicht in grauem Anzug und Krawatte daherkommen“. (aus "Earthling", 1997). FP
$71. 'A New Career In A New Town'. Das Uptempo-Instrumental wurde noch auf die erste 'Low'-Plattenseite verfrachtet, es passt$

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71. "A New Career In A New Town". Das Uptempo-Instrumental wurde noch auf die erste "Low"-Plattenseite verfrachtet, es passte nicht zu den elegischen, schwarzen Terror-Szenarien von Seite B. Hier geht es wortwörtlich darum, dass Bowie, der von Los Angeles nach Europa zog, über eine "neue Karriere" nachdachte. Die Mundharmonika, die den neuen Kontinent so toll erschließt, taucht auch im letzten Stück des Sängers, das kurz vor seinem Tod erschien, wieder auf: "I Can't Give Everything Away". (aus "Low", 1977). SN

Foto: Getty Images, Richard McCaffrey. All rights reserved.
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70. "Little Bombardier". Als freundlich klingender Walzer getarnt, erzählt Bowie meisterhaft in nur vier Strophen die brutale Geschichte eines Kriegsheimkehrers, für den in der Gesellschaft kein Platz mehr ist. Er freundet sich mit Kindern an, das wird missverstanden, er wird festgenommen. (aus: "David Bowie", 1967). SN
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69. "The Buddha Of Suburbia". "Screaming along in South London / Vicious but ready to learn /Sometimes I fear that the whole world is queer". Das bessere Bowie-Album von 1993 war nicht "Black Tie White Noise", sondern der Soundtrack zu Hanif Kureishis "Buddha Of Suburbia". In diesem schwelgerischem Lied erzählt Bowie von seiner Adoleszenz, und wie es ist, sich anders zu fühlen. Eines seiner wenigen biografischen Lieder in den Neunzigern (aus: "Buddha Of Suburbia", 1993). SN
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68. "Try Some, Buy Some". George Harrison verstarb 2001, sein Weggefährte Bowie zollte ihm mit dieser Coverversion Tribut. Der Ex-Beatle sang über das Drama des Hedonismus, Bowies bombastische Fassung betont nur, in welchem akustischen Breitwandformat Harrison schon 1973 gedacht hatte. (aus: "Reality", 2003). SN
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67. "Miracle Goodnight". Das gesamte Album war der frisch angetrauten Iman gewidmet. Diese Single, ein herrliches Gebräu aus verschiedenen Funk-Rhythmen, Piano-woosh, Bläsern und Reeves Gabrels betrunken klingendem Kurz-Gitarrensolo, ist Bowies vielleicht deutlichste Liebeserklärung an einen anderen Menschen, neben "Kooks" von 1971. (aus: "Black Tie White Noise", 1993). SN
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66. "Under The God". Schwer beeindruckt von den Klangattacken der Newcomer Pixies und mit dem Wunsch, zu einer echten Bandformation wie einst die Spiders from Mars zurückzukehren, gründete Bowie das Rock-Quartett Tin Machine. Diese erste gemeinsame Single, vielleicht das härteste Stück in der langen Karriere des Briten, dreht sich um Rassenunruhen in seiner Heimat ("Beating on blacks with a baseball bat / Racism back in rule / White trash picking up Nazi flags"). Der Refrain hat bis heute nichts an Kraft eingebüßt. (aus: "Tin Machine I"), 1989). SN
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65. "Don't Look Down". Das Original erschien 1979 auf Iggy Pops Platte „New Values“ und ist eine Co-Komposition mit Stooges-Gitarrist James Williamson. Aus dem launigen Blues-Schunkler macht Bowie einen enthusiastischer intonierten, dennoch trauriger klingenden Reggae-Pop; abgestimmt mit dem Titeltrack „Tonight“, auch eine Art Reggae light, den Skank machen hier die Keyboards. Bowie stiehlt mit Coverversionen den Originalen oft die Show, als wolle er das letzte Wort haben. Beste Beispiele sind „Kingdom Come“, 1980 nur ein Jahr nach Tom Verlaines Lied veröffentlicht, oder „Criminal World“ (siehe oben). In „Don’t Look Down“ erzählt Bowie nun die Geschichte eines Spaziergängers in New York, der das Grab von Rudolph Valentino aufsucht. (aus: "Tonight", 1984). SN
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64. "Thursday's Child". Im Clip verjüngt sich Bowie vor dem Badezimmerspiegel und verfällt schließlich dem ebenfalls verjüngten Ich seiner Video-Ehefrau. Der Flirt mit der Jugend und ihren Subkulturen war mit dem Album „Hours…“ aber endgültig vorbei. Bowie schien in gewisser Weise angekommen zu sein, angekommen bei zeitloser und selbstgewisser Popmusik auf hohem Niveau. (aus "Hours …", 1999) FP
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63. "So She". Versteckt auf der Bonus-Version von "The Next Day", besticht dieser nur zweieinhalbminütige Gitarrenpop mit einer der besten Melodien, die Bowie in den vergangenen zwei Jahrzehnten eingefallen ist. Vielleicht auch ein später Beitrag zum Brit-Pop, den der Sänger in den Neunzigern für sich ignorierte. (aus: "The Next Day", 2013). SN
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62. "Shining Star (Makin' My Love)". In den von Bowie-Fans ungeliebten Achtzigern konnte es halt auch passieren, dass jemand wie Mickey Rourke in einem Lied rappt, so wie hier. Unverständlich, dass dieses – von Bowie wie im Wahn gesungenes – Lied über Straßengewalt nicht als Single ausgekoppelt wurde, es hätte "Never Let Me Down" eine ganz andere Wahrnehmung beschert. (aus "Never Let Me Down", 1987). SN
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61. "Move On". Reisefieber und Fernweh-Hymne auf einem Album voller Sperrgepäck: „Move on“ war eines der eingängigeren Stücke von „Lodger“, die darin verwendete rückwärts gespielte Melodie von „All The Young Dudes“ ließ einen dennoch mit einem seltsamen Gefühl von Jetlag und Seekrankheit zurück. (aus "Lodger", 1979) FP
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60. "Blackout". "If you don't stay tonight / I will take that plane tonight". Auf dem sehr kühl und überwiegend kontrolliert gehaltenem "Heroes"-Album ein Moment des Verlusts an Selbstkontrolle, Bowies Text über "Japanese influence" und "rotting wine from your hands" ein Beispiel für seine Cut-and-paste-Methde. (aus: "Heroes", 1977). SN
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59. "Rock'n'Roll Suicide". „Time takes a cigarette...“ Bowies hübscher Rock-Chanson beendet die „Ziggy-Stardust“-Oper und hat natürlich auch den Charakter eines über den Anlass hinausweisenden Statements. Pop in Perfektion. (aus: "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars", 1972). SZ
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58. "The Stars (Are Out Tonight)". Bowies zweite Comeback-Single nach "Where Are We Now?" widmet sich dem Star-Dasein als einer Art Pflanze, die es ewig zu gießen gilt – der Preis, den man fürs Berühmtsein zahlt. Das Video mit Tilda Swinton zeigt das Duo als erstarrte Pantomimen. (aus: "The Next Day", 2013). SN
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57. "Looking For Satellites". Das Mantra "Nowhere, Shampoo, TV, Combat, Boyzone" ist wohl ein Beitrag zur Reizüberflutung, die schon 1997, das Internet sollte erst noch richtig durchstarten, über den Sänger hereingebrochen ist. Dabei war er einer der ersten, der das Netz zu nutzen wusste. Reeves Gabrels dreht seine Gitarre auf, Bowie skandiert ein gequältes "Sateliiiiiiiite!". Bester Song der Platte. (aus: "Earthling", 1997). SN
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56. "I Can't Give Everything Away". Das letzte Stück von „Blackstar“ ist der finale Schlusspunkt einer unglaublichen Karriere und eines in Fülle gelebten Lebens. Es zerreißt einem das Herz, wie flehentlich der Todgeweihte sich umsieht und wie zu sich selbst singt: „I Can’t Give Everything Away“. Der ausufernde Schluss klingt wie ein großer Aufbruch in die Nacht, wehmütig und gelöst zugleich. Das Saxophon bäumt sich auf, die Gitarren schwirren in alle Himmelsrichtungen, wie einst im Song „St. Elmos Fire“, seines alten Kollegen Eno. Dann verzieht sich der Sturm langsam in den Hintergrund bis nur noch ein Ziehen in der Magengrube übrigbleibt. (aus "Blackstar", 2016). FP
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55. Mott The Hoople: "All The Young Dudes" (geschrieben von Bowie). Bowie produzierte die so gut wie abgeschriebene Prog-Rock-Truppe „Mott The Hoople“ und bescherte ihnen einen zweiten Frühling. Trotz „apokalyptischer Lyrics“ (O-Ton Bowie) ist „All the young dudes“ zur einigenden Jukebox-Lad-Hymne des Glam-Rock geworden. Wie Thin Lizzys „Boys Are Back In Town“, aber für androgyne Jungs. (aus "All The Young Dudes", 1972) FP
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54. "Everyone Says Hi". Der heimliche Höhepunkt des beklemmenden Spätwerks „Heathen“ war Bowies herzzerreißender, nur scheinbar gelassener Anruf an ein ausgeflogenes Kind: „Grüße von allen, ich hoffe du hast gutes Wetter. Ach ja, und komm doch einfach wieder nach Haus’ wenn die Welt und all ihre Abenteuer da draußen doch nichts für dich sind.“ (aus "Heathen", 2002) FP
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53. David Bowie /Pat Metheny Group: "This Is Not America". Der Song aus dem erfolglosen Film "The Falcon And The Snowman" wurde 1985 ein mittlerer Hit. Bowie hatte den Text über ein Instrumentalstück von Pat Metheny und Lyle Mays geschrieben und Schlagzeug hinzugefügt, sein Gesang strahlt über Methenys gefälliger Melodie. (aus "The Falcon And The Snowman" OST 1985). AW
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52. "Blackstar". Auf 10 Minuten gekürzt (weil iTunes keine längeren Singles verkaufen will), bietet Bowie uns hier eine Sühne-Geschichte, verpackt als Jazz-Epos. Das Stop-and-Go erinnert an den "Buddha Of Suburbia"-Soundtrack, das Schwirren der Bläser an das Beste aus "Earthling". Der Einsatz der Streicher, nachdem alle anderen Instrumente aus Respekt gestoppt haben, wird als einer der wundervollsten Momente Bowies in die Geschichte eingehen. (aus "Blackstar", 2016). SN
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51. "Time Will Crawl". Der "MM"-Remix von 2003 ist der schwachbrüstigen Album-Version von 1987 überlegen (sie ist auch der Best Of "Nothing has Changed", 2014, beigefügt). In den Achtzigern gehörte Bowie zu den größten Mahnern im Kalten Krieg, hier besingt er mit bösen Bildern ("And the pills that I took / Made my fingers disappear") eine Zivilisation nach dem Atomkrieg. (aus: "Never Let Me Down", 1987). SN
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50. "As The World Falls Down". Nach dem Flop des Jim-Henson-Puppenspektakels "Labyrinth" (mit Bowie in der Hauptrolle als "Goblin King") wurde die Single-Auskopplung in letzter Minute abgeblasen. Schade, denn dieses zwischen den Studioalben und Best-Of-Sammlungen verloren gegangene Liebeslied gehört zu Bowies am besten gesungenen Stücken des Jahrzehnts. (aus: "Labyrinth", 1986). SN
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49. "Hang Onto Yourself." 1971 zum ersten Mal unter dem Namen Arnold Corns als Single-B-Seite veröffentlicht, taucht er ein Jahr später bei den Spiders From Mars wieder auf. Mick Ronsons markantes Riff machte den Song zu einem Glam-Rock-Prototypen (aus "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars", 1972) SZ
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48. "Warszawa". Das überwiegend instrumental gehaltene Stück eröffnet die zweite Seite von "Low", die Eno-Zusammenarbeit ist eine sicher der düsteren. "Cheli venco deho / Malio" singt Bowie. Die Melodie-Vorlage soll vom polnischen Folk-Chor Śląsk stammen. Bedrückend und ausweglos. Wer aus dem Westen stammte und 1977 diese nach der Hauptstadt Polens benannte Lied hörte, war vielleicht auf Jahre bei dem Gedanken an eine Reise beängstigt. (aus: "Low", 1977). SN

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47. "When The Wind Blows". Der Song erschien zwar als Single, ist bis heute aber auf keiner (!) der vielen Bowie-Compilations enthalten. Dabei rührte der Sänger nie mehr zu Tränen als auf diesem Lied über den Dritten Weltkrieg, der durch Atombomben ausgelöst – und wohl auch gleichzeitig beendet wird. Enthalten ist „When The Wind Blows“ zumindest auf dem Soundtrack gleichen Namens, der Film geht auf das Graphic Novel von Raymond Briggs zurück. Die bombastische Produktion mit seinen marschierenden ersten Takten bilden den Kontrast zu Bowies flehender Stimme. „So long child, it’s awful dark / I never felt the sun / I dread to think of when / When the wind blows“ (aus: When The Wind Blows, 1986). SN
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46. "Where Are We Now?". Bowies großes Comeback nach 10 Jahren Pause. Der wehmütige Blick auf seine Zeit im Berlin der Siebziger, auf den "Dschungel", "Potsdamer Platz" und das "KaDeWe". Produzent Visconti zeigte sich überrascht, dass sein Künstler sich für eine Ballade als erste Single entschieden hatte. Das Stück erreichte Platz zwei in den britischen Charts, Bowies größter Hit seit fast 30 Jahren.
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45. Queen & David Bowie: "Under Pressure". Bowie hat mit Tina Turner, John Lennon, Cher und vielen anderen gesungen, dennoch ist die mit Queen eingespielte auf-und abschwellende Hymne mit dem unvergesslichen Basslauf das Größte seiner Duette. Und um mindestens ein tausendfaches besser als der zwanghaft gefällige Altherren-Step mit Mick Jagger auf „Dancing In The Street“. (Single, 1981) FP
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44. "Moonage Daydream". Ziggy Stardust, Bowies Kunstfigur eines Außeridischen, bricht auf die Menschheit herein und bietet Sex (" Lay the real thing on me"). Mick Ronsons Gitarre spielt die Melodie, die sich in immer höherer Ebenen wagt, sie klingt wie eine extraterrestrische Begattung. (aus: "The Rise and Fall Of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars", 1972). SN
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43. Be My Wife. Mit sarkastisch-versteinerter Fratze sang Bowie im Video zu „Be My Wife“ allein im weiten weißen Raum diesen verwahrlosten Heiratsantrag. Der zerschredderte Love-Song benutzte die Entfremdung und Irritation der bildenden Kunst als Stilmittel für den Pop. (aus "Low", 1977) FP
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42. Rebel Rebel. Ein rotzig-bolziger Rocker, der im WM-Jahr 1974 in klotzigen Plateausohlen-Stiefeln aufgeführt wurde. Der Meister selbst übernimmt die Leadgitarre und lässt trockene Riffs raushängen. Stimmungsmäßig erinnert das Ganze an die Stones. Die sphärischen Space-Nummern aus Bowies Frühzeit sind damit erstmal over. (aus "Diamond Dogs", 1974). RN
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41. Oh, You Pretty Things. Eines der fein ziselierten Stücke auf "Hunky Dory", die der britischen Vaudeville-Tradition und dem Kunstlied Tribut zollen - zugleich auch ein deutlicher Verweis auf homoerotische Neigungen. (aus "Hunky Dory", 1971) AW
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40. Fame. Der Song entstand bei einer hochkarätig besetzten Session in den New Yorker Electric Lady Studios im Januar 1975. Das Riff stammt von Bowies Gitarristen Carlos Alomar, der Titel von John Lennon. Der Text wurde von einem Gespräch zwischen Bowie und Lennon über die Folgen des Ruhmes inspiriert. (aus "Young Americans", 1975) MB
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39. TVC 15. Aus einem perfekt getimten Stimmengewirr, in dem jeder Ton mit jedem konkurriert, schält sich dieser Song über die Allmacht des Fernsehgeräts heraus. Bowie ruft uns das Kommando "Transmission!" entgegen. TV als höchstes Maß aller Dinge, wenn der Rausch einen lägerig macht (aus Station To Station, 1976). SN
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38. The Jean Genie. Spielt überdeutlich auf den französischen Dramatiker Jean Genet an. Auf "Aladdin Sane", knapp vor Ende des Glams, macht Bowie einen derben Rock'n'Roll mit Händeklatschen, Harmonika und Gitarrensolo daraus. (aus "Aladdin Sane", 1973). AW
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37. Look Back In Anger. Zwar war Bowie ungefähr der Letzte, der John Osbornes Titel adaptierte, doch ist der Song auf "Lodger" ein fabelhaft rasantes Stück zwischen Proto-Punk und Disco. Nebenbei herrlich hysterisch gesungen! (aus "Lodger", 1979). AW
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36. Fashion. Der markante Basslauf, Robert Fripps sägendes Gitarrenriff, die marschierenden Mode-Models – „Fashion“ war Bowies Antwort auf die New Romantics, war seine New Wave und zeigte ihn ein letztes Mal upfront und auf der Höhe des Zeitgeists. (aus "Scary Monsters (and Super Creeps), 1980). SZ
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35. Fascination. Mit Luther Vandross komponierte Bowie dieses atemberaubende Stück Philly-Sound im Plastikgewand. Der Sänger ist so dicht am Mikro ("Oh Yeah"), aber auch so unpeinlich wie nie. Eine schöne Soul- Kopie. (aus "Young Americans", 1975). SN

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34. I'm Deranged. Diese Großtat ist auf "1. Outside" eher versteckt, entfaltete in David Lynchs Film "Lost Highway" 1996 aber sofort seine Faszination. Fasziniert vom sogenannten Jungle, nahm Bowie bald einen Remix vor. Die wüsten Klavier-Kadenzen sind wunderbar gesetzt, der Flug auf dem Mittelstreifen der Straße ist Lynchs Genie geschuldet. (aus "1. Outside", 1995). AW
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33. The Secret Life Of Arabia. Zu Beginn die "Low"-Referenz ("Running At The Speed Of Life"), danach setzt augenblicklich ein dramatisches Finale mit Handclaps ein, in dem Bowie seine Liebe zu Hollywood abfeiert, speziell zu Sandalen-Abenteuerfilmen. Der cineastische Ausklang eines staubtrockenen Albums (aus "Heroes", 1977). SN
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32. The Heart's Filthy Lesson. Die erste Single seines 1995er Albums „Outside“ ist der aufregendste Song, den Bowie in den letzten 30 Jahren veröffentlicht hat. Das liegt sicher zu großen Teilen an der Mithilfe des Sounddruiden Brian Eno, der Techno und Industrial in den Track mischte. (aus "1. Outside", 1995). MB
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31. Fill Your Heart. Geschrieben vom nahezu unbekannten US-Songwriter-Folkie Biff Rose passte es perfekt in den Reigen exzentrischer Songs von "Hunky Dory" und wurde im Vergleich zum übrigens sehr guten Original kaum verändert (etwas mehr Streicher, etwas weniger Honky Tonk). (aus "Hunky Dory", 1971) SZ
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30. Blue Jean. Auf „Tonight“ zeigte sich die aufpolierte Künstlichkeit des 80er-Jahre-Bowie ein letztes Mal von der guten Seite: 'Blue Jean' war eine neckische Tanznummer mit Doo-Wop-Retro-Schwung. Das satte Saxophon und die augenzwinkernden Marimba-Wirbel beschwipsten wie ein flitternder Traumschiff-Cocktail. (aus "Tonight", 1984) FP
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29. Memory Of A Free Festival. Im September 1969 schrieb Bowie dieses Lied, das sich nicht etwa auf das Woodstock-Festival vom August bezieht, sondern auf das Beckenham Free Festival. Das ausfransende Folk-Psychedelia-Stück, formal eines der experimentellsten Bowies, erschien auf "David Bowie" aka "Space Oddity". (aus "David Bowie", 1969). AW
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28. Breaking Glass. Nur 1:52 Minuten lang und als Stomp arrangiert, ist es doch eines seiner geheimnisvollsten Stücke: „Don’t look at the carpet / i drew something awful on it“. Bowie hat „something“ nie erklärt, auch wenn verschiedene Versionen darüber existieren, wahrscheinlich geht es um satanistische Zeichnungen. (aus "Low", 1979). SN
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27. Fantastic Voyage. Diese "phantastische Reise" eröffnet Bowies Weltmusikalbum, in der er so dringlich wie selten den Kalten Krieg verurteilt. "They wipe out an entire race and I've got to write it down". Sein politischster Song (aus "Lodger", 1979). SN
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26. Cygnet Committee. Der spirituelle Gipfelpunkt des zweiten Albums von 1969: Fast zehn Minuten währt das eklektische Meisterstück, das Zitate von den Beatles, den Kinks und Pink Floyd mit Bowies Liebe zum Mystischen und Obskuren verbindet, mehrfach neu ansetzt und ungewöhnlich drastisch das Pop-Song-Format sprengt. (aus "David Bowie", 1969). AW
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25. China Girl. Gleichermaßen Signaturstück wie Top-Hit, mit einem riskanten Stimmungswechsel in der Mitte. Das tanzbare Lied über Rassismus und Imperialismus brach alle Chart-Konventionen, das Wort "Swastika" schwingt wie eine Axt durch die Strophe (aus "Let's Dance", 1983). SN
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24. Young Americans. Nosferatu of Funk: Ein unheimlicher, gelblich-falber Bowie hatte Blut am Soul geleckt und den amerikanischen Markt ins Visier genommen: „Young Americans“ war eine brünstig japsende Liebeserklärung an die so coolen wie verkommenen Vereinigten Staaten der 70er Jahre (aus Young Americans, 1975). FP
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23. Win. Zwischen den Schauern des Entzugs und den Rauschhöhepunkten pendelt dieses Lied, in dem Bowie trotzig skandiert: "Somebody lied, but I say it's hip / To be alive" – wer Tod und Leben nicht als Daseinszustand sondern als Imagefrage versteht, ist nicht mehr ganz anwesend. Das verhallte Saxofon klingt wie aus einem Traum (aus "Young Americans", 1975). SN

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22. Andy Warhol. Auf „Hunky Dory“ verbeugt sich Bowie namentlich vor drei Künstlern: Bob Dylan, Velvet Underground und Andy Warhol. Alle drei hat er nie wirklich kennengelernt und eher aus der Ferne bewundert, aber zumindest was Warhol angeht, ist der Einfluss auf Bowies Werk natürlich offensichtlich. (aus "Hunky Dory", 1971). SZ

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21. Speed Of Life. Der instrumentale, flinke Opener steht in Gegensatz zu den Kokain-Epen des voran gegangenen „Station to Station“-Albums (1976). Es spiegelt Bowies Lage perfekt wider: eine Reise mit unklarem Ziel, quasi unentschlossen zwischen Mur und Doll. Dazu diese Varieté-Melodie! (aus "Low", 1977). SN
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20. Tonight. Eine der schönsten Bowie-Balladen ging mit den missgünstigen Kritiken für das Album unter. Wenn man den Künstler je verstehen wollte: Jetzt war der Moment gekommen. Bowie hatte einen Hauch des tropischen Nachtclub-Flairs seines Kollegen Bryan Ferry übernommen. (aus "Tonight", 1984). AW
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19. Sound And Vision. Ursprünglich als von einem simplen Gitarrenriff und einem minimalistischen Synthesizer getragenes Instrumentalstück gedacht (abgesehen von Mary Hopkins Harmonien), fügte Bowie nachts, als alle anderen das Studio verlassen hatten, einen Text hinzu, den er im Kokainrausch in Los Angeles verfasst hatte. (aus "Low", 1977). MB
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18. Suffragette City. Der losrockende Song erschien zuerst im April 1972 als B-Seite der Single „Starman“. Innerhalb des „Ziggy-Stardust“-Albums wiederum markiert das Präpunk-Stück einen wilden Ausbruch aus der eher getragenen Stimmung der Saga. Bowies Aura als „Rock-Chamäleon“ starts here! (aus "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars", 1972). RN
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17. Ashes To Ashes. Wie über dem eigenen Krankenbett schwebend reflektierte Bowie sein Schaffen und die eben nur knapp überlebte Dekade der Selbstzerstörung in einem Stück entrückter Weltall-Melancholie. Das dazugehörige surreale Video, das heute wie eine mit Infrarot-Kamera gefilmte Kostümprobe wirkt, setzte Anfang der 80er die Musikvideo-Meßlatte hoch an. (aus Scary Monsters (and Super Creeps), 1980) FP
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16. Five Years. Noch mehr „Ziggy Stardust“. Der Startsong des Albums. Fünf Jahre hat sie noch, die gute, alte Erde. Dann fliegt sie in die Luft. Diese düstere Prophezeiung wird mit viel Text zu schleppenden Beats und verhaltenem Gitarrenspiel verkündet. Der Einstieg in einen bahnbrechenden Songzyklus. (aus The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars, 1972). RN
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15. Let's Dance. Ein weiterer Beleg dafür, dass Bowie meist so gut ist wie die Produzenten, mit denen er zusammen arbeitet: Nile Rodgers kreierte den bis heute unerreichten Schlagzeugklang, über den Stevie Ray Vaughan seine meisterlichen Soli spielte. Die Aufforderung zum Tanz ist hier als Gegenmittel zu Phobien gemeint, auch zur Angst vor Dunkelheit (aus "Let's Dance, 1983). SN
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14. Golden Years. Bowie saß in den Cherokee Studios in Hollywood am Klavier und spielte Barry Manns und Cynthia Weils Klassiker „On Broadway“, als ihm „Golden Years“ einfiel, das noch sehr den Soul des vorangegangenen Album „Young Americans“ atmet. Er soll den Song Elvis Presley angeboten haben. Der lehnte aber ab. (aus "Station To Station", 1976). MB
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13. Loving The Alien. Eine Variation von Bowies Space-Topos und eine Friedensbotschaft in schwieriger Zeit: Nach E.T. und Nato-Doppelbeschluss setzte der majestätische Song 1984 ein optmistisches Zeichen. Auf "Tonight" gleich am Anfang und sehr lang. (aus "Tonight", 1984). AW
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12. Starman. Weltraumbote will Erdenbürger beglücken. Als Kapitel des „Ziggy-Stardust“-Opus lebt der Song vom Wechselspiel zwischen Akustik und Streichern. Ein kommerzielles Highlight für Bowie, das sehr melodisch und poppig daher kommt. Ein spektakulärer Auftritt in der TV-Show „Top of the Pops“ brachte den Durchbruch zum Mainstream-Hit. (aus "The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars", 1972) RN
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11. The Man Who Sold The World. Der Sänger begegnet seinem unheimlichen Doppelgänger, der einen lang verloren geglaubten Teil seiner selbst verkörpert. Ausgerechnet der Verwandlungskünstler Bowie erzählt in „The Man Who Sold The World“ mit den Mitteln H.P. Lovecrafts von einer Identitätskrise (aus "The Man Who Sold The World, 1970). MB
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10. 'Heroes'. Ursprünglich ein Instrumentalstück, dessen Titel auf den Track „Hero“ der Düsseldorfer Band Neu! anspielte. Doch als Bowie aus dem Fenster der Berliner Hansa-Studios schaute und sah, wie sich sein Produzent Tony Visconti und die Sängerin Antonia Maaß draußen umarmten, schrieb er einen Text dazu. (aus "Heroes", 1977). MB
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09. Space Oddity. Die romantische Astronautennummer, als der Weltenraum noch nach großer Verheißung klang. Apollo 11 lässt schön grüßen. Die Heldenfigur Major Tom zog bereits 1969 seine Kreise zwischen Gitarrengeklampfe und sphärischen Mellotronflächen. Ein früher Bowie, der zur Blaupause seiner Pophits werden sollte. (aus "David Bowie", 1969). RN
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08. "Word On A Wing" Sein Gebet zu Gott, dass dieser dem Leiden endlich ein Ende bereite – oder zumindest Bowie darauf hinweise, dass er mal den Fernsehsender wechseln soll, denn der Sänger bekommt ja im Rauch nichts mehr mit. Grandiose Wechsel zwischen Pathos und Quatsch, ein Auf und Ab von High und Low. (aus "Station To Station", 1976). SN

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07. Station To Station. Ein Universum für sich, eher eine Aufführung als ein Song. Das Titelstück der "weißen Periode" von Kokain und Milch, der Wahnsinn von Los Angeles, die absolute Isolation. "The return of the thin white duke" wurde zwar sprichwörtlich als Adelsprädikat für Bowie, doch der enigmatische Text bleibt unergründlich. (aus "Station To Station", 1976). AW
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06. Absolute Beginners. Die gleichnamige Romanvorlage von Colin MacInnes beschreibt eine Londoner Jugend, geprägt vom Jazz der 50er. Bowie verhält sich dazu historisch unkorrekt, da er ein Pop-Arrangement wählt. Aber es ist Pop im besten Sinne: die Überzeugung, dass Liebe Berge erklimmen und Gewässer überfliegen kann. Die Wir-gegen-alle-Haltung dagegen ist purer Rock'n'Roll. (aus "Absolute Beginners" OST, 1986). SN
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05. Changes. Wurde zur sich selbst erfüllenden Prophezeiung und zur Bowie-Hymne schlechthin. Wer sonst hat sich so häufig und mitunter radikal verändert wie er? Außerdem schlicht ein guter, catchy Song, in dem sich Bowie über den Rock’n’Roll-Konservatismus lustig macht. Wurde erstaunlicherweise kein Hit. (aus "Hunky Dory", 1971) SZ
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04. Stay. Ein Disco-Song, ein Rock-Song, ein Funk-Song, eine Bestie. Nichts auf "Station To Station" bereitet auf diesen Ausbruch vor, der auf einem Riff und einem großartigen Refrain aufbaut und in eines der wildesten ud virtuosesten Gitarren-Soli der Rockmusik mündet, gespielt von Carlos Alomar. (aus "Station To Station", 1976). AW
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03. Modern Love. Als Opener von „Let’s Dance“ war 'Modern Love' der erste kraftstrotzende Ausfallschritt Bowies in der Rolle des effizienten Pop-Karrieristen. Im Gegensatz zum blutleeren Output der späten Achtziger steckt das smart arrangierte, von Nile Rodgers ausproduzierte Stück noch voller Seele und Tatendrang. (aus "Let's Dance", 1983) FP
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02. Wild is The Wind. Ned Washington und Dimitri Tiomkin schrieben 1957 das Original, Bowie liefert fast 20 Jahre später die bislang schönste Version des Schmachtfetzens. Die Kokain-Phase des Sängers ist hier deutlich zu vernehmen – der Sänger jauchzt, jubiliert und weint. (aus "Station To Station", 1976). SZ

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1. Life On Mars? Ein Feuerwerk. Eine knallbunte Make-Up-Schlacht; der stark geschminkte Meister im hellblauen Anzug. Musikalisch eine hinreißende Bombastnummer. Kein Wunder, schließlich saß ja der spätere Yes-Synthie-Wizard Rick Wakeman an den Tasten. Als späte Auskopplung des 1971er-Albums „Hunky Dory“ stieg der Song 1973 in die internationalen Charts. (aus "Hunky Dory", 1971) RN