Die 200 besten Songs der Achtziger
Dies sind die größten Hits, die das wilde Musikjahrzehnt zu bieten hatte.
Welcome to the jungle. We got fun and games. Die Achtziger gehören zu den verrücktesten Epochen der Musikgeschichte. Es ist ein Jahrzehnt des Exzesses. Es ist auch das Jahrzehnt von INXS. Es hat große Haare, große Trommeln, große Schulterpolster. Ganz zu schweigen von den großen Stars: Prince, Madonna, Michael, Bruce, Janet, Sade, Cher. Neue Sounds und Beats explodieren überall. Hip-Hop wird zur Stimme des jungen Amerikas. Glam-Metal rockt den Sunset Strip. New Romantic Synth-Pop erobert MTV. Thriller wird zum größten Hit der Geschichte. Die Musik wird lauter, verrückter, unordentlicher. Wissen Sie, wo Sie sich befinden? Sie befinden sich in den Achtzigern, Baby.
200 Biz Markie, „Just a Friend“
Ein Hoch auf den verstorbenen, großartigen Biz Markie, einen der beliebtesten Musikhelden der achtziger Jahre oder eines anderen Jahrzehnts. Der Teuflische. Die menschliche Beatbox. Der Klassenclown des Hip-Hop der alten Schule. „Just a Friend“ ist ein Klassiker, der nie versagt, vor allem, wenn es an der Zeit ist, zu brüllen: „Oh, baby yooou! You got what I neeeed!“ The Biz schrieb es ursprünglich als rührselige Geschichte. „Aber es ist lustig geworden“, sagte er. Er probierte es bei seinen Freunden Q-Tip und De La Soul aus, doch „als ich die Hook sang, konnten sie nicht mehr aufhören zu lachen – sie drehten durch. Da wusste ich, dass es eine gute Platte werden würde.“ Ein perfekter Song und eine perfekte Art, die Party richtig zu beginnen.
199 Nena, „99 Luftballons“
Ein deutsches Mädchen singt über die nukleare Apokalypse in einem flotten New Wave Bop über das Ende der Welt. Aber es ist auch eine düstere Teenager-Romanze, zu einer Zeit, als die Hälfte der Hits im Radio vom Ende der Welt handelten. Die englische Version, „99 Red Balloons“, beherrscht immer noch die Karaoke-Bars. Aber Nena klingt auf Deutsch noch härter und cooler – oh, wie sie „Kriegsminister“ knurrt.
198 My Bloody Valentine, „Feed Me With Your Kiss“
Die Anfänge der Shoegaze-Ära. My Bloody Valentine geben auf ihrem Debütalbum Isn’t Anything einen ersten Vorgeschmack auf ihre Macht: Der irische Gitarrenwahnsinnige Kevin Shields‘ Tremolo-Overdrive und Feedback-Schleifen-Geräusche, Belinda Butchers gehauchter Gesang, das fantastische Power-Klampfen-Schlagzeugspiel. Alles zusammen ergibt einen hirnauslöschenden Lärm, der sich wie ein Rausch anfühlt.
197 Bobby Brown, „My Prerogative“
Der Klang des New Jack Swing. Bobby Brown berichtet über den Klatsch und Tratsch von Prominenten, während das junge Harlemer Wunderkind Teddy Riley einen Beat auftischt, der in den nächsten Jahren das Radio beherrschen sollte. Browns Beschwerden waren so nachvollziehbar, dass Britney Spears „My Prerogative“ als Titel für ihr Greatest-Hits-Album 2004 verwendete.
196 The Fall, „New Big Prinz“
The Fall brachten in den 1980er Jahren eine Reihe von Post-Punk-Klassikern heraus. Mark E. Smith war der „Hip Priest“, der ätzende Kerl aus Manchester, der seine Fans und Bandkollegen gleichermaßen terrorisierte. „Die Leute laufen immer noch vor mir über die Straße, das habe ich immer noch drauf“, prahlte er gegen Ende seines Lebens. „Ich kann einen Pub leer räumen, wenn ich will. Das ist ein Talent.“ „New Big Prinz“ ist ein Stomp voller Glam-Rock-Gitarren und Handclaps, zu dem seine kalifornische Braut Brix Smith ihren Pop-Stil beisteuert. Er bellt: „Schauen Sie sich die Platte an, schauen Sie sich die Platte an, schauen Sie sich die Erfolgsbilanz des Kerls an! Er ist verrückt!“
195 The Bangles, „Hero Takes a Fall“
Die kalifornischen Mod-Frauen kommen hart rüber, mit abfälligem Witz, gefiltert durch ihre Rubber Soul-Harmonien und alten Rickenbackers. „Hero Takes a Fall“ war der Durchbruchshit aus ihrem Debütalbum All Over the Place von 1984, als sie noch L.A.-Rock’n’Roll-Hipster mit einem Fetisch für Secondhand-Mode aus den Sechzigern waren. Es war der Song, der Prince zum Bangles-Fan machte und ihn dazu inspirierte, „Manic Monday“ für die Bangles zu schreiben. Susanna Hoffs und Vicki Peterson toben sich an der Gitarre aus, mit ein paar ausgewählten Worten für männliche Egos – ein Hinweis darauf, dass die gemeine Ader von Hoffs eine ihrer ewigen Flammen ist.
194 A-ha, „Take On Me“
Das norwegische Pop-Trio eroberte Amerikas Herz mit seinen Wangenknochen, seinem Video, aber vor allem mit dem Falsett von Morten Harket. Harket kann diesen hohen Ton 18 Sekunden am Stück halten, was unwirklich ist. „Dinge, die man vom norwegischen Fremdenverkehrsbüro erfährt“: Harket hält den Weltrekord für die am längsten gehaltene Note in einem Popsong. Bei seiner Single „Summer Moved On“ aus dem Jahr 2000 hielt er sie 20,2 Sekunden lang und brach damit den Rekord von Bill Withers‘ „Lovely Day“ um zwei Sekunden. Bravo, Norwegen.
193 Debbie Deb, „Lookout Weekend“
Ein Partygirl aus Miami landet einen bahnbrechenden Freestyle-Hit mit den tödlichen DMX-Beats des Produzenten Pretty Tony Butler und der jugendlichen Debbie Deb, die singt: „Lookout Weekend, ‚cause here I come/Because weekends were made for fun.“ Auf der Tanzfläche verwandelt sie sich in eine siegreiche Göttin („Jumping music! Slick DJs! Fog machines and laser rays!“) und betritt eine Disco, in der jeder ihrer Mitfeiernden eine Bombe ist, die darauf wartet zu explodieren.
192 Leonard Cohen, „Tower of Song“
Leonard Cohen übernimmt die Rolle des Elder Statesman der Rockwelt. Der 53-jährige jüdisch-kanadische Dichter murmelt über Liebe und Tod und die lebenslange Qual des Begehrens. Cohens Album I’m Your Man aus dem Jahr 1988 machte ihn berühmter denn je, nachdem er jahrelang nicht einmal seine Musik in den USA veröffentlichen konnte (selbst „Hallelujah“ wurde erst Jahre später von niemandem beachtet). „Tower of Song“ ist seine Lebensgeschichte, vor allem, wenn er raspelt: „Ich wurde so geboren/Ich hatte keine Wahl/Ich wurde mit der Gabe einer goldenen Stimme geboren.“
191 The Jungle Brothers, „Tribe Vibes“
Die Hymne Native Tongues von dem wahnsinnig unterschätzten zweiten Album der Jungle Brothers, Done by the Forces of Nature. Es ist eine utopische Hymne, die die zerrissene Hip-Hop-Szene vereinen soll, mit mystischen Visionen eines afrozentrischen Bewusstseins. Wie die JBs sagen: „Arbeit am Tag, Ritual in der Nacht, der Vibe hält den Stamm zusammen und hält ihn wirklich zusammen. Aber es ist kein exklusiver, puristischer Stamm – es ist ein Stamm, der Platz für Gitarrensoli hat, die von den Bee Gees gesampelt wurden. Die JBs rufen ihren Freunden von Strong Island zu – „Wir denken alle auf der gleichen Ebene, A Tribe Called Quest und De La Soul“ – über einem unglaublichen trippigen Kopfhörer-Groove.
190 Falco, „Rock Me Amadeus“
Einer der lächerlichsten Nummer-Eins-Hits in einer Ära, in der Lächerlichkeit die wichtigste Pop-Tugend war. Falco rappte auf Deutsch über Mozart, in dem noblen Versuch, gepuderte Perücken zu einem Modetrend der Achtziger zu machen. (Das hat sich nicht wirklich durchgesetzt, was beweist, dass die Achtziger doch einige Standards hatten.) Er fügte Wörter wie „Superstar“ und „Punk“ in das teutonische Geplapper ein und erklärte: „Wenn Mozart heute leben würde, würde er keine klassische Musik machen, er wäre ein internationaler Popstar. Und ich hatte das Gefühl, dass es an der Zeit war, einen Song über ihn zu schreiben.“ (Und wenn Mozart noch leben würde, hätte er bestimmt Lieder über Falco geschrieben.) Die amerikanischen Fans bevorzugten den „Salieri Mix“, mit einer praktischen Zeitleiste des Lebens des Komponisten: „1784: Wolfgang Amadeus Mozart wird ein Freimaurer. 1791: Mozart komponiert Die Zauberflöte. Am 5. Dezember desselben Jahres stirbt Mozart. 1985: Der österreichische Rocksänger Falco nimmt das Lied ‚Rock Me Amadeus‘ auf!“
189 Mecca Normal, „I Walk Alone“
Eine frühe proto-riot-grrrl Rohrbombe. Der einzige Ton ist die Stimme der Punk-Poetin Jean Smith, begleitet von der Gitarre von David Lester, über eine Frau, die alleine durch die Stadt geht und sich überall als Zielscheibe fühlt. Jedes Mal, wenn sie „I walk alone“ singt, trifft es tiefer. Ein Lied, das die Art und Weise, wie Sie die Welt um sich herum sehen, verändern sollte – und für viele, die es hörten, tat es das und tut es immer noch.
188 John Anderson, „Wild and Blue“
John Anderson war Mitbegründer der New Traditionalist-Bewegung, die das Country-Radio der achtziger Jahre rettete. Seine Stimme ist in „Wild and Blue“ purer Florida-Hinterwäldler – kein Pop-Flair, keine Crossover-Glätte, nur Fiddle, Banjo und Background-Gesang von seiner Schwester Donna. Ein verdammt trauriger Betrugssong, besonders wenn Anderson singt: „Somebody’s room on the far side of town/With your minds all made up and the shades all pulled down“.
187 Trouble Funk, „Drop the Bomb“
Die Go-Go-Szene in D.C. hatte mit Legenden wie Rare Essence, E.U. und Chuck Brown’s Soul Searchers einige der stärksten Live-Band-Funks dieser Zeit. Trouble Funk bringen es auf „Drop the Bomb“ auf den Punkt: Congas, Cowbell, kryptische Partygesänge im Schatten des Weißen Hauses. Trouble Funk lassen die Bombe auf die Technicolor Crew, die Westside Crew, die White Boy Crew, die Freak Crew, die Potomac Crew fallen und bleiben bis zum Morgengrauen stark.
186 Toto, „Africa“
Haben Sie jemals dieses Lied gehört und sich gefragt: „Warum genau heulen die wilden Hunde in der Nacht? Sind sie traurig? Brauchen sie eine Umarmung? Haben sie schon geweint, als Toto ankam? Gibt es ein Paralleluniversum, in dem wir alle nur wilde Hunde sind, die in einem Toto-Song von jemand anderem heulen?“ Sie sind nicht allein, mein Freund.
185 INXS, „Never Tear Us Apart“
Michael Hutchence, einer der großen Frontmänner des Jahrzehnts, macht aus Ihren Tränen Wein in einem leidenschaftlichen Fackellied, das zeigt, warum er einer von Ihrer Sorte ist. Wie er dem Rolling Stone sagte: „Wir passen nicht in das ganz normale, aufgeräumte, unternehmerische Rock-Ding.“ „Never Tear Us Apart“ hat einen seiner besten Hutch-Momente überhaupt: „Wir alle haben Flügel, aber einige von uns wissen nicht, warum…“
184 Joan Armatrading, „Me Myself I“
Joan Armatrading brachte sich das Gitarrespielen selbst bei, als sie in einer westindischen Einwandererfamilie in England aufwuchs. „Es gab keine Frau, die so spielte, wie ich es tat, oder die die Lieder sang, die ich sang“, sagte sie mir 2021. „Und schon gar nicht gab es eine schwarze Person, die das tat. Es gab also nichts, woran sich jemand orientieren konnte.“ „Me Myself I“ ist ihre Hommage an die Freuden des Einzelgängerdaseins. „Ich möchte einen Freund und ein Mädchen zum Lachen haben“, singt sie. „Aber nur am Samstag/Sechs Tage, um allein zu sein.“
183 ‘Weird Al’ Yankovic, „Another One Rides the Bus“
„Ich fahre in einem Bus den Boulevard hinunter und es ist ziemlich voll, ich kann keinen Sitzplatz finden, also muss ich hinten bei den Perversen stehen.“ Mit diesem Lied hat „Weird Al“ Yankovic den Lauf der Akkordeongeschichte verändert. Er wurde in der Radioshow von Dr. Demento mit „My Bologna“ bekannt, aber alle dachten, er wäre ein einmaliger Scherzartikel wie Tom „T-Bone“ Stankus, Freddie Blassie oder Barnes & Barnes. Doch „Another One Rides the Bus“ war sein entscheidender zweiter Hit, der bewies, dass Yankovic einen endlosen Vorrat an solchen Gags hatte. Es folgten „Yoda“, „It’s Still Billy Joel to Me“, „(I Lost On) Jeopardy“, „Chicken Pot Pie“ und seine vielleicht beste erzählerische Leistung, „The Rye or the Kaiser (Theme From Rocky XIII)“. Inzwischen hat Yankovics Karriere fast jeden der Künstler, die er parodiert hat, überdauert.
182 Mahlathini and the Mahotella Queens, „Ngicabange Ngaqeda“
Ein Klassiker des südafrikanischen Mbaqanga, aus der Kompilation The Indestructible Beat of Soweto, die der Welt zeigte, wie Künstler aus den Townships Schönheit schufen, um der Brutalität der Apartheid zu trotzen. Simon „Mahlathini“ Nkabinde war „der Löwe von Soweto“, der Brummbär mit der tiefsten Bassstimme, der sich mit den Mahotella Queens zusammengetan hatte. Die Makgona Tshole Band war Johannesburgs Version der Funk Brothers von Motown oder der Wrecking Crew von L.A. – die Hausband, die in den sechziger und siebziger Jahren bei zahllosen Tanzhits mitwirkte. (Ein Hoch auf den Bassisten Joseph Makwela, Afrikas James Jamerson.) Noch vor Paul Simons Graceland gaben diese Künstler den Rhythmus des Widerstands vor.
181 Spacemen 3, „That’s Just Fine“
Verdorbene lysergische englische Jungs in psychedelischer Gitarrentrance, die sie auf einer Compilation namens Taking Drugs to Make Music to Take Drugs To veröffentlichten. Sonic Boom und Jason „Bassman“ Pierce bauen eine spinnenartige Schleife aus Rückkopplung und Echo auf, die zwischen den Velvets und den Stooges angesiedelt ist und in der absolut nichts passiert, außer dass ein bekiffter Kerl fünf, sechs, sieben Minuten lang in seinen Verstärker starrt und „that’s just fiiiine“ oder „blows my miiind“ murmelt und dabei eine zarte Melodie summt, die so schön ist, dass sie von Brian Wilson stammen könnte. So romantisch wie „Surfer Girl“, auf seine Art.
