Die 200 besten Songs der Achtziger
Dies sind die größten Hits, die das wilde Musikjahrzehnt zu bieten hatte.
20 New Order, „Temptation“
Die ultimative Band der achtziger Jahre: vier asoziale Post-Punk-Trottel aus Manchester werden zufällig zu Disco-Visionären. New Order standen noch unter dem Schock des Todes von Ian Curtis, als sie begannen, sich in billigen Synthie-Beats auszutoben. Doch mit „Temptation“ machten sie sich auf den Weg, den Club-Sound der 1980er Jahre zu definieren, eine schräge 12-Inch nach der anderen. Im Laufe der Jahre haben sie immer wieder an „Temptation“ herumgebastelt, aber beim ersten Mal haben sie es richtig gemacht – die ursprüngliche neunminütige Single von der Factus 8 1981-1982 EP. „Temptation“ beweist, dass Bernard Sumner ein brillanter Poet der sozialen Ängste auf der Tanzfläche sein konnte („Confusion“, „Weirdo“, „The Perfect Kiss“, „All the Way“), wenn er nicht gerade wahnsinnig schlecht darin war. (Haben sie etwa „1963“ veröffentlicht?) Aber wenn sie „Up, down, turn around, please don’t let me hit the ground“ singen, klingen sie, als hätten sie zum ersten Mal in ihrem Leben Spaß.
19 Grace Jones, „Nipple to the Bottle“
Grace Jones verbrachte die 1970er Jahre damit, im Studio 54 aufzutreten, aber erst in den Achtzigern wurde sie zur Künstlerin. Sie hatte ihren eigenen, sehr einflussreichen Funk-Reggae-Club-Sound, ihren glatten Haarschnitt und ihre karibische Band mit Sly und Robbie in der Hauptrolle. Wie sie sagte: „Wenn ich einen Song singe, muss ich mich in die Rolle versetzen, denn für mich ist das alles Theater.“ Als Madonna 1982 anfing, sagte sie der britischen Presse, sie wolle Musik für „die Art von Leuten machen, die vielleicht Grace Jones mögen.“ „Nipple to the Bottle“ war ihre ultimative feministische Hymne und knurrte wie die ultimative New Wave Cyborg-Domina. Der basslastige 12-Zoll-Mix ist der Hammer, wenn sie singt: „Ich werde nicht nachgeben und ich werde mich nicht schuldig fühlen / Sie schimpfen und toben, um mich zu manipulieren!“ Jeder träumt davon, so cool wie Grace Jones zu sein. Aber niemand ist es.
18 Siouxsie and the Banshees, „Spellbound“
Die Gothic-Dämonenkönigin erfindet den Rock & Roll neu. John McGeoch spielt seine geflanschte bis zum Himmel reichende Gitarre über Budgies Power-Stumble-Drums, während die Göttin mit dem schwarzen Lippenstift, Siouxsie Sioux, ein Zeugnis über psychologische Desintegration ablegt und warum das Spaß macht. Sie singt „It sends you spinning, you have no choice“ mit der Stimme, die eine Million Spinnweben sammelnder Twirler dazu brachte, sich gegenseitig auf der Tanzfläche schwindelig zu machen.
17 R.E.M., „Sitting Still“
Die Jungs von R.E.M. aus Georgia veränderten in den frühen Achtzigern die Rockmusik. Sie könnten jeden Song von ihrem klassischen Debüt Murmur für diese Liste auswählen. (Nun, nicht „We Walk“ oder „9-9“.) Sie könnten „So. Central Rain“ oder „Fall on Me“ oder „Wolves, Lower“ oder „Good Advices“ auswählen. Wer hatte noch solche Songs? Niemand. (Moment, „Harborcoat“? „Catapult“?) R.E.M. hatten ihren eigenen energiegeladenen, billigen DIY-Sound – viel Gitarre, aber keine Soli, keine Keyboards, kein Spandex. Sie kamen hörbar aus den Südstaaten, aus einer Stadt, von der niemand etwas gehört hatte, als hätten sie keine Ahnung, dass Bands nach New York oder L.A. ziehen mussten („Gardening at Night“? „Green Grow the Rushes“?) Michael Stipes Stimme überschlägt sich in „Sitting Still“ vor eindringlicher Emotion, ohne eine Ahnung zu haben, was der Text bedeutet. (Vielleicht glaubt Stipe nicht, dass es in diesem Song um „sit on top of the big hill“ geht, aber ich schon.) R.E.M. aus den Achtzigern waren eine der besten Bands, die es je gab – nur dass sie in den Neunzigern doppelt so großartig wurden.
16 Eric B. and Rakim, „I Know You Got Soul“
Eric B. und Rakim veränderten nicht nur die Zukunft der Musik, sondern auch die Vergangenheit, indem sie James Brown in einen brandneuen Groove verwandelten. Eric B. zerlegt einen verstaubten Groove aus dem Jahr 1971 – „I Know You Got Soul“ von JBs Sidekick Bobby Byrd – und reduziert ihn auf das härteste Gitarren-Lick, während Rakim das Mikrofon ergreift, als wäre er bei Soul Train, mit seiner wildesten und komplexesten Poesie. Die Gruppe Stetsasonic hat es in ihrer Pro-Sampling-Polemik „Talkin‘ All That Jazz“ richtig und genau auf den Punkt gebracht: „Sag die Wahrheit, James Brown war alt, bis Eric und Rak mit ‚I Got Soul‘ herauskamen.“ (Oder wie Greg Tate 1988 schrieb: „Hip-Hop ist Ahnenverehrung.“) Wie alles, was Eric B. und Rakim in den Achtzigern taten, ist auch „I Know You Got Soul“ ein radikal prophetischer Schritt, der die Zukunft im Namen des Hip-Hop einfordert.
15 Sade, „Smooth Operator“
Sade Adu hat einen eleganten Auftritt – als ob sie etwas anderes machen würde. Die in Nigeria geborene Modestudentin, die zur Chanteuse der britischen New Romantic-Szene wurde, fügte der Bowie-Ferry-Diamant-Life-Ästhetik etwas Nina Simone hinzu und schuf so ihren ganz eigenen, die Welt erobernden Stil. Ihre ganze Mystik zeigt sich in „Smooth Operator“, wo sie die weltgewandte Bonvivantin ist, die zu viel von ihrer eigenen Vergangenheit hat, um sich um Anfänger oder sensible Herzen zu kümmern. Im Video singt sie mit Tränen in den Augen, aber niemand war jemals weniger in Gefahr, die Fassung zu verlieren. Das ist Teil ihrer diskreten Aura: Sade-die-Sängerin hält Sade-die-Band seit mehr als 40 Jahren zusammen, ohne dass die meisten Fans es bemerken oder sich darum scheren. Sie brauchen nicht zu fragen – das ist Sade.
14 Run-D.M.C., „Sucker M.C.’s“
Die bahnbrechende Debütsingle von Run-D.M.C. veränderte den Hip-Hop von der Clubmusik zur Straßenmusik. Wie Jam Master Jay sagte: „Es gab nie eine B-Boy-Platte, bis wir ‚Sucker M.C.’s‘ gemacht haben“. Zwei Rapper aus Hollis, Queens, prahlen mit ihrem wilden Stil – „I cold chill at the party in a B-boy stance“ – über die härtesten Stripped-Down-Beats. „Sucker MC“ wurde von der Straße für die Straße gemacht, um aus den Boomboxen an der Ecke zu dröhnen. Das goldene Zeitalter des Hip-Hop sollte beginnen, mit Run, Daryl und Jay an der Spitze.
13 The Cure, „Just Like Heaven“
Robert Smiths wildromantischster Song. „Just Like Heaven“ dreht sich im Kreis und zeigt, warum keiner seiner vielen Nachahmer sein Gespür für lippenstiftschmelzendes, schwermütiges Melodrama erreichen konnte. The Cure begannen die achtziger Jahre als miserable Gothic-Puppen von Seventeen Seconds, Faith und Pornography und wurden doch irgendwie zu echten Popstars. „Ich erinnere mich, dass wir auf der Kiss Me-Tour in Los Angeles waren“, sagte Smith 2004 dem Rolling Stone, „und da waren Mädchen, die sich auszogen und sich vor den Bus legten, um uns am Wegfahren zu hindern. Und ich erinnere mich, dass ich dachte: ‚Das ist nicht wirklich das, was ich mir mit dieser Band vorgestellt habe.'“
12 N.W.A, „Straight Outta Compton“
Wenn es um Eröffnungstitel von Debütalben geht, gibt es kein besseres Leitbild als „Straight Outta Compton“. Die Produktion von Dr. Dre schlägt Alarm wie eine Sirene, während Ice Cube, Eazy-E und Ren auf den Straßen von L.A. randalieren, wobei die erste Waffe bereits in der Mitte der ersten Strophe abgefeuert wird. „Straight Outta Compton“ hat den Hip-Hop komplett verändert und die Westküste an die Spitze des Haufens gebracht – das ist die Macht des Straßenwissens.
11 Janet Jackson, „Nasty“
Ihr Vorname ist nicht Baby, sondern Janet – Miss Jackson, wenn Sie böse sind, und nach diesem Song würde niemand mehr diesen Fehler machen. „Nasty“ war das endgültige Statement von Control, Janet Jacksons Unabhängigkeitserklärung. Sie war zwar noch ein Teenager, aber sie hatte sich von ihrer Familie und einer schlechten Ehe gelöst. Janet ging mit Jimmy Jam und Terry Lewis eine der besten Symbiosen zwischen Sängerin und Produzentin aller Zeiten ein – ihr „Nasty“-Beat macht jeden mit jedem Hören 40 Prozent fieser.
